Track x Track

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Awake & Dreaming y la catarsis colectiva de Inevitable

By Neto Cuc / septiembre 3, 2026

Desde la periferia industrial de Waterloo, Ontario, Awake & Dreaming llega con una propuesta de alt-rock canadiense. Integrada por Sasha Kristoff (voz y teclados), Stefan Schneider (guitarra), Phil Lee (bajo) y Ryan Dugal (batería), la agrupación ha construido una identidad sonora definida por la dualidad: un viaje constante entre la intimidad del piano, atmósferas electrónicas y explosiones de guitarras de escala monumental. El estilo de la banda suele incorporar capas sintéticas, ritmos y arreglos vocales dramáticos, citando frecuentemente influencias estilísticas y dinámicas vinculadas al alt-rock de las últimas dos décadas.

El álbum debut de la banda, titulado Inevitable, está programado para su lanzamiento el 16 de octubre de 2026, acompañado de una edición en vinilo y una gira por 10 ciudades en Ontario y Quebec. Con una duración total de 48 minutos y 36 segundos distribuida en 10 canciones, el álbum explora conceptualmente la experiencia de mantener la sensibilidad humana dentro de un entorno dominado por la sobreestimulación tecnológica y la apatía social.

El Track x Track de Inevitable

1. “I U Me” El disco abre con una declaración de energía cruda y directa, con bajo distorsionado la canción establece de inmediato la tensión del álbum mediante una instrumentación delicada con el uso del piano y una voz aterciopelada, mientras el coro explota en un estribillo emocional y agresivo. A nivel de producción, la mezcla limpia y robusta de Jay Dufour resalta la fuerza física de los instrumentos, logrando un sonido de gran alcance que marca el punto de partida del álbum: el momento en que el individuo, atrapado en la inercia de la máquina cotidiana, despierta a través de la tensión y el conflicto para reclamar su propia presencia.

2. “Rewire”

Segunda pista del álbum que profundiza en la necesidad de reprogramar los hábitos y esquemas mentales frente al adormecimiento cotidiano. Con un ritmo impulsivo y sintético, la canción construye un puente hacia la transformación, alternando versos melódicos con pasajes de marcada carga rítmica. Lo curioso es que las guitarras tienen un estilo particular de géneros como el Krautrock, pero llevándolo a otro lugar propio al tener una voz tan melódica y dulce, la canción tiene esa agresividad que propone la banda a la vez que las melodías nos remontan a bandas como king gizzard and the lizard wizard

3. “Old Ghosts” Sumergiéndose en una atmósfera de minimalismo evocador, esta pista reduce la instrumentación a sus elementos más íntimos. La combinación de e piano y sombras electrónicas genera una sensación de espacio y nostalgia, explorando el peso del pasado y las memorias no resueltas. La canción nos lleva completamente a un ambiente completamente diferente de los tracks anteriores, dándole un espacio mayor a la parte vocal y su interpretación,

4. “Antidote”

Corte cargado de suspenso y sensualidad oscura. La pista comienza con una estructura delicada de sintetizadores y una sensación de ciencia ficción, a través de arreglos de piano y un bajo que sostiene el movimiento de la canción, mientras el track va evolucionando para culminar en un clímax dramático sostenido por la afirmación de supervivencia “I’m still breathing”.

5. “Cold Shoulder”

“Cold Shoulder” nos presenta un sonido que juega con las texturas de la guitarra para crear disonancias que generan esta tensión incomoda y misteriosa, este es el punto de inflexión del disco donde la frustración se convierte en resistencia colectiva. A través de versos contenidos el tema explota en un estribillo de escala bailable diseñado para el canto grupal, coronado por la consigna rebelde “I’m gonna dance in the street while it’s burning”.

6. “Underwater”

Con una respiración inicial, el sencillo principal del álbum funciona como una sesión de introspección nocturna sobre el desapego y la carga emocional. Con una sonoridad melancólica, la canción utiliza la metáfora de la profundidad marina para abordar la urgencia de soltar lo que nos arrastra hacia el fondo antes de quedar completamente aislados. Con una interpretación tremendamente emocional el track toma elementos del Dream Pop combinándolo con un piano protagonista y unas líneas melódicas que te hacen conectar con la letra y melodias vocales que podrian hacer remembranza a Cocteau Twins.

7. “Lights Down Low”

Una composición que desacelera el ritmo para explorar el lado más acústico y cinemático de la banda. Apoyada en dinámicas vocales sutiles, la canción recrea la sensación de intimidad y refugio cuando el mundo exterior se apaga, mientras todo el track va creciendo para terminar con una explosión de toda la banda dándole paso a unas palabras finales con el ritmo acústico de la guitarra.

8. “Can’t Sleep”

Pista centrada en el insomnio, el sobre pensamiento y la sobreestimulación de la vida moderna. La canción nos recibe con un sonido de gran piano, el cual ha sido un elemento recurrente en el alum y creo que es de lo que mas le aporta para tener su propio sonido a la banda, ya que combina Dream Pop, Rock y texturas atmosféricas, pero hasta ahora el piano y la voz han sido una gran base para marcar un estilo propio de la banda, la instrumentación rítmica y los arreglos marcados transmiten la inquietud de una mente en vela que busca claridad en medio de la noche, con una gran melodía vocal en los versos que poco a poco va siendo acompañada de elementos como guitarras acústicas y coros suaves el disco nos entrega una balada piano que para nuestro gusto es uno de los mejores tracks del disco.

9. “Faceless”

Con guitarras cortantes y una sección rítmica acelerada, “Faceless” crea un ambiente orquestal , la canción refleja la lucha contra el anonimato y la presión por encajar en moldes preestablecidos, mientras nos lleva por un track que siente epico pasando por un solo explosivo y un final que pudiese sentirse como el cierre de una batalla al combinar elementos como coros, piano y un ritmo acelerado.

10. “Event Horizon” El cierre conceptual del disco representa el punto de no retorno y la catarsis final. La pista evoluciona desde capas atmosféricas progresivas hasta un clímax monumental, concluyendo el viaje del álbum con un sentimiento de asombro, resolución y reencuentro con la humanidad. Lo que nos llama la atención es el uso de estas capas de sintetizadores, que dan un tono contemplativo y a la vez misterioso.

El arco narrativo del álbum explora la necesidad de mantenerse humano en un mundo diseñado para adormecer las emociones. La historia evoluciona desde la alienación de sentirse “parte de la máquina” en la pista de apertura, hasta alcanzar la catarsis y el asombro por lo posible en el tema de cierre. A lo largo de sus sencillos, la banda ha mostrado las distintas facetas que componen esta travesía: El camino hacia el lanzamiento continuará con el estreno del sencillo principal, “Underwater” (18 de septiembre), un diálogo nocturno sobre soltar lo que nos arrastra a las profundidades, seguido por “Rewire” (2 de octubre).

Acompañado por una gira de 10 fechas entre septiembre y octubre por Ontario y Quebec, Awake & Dreaming demuestra que la autenticidad, la precisión técnica y la visión estética pueden abrirse paso sin el respaldo de una gran discográfica. Inevitable no solo representa el debut de una banda en pleno dominio de su arte, sino la afirmación de que el rock alternativo aún puede ser un refugio de esperanza y rebelión.

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Soft Cuff presenta Thick Heat, explorando los cruces entre el funk, la psicodelia y el groove

By Neto Cuc / agosto 29, 2026

Soft Cuff es una banda instrumental originaria de St. Petersburg, Florida, que comenzó a tomar forma a finales de 2023 a partir de las sesiones musicales entre el bajista Brian Schanck y el multiinstrumentista Michael “Mikey” Bostinto. El proyecto surgió de manera relativamente espontánea: lo que inicialmente eran sesiones de trabajo terminó convirtiéndose en un repertorio propio y, posteriormente, en una banda.

A ellos se sumaron el guitarrista Shane Schuch y la tecladista y percusionista Christina Sanchez, configurando la formación que llevó las primeras composiciones al escenario. En sus primeros lanzamientos, Soft Cuff se presentó como un proyecto de psych-groove instrumental, con influencias que abarcan el funk, el soul, el jazz, el hip-hop y el rock psicodélico.

Soft Cuff, banda formada en St. Petersburg, Florida, presenta su primer álbum de larga duración, Thick Heat. El lanzamiento llega poco menos de tres años después de la formación del grupo y representa una ampliación de la propuesta instrumental que la banda había desarrollado en sus primeros trabajos.

A diferencia de una banda centrada en canciones vocales, Soft Cuff construye buena parte de su identidad a través de los arreglos instrumentales, los cambios de textura y el desarrollo de los riffs. En ese sentido, Thick Heat continúa una línea que ya estaba presente en sus primeros lanzamientos, aunque amplía el espectro de influencias y de instrumentos utilizados.

Uno de los elementos más evidentes de Thick Heat es su interés por el ritmo. El funk aparece como uno de los puntos de partida, pero no como una fórmula cerrada. A lo largo del álbum se incorporan recursos asociados al rock psicodélico, el soul, el jazz, el hip-hop y la música cinematográfica.

El Track x Track de “Thick Heat”

1. “Pico Suave”
“Pico Suave” abre Thick Heat con un ambiente hipnótico y relajado que introduce buena parte del lenguaje instrumental de Soft Cuff. La percusión establece un pulso juguetón mientras las guitarras aportan tonos cálidos y envolventes. El bajo avanza con una cadencia pausada y se integra con una batería constante, creando una pieza instrumental como mucho groove y atmósfera. Es una apertura que presenta al oyente un sonido más interesado en construir espacios que en apresurarse hacia un clímax, yendo del groove a lo ligeramente psicodélico.

2. “Me? I’ll Have That”
Con una conexión directa del ritmo el segundo track del disco “Me? I’ll Have That” conserva parte del carácter percusivo del primer tema, aunque incorpora una mayor presencia del funk. El bajo adquiere protagonismo y las guitarras se muestran más brillantes y funky, mientras los teclados añaden brillo y profundidad. La canción va incrementando su intensidad hasta alcanzar una sección pausada protagonizada por el bajo, los cambios entre texturas más suaves y pasajes se transforman en un riff ligeramente distorsionado que va dirigiendo la sección final mientras los teclado crean esa tensión “rica” que nos encanta para terminar el track.

3. “Mystery Box”
“Mystery Box” en lugar de depender de una estructura vocal tradicional, Soft Cuff utiliza la interacción entre los instrumentos para mantener la sensación de descubrimiento que sugiere el título, llena de riffs y arreglos que van tomando protagonismo durante 3:34 minutos, con un sonido retro y a la vez moderno hasta ahora el álbum nos recuerda a bandas como Chicano Batman, pasando del groove y funk a ritmos mas latinos agregándole texturas de sintetizadores setenteros que te harán perderte en su sonido.

4. “Rudy”
“Rudy” se adentra con mayor claridad en la faceta psicodélica de Soft Cuff. Los teclados, particularmente el órgano, aportan una textura colorida que se combina con guitarras que alternan entre riffs impulsados por el ritmo y momentos de mayor intensidad. El tema incorpora cambios de dinámica y pausas que interrumpen temporalmente el flujo antes de recuperar su amplitud instrumental. También aparecen matices de reggae dentro de su estructura, ampliando la combinación de referencias que caracteriza al álbum.

5. “Short Moves”
“Short Moves” nos lleva a un momento de calma con su intro, un e piano suave y delicado, mientras el groove va creciendo y la interacción instrumental ocupen el centro. Dentro del disco, el tema tiene una sensación mas reflexiva y lenta pero conservando este groove retro que caracteriza a la banda, especialmente en el coro. El tema forma parte de una secuencia en la que Soft Cuff alterna diferentes grados de intensidad y textura, evitando que el álbum quede limitado a una única aproximación psicodélica o funk. Su presencia contribuye al carácter cambiante del disco y a la sensación de que cada composición funciona como una variación sobre el lenguaje general de la banda.

6. “Neon Sanders”
“Neon Sanders” añade otra tonalidad al universo de Thick Heat. El título evoca una estética urbana y cinematográfica , como ocurre en buena parte del álbum, el interés está menos en una narrativa explícita que en la manera en que los instrumentos pueden sugerir escenas, movimientos y ambientes. La canción amplía así el recorrido antes de llegar a la pieza que da nombre al álbum. La canción explota con un outro final lleno de sintetizadores y un ritmo mas agresivo que hacen que la pieza te lleve de una sensación de caminar por la calle al caos explosivo del final de una historia.

7. “Thick Heat”
La canción que da título al álbum constituye uno de sus momentos más cinematográficos. Con algo más de cinco minutos, desarrolla una atmósfera que recuerda a determinadas bandas sonoras de los años setenta. Las guitarras presentan sonidos suaves y elegantes, mientras los efectos y sintetizadores espaciales amplían el paisaje sonoro. El resultado se mueve entre el misterio de una película de espionaje y una estética más sensual asociada con ciertas producciones de aquella década, manteniendo siempre el carácter instrumental del grupo.

8. “What’s A Question Mark Sound Like?”
“What’s A Question Mark Sound Like?” reúne funk, psicodelia, soul, rock, y algunos toques de world music. La guitarra, los teclados y la sección rítmica se combinan para producir una composición dinámica, juguetona y orientada al groove. La canción toma todos estos elementos crenado un jam con todo los elementos que venia presentando en canciones anteriores, suavidad, sintes retros, bajos con mucho groove y crechendos que pasan de lo latín al rock de manera natural.

9. “S’good Enuff”
“S’good Enuff” se encuentra hacia el cierre del álbum y forma parte de la última etapa del recorrido musical planteado por Soft Cuff. El título, deliberadamente coloquial, también refleja el sentido de humor y la informalidad que aparecen en distintos aspectos de la identidad de la banda, en esta ocasión reflejando este tono super funk como parte de su identidad.

10. “Scorsese’s Dream”
“Scorsese’s Dream” cierra Thick Heat, la canción transmite una sensación cercana al cine de espías y atracos, aunque esa cualidad funciona como una impresión que produce la música y no como el concepto a partir del cual fue compuesta. El bajo aporta un movimiento constante mientras las guitarras pasan de momentos más atmosféricos a líneas ascendentes y secciones de mayor intensidad. Hacia la mitad, el ritmo se ralentiza antes de recuperar fuerza para un cierre más contundente y orientado al rock. Como último tema del disco, resume algunos de los recursos que aparecen a lo largo de Thick Heat, particularmente el groove, las texturas de guitarra y la capacidad de Soft Cuff para generar una atmósfera cinematográfica sin recurrir a una narrativa vocal.

Entre los artistas con los que Soft Cuff ha sido comparado se encuentran Khruangbin, BADBADNOTGOOD, Menahan Street Band, The Budos Band, El Michels Affair, Mildlife y Surprise Chef. Las comparaciones sirven como referencia para entender el terreno musical en el que se mueve el grupo, aunque Thick Heat no se limita a reproducir ninguno de esos estilos.

La incorporación de diferentes instrumentos de percusión es también parte importante de la evolución que plantea el álbum. En lugar de utilizar la guitarra como único elemento protagonista, Soft Cuff distribuye el peso de las composiciones entre el ritmo, el bajo, las guitarras y las diferentes capas percusivas.

La ausencia de una voz como elemento principal cambia la manera en que Soft Cuff aborda sus composiciones. En Thick Heat, los instrumentos tienen que asumir funciones que tradicionalmente pueden recaer sobre una melodía vocal: crear tensión, establecer una atmósfera y conducir el desarrollo de las canciones.

El resultado sitúa a Soft Cuff en un espacio entre la recuperación de sonidos vintage y la búsqueda de una estética contemporánea. Su apuesta por la música instrumental también los diferencia dentro de un panorama en el que la voz continúa siendo el principal vehículo narrativo para buena parte de las propuestas de rock y música alternativa.

Pop Rock/Rock/Track x Track

La madurez reflexiva de J. Willson resuena en las canciones de su álbum debut

By Rafael Méndez / agosto 24, 2026

El cantautor radicado en Atlanta, Georgia, J. Willson, ha presentado su producción discográfica titulada A Cowboy Looks at 30, publicada el once de julio de dos mil veintiséis. Concebido, grabado y producido íntegramente en el estudio de su loft, el álbum cuenta con el respaldo del bajista Sean Hurley y del percusionista Daniel Sadownick. La mezcla a cargo de Mike Butler y la masterización de Jamal Ruhe completan un trabajo de estudio sobrio e íntimo.

La propuesta abre de manera serena con The Optimist, una composición que establece la pauta rítmica mediante un rock ligero de trazo pausado. En este tema, la guitarra eléctrica asume un papel protagónico al acompañar de cerca la línea vocal, logrando una combinación equilibrada que llega al corazón de quien la escucha. La instrumentación se mantiene limpia, permitiendo que la interpretación exprese su mensaje sin distracciones.

El recorrido continúa con Passengers, una pieza que mantiene la línea del rock suave pero introduce una marcada atmósfera de nostalgia. La estructura sonora se sostiene sobre una base constante que desemboca en un solo de guitarra muy expresivo, el cual sintetiza la idea central de la pista. Esta composición demuestra una cuidadosa economía de recursos donde cada elemento cumple una función específica dentro del arreglo.

El cierre del disco llega con Resolutions, un tema que amplía el abanico sonoro al acercarse a un pop con matices de rock. Aquí el protagonismo se distribuye entre un piano y una guitarra acústica dentro de una ambientación detallada, mientras la voz suave de J. Willson encaja de manera precisa con la identidad general del trabajo. Esta trilogía de canciones expone con claridad el enfoque musical del autor.

Artpop/Etereo/Experimental/Psicodelia/Track x Track

EWAH encuentra el movimiento interior en SPIRITUAL DANCE

By Neto Cuc / agosto 5, 2026

EWAH llega como una de las voces más inquietas de la música independiente australiana. Su obra transita con naturalidad entre el art pop, el post-punk, el folk experimental, la electrónica y el rock noir, siempre guiada por una búsqueda constante de nuevas formas de composición. Músico, cineasta y creadora multidisciplinar, EWAH entiende cada proyecto como una exploración donde el azar, el espacio y la intuición tienen tanto peso como la melodía.

SPIRITUAL DANCE, el nuevo trabajo de EWAH, comenzó como una residencia artística en el estudio de danza Assembly 197, en Launceston (Lutruwita/Tasmania), con la intención de escribir la banda sonora de una película imaginaria, terminó convirtiéndose en una obra profundamente autobiográfica: un álbum que dialoga, quince años después, con GOSPEL DANCE (2011).

Durante su residencia en 2023, EWAH se impuso un reto sencillo y radical: escribir una canción cada día. Lejos de buscar la perfección, abrazó la inmediatez y permitió que el propio espacio guiara el proceso creativo. El estudio de danza se convirtió en un instrumento más. Las luces fluorescentes, el zumbido de un calefactor, las sirenas de las ambulancias, la música filtrándose desde los ensayos de jóvenes bailarines y el estruendo de los coches haciendo “blockies” quedaron registrados como parte esencial de la composición.

El resultado es un álbum que escucha el lugar tanto como lo habita. Más que una colección de canciones, SPIRITUAL DANCE es un diario sonoro donde los recuerdos de la adolescencia de EWAH en Launceston emergen sin nostalgia, transformados en una exploración del movimiento, la memoria y la identidad.

EL TRACK X TRACK DE SPIRITUAL DANCE

1. Prelude – Sun Beats

El álbum comienza como si el amanecer respirara a través de los altavoces. Prelude – Sun Beats no busca establecer una melodía convencional, sino abrir un espacio sensorial donde el cuerpo despierta antes que la mente. Las texturas ambientales parecen capturar el silencio del estudio antes de que llegue el movimiento, mientras pequeños pulsos rítmicos anticipan el viaje emocional que está por comenzar. Es la primera inhalación de un disco que entiende la danza como una forma de conciencia.

2. G Boogie

Con un ritmo a basae de caja de ritmo y una energía que se siente como un mantra que cruza la oscurida, G Boogie introduce el primer impulso del álbum. Entre ecos de voces distorsionadas y un sintetizador ostinato que transforma la canción en una sensación de pánico ambiental constante.

3. Do Wop Bop

Do Wop Bop transforma la nostalgia del doo-wop en una experimentación sonora, como en canciones anteriores “la tensión” es un elemento principal de la canción, con una ajeo que oscila durante toda la canción junto a un ritmo constante, jugando principalmente en la parte de texturas en sintetizadores y la parte vocal, utilizando falsetes y una voz despreocupada que poco a poco nos sumerge en un mundo atmosferico

4. Sirens

Las sirenas dejan de ser una simple señal de emergencia para convertirse en parte del paisaje emocional. Inspirada en los sonidos que rodeaban el estudio durante la residencia, la canción transforma el ruido urbano en una experiencia cinematográfica. Lo cotidiano adquiere un carácter hipnótico, mientras la tensión entre belleza y amenaza atraviesa cada compás como un recordatorio de que incluso el caos posee su propia armonía, con un ajo agresivo y lineas melodicas que hacen que el track se sienta mágico.

5. Run

Run llega para cambiar este tono meramente atmosférico a un rush dirigido por el bajo, transmitiendo la sensación de avanzar sin mirar atrás. La instrumentación acelera y desacelera como una respiración agitada, evocando el vértigo de crecer, abandonar viejas certezas y descubrir que el movimiento, por sí mismo, también puede ser una forma de libertad.

6. Hallelujah

Con un guitarra acustica y una voz sumergida en la atmosfera, eterea, magica y reverberada del alum, Hallelujah encuentra en los pequeños gestos cotidianos, en la repetición de los movimientos, en el sonido de una habitación compartida y en la capacidad del arte para transformar lo ordinario en extraordinario. Es una pausa luminosa dentro del recorrido del álbum.

7. Holy Trinity

La luz no se acaba en Hallelujah, Holy Trinity juega con ostinatos de guitarra y destellos de sintetizadores, que sirven como rafagas de luz atmosfericas mientras le bajo juega con una figura que nos va llevando por este camino sin necesidad de una voz, sintiendose como un interludio mientras buscas tu lugar en el disco, las distintas capas musicales dialogan como tres voces que buscan un punto de encuentro sin imponerse unas sobre otras. El resultado es una composición que invita a escuchar con paciencia, descubriendo nuevas conexiones en cada repetición.

8. Where I Hear the Music Play

Regresando de un puente emocional lleno de luz, Where I Hear the Music Play nos lelva por voces susurradas que convierten la memoria en un espacio físico donde la adolescencia, las calles y el presente conviven en perfecta sincronía.

9. Spiritual Dance

Con una caja de ritmo super ochentera, la pieza central del disco toma esta sensación atmosférica y minimalista de canciones anteriores, agregándole esta sensación bailable y futurista-ochentera. La pista de baile deja de ser un lugar de entretenimiento para convertirse en un espacio de transformación personal. Influencias de la disco, el post-punk y el art-pop confluyen en una celebración del movimiento como acto de resistencia, comunión y libertad, manteniendo este toque oscuro y de tensión que nos presento la artista desde inicios del disco. Inspirado por Blue Monday de New Order y por la tradición de la disco italiana que influyó en aquel clásico, combina bajos post-punk, guitarras metálicas y una energía espontánea que la propia artista describe como la de alguien descubriendo la música de baile por primera vez. Esa falta de cálculo es precisamente uno de sus mayores aciertos.

10. Fever Switch

Despues de la pista mas bailable del disco Fever Switch nos cambia completamente el mood con una instrumentación minimalista, especios reverberados y una descarga de energía nerviosa. Con voces procesadas que sirven para seguir creando una atmosfera llena de caos donde la caja de ritmo va marcando este tik tok del reloj para atravesar una neblina llena de arreglos inesperados.

11. Sunday

Después del minimalismo ambiental anterior, Sunday ofrece un espacio de contemplación., dirigido por un sonido de guitarra nuevo en el disco, mas melodico y con sensaciones de R&B, es una canción que parece suspendida entre el descanso y la anticipación, donde cada nota encuentra el espacio suficiente para respirar. La espiritualidad cotidiana vuelve a hacerse presente con una delicadeza casi doméstica. En este track la parte vocal es de lo mas llamativo, ya que tiene melodias memorables en los coros mientras en los versos se siente una intesión vocal mas percusiva.

12. Climb to the Sky

Construida como un ascenso lento pero decidido entre tambores, la canción convierte la idea de elevarse en una metáfora de la transformación . Con una sensación mas orgánica que juega con lo percusivo y voces limpias, cada nueva capa parece ampliar el horizonte, mientras la voz mantiene los pies en la tierra. La canción va transformando esta sensación de tensión en luz mientras la pieza va avanzando, la voz es la protagonista de este track, dándonos secciones de voz hablada, mientras poco a poco van apareciendo guitarras cristalinas, cuerdas y una paisaje celestial.

13. Find Your Faith

Find Your Faith continua esta sensación celestial, con apenas una guitarra acústica y una voz que habla de la fe, es uno de los momentos más introspectivos del álbum, donde la vulnerabilidad se convierte en una forma de fortaleza. Poco a poco la parte vocal va cruzando esta sensación etérea, mientras va integrando mas elementos de una manera orquestal para un crechendo que va dando paso al cierre del álbum.

14. Electricity

El cierre del disco posee una resonancia casi circular, marcándonos este tono característico de tensión como en los primeros tracks del disco, una pieza casi instrumental, marcando un mantra vocal mientras lentamente desaparece a los pocos minutos.

Musicalmente, el disco se desplaza con absoluta libertad entre la psicodelia, la raga india, el soul pantanoso, la música disco italiana y el nervio del post-punk. Esa diversidad nunca se siente arbitraria. Cada influencia aparece al servicio de una narrativa emocional que evita las etiquetas y reivindica la curiosidad como motor creativo.

Uno de los episodios más singulares de la grabación fue la aparición de una arritmia cardíaca durante la residencia. En lugar de ocultarla, EWAH decidió incorporarla al lenguaje del álbum utilizando un metrónomo averiado para reproducir ese pulso irregular. Cuando grabó la canción de cierre, Electricity, su ritmo cardíaco volvió inesperadamente a la normalidad, cerrando el disco con una resonancia casi simbólica.

La filosofía de crear rápido y comprometerse con la primera intuición también define el universo visual del proyecto. En 2026, EWAH regresó a Assembly 197 para filmar el videoclip de SPIRITUAL DANCE (SINGLE VERSION) junto al colectivo juvenil Stompin. Rodado en una sola jornada, bajo la dirección de Ursula Woods y con coreografía de Izzy Lockett, el vídeo alterna imágenes en película de 16 mm con una videocámara sostenida literalmente por pinzas de cocodrilo. El resultado es una estética imperfecta, urgente y vibrante, fiel al espíritu del álbum.

Con una trayectoria que abarca el rock noir, el folk, el electro, el art pop y la experimentación, EWAH continúa desafiando cualquier intento de clasificación. Su práctica artística atraviesa la música, el cine, la escritura y la colaboración interdisciplinar, consolidándola como una de las creadoras más singulares de la escena australiana contemporánea.

Indie Rock/Track x Track

El sonido alternativo de Jon Often resuena en Frankie

By Rafael Méndez / julio 29, 2026

El músico de Chicago Jon Alvarado, reconocido principalmente como baterista de Beach Bunny y Latter, emprende una ruta personal con su proyecto solista Jon Often. En su Ep debut Frankie, el autor explora temáticas complejas como el amor, la adicción y la nostalgia a través de un enfoque sonoro diverso. Esta producción aporta un aire renovado a la escena de su ciudad, reflejando sus múltiples influencias artísticas.

La travesía del disco inicia formalmente con el corte titulado Twenty, una muestra de indie rock-pop marcada por un pulso descafeinado y contenido. En este tema sobresale una voz relajada a la vez que dinámica, la cual se despliega con fluidez sobre la base instrumental. La adición de un matiz de corte retro otorga una personalidad muy definida a la composición, asentando la partida del material.

El recorrido continúa hacia una atmósfera reposada mediante la pieza promocional llamada Pieces. La pista sostiene una cadencia tranquila estructurada sobre un ritmo delicioso que marca el compás sin precipitarse. Dentro del marco de un rock ligero con toques de soul, destaca la presencia vocal ejecutada con mucho estilo, convirtiéndose en el elemento principal que guía el dinamismo de la canción.

Para cerrar esta revisión del álbum se presenta el tema Seasons, una entrega que mantiene una línea expresiva similar a su antecesora. Sin embargo, la construcción de este corte se siente sensiblemente más moderna gracias a la incorporación de sutiles toques de dream pop. Estos matices le brindan un aire especial al cierre del repertorio, consolidando la faceta compositiva de Jon Often.

Indie Rock/Pop Rock/Rock/Track x Track

La crónica humana de Scott Moran a través del pulso de Sixth of the Six

By Rafael Méndez / julio 10, 2026

El multiinstrumentista y productor Scott Moran regresó a la composición bajo circunstancias profundamente complejas. Tras una década en las carreteras, la música se transformó en un diario de resistencia personal luego de que su hija fuera apartada de su entorno. Cada pieza funciona como una bitácora de supervivencia frente a las esperas y los trayectos, buscando tender un puente directo hacia ella.

Su nuevo álbum recopila doce composiciones, una por cada mes de trabajo, editadas como un testimonio para el cumpleaños de su hija. En el plano técnico, el autor ejecuta la totalidad de los instrumentos y las voces, rechazando la automatización en la escritura. En su lugar, aplica herramientas digitales avanzadas únicamente en la posproducción para limpiar el mapa de tiempos sin perder el rastro humano.

El recorrido abre con la pieza homónima titulada Sixth of the Six, la cual establece el tono conceptual del volumen completo. La composición exhibe una estructura equilibrada que combina con precisión un rock de alta energía con sutiles elementos de la música country. Esta combinación de lenguajes tradicionales le otorga una fisonomía particular al inicio del disco, eludiendo los arreglos predecibles.

La marcha del repertorio continúa de forma fluida con el segundo corte de difusión denominado Don’t Let Go. Esta propuesta introduce un giro refrescante dentro del catálogo del productor, desmarcándose momentáneamente de las guitarras crudas de los bloques previos. La pista asimila con sobriedad diversas influencias urbanas muy afines al pop contemporáneo, recurriendo a un uso constante de los sintetizadores.

El trayecto analizado cierra con el tema Four Pills, una entrega que retoma los códigos del rock mediante una base rítmica adictiva. La arquitectura instrumental sirve de soporte para el despliegue de una voz sumamente dinámica y flexible dentro del estudio. La interpretación adquiere leves tintes agresivos que capturan la atención del oyente, consolidando una pieza directa que invita a disfrutarla al máximo.

Blues/Rock/Track x Track

El puente definitivo de Fernando Noronha hacia el rock

By Rafael Méndez / junio 23, 2026

El guitarrista y compositor brasileño Fernando Noronha celebra tres décadas de trayectoria con su nuevo trabajo de estudio Ain’t No Hiding From The Blues, gestado durante más de cuatro años de escritura. Originario de Porto Alegre, el músico consolidó su reputación al frente de su agrupación Black Soul, ganando incluso el temprano reconocimiento de la leyenda B.B. King. Tras radicarse recientemente en el sur de California, el instrumentista plasma su madurez geográfica y creativa en un catálogo de raíces nítidas.

Ubicado justo a la mitad de este nuevo álbum nos encontramos con Hoochie Coochie Man (Willie Dixon Cover), una pieza que rinde tributo directo a las fuentes del género. Esta entrega sostiene en su esencia las coordenadas de un rock clásico donde el blues asume un papel de indudable relevancia estructural. Para este corte, la banda sumó la colaboración en la armónica de Kim Wilson, concretando un valioso puente entre la tradición sudamericana y la norteamericana.

El recorrido de la producción continúa manifestando su solidez rítmica mediante la incorporación de la pieza titulada One Of A Kind. Este tema se desenvuelve sobre un ritmo muy adictivo que se acopla con total naturalidad al concepto general del volumen. Fiel a la búsqueda del conjunto, el corte abraza los códigos del rock clásico, otorgando un protagonismo definitivo a la ejecución de la guitarra y la presencia de la voz.

Dicha combinación interpretativa dota a la entrega de un estilo muy definido y de una marcada personalidad que huye de las fórmulas comerciales. Respaldado por Luciano Leães, Edu Meirelles y Ronie Martinez, el líder del proyecto demuestra que el lenguaje de las raíces no conoce fronteras políticas. Con estas composiciones, Fernando Noronha certifica un dilatado viaje de rigor instrumental, ofreciendo un testimonio directo, honesto y desprovisto de efectismos innecesarios.

Indie Rock/Lo Mejor de la Semana/Moderno/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Rock/Shoegaze/Track x Track

Eroica y Apollo Complex: ambición, emoción y un nuevo horizonte para el rock alternativo

By Neto Cuc / marzo 11, 2026

Desde la escena musical de Los Ángeles emerge Eroica, una banda que busca revitalizar los espacios del rock alternativo contemporáneo. Con una mezcla de estilos, el grupo se prepara para presentar su debut de larga duración, Apollo Complex.

La historia de Eroica comenzó en 2016, cuando Brian O’Neil y Ardem Gourdikian se conocieron en la escuela secundaria y decidieron formar un dúo. Durante años tocaron en distintos espacios locales desde fiestas escolares hasta micrófonos abiertos mientras refinaban su identidad. Poco después, el grupo se expandió con la incorporación del guitarrista Dylan Monti y el bajista Mars Horner, consolidando la formación actual de cuatro integrantes.

Eroica describe su música como “post-emo”, una etiqueta que refleja la mezcla entre la intensidad emocional del emo clásico y una aproximación más expansiva y experimental. En sus canciones conviven influencias muy diversas. Por un lado, la crudeza emocional y la expresividad melódica de bandas como Sunny Day Real Estate o Joy Division. Por otro, la exploración sonora de artistas como King Krule, así como la ambición compositiva del rock progresivo representado por King Crimson. También se percibe la influencia del minimalismo y la estética artística de The Velvet Underground.

A todo esto se suma un elemento poco común en el rock alternativo contemporáneo: la inspiración en la música clásica. Estructuras formales más complejas, contrastes dinámicos y un sentido casi orquestal de la construcción musical aparecen en su propuesta.

El resultado es un sonido que combina guitarras afiladas, melodías angulares y ritmos impredecibles, creando una experiencia que puede ser tan intensa para el público en vivo como estimulante para oyentes más analíticos.

EL TRACK X TRACK DE APOLLO COMPLEX

I Remind You of Your Mother

El álbum abre con “I Remind You of Your Mother”, una pieza que introduce de inmediato el mundo emocional de Apollo Complex. Guitarras tensas y distorsionadas, muy al estilo dosmilero, se entrelazan con una base rítmica muy emo, creando una atmósfera hipnótica. Entre confesión íntima y confrontación emocional, la voz transmite una vulnerabilidad que establece el tono introspectivo del disco, es un gran track para abrir el disco, mostrando completamente la personalidad y crudeza de la banda.

Infinite Merit

“Infinite Merit” abre con un paisaje sonoro etereo, donde las guitarras toman protagonismo con esta influencia del post-rock. Con crescendos cuidadosamente construidos y cambios rítmicos sutiles, el tema transmite una sensación mas dramatica pero serena a la vez, especialmente en la parte vocal.

Cry Again

“Cry Again” es profundamente influenciada por el emo clásico, sostiene una melodía clara y emotiva que contrasta con la contundencia del bombo y la textura de las guitarras. El uso de dos voces le da un estilo particular al track, mostrando elementos como falsetes y riffs que nos cautivan y nos transportan a esta onda retro de la banda sin perder cierta frescura que tiene este disco.

Dead Things

En “Dead Things”, la banda se adentra en territorios más oscuros y atmosféricos. Capas de guitarras dulces y una voz muy emocional que nos demuestra un dominio de recursos en la ejecución muy bien llevados, mientra la letra reflexiona sobre lo que permanece cuando las relaciones, las ideas o las versiones de nosotros mismos han terminado, el track se presenta principalmente en el uso de la guitarra y voz de una manera muy emocional, a la vez que la instrumentación va creciendo entre capas de guitarras distorsionadas que crean una tensión muy disfrutable.

Ghost Variations

“Ghost Variations” nos presenta un sonido mas cercano al Rock Alternativo, con riffs y una armonia mas oscura y dramatica, recordandonos de cierta manera a la banda britanica Muse. Con estructuras cambiantes y una sensación etérea, la canción juega con la idea de las “variaciones” musicales como metáfora de recuerdos que regresan transformados. Las melodías aparecen y desaparecen como ecos lejanos, generando un paisaje sonoro fantasmagórico.

The Ginny Car Tape

Con una instrumentación más minimalista al inicio, la canción evoca la sensación de escuchar una vieja grabación o un recuerdo capturado en una cinta olvidada. A medida que avanza, la música crece en intensidad, transformando una escena aparentemente cotidiana en una reflexión sobre la nostalgia, la memoria y los fragmentos de vida que sobreviven en los objetos, la voz envuelta en capas de reverb de la guitarra da un sonido mas cristalino y emocional al track, siguiendo este camino menos dosmilero y mas dramatico.El track va creciendo sin perder el foco en la interpretación vocal que practicamente es un hilo emocional que nos lleva durante toda la canción y su transformación.

Somebody Shot My Pet Skunk

El título provocador de “Somebody Shot My Pet Skunk” esconde una mezcla inesperada de humor oscuro y crítica social. Musicalmente, la canción es una de las más enérgicas del disco, con riffs angulares y una sección rítmica afilada. A diferencia de tracks anteriores el estilo de canto nos lleva a una linea completamente distinta, dejando atraves estas melodias dramaticas y etereas, para sumergirnos en influencias de generos como el Rap, la canción cuenta con unos riffs espectaculares mientras que toda la parte musical fusiona todas estas influencias en un resultado muy propositivo y genuinamente interesante.

Nag Hammadi

“Nag Hammadi” toma su nombre de un histórico conjunto de textos religiosos descubiertos en Egipto, mientras que la musica nos regresa de nuevo a estas bandas de garage emocionales y llenas de distorsion dulce, la voz para este punto del disco es uno de los elementos mas resaltables durante todo este camino, ya que tiene una versatilidad muy interesante pero que no pierde este peso vocal y de estilo que le inyecta a la banda. Nag Hammadi es una de estas canciones de post-emo que haran entender completamente el concepto que maneja la banda en cuanto a su sonido.

Apollo Complex

La canción que da título al disco, “Apollo Complex” nos lleva a una energia desbordante en el disco, amplia y dinámica, combina momentos de intensidad en la bateria con pasajes más contemplativos en cuanto a la parte vocal y su caracteristico falsete. Al ser la pieza angular del alum, la canción se atreve a jugar con una duración no tan común, jugando con texturas atmosfericas y riffs que pueden remontarnos a lo egipcio, llevandonos a nuevos sonidos del disco, integrandolo con este sonido mas particular del emo, sintiendose esta referencia a discos que buscan crear un estilo cercano a la opera rock.

Bat Wings

El álbum cierra con “Bat Wings”, una canción que mezcla melancolía y liberación. Las guitarras flotantes y el ritmo pausado crean una sensación nocturna y agresiva. Al ser el ultimo track del disco la banda cierra con un track muy represantativo de este sonido clasico que presentan durante el disco, ritmos rapidos y guitarras con esta escencia dosmilera, pasando por riffs super filosos mientras la voz delicada nos acaricia las emociones, para a mited del tema jugar con generos como el shoegaze o el post hard-core, dandole mas expansión a la paleta de sonidos que viene experimentando la banda, el track creo que representa muy bien la propuesta de la banda, un sonido cargado de energia, emocional y que puede tomar referencias muy claras de otras bandas pero logrnado integra un sonido propio.

Apollo Complex, concebido como un proyecto ambicioso y cuidadosamente trabajado, el álbum fusiona elementos de rock alternativo, shoegaze, post-rock, electrónica e incluso hip-hop. Las letras del disco exploran temas introspectivos y filosóficos, incorporando referencias al existencialismo, la espiritualidad y diversas tradiciones simbólicas. Este enfoque lírico busca ir más allá de la confesión emocional típica del emo para abordar preguntas más amplias sobre la experiencia humana.

Con Apollo Complex, la banda busca consolidar una identidad propia dentro del panorama del rock contemporáneo. Su mezcla de influencias históricas, energía juvenil y ambición conceptual sugiere que Eroica no solo pretende participar en la escena actual, sino también ampliarla.

Nuevas Voces Femeninas/Nuevos Sonidos/R&B/Soul/Track x Track/Trap

Melany Cubero revela su mundo interior en INVISIBLE, un manifiesto de sensibilidad y renacimiento

By Neto Cuc / febrero 18, 2026

En una nueva generación de artistas latinoamericanos que buscan romper moldes, llega Melany Cubero, cantautora costarricense que se mueve entre el pop, el soul y el R&B, construyendo un universo musical íntimo, elegante y honesto.

Su voz suave pero firme crea atmósferas donde convergen vulnerabilidad, introspección y una estética minimalista que prioriza el sentimiento por encima del exceso. Su música aborda temas como la identidad, el amor pasional, la conciencia individual, los procesos de duelo y la búsqueda espiritual, todo desde una perspectiva femenina poderosa y contemporánea.

Su sonido, con raíces centroamericanas y sensibilidad global, equilibra lo íntimo con lo expansivo. Hay en su propuesta una dualidad constante: lo delicado y lo rebelde, lo terrenal y lo etéreo, lo introspectivo y lo universal.

INVISIBLE es el nuevo trabajo discográfico de Melany, una obra que invita a mirar hacia el interior y reconocer aquello que no se ve pero se siente. Con una atmósfera íntima y envolvente que fusiona soul, R&B y pop alternativo, el álbum recorre emociones como la vulnerabilidad, la ansiedad, la sanación y el renacimiento personal.

A través de ocho canciones, Melany Cubero explora duelos silenciosos, ansiedad, renacimientos personales y la búsqueda de sentido, construyendo un viaje que va de la vulnerabilidad a la luz. Con una estética minimalista y atmósferas soul y R&B, el álbum privilegia la emoción sobre el artificio y propone una narrativa honesta donde la fragilidad se convierte en fuerza creativa.

El Track x Track de “INVISIBLE”

1. Fuiste de Viaje
La canción que introduce al álbum abre el viaje con una atmósfera etérea y confesional, donde la voz se convierte en susurro y declaración al mismo tiempo. “Fuiste de Viaje” habla de esos momentos en los que el dolor y los recuerdos se viven en silencio, cuando por fuera todo parece estable pero por dentro hay una tormenta emocional. La producción minimalista sostiene cada palabra con delicadeza, permitiendo que la vulnerabilidad sea protagonista, entre sonidos de organo y drum mcahine, la canción nos introduce al mundo R&B de Melany

2.- Ilogico

Ilogico, el segundo track del disco empieza repitiendo una frase y melismas de la cantante a modo de mantra, la canción. La instrumentación es sutil y envolvente, casi meditativa, mientras la letra plantea preguntas existenciales sobre identidad, propósito y autoaceptación. La canción funciona como un espejo emocional que invita a escuchar aquello que normalmente se evita, revelando que dentro del silencio también puede encontrarse claridad.

3.- Invisible

Invisible es una pieza íntima y contemplativa que revela la fragilidad emocional que muchas veces se vive en silencio. Con una atmósfera etérea y minimalista a piano y voz que privilegia los espacios y las texturas suaves, Melany Cubero interpreta la sensación de sentirse invisible en medio del ruido del mundo, explorando el miedo, la soledad y la necesidad de ser vista y comprendida.

4.- Introspección (Nunca fui yo)

Con un groove marcado por cajas de ritmo y una fuerte inspiración en el Hip hop, la cuarta canción del disco funciona como un puente musical emocional en el disco, mientras la producción minimalista sostiene cada emoción con sutileza. “Introspección (Nunca fui yo)” es un recordatorio dentro del disco, un reconocimiento de emociones que va transitando la artista.

5. Veloz
Veloz representa el impulso del movimiento y la decisión de avanzar pese al miedo, con un beat moderno minimalista y una energía ascendente que contrasta con la introspección de otros momentos del disco. La canción captura esa sensación de correr hacia lo desconocido con el corazón acelerado, sabiendo que quedarse inmóvil duele más que arriesgarse. Entre capas de R&B alternativo y una interpretación vocal, “Veloz” se convierte en un himno a la determinación emocional y al crecimiento personal.

6. Amapola
En esta pieza, el soul se hace notar, entre una instrumentación marcada por un piano con un sonido particular y una interpretación vocal que destaca los melismas y las remiscencias a toda la herencia de generos como el R&B la canción se vuelve una luz de esperanza dentro del disco.

7. Despierta ft. Kingstar
Despierta es una canción que transmite un poderoso mensaje de conciencia, propósito y superación personal. En esta colaboración, Melany Cubero une su sensibilidad vocal con la fuerza expresiva de Kingstar para invitar a la reflexión sobre la misión individual en la vida y la importancia de avanzar sin miedo pese a las adversidades. Con una energía diferente dentro del disco y un enfoque espiritual, el tema propone fluir con fe, dejar de lado el ego y encontrar luz en medio de la oscuridad, convirtiéndose en un llamado a despertar la conciencia y evolucionar hacia una versión más plena del ser. Musicalmente la canción nos presenta nuevos sonidos como el Saxofon y un groove completamente inspirado en ritmos de rap.

8. Invisible (Remix)
El cierre del álbum nos sorprende retomando el tema central “Invisible”, sta reinterpretación realmente nos parece la mejor del disco, manteniendo la esencia íntima de la canción original, pero llevandola a un genero electronico que realmente le aporta un groove inesperado y emocionante dentro del catalogo de la artista. “Invisible (Remix)” funciona como un círculo que se cierra: lo que antes era peso ahora es impulso, y lo que parecía fragilidad se revela como la mayor fortaleza y que a la vez nos deja a la expectativa de proximos trabajos de la cantante.

Altpop/Dream Pop/Indie Pop/Indie Rock/Nuevo Pop/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Pop/Psicodelia/Track x Track

Baydream Despliega su Universo Groovy y Lo-Fi con Tragic Magic

By Neto Cuc / diciembre 16, 2025

Detrás de Baydream hay un universo creativo en constante expansión, donde la música funciona como un reflejo de emociones, sueños y mundos imaginarios. Originario de Hamburgo, el proyecto nació de la necesidad de explorar lo etéreo y lo introspectivo, fusionando influencias de indie, dream pop, electrónica y post-punk para crear un sonido que trasciende géneros.

El proyecto regresa con su más reciente lanzamiento: el EP Tragic Magic. Con este trabajo, el artista continúa explorando los límites del indie contemporáneo, fusionando géneros y construyendo un sonido que es a la vez introspectivo y envolvente.

Tragic Magic combina melodías etéreas con ritmos experimentales, creando un viaje que alterna entre momentos de introspección y explosiones de energía. Cada pista está cuidadosamente elaborada para sumergir al oyente en un universo sonoro donde coexisten el indie rock, el dream pop y elementos electrónicos, acompañados de letras que reflexionan sobre la complejidad de las emociones humanas.

El Track x Track de Tragic Magic

Insomnia

Insomnia abre el EP con una atmósfera delicada y minimalista, combinando sintetizadores dreamy y atmosfericos con percusiones digitales que simulan la sensación de vigilia constante. La producción juega con capas de texturas electrónicas y guitarras ambientales, mientras la voz principal transmite una sensación de quietud y somnolencia, estableciendo el tono melancólico y reflexivo del EP, con una paleta de sonido muy clasicos de dream pop y bedroom pop el proyecto nos adentra poco a poco en su mundo.

A Rose from the Dead

El segundo track continúa con sintetizadores etéreos que evocan dramatismo y elegancia. La canción equilibra momentos de delicadeza con bajeos que colorean y dan movimiento al track, mientras las letras sugieren nostalgia y tensión entre lo perdido y lo recuperado.El EP tiene un tinte muy digital, perfecto para los amantes del Lo-Fi y los sonidos caseros.

Thunder | So Gone

Thunder | So Gone nos mantiene en la misma linea que canciones anteriores, drums digitales, guitarras atmosfericas y una voz con tesitura grave, que va evolucionando a traves de melodias dulces en los sintetizadores.

Hollywood

¡Con Hollywood tenemos justo algo diferente! y que estabamos esperando, con un enfoque mas atmosférico, los sintetizadores brillantes y ritmos marcados que evocan luna calma muy interesante dentro de la industria del entretenimiento. La producción nos acerca a una voz con un tunning diferente en la voz, que especificamente en este track nos encanta por ser sutil y alejarse de las cacniones anteriores, hasta ahora nuestro track favorito del disco.

Loot All

El siguiente track apuesta por un sonido más rítmico y energetico sin romper la taciturnidad del EP, con un groove marcado y elementos mas guitarreros logran generar tensión y movimiento. Las líneas vocales juegan con cadencias irregulares, mientras los arreglos nos hacen mover la cabeza ligeramente en una atmosfera super eterea.

Luise

Llegando casi al final del EP Luise adopta un tono más íntimo y melódico, con guitarras suaves, sintetizadores envolventes y una atmósfera nostálgica que invita a perdernos en melodias dulces y juguetonas. La canción resalta la vulnerabilidad del relato lírico, con vocalizaciones delicadas que transmiten cercanía y sensibilidad.

Islands

Islands cierra el EP con un enfoque en el groove, combinando paisajes sonoros abiertos. La instrumentación es gradual y texturizada permite que la voz principal emerja con claridad en lo etereo, mientras la estructura musical y los arreglos finales refuerzan el sonido y conclusión para la personalidad sonora de Tragic Magic.

El EP abre con temas que capturan la esencia melancólica de Baydream, con capas de sintetizadores y guitarras que fluyen sobre percusiones digitales y groovies, mientras que los tracks centrales muestran la versatilidad del proyecto, mezclando sintetizadores pegajosos con atmósferas dreamy.

Con Tragic Magic, Baydream ofrece un trabajo que es tanto experimental como accesible, y que promete seguir expandiendo su universo creativo en cada lanzamiento.