La cantante, compositora y productora estadounidense Jasmine Crowe regresa con “Broken Record”, un sencillo que combina pop, R&B y neo-soul para explorar las contradicciones de una relación que parece repetirse una y otra vez. Con una interpretación vocal intensa y llena de matices, la artista transforma los recuerdos, el deseo y la dificultad de dejar ir a alguien en una canción envolvente que conecta con las emociones más complejas del amor.
Escrita y producida por Crowe junto a Brittni Paiva, “Broken Record” toma como punto de partida la metáfora de un disco rayado para describir esos vínculos de los que resulta difícil escapar, incluso cuando se sabe que la historia parece destinada a terminar de la misma manera. La canción retrata el impulso de regresar a lo conocido, revivir momentos compartidos y permanecer atrapado entre la nostalgia y la esperanza. En ese espacio emocional, el desamor convive con la atracción, creando una tensión que atraviesa toda la composición.
La repetición hipnótica de sus melodías y letras refuerza la sensación de estar atrapado en un ciclo sentimental. Crowe explora esa mezcla agridulce de reconocer que una relación puede no tener futuro y, aun así, no estar preparado para dejarla atrás. El resultado es una pieza íntima y honesta que encuentra belleza en las contradicciones emocionales, sin renunciar a una sonoridad contemporánea y accesible.
En el apartado musical, “Broken Record” destaca por la fusión de texturas de R&B y neo-soul con una base pop que permite lucir la voz sensual y poderosa de Crowe. La instrumentación aporta personalidad al tema: Mark Pelli, integrante de MAGIC!, participa con guitarra y bajo, mientras que Imua Garza suma teclados que enriquecen la atmósfera. Paiva incorpora un solo de guitarra y Crowe demuestra su versatilidad como multiinstrumentista con un solo de violín que añade un matiz distintivo al arreglo. El sencillo forma parte del segundo álbum de Jasmine Crowe, un proyecto de 13 canciones que ha tomado años en desarrollarse y que está siendo completado en colaboración con Paiva.
Con “Broken Record”, Jasmine Crowe reafirma su capacidad para convertir experiencias sentimentales complejas en canciones cargadas de sensibilidad, personalidad y riqueza instrumental. Mientras se prepara para cerrar esta etapa con su segundo álbum, la artista ya contempla una nueva dirección musical para 2027, con un tercer proyecto inspirado en el country y la música Americana. Por ahora, este sencillo invita a escuchar de nuevo esas historias que creíamos superadas y reconocer que, a veces, dejar de repetirlas es mucho más difícil de lo que parece.
Afincada en Nashville, la cantautora Crys Matthews se ha posicionado como una de las voces más representativas en la nueva generación de la música orientada a la justicia social. Ganadora del premio a la Canción del Año en los International Folk Music Awards en 2022 y 2025 —convirtiéndose en la primera artista en lograr esta distinción en dos ocasiones—, fue reconocida además como Artista del Año en 2024. Su propuesta fusiona country, Americana, folk, blues y bluegrass, combinando melodías tradicionales con una lírica de profunda vocación social.
Su relevancia en la industria se consolidó tras firmar un contrato exclusivo de edición y grabación con TRO Essex Music Group y su sello Shamus Records, catálogo histórico que alberga la obra de referentes como Woody Guthrie, Pete Seeger y Pete Townshend. Con una misión enfocada en amplificar voces postergadas y visibilizar causas de equidad y justicia, la compositora construye sus actuaciones sobre cimientos melódicos austeros. Esta ética autoral prioriza la honestidad de la palabra y la nitidez de la ejecución instrumental.
Dentro de este marco de síntesis expresiva se presenta su versión de Feeling Good (Nina Simone Cover), un trabajo de reinterpretación que conserva con fidelidad la esencia del tema original mientras le imprime una perspectiva renovada. La canción prescinde de arreglos orquestales complejos para apoyarse en una instrumentalización más simple, sostenida básicamente por el piano y la voz. Esta economía de recursos le otorga al tema un carácter íntimo, permitiendo que la arquitectura armónica respire con una claridad sobria y cercana.
Al despojarse de ornamentos accesorios, la producción le concede a la voz el espacio idóneo para expresarse con mayor libertad y soltura a lo largo del recorrido melódico. La interpretación vocal conduce los matices emocionales con sobriedad y buen manejo técnico, logrando que cada frase mantenga un pulso firme sin caer en excesos estridenciales. Con esta entrega, Crys Matthews firma una lectura respetuosa y con carácter propio, ratificando su solvencia para reinterpretar un clásico desde la sencillez y el sentimiento.
Radicado en Los Ángeles, el productor, artista y músico de sesión Danny Mills —conocido como D Mills— lleva en su linaje la herencia de la legendaria Bessie Smith, de quien es tataranieto. Su camino en la música comenzó a los dieciséis años cuando decidió dedicar su vida a esta disciplina. Durante la secundaria, bajo la tutela de la Dra. Gayle Serdan, aprendió piano con la meta explícita de componer libremente, adentrándose en el lenguaje de la improvisación del blues y del jazz.
Con el tiempo, el creador extendió sus habilidades al bajo y la guitarra de forma autodidacta, consolidando una experiencia en vivo que lo ha llevado a recorrer el mundo junto a intérpretes consagrados e independientes. Esta formación integral le ha permitido escribir y grabar con figuras destacadas de la industria. Su versatilidad y pasión compositiva se reflejan con claridad en tres álbumes de larga duración: The Recital, Agape y su más reciente producción titulada Prism.
Dentro de este catálogo sobresale la pista Out of Your Mind, una propuesta que destaca por un ritmo delicioso sustentado en la mezcla de recursos del indie pop, el soul y sutiles toques lo-fi. La composición hace un uso notable de las líneas de bajo y el teclado, instrumentos que dialogan de forma equilibrada para establecer una base armónica sólida. Esta cuidada instrumentación demuestra el dominio técnico del compositor sobre los arreglos de teclado y cuerdas.
La interpretación vocal se ensambla con precisión a esta estructura rítmica, aportando calidez y dinamismo para llenar de vida cada pasaje de la canción. La combinación de timbres y la fluidez del arreglo convierten la escucha en una experiencia sumamente disfrutable y bien articulada. Sin recurrir a artificios excesivos, D Mills firma con este corte una muestra sobria de su madurez sonora e ingenio dentro de la música independiente contemporánea.
Formada a finales de 2024 en Brooklyn, la agrupación Kingsland se sostiene como una propuesta de ocho integrantes liderada por una voz femenina. Con una sección rítmica completa, vientos y armonías vocales múltiples, la banda comenzó a presentarse en directo por escenarios de Nueva York a principios de 2025. Aquella dinámica sobre las tablas les permitió moldear su repertorio directamente ante el público antes de ingresar al estudio de grabación.
Esa interacción en vivo define un sonido que fusiona ritmos disco, composición con aire blues y ganchos pop directos. Dentro de su primer EP, la canción Rich Boys abre la entrega mediante un ritmo dinámico y fluido. La voz principal despliega una sólida cadencia de estilo soul, aportando sabor y desenvoltura a una estructura instrumental muy bien calibrada.
En esa misma dirección musical se ubica Follow Me, otra propuesta destacada de este lanzamiento. La pieza conserva la riqueza del soul, pero desplaza el protagonismo hacia el diseño de las líneas de bajo y la presencia de la sección de viento. Esta combinación otorga un relieve particular a la pista, equilibrando la potencia con el detalle técnico.
Sin recurrir a artificios de estudio, ambos temas capturan la energía de la ejecución en conjunto de la banda. Kingsland demuestra una clara solidez para trasladar la frescura del escenario al disco con la sobriedad que requiere cada arreglo. Con estas dos entregas, el conjunto reafirma el valor de la disciplina rítmica y la precisión.
Procedente de Sudáfrica, la cantautora Rebecca Helen irrumpió en la escena en 2019 con su producción Musical Life, colaborando con figuras como Duncan Mackay de 10cc. Su trabajo con el compositor Alan Roy Scott y la difusión en más de sesenta emisoras internacionales, sumado al primer lugar en KC 107.7 FM de Ciudad del Cabo, han respaldado un proyecto fundamentado en la constancia y el cuidado del oficio.
Su catálogo exhibe una versatilidad que va desde la energía bailable de sencillos como “GLOW”, producido junto a Sasha Righini, hasta la sobriedad de baladas como “This Place”. En entregas recientes como “Worthy”, la intérprete ha explorado una vertiente R&B y soul de carácter reflexivo. Esta trayectoria muestra una búsqueda técnica donde la flexibilidad interpretativa se mantiene como el eje central de su propuesta.
Dentro de este recorrido se enmarca I’m Over You, una composición construida sobre un ritmo delicioso que reúne influencias de indie pop con una sólida carga de soul y una pizca de charper pop. La pista se apoya en una voz flexible de notable timbre, la cual aporta una leve sensualidad que complementa de forma precisa el entramado instrumental, logrando un equilibrio sonoro bien definido.
Sin depender de artificios ni sobrecargas en la producción, el tema demuestra que el cruce de géneros resulta efectivo cuando se ejecuta con sobriedad. I’m Over You consigue transmitir su intención estilística manteniendo la claridad en cada uno de sus arreglos. Con este corte, Rebecca Helen ofrece una entrega equilibrada que reafirma la madurez de su trabajo dentro del pop contemporáneo.
Hay artistas que comienzan buscando una voz y otros que comienzan buscando una respuesta. En el caso de Jeynu Núñez, escritor y rapero de Juana Díaz, Puerto Rico, ambas búsquedas parecen ocurrir al mismo tiempo. Desde 2020, Núñez ha utilizado la música como un espacio para explorar aquello que lo compone: la memoria, la identidad, las relaciones, las experiencias cotidianas y también esas emociones que, a primera vista, podrían parecer demasiado pequeñas como para convertirse en una canción. Su propuesta parte de una intención sencilla, aunque no necesariamente fácil: hablar desde la sensibilidad sin perder el calor humano.
Ese recorrido desemboca en NOSTALGIA, su primer álbum de estudio, un proyecto de siete canciones que funciona como una mirada hacia distintas etapas de su vida. No se trata únicamente de recordar. En el álbum, recordar parece ser también una forma de ordenar, entender y finalmente soltar.
NOSTALGIA no busca presentar una narrativa explicada de principio a fin. En lugar de construir un discurso explícito, Núñez parece confiar en los detalles.
El proyecto también reúne una serie de colaboraciones que amplían ese ejercicio de memoria hacia otras geografías. En sus créditos aparecen artistas de Puerto Rico y de distintos lugares del mundo, entre ellos Yuyang Lu, Migui, Ivan Bervin, LAPERRERA, Melina Alegria, brrrravo, Annie, Jon Limon, Acidd y Siete.
El Track x Track de “Nostalgia”
1. El intro que le debía a Shanice — con Yuyang Lu
El álbum comienza casual y relax, con un lenguaje casual que logra darnos contexto del artista El intro que le debía a Shanice funciona como una puerta de entrada a NOSTALGIA: una canción que parte de una persona específica para abrir un espacio mucho más amplio de recuerdos. Hay algo íntimo en la idea de “deberle” una canción a alguien, como si hacerla fuera finalmente cumplir una promesa pendiente. Con Yuyang Lu, el tema nos da un “Solo quedara seguir pa lante” como mantra de la canción, fuera de la legra la música es muy interesante, con sensaciones de hip hop, R&B y soul, la canción logra transmitirnos desde pensamientos relax, hasta un contexto social que tienes que escuchar.
2. JiNCHA BORiCUA — con Migui y Ivan Bervin
JiNCHA BORiCUA parece surgir desde un lugar más cotidiano y orgullosamente puertorriqueño. El propio título juega con una identidad reconocible, pero presentada desde una sensibilidad personal y posiblemente irreverente. La presencia de Migui e Ivan Bervin amplía esa identidad hacia afuera, convirtiendo una experiencia local en un punto de encuentro entre distintas partes del mundo. Dentro de NOSTALGIA, representa la memoria de un lugar y de una forma de ser: aquello que uno carga consigo incluso cuando se encuentra lejos. La canción nos presenta memorias, lugares, personas y emociones como un pequeño momento entre amigos donde pueden platicar sobre esos días que valoran, pero que han quedado atrás. El track no solo funciona como remembranzas del pasado sino como una propuesta romántica con la integración del featuring.
3. Maldita Esperanza — con LAPERRERA y Melina Alegria
Hay algo contradictorio en llamar Maldita Esperanza a una canción: la esperanza suele ser aquello que nos sostiene, pero también puede ser precisamente lo que nos impide aceptar que algo terminó. El título encapsula esa tensión entre querer seguir creyendo y saber que quizá deberíamos dejar ir. Con LAPERRERA y Melina Alegria, la canción se convierte en uno de los momentos donde la nostalgia puede sentirse menos como recuerdo y más como una emoción todavía presente.
4. Una lofi pa’ Nati — con brrrravo y Annie
Con una voz en off de introducción,Una lofi pa’ Nati tiene desde el título una intimidad distinta. No intenta sonar como una gran declaración; parece más bien un gesto sencillo: hacerle una canción a alguien. El “pa’ Nati” hace que el proyecto vuelva a lo cotidiano y recuerda que la memoria también está hecha de pequeños detalles, nombres propios y momentos que quizás nunca fueron importantes para nadie más. Su carácter lo-fi encaja naturalmente con esa sensación de mirar una fotografía vieja, quedarse pensando y dejar que el recuerdo haga el resto, su carácter instrumental nos da un respiro dentro del disco pero a la vez la voice note del principio de la canción nos deja recordando esas conversaciones que tuvimos con esa persona de nuestro pasado.
5. Lafourcade — con Acidd
Lafourcade introduce la memoria desde otro lugar: el de las referencias que terminan convirtiéndose en parte de nuestra propia identidad. Con Acidd, la canción funciona como una conversación al pasado, una persona y muchos recuerdos, dándole aún mas valor al titulo del álbum. La canción logra sorprendernos con un final que fusiona elementos de la electrónica y rap con un groove inesperado que nos encantó.
6. Algo así pa’l outro de David — con Siete
Si El intro que le debía a Shanice abre el álbum desde una deuda, Algo así pa’l outro de David parece cerrarlo desde otro lado, un instrumental acústico a voz y guitarra con una naturalidad casi improvisada, como si la canción hubiera nacido de una conversación, una referencia interna o una idea que simplemente había que convertir en música. Esa espontaneidad encaja con la esencia de NOSTALGIA: no todo recuerdo necesita una explicación solemne. A veces basta con dedicar algo, nombrarlo y dejarlo existir. La colaboración con Siete convierte ese momento en otro encuentro dentro del álbum.
7. La tinta no miente — con marciano, el joven
El álbum termina con una declaración que podría resumir todo su concepto: La tinta no miente. Después de recorrer recuerdos, personas, lugares y distintas versiones de sí mismo, queda la escritura como testigo. La tinta conserva aquello que la memoria puede distorsionar, esconder o intentar olvidar. Que esta sea la última canción hace que NOSTALGIA termine regresando a una de las raíces de Jeynu: el escritor. Si todo el álbum es un ejercicio de recordar para entenderse, aquí la escritura aparece como evidencia de ese proceso. Lo que quedó escrito, quedó.
Vistas juntas, las siete canciones pueden leerse como siete formas diferentes de recordar: una deuda, una identidad, una esperanza, una persona, una influencia, una despedida y finalmente la escritura.
Y eso conecta muy bien con la idea que planteaste desde el principio: NOSTALGIA no intenta contarle al oyente exactamente qué debe sentir. Le enseña fragmentos de la memoria de Jeynu y lo deja completar los espacios vacíos. Para Jeynu, la nostalgia no parece significar únicamente extrañar el pasado. Es, más bien, una materia con la que puede trabajar.
Su música parte de experiencias que pueden ser banales o profundamente introspectivas, pero intenta acercarse a ambas con el mismo nivel de honestidad. Esa disposición a encontrar significado incluso en aquello que aparentemente no lo merece es una de las características que atraviesa su propuesta.
En NOSTALGIA, esa mirada adquiere una dimensión especialmente personal. Una ruptura amorosa terminó convirtiéndose en parte importante del proceso creativo y llevó a Núñez a confrontar sensibilidades que quizá permanecían en segundo plano.
Lo que comenzó como una inquietud artística terminó funcionando también como una forma de terapia: un espacio para mirar hacia adentro cuando mirar hacia afuera ya no parecía suficiente. Pero el álbum no parece querer quedarse atrapado en el dolor. Hay humor, referencias personales, colaboraciones, buenas vibras y una voluntad evidente de mantener la humanidad en el centro. La introspección no tiene que convertirse necesariamente en solemnidad.
El proyecto Stereosis ha construido una propuesta fundamentada en el soul, el funk y el R&B, caracterizada por melodías optimistas y letras que buscan elevar el estado de ánimo. Fuera del ámbito musical, sus dos integrantes comparten una particular afición por poner en marcha esquemas piramidales superilegales. No obstante, en el estudio la formación destaca por reunir elementos sonoros de diversa procedencia con soltura.
El rasgo distintivo de su instrumentación reside en la integración de la nyckelharpa, un antiguo instrumento sueco de cuerdas con teclas vinculado al folclore nórdico. Lejos de utilizarlo como un mero adorno, la banda suma este timbre medieval a su vocabulario junto a guitarras, bajo y saxofón. Esta combinación otorga un carácter nórdico singular a una base rítmica que mantiene la calidez propia del funk.
Dentro de este contexto se enmarca la presentación de su sencillo titulado Colour. La pista se define como una propuesta de indie pop con un ritmo relajado pero divertido que sostiene la marcha instrumental con claridad. A lo largo de la composición, la arquitectura sonora despliega ciertos ganchos atrapantes que mantienen la atención, logrando un balance fluido entre las distintas capas de instrumentos.
La integración de la sonoridad nórdica sobre la base rítmica ofrece un matiz fresco dentro de la escena independiente. La producción organiza los instrumentos de viento y las cuerdas de manera equilibrada, permitiendo que la melodía avance sin perder nitidez. Con la difusión de Colour, la agrupación Stereosis entrega un tema de indie pop que vale la pena escuchar por la singularidad de su mezcla.
Soft Cuff es una banda instrumental originaria de St. Petersburg, Florida, que comenzó a tomar forma a finales de 2023 a partir de las sesiones musicales entre el bajista Brian Schanck y el multiinstrumentista Michael “Mikey” Bostinto. El proyecto surgió de manera relativamente espontánea: lo que inicialmente eran sesiones de trabajo terminó convirtiéndose en un repertorio propio y, posteriormente, en una banda.
A ellos se sumaron el guitarrista Shane Schuch y la tecladista y percusionista Christina Sanchez, configurando la formación que llevó las primeras composiciones al escenario. En sus primeros lanzamientos, Soft Cuff se presentó como un proyecto de psych-groove instrumental, con influencias que abarcan el funk, el soul, el jazz, el hip-hop y el rock psicodélico.
Soft Cuff, banda formada en St. Petersburg, Florida, presenta su primer álbum de larga duración, Thick Heat. El lanzamiento llega poco menos de tres años después de la formación del grupo y representa una ampliación de la propuesta instrumental que la banda había desarrollado en sus primeros trabajos.
A diferencia de una banda centrada en canciones vocales, Soft Cuff construye buena parte de su identidad a través de los arreglos instrumentales, los cambios de textura y el desarrollo de los riffs. En ese sentido, Thick Heat continúa una línea que ya estaba presente en sus primeros lanzamientos, aunque amplía el espectro de influencias y de instrumentos utilizados.
Uno de los elementos más evidentes de Thick Heat es su interés por el ritmo. El funk aparece como uno de los puntos de partida, pero no como una fórmula cerrada. A lo largo del álbum se incorporan recursos asociados al rock psicodélico, el soul, el jazz, el hip-hop y la música cinematográfica.
El Track x Track de “Thick Heat”
1. “Pico Suave” “Pico Suave” abre Thick Heat con un ambiente hipnótico y relajado que introduce buena parte del lenguaje instrumental de Soft Cuff. La percusión establece un pulso juguetón mientras las guitarras aportan tonos cálidos y envolventes. El bajo avanza con una cadencia pausada y se integra con una batería constante, creando una pieza instrumental como mucho groove y atmósfera. Es una apertura que presenta al oyente un sonido más interesado en construir espacios que en apresurarse hacia un clímax, yendo del groove a lo ligeramente psicodélico.
2. “Me? I’ll Have That” Con una conexión directa del ritmo el segundo track del disco “Me? I’ll Have That” conserva parte del carácter percusivo del primer tema, aunque incorpora una mayor presencia del funk. El bajo adquiere protagonismo y las guitarras se muestran más brillantes y funky, mientras los teclados añaden brillo y profundidad. La canción va incrementando su intensidad hasta alcanzar una sección pausada protagonizada por el bajo, los cambios entre texturas más suaves y pasajes se transforman en un riff ligeramente distorsionado que va dirigiendo la sección final mientras los teclado crean esa tensión “rica” que nos encanta para terminar el track.
3. “Mystery Box” “Mystery Box” en lugar de depender de una estructura vocal tradicional, Soft Cuff utiliza la interacción entre los instrumentos para mantener la sensación de descubrimiento que sugiere el título, llena de riffs y arreglos que van tomando protagonismo durante 3:34 minutos, con un sonido retro y a la vez moderno hasta ahora el álbum nos recuerda a bandas como Chicano Batman, pasando del groove y funk a ritmos mas latinos agregándole texturas de sintetizadores setenteros que te harán perderte en su sonido.
4. “Rudy” “Rudy” se adentra con mayor claridad en la faceta psicodélica de Soft Cuff. Los teclados, particularmente el órgano, aportan una textura colorida que se combina con guitarras que alternan entre riffs impulsados por el ritmo y momentos de mayor intensidad. El tema incorpora cambios de dinámica y pausas que interrumpen temporalmente el flujo antes de recuperar su amplitud instrumental. También aparecen matices de reggae dentro de su estructura, ampliando la combinación de referencias que caracteriza al álbum.
5. “Short Moves” “Short Moves” nos lleva a un momento de calma con su intro, un e piano suave y delicado, mientras el groove va creciendo y la interacción instrumental ocupen el centro. Dentro del disco, el tema tiene una sensación mas reflexiva y lenta pero conservando este groove retro que caracteriza a la banda, especialmente en el coro. El tema forma parte de una secuencia en la que Soft Cuff alterna diferentes grados de intensidad y textura, evitando que el álbum quede limitado a una única aproximación psicodélica o funk. Su presencia contribuye al carácter cambiante del disco y a la sensación de que cada composición funciona como una variación sobre el lenguaje general de la banda.
6. “Neon Sanders” “Neon Sanders” añade otra tonalidad al universo de Thick Heat. El título evoca una estética urbana y cinematográfica , como ocurre en buena parte del álbum, el interés está menos en una narrativa explícita que en la manera en que los instrumentos pueden sugerir escenas, movimientos y ambientes. La canción amplía así el recorrido antes de llegar a la pieza que da nombre al álbum. La canción explota con un outro final lleno de sintetizadores y un ritmo mas agresivo que hacen que la pieza te lleve de una sensación de caminar por la calle al caos explosivo del final de una historia.
7. “Thick Heat” La canción que da título al álbum constituye uno de sus momentos más cinematográficos. Con algo más de cinco minutos, desarrolla una atmósfera que recuerda a determinadas bandas sonoras de los años setenta. Las guitarras presentan sonidos suaves y elegantes, mientras los efectos y sintetizadores espaciales amplían el paisaje sonoro. El resultado se mueve entre el misterio de una película de espionaje y una estética más sensual asociada con ciertas producciones de aquella década, manteniendo siempre el carácter instrumental del grupo.
8. “What’s A Question Mark Sound Like?” “What’s A Question Mark Sound Like?” reúne funk, psicodelia, soul, rock, y algunos toques de world music. La guitarra, los teclados y la sección rítmica se combinan para producir una composición dinámica, juguetona y orientada al groove. La canción toma todos estos elementos crenado un jam con todo los elementos que venia presentando en canciones anteriores, suavidad, sintes retros, bajos con mucho groove y crechendos que pasan de lo latín al rock de manera natural.
9. “S’good Enuff” “S’good Enuff” se encuentra hacia el cierre del álbum y forma parte de la última etapa del recorrido musical planteado por Soft Cuff. El título, deliberadamente coloquial, también refleja el sentido de humor y la informalidad que aparecen en distintos aspectos de la identidad de la banda, en esta ocasión reflejando este tono super funk como parte de su identidad.
10. “Scorsese’s Dream” “Scorsese’s Dream” cierra Thick Heat, la canción transmite una sensación cercana al cine de espías y atracos, aunque esa cualidad funciona como una impresión que produce la música y no como el concepto a partir del cual fue compuesta. El bajo aporta un movimiento constante mientras las guitarras pasan de momentos más atmosféricos a líneas ascendentes y secciones de mayor intensidad. Hacia la mitad, el ritmo se ralentiza antes de recuperar fuerza para un cierre más contundente y orientado al rock. Como último tema del disco, resume algunos de los recursos que aparecen a lo largo de Thick Heat, particularmente el groove, las texturas de guitarra y la capacidad de Soft Cuff para generar una atmósfera cinematográfica sin recurrir a una narrativa vocal.
Entre los artistas con los que Soft Cuff ha sido comparado se encuentran Khruangbin, BADBADNOTGOOD, Menahan Street Band, The Budos Band, El Michels Affair, Mildlife y Surprise Chef. Las comparaciones sirven como referencia para entender el terreno musical en el que se mueve el grupo, aunque Thick Heat no se limita a reproducir ninguno de esos estilos.
La incorporación de diferentes instrumentos de percusión es también parte importante de la evolución que plantea el álbum. En lugar de utilizar la guitarra como único elemento protagonista, Soft Cuff distribuye el peso de las composiciones entre el ritmo, el bajo, las guitarras y las diferentes capas percusivas.
La ausencia de una voz como elemento principal cambia la manera en que Soft Cuff aborda sus composiciones. En Thick Heat, los instrumentos tienen que asumir funciones que tradicionalmente pueden recaer sobre una melodía vocal: crear tensión, establecer una atmósfera y conducir el desarrollo de las canciones.
El resultado sitúa a Soft Cuff en un espacio entre la recuperación de sonidos vintage y la búsqueda de una estética contemporánea. Su apuesta por la música instrumental también los diferencia dentro de un panorama en el que la voz continúa siendo el principal vehículo narrativo para buena parte de las propuestas de rock y música alternativa.
En un momento en que la música continúa derribando fronteras culturales, LaOx llega como una propuesta fresca y poderosa que une dos mundos aparentemente distantes: la herencia chicana del sur de California y la rica tradición musical de Luisiana.
El nombre de la agrupación resume perfectamente su esencia: “LA” por Luisiana y “OX” por Oxnard, California, ciudad donde el proyecto echó raíces. Más que una banda, LaOx es un viaje sonoro concebido como un vehículo cultural capaz de transportar las historias, ritmos y experiencias compartidas entre ambas comunidades.
El proyecto fue fundado por Jose Cano, cofundador y exbaterista de la agrupación chicana Las Cafeteras, junto a Jeremy Thomas, músico, historiador, educador y virtuoso de la trompeta originario de Baton Rouge, Luisiana. Ambos artistas comparten la visión de crear un espacio donde las tradiciones musicales de sus comunidades puedan dialogar y transformarse en algo nuevo.
El sonido de LaOx es una fusión experimental de ritmos latinos, afrobeat, rock y pop que han marcado la vida chicana en el sur de California, enriquecidos con el inconfundible espíritu de Luisiana. Esta combinación da vida a una propuesta musical profundamente arraigada en la tradición, pero al mismo tiempo innovadora y audaz.
La agrupación también ha demostrado su versatilidad con su interpretación de la clásica cumbia “Juana La Cubana”, popularizada por el legendario músico mexicano Fito Olivares, aportándole una nueva energía y una identidad propia. Con una sensación moderna la banda logra modernizar este tema a través de texturas, efectos, y mucha personalidad, dándole a un clásico una reinterpretación increible.
Asimismo, temas como “Jupiter” exploran territorios de la psicodelia rítmica, con un tema de casi cinco minutos nos llevan por un viaje donde el virtuosismo se siente a flor de piel, desde las voces, hasta los riffs de guitarra la canción nos invita a unirnos a este jam psicodélico. Estos dos tracks contrastan increíblemente la cultura de la que se influencia el proyecto, pero logrando unirlas en un sola personalidad que podemos definir como el sonido de LaOx.
Con su propuesta, LaOx no solo crea música; también construye un puente entre culturas, generaciones y geografías. Su sonido celebra la diversidad y demuestra que las tradiciones pueden encontrarse, mezclarse y evolucionar para dar origen a algo verdaderamente original, representa una nueva voz dentro de la música independiente: una voz que honra sus raíces mientras mira hacia el futuro, llevando consigo el alma de Luisiana y el corazón de Oxnard.
La cantante y compositora londinense JONES continúa consolidando su propuesta artística con “Sunshine”, un sencillo que combina elementos de neo-soul, R&B, house y pop alternativo en una producción cálida y emocional. La canción, coescrita junto al productor Aaron Taylor y desarrollada también en colaboración con CHANEY, refleja una nueva etapa sonora para la artista británica, marcada por la sutileza, la introspección y una atmósfera optimista.
“Sunshine” se caracteriza por una instrumentación suave y envolvente donde destacan líneas melódicas de órgano, guitarras discretas, bajos cálidos y una base rítmica relajada que remite tanto al soul clásico como a la producción contemporánea del indie-pop y el dance elegante. La voz de JONES, reconocida por su tono aterciopelado y cercano, guía la canción con una interpretación contenida y emotiva, aportando serenidad y sensibilidad al mensaje principal del tema.
En el apartado lírico, la canción aborda la idea de reencontrar esperanza y claridad emocional en medio de momentos difíciles. A través de frases que evocan la necesidad de volver a conectar con los propios sentimientos y “reencontrarse con el color”, la artista construye un discurso centrado en la resiliencia, el crecimiento personal y la posibilidad de encontrar luz incluso en etapas de incertidumbre. Diversos medios especializados han destacado precisamente esa dualidad entre vulnerabilidad y optimismo como uno de los aspectos más sólidos del sencillo.
“Sunshine” es una pieza cálida y reconfortante, donde convergen influencias góspel, grooves relajados y una sensibilidad pop accesible. Con este lanzamiento, JONES reafirma una línea artística que apuesta por la emotividad y la sofisticación.
