Levi Robin es un cantautor folk estadounidense que combina letras personales con una voz emotiva. Originario de Orange County, California, Levi decidió desde joven tomar un camino diferente al tradicional. Insatisfecho con lo que él mismo describe como “la trayectoria en serie del sistema escolar”, decidió dejarlo todo —literalmente con una guitarra en mano— para lanzarse al mundo de la música. Esta decisión marcó el inicio de un viaje de autodescubrimiento y crecimiento personal que se refleja en cada canción que escribe.
Su obra es producto de una fusión de influencias eclécticas que van desde Bach, Stravinski y Mingus, hasta Hendrix, Dylan, Beck, Marvin Gaye, D’Angelo y Radiohead. A lo largo de su carrera, Levi ha explorado distintas corrientes musicales y espirituales, incluyendo la espiritualidad oriental y sus raíces judaicas, integrándolas en un sonido genuino y emocionalmente resonante.
Levi Robin comenzó a ganar reconocimiento con su EP debut homónimo y su gira junto al artista Matisyahu. Desde entonces, ha acumulado más de un millón de reproducciones en plataformas digitales. Entre sus lanzamientos más destacados se encuentran “Healing Is Coming”, una canción que habla sobre la valentía y la entrega necesaria para enfrentar las adversidades y la oscuridad interna, y su más reciente single “When the Walls Fall”, un tema cinematográfico con un estribillo potente que llama al despertar del alma cuando todo parece derrumbarse.
Levi Robin es, sin duda, una voz fresca en el panorama musical actual,ofreciendo canciones que son verdaderos viajes emocionales y espirituales.
Andy Tongren, conocido por haber sido el frontman de la banda Young Rising Sons, da un paso importante hacia su carrera en solitario con el lanzamiento de su primer sencillo, “So Good”. Este tema marca una nueva etapa para el músico, donde refleja su esencia más pura y optimista, algo que ha caracterizado su trayectoria desde sus inicios.
“So Good” es una canción que encapsula la energía positiva que Andy transmite en su vida y en su música. Con una melodía fresca y un ritmo pegajoso, la canción invita a vivir el momento, a abrazar la alegría que a veces parece escapar entre las grietas de la rutina diaria. A pesar de haber nacido en circunstancias difíciles, cuando Andy se encontraba viviendo en un sótano oscuro en Bushwick, “So Good” destila luz y esperanza. Esta es una canción que busca encender esa chispa de felicidad, incluso en los momentos más oscuros.
Musicalmente, “So Good” es una mezcla entre el indie folk rock y el dance pop, con una producción minimalista pero efectiva que pone en primer plano la simplicidad y la naturalidad de la música. La guitarra acústica es la base de la canción, con una melodía ligera y alegre que se ve acompañada por una batería que da ese toque rítmico animado, llevándola a su clímax en el estribillo, donde la energía explota con fuerza y contagia a quien la escucha.
No hay pretensiones ni artimañas comerciales, solo un hombre con una guitarra y un mensaje claro: disfrutar del presente y encontrar la belleza en lo sencillo. En sus palabras, la canción nació del deseo de no complicarse, de simplemente dejarse llevar por la energía que el momento ofrece.
Con “So Good”, Andy no solo marca el comienzo de su carrera como solista, sino que también reivindica su lugar como un artista que siempre busca transmitir algo genuino. Tras el éxito que alcanzó con Young Rising Sons, donde la banda cosechó más de 225 millones de streams y compartió escenario con artistas de renombre como The 1975, Weezer, Halsey y Bleachers, Andy se encuentra ahora listo para reintroducirse al mundo de la música con una propuesta fresca, optimista y llena de energía positiva.
A lo largo de su carrera, Andy ha mostrado una capacidad excepcional para conectar con su audiencia, y con “So Good”, da un paso más en su evolución musical. Con una voz cálida y una melodía irresistible, el sencillo es una invitación a vivir con alegría, a encontrar lo bueno en medio del caos y a nunca perder la esperanza. En este nuevo capítulo de su carrera, Andy Tongren busca, como siempre, compartir con su público esa chispa de optimismo que lo caracteriza, y “So Good” es solo el principio de lo que promete ser una carrera llena de emociones y música que eleva el espíritu.
El cantautor chileno Zapla vuelve a emocionar con el lanzamiento de “Y Ya Sé”, el segundo adelanto de su álbum debut. En esta nueva entrega, el artista continúa su propuesta sonora que fusiona el folk-pop latinoamericano con matices del indie electrónico, entregando una experiencia musical tan íntima como vibrante.
Producido por Cocó Ferrada (conocido por su trabajo con Benjamín Walker y Dani Ride), mezclado por el dos veces ganador del Grammy Nahuel Bronzini, y masterizado por Ignacio Ramírez (de la banda Mecánico y cofundador de Black Vitamina), el tema logra una riqueza sonora que envuelve al oyente en un ambiente cálido, lúdico y profundamente emocional.
“Y Ya Sé” es una canción que se aleja del drama para abrazar la complicidad y la dulzura de una pareja establecida. A través de una narrativa sutil y sensorial, Zapla logra transmitir el encanto de los gestos cotidianos, la conexión profunda que se construye con el tiempo y el deseo como puente emocional. Es un canto al amor maduro, ese que no necesita grandes gestos para sentirse vivo.
El videoclip, dirigido por Nicolás Canales, complementa la propuesta musical con imágenes que retratan un amor sano, real y físico. La fotografía cálida y natural resalta los pequeños momentos de ternura y atracción, generando una atmósfera en la que cualquiera puede reconocerse.
“Por un lado, Y Ya Sé rítmica e instrumentalmente invita a compartir, a moverse y a disfrutar. Creo que el sonido sitúa al oyente en atardeceres, juntas con amigos, bailando, viajando y disfrutando junto al mar”.
Así, la canción se convierte en una invitación a salir de la rutina y reencontrarse con la alegría de estar presente con quienes amamos. Su mezcla fresca, moderna y sincera tiene una fuerte resonancia especialmente entre el público juvenil, aunque su mensaje transversal logra tocar fibras en audiencias de todas las edades.
Originario de East Kilbride, una pequeña localidad escocesa, Connor McGlave no siguió el camino tradicional hacia la música. Su amor por la música comenzó con una guitarra que recibió como regalo de Navidad y su fascinación por bandas como Oasis, Dylan y Arctic Monkeys. Estas influencias fueron clave para desarrollar su propio estilo, que se aleja del pop comercial y se acerca más a la narrativa honesta y emocional de artistas como Bruce Springsteen y Damien Rice.
McGlave comenzó a compartir su música en Instagram de forma casual, y en un giro inesperado, uno de sus videos se volvió viral, acumulando más de 2 millones de vistas. Ese momento de conexión en línea fue el catalizador que impulsó su carrera musical hacia un camino real y duradero. Desde entonces, ha usado su plataforma para compartir canciones que reflejan su vida y sus experiencias personales, creando una base de seguidores leales que se sienten identificados con sus historias.
El último sencillo de Connor McGlave, “Better Man”, es una de sus canciones más vulnerables hasta la fecha. La pista aborda la lucha interna por mejorar, confrontando los propios defectos y tomando la decisión de crecer en lugar de quedarse atrapado en el pasado. Con melodías emotivas y una interpretación vocal cruda, “Better Man” refleja el anhelo de McGlave de superarse a sí mismo, no solo por los demás, sino por él mismo.
En sus propias palabras, McGlave describe la canción como un reflejo de la lucha por “vivir del lado correcto de la vida, lidiando con viejos hábitos mientras se mantiene una visión optimista para el futuro”. Esta temática de la autoaceptación y el crecimiento personal es central en el nuevo trabajo de McGlave, quien continúa evolucionando como artista y como ser humano.
Para él, la música es una extensión de su vida real: “Me gustan los cantautores naturales, los que escriben sobre sus vidas reales”, explica. Esta filosofía de escribir desde el corazón ha sido clave para que sus seguidores encuentren en su música algo más que simples canciones; han encontrado un espacio donde sus propias luchas y aspiraciones se ven reflejadas.
Con una creciente base de fans y una serie de lanzamientos que incluyen su próximo EP, Connor McGlave se perfila como uno de los artistas más prometedores de su generación. Su capacidad para escribir canciones que abordan la vulnerabilidad humana con autenticidad le ha ganado un lugar especial en el corazón de aquellos que buscan algo más profundo y significativo en la música.
La joven estrella del alt-pop, Sadie Jean, ha cautivado a sus seguidores con su música, que explora los matices de las relaciones amorosas, especialmente aquellas que no llegaron a su final feliz. Su más reciente sencillo, “Nice Knowing You”, es un ejemplo de los momentos de despedida.
El 3 de diciembre de 2024, Sadie Jean lanzó este tema que ha sido descrito como una carta de despedida a una relación. En esta canción, la cantante y compositora rinde homenaje a lo que fue esa relación, a pesar de que terminó, y se despide con una sensación de aceptación y agradecimiento. Con una guitarra suave y unas voces que invitan a la reflexión, la canción transmite la tristeza y la calma de saber que algo realmente ha terminado, pero sin resentimientos.
En la letra de “Nice Knowing You”, Sadie canta: “Let’s not pretend it’s not the end / I’m never seeing you again / But really there’s no bad blood / We’ll always be almost in love”, una frase que captura la esencia de la canción: la aceptación del fin sin amargura, solo una apreciación por lo vivido. Sadie describe este tema como un proceso de sanación personal, que la ayudó a liberarse del dolor de la despedida y dejar atrás lo que ya no era.
El video musical de “Nice Knowing You”, dirigido por Lauren Tepfer, fue rodado en Greenwich Village, un lugar significativo para Sadie ya que fue allí donde estudió música en la Universidad de Nueva York, el video evoca la sensación de una película romántica, inspirada en Before Sunrise, una de las películas favoritas de la artista.
En el video, Sadie se muestra caminando por la ciudad, recreando los momentos felices de una relación que ya no está. “Es una especie de montaje emocional, como los créditos finales de una película”, explica Sadie. A través de estas imágenes, busca capturar no solo la tristeza de la despedida, sino también la belleza de lo que fue esa historia de amor que, aunque terminó, siempre permanecerá en su memoria.
La canción fue escrita poco después de que ella se enterara de que la persona con la que había estado saliendo había comenzado una nueva relación. Fue en ese momento de vulnerabilidad cuando Sadie se sentó a escribir y procesó todo lo que sentía. “Estaba lidiando con tantas emociones al mismo tiempo, pero también quería hacer algo bueno, algo que realmente reflejara lo que estaba viviendo”, cuenta la cantante.
A pesar de los retos emocionales que supuso la creación de esta canción, Sadie se siente satisfecha con el resultado, ya que la música y las letras le permitieron sanar y avanzar.
Flora Cash, el dúo indie-pop formado por Shpresa Lleshaj y Cole Randall, ha logrado conquistar los corazones de miles de oyentes alrededor del mundo con sus composiciones llenas de emoción, intimidad y nostalgia. Tras varios éxitos como «You’re Somebody Else», su música ha sido el refugio perfecto para aquellos que buscan explorar las profundidades de las relaciones humanas, sus altos y bajos, y las huellas que deja el amor en nuestra vida.
En esta ocasión, el dúo regresa con un nuevo sencillo titulado «93», una canción que no solo continúa con la línea emocional y profunda de su música, sino que también refuerza su capacidad para transmitir sentimientos complejos a través de la melodía y la letra. Con un sonido cautivador y una atmósfera melancólica, «93» nos transporta a un viaje de emociones crudas, de recuerdos que se desvanecen y de un amor que, aunque perdido, sigue marcando huella.
La canción comienza con un ritmo suave, envolvente y nostálgico, que nos sumerge desde el primer acorde en una atmósfera de reflexión. La voz cálida de Shpresa Lleshaj, combinada con los suaves toques instrumentales de Cole Randall, crean una melodía que se siente íntima y sincera, como si estuviéramos siendo testigos de un momento muy personal.
La letra de «93» es, sin duda, uno de los aspectos más poderosos de la canción. Con versos como “you said we’ll find / each other in another life / but all you wanted was / Somebody Else”, el tema toca de manera directa la vulnerabilidad y la tristeza que surgen cuando el amor ya no es lo que solía ser. La canción refleja la aceptación de una realidad difícil de enfrentar: el amor se desvanece, las promesas se rompen, y el peso de la culpa y la duda queda en el aire.
La fusión de elementos de Bedroom Pop e Indie Pop en «93» produce una sensación de calma, pero al mismo tiempo nos arrastra a una montaña rusa de emociones que nos conecta con nuestro propio pasado y nuestras propias vivencias de amor y pérdida. Con estribillos pegajosos y un ritmo que se queda grabado en la memoria, «93» tiene ese algo especial que hace que quieras escucharlo una y otra vez, sin que pierda su poder emocional en cada repetición.
Elise, cantante, compositora e intérprete originaria de Kilkenny, Irlanda, explora el mundo del indie y el folk alternativo desde su debut en 2019. El viaje de Elise comenzó con el lanzamiento de su primer EP These Thoughts a finales de 2019, el cual recibió una gran acogida, obteniendo reproducciones en estaciones de radio nacionales marcando el comienzo de una carrera, destacándose por su estilo folk alternativo con toques de melancolía y poesía lírica.
A lo largo de su carrera, Elise ha sabido rodearse de grandes nombres de la música. Ha compartido escenario con artistas como Ailbhe Reddy, Arborist (ganador del premio NI Music Award) y Rozi Plain, lo que le ha permitido seguir evolucionando como artista y enriquecer su propio sonido.
Elise ha trabajado en perfeccionar su sonido y lo refleja claramente en sus nuevas composiciones. Con el lanzamiento de su single Remember, y como adelanto de su próximo EP I’ve Been Here (previsto para principios de 2025), Elise nos presenta una versión más madura y definida de su música.
Su estilo ha evolucionado, pero sigue manteniendo esa esencia melódica y lírica que la caracteriza, combinando el folk alternativo con una frescura contemporánea que la hace destacar en la escena musical actual.
En la escena musical irlandesa, pocos artistas combinan la pasión del blues con la sensibilidad del country como lo ha hecho Nathan O’Regan. Con una voz que alterna entre súplicas desgarradoras y melodías llenas de anhelo, O’Regan se ha consolidado como una de las figuras emergentes más prometedoras de la isla.
Nacido en Cork, su talento fue reconocido rápidamente, lo que lo llevó a firmar con una discográfica importante a la corta edad de 16 años. Sin embargo, su carrera tomó un giro inesperado cuando su proyecto discográfico quedó en el limbo y, finalmente, fue liberado de su contrato tras cuatro años de incertidumbre.
Lejos de desanimarse, O’Regan tomó este revés como una oportunidad para forjar su propio camino. Se trasladó a Belfast, donde comenzó a ganar reconocimiento en la escena musical local, tocando en bares y eventos en vivo.
En marzo de 2024, Nathan O’Regan lanzó Killer, un himno de country-blues que encapsula su estilo único. La canción, impulsada por guitarras vibrantes, el lamento de un órgano Hammond y su inconfundible voz llena de alma, es una explosión de energía que no da tregua hasta su última nota. Escrita junto al músico y productor Gareth Dunlop, Killer fue grabada en Attica Studios en Donegal, bajo la dirección de Tommy McLaughlin, guitarrista de Villagers.
La inspiración detrás de la canción provino de una conversación entre O’Regan y Dunlop sobre sus parejas. “Gareth y yo tenemos mujeres increíbles y fuertes en nuestras vidas, y bromeábamos sobre cómo a veces necesitamos eso”, explica O’Regan. “Es como lidiar con un asesino: eliminan todas las peores partes de ti y dejan solo lo que más les gusta.”
Ahora, con el respaldo del sello independiente Zenith Café, O’Regan sigue su viaje, marcado por altibajos, le ha otorgado una perspectiva única sobre el negocio musical y una determinación inquebrantable para llevar su música al mundo.
Amy Stroup es una cantautora originaria de Nashville cuya música ha logrado llegar a innumerables producciones televisivas, comerciales y películas. Con una sensibilidad especial para escribir letras emotivas y melodías pegajosas, Stroup se ha convertido en una de las compositoras más licenciadas en la industria del entretenimiento.
Desde el inicio de su carrera, Amy Stroup se ha caracterizado por crear canciones que transportan a los oyentes con letras simples pero profundamente emocionales. Su música ha sido incluida en exitosas series como This Is Us, Grey’s Anatomy, The Good Doctor y The Walking Dead, además de formar parte de importantes campañas publicitarias para marcas como Calvin Klein y Lexus.
Su estilo combina elementos del indie pop con una lírica introspectiva, lo que le ha permitido conectar con una audiencia diversa y consolidarse como una de las voces más destacadas de la música independiente.
En 2023, Amy Stroup lanzó su álbum Since Frank, seguido en 2025 por el sencillo Til The Stars Come Back To Us. Este último tema muestra su capacidad para evolucionar musicalmente, comenzando con una base acústica y transformándose en una explosión de sonidos electrónicos y emotivos al final.
Además de su faceta como cantante y compositora, Stroup es cofundadora de Milkglass Creative, una empresa de branding y diseño que ha trabajado con grandes artistas como Chris Stapleton, Little Big Town y Thomas Rhett.
Con una carrera en crecimiento y un talento innegable, Amy Stroup sigue demostrando que su música es capaz de emocionar y conectar con el público en cualquier formato.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
