Shark Infested Seas emerge como un potente experimento musical que une influencias de rock y shoegaze en una atmósfera rústica y algo agresiva. La canción se despliega con un ritmo explosivo y ganchos inesperados que marcan un estilo distintivo. A través de su producción cuidada, la banda consigue evocar la crudeza de la música real sin perder la vitalidad necesaria para enganchar al oyente. Este tema se siente como una embestida sonora, a la vez directa y cargada de emociones.
Formada en octubre de 2021 por los vocalistas Jack Perrett y Dan Burridge, Eurekas ha sabido forjarse un lugar en la escena del sur de Gales con determinación y entusiasmo. Su carrera se ha visto acelerada por una serie de singles que han captado la atención de referentes de la radio tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. La experiencia de la banda en directo resalta su capacidad para transmitir energía y autenticidad en cada actuación. Este crecimiento ha generado expectación en el panorama indie rock.
Con Shark Infested Seas, Eurekas continúa explorando nuevos territorios sonoros que reflejan su identidad como banda. La composición destaca por su fusión de elementos tradicionales del rock con texturas etéreas del shoegaze, creando una propuesta sonora que resulta tanto provocadora como accesible. La voz, que acompaña de manera segura el trasfondo instrumental, aporta una dimensión extra, dotando a la canción de personalidad y de una chispa única. La banda logra así unir lo melódico con lo contundente.
En definitiva, Shark Infested Seas es una clara declaración de intenciones para Eurekas, una banda que no teme arriesgarse y romper moldes. La propuesta resulta atractiva para quienes buscan una experiencia musical intensa y cargada de energía, sin caer en excesos. La capacidad de la agrupación para conjugar influencias diversas y presentarlas de forma honesta y directa es lo que hace que este tema se destaque en el panorama indie rock. Es un convite a dejarse arrastrar por la fuerza de los riffs y la crudeza de una producción que realmente invita al movimiento.
Natalie Lew, conocida artísticamente como Sea Lemon, es una cantante y compositora de Seattle cuyo sonido evoca un mundo de ensueño, melancolía y misterio. Su música, que ha sido comparada con la suavidad del shoegaze y la estructura pop, fusiona la belleza de paisajes naturales con una atmósfera introspectiva. Su proyecto Sea Lemon es un reflejo de su visión única del mundo, inspirada por su vida en el Pacífico Noroeste, y un ejemplo perfecto de cómo lo cotidiano puede transformarse en una experiencia musical.
Sea Lemon comenzó como un proyecto en solitario de Lew, quien creció en Seattle, rodeada por los paisajes naturales de la región. Desde su infancia, Lew estuvo fascinada por la vida marina y los paisajes impresionantes de la costa del Pacífico, lo que influiría profundamente en su música. Aunque su formación musical comenzó con el piano, fue en su tiempo en la Universidad de Washington cuando Lew empezó a experimentar más con la música, aprendiendo a tocar la guitarra y a grabar por su cuenta. Después de una temporada en Nueva York, regresó a la costa oeste en 2020, un período de aislamiento que le permitió descubrir su voz y desarrollar su estilo en solitario.
Su primer EP, Close Up (2020), marcó el comienzo de su carrera como artista solista, pero fue su segundo EP, Stop At Nothing (2021), el que consolidó su sonido. La combinación de guitarras suaves, ritmos etéreos y letras melancólicas atrajo rápidamente la atención de los oyentes que buscaban algo nuevo en el mundo del indie y el dream pop.
En 2025, Sea Lemon dará un paso más en su carrera con el lanzamiento de su primer álbum de larga duración, Diving For A Prize. Este álbum, que se lanzará el 13 de junio, está lleno de canciones que exploran temas como la nostalgia, la introspección y la percepción de lo mundano a través de un lente fantástica. Diving For A Prize fue creado en colaboración con Andy Park (Death Cab For Cutie, Deftones), quien ayudó a darle forma al sonido característico de Sea Lemon, fusionando la suavidad de las melodías con texturas sonoras más densas.
El primer sencillo del álbum, Stay, es una pieza introspectiva que capta perfectamente la esencia del sonido de Sea Lemon. La canción fue escrita después de que Lew se encontrara con un hombre mayor actuando como guardia de seguridad en una tienda de segunda mano, durmiendo en el sofá mientras trabajaba. Esta imagen inspiró a Lew a escribir Stay, una canción que habla sobre la importancia de tomarse un descanso, de saber cuándo relajarse y desconectarse del ritmo frenético de la vida cotidiana. La canción se caracteriza por sus guitarras difusas, su suave percusión y la delicadeza de la voz de Lew, todo ello envuelto en una atmósfera de ensueño y nostalgia.
Las influencias del shoegaze y el dream pop son evidentes, pero su música también se distingue por la claridad de sus estructuras pop, lo que hace que sus canciones sean fácilmente accesibles a pesar de su atmósfera etérea. Los arreglos musicales en sus canciones a menudo se disuelven en texturas suaves, creando un paisaje sonoro envolvente que invita a la reflexión.
Tras trece años de ausencia, la banda china de post-rock Summer Fades Away vuelve con su tercer álbum, Endless, una obra que fusiona su característico sonido atmosférico con nuevas exploraciones musicales. Publicado bajo el sello 1724 Records, este esperado regreso promete mucho dentro del género.
Desde su fundación en 2008 en Changsha, China, Summer Fades Away combina melodías hipnóticas con intensas explosiones sonoras. Con Endless, la banda profundiza en temas como el crecimiento personal, la transformación urbana y los cambios sociopolíticos que han marcado la última década en su país.
El álbum, grabado meticulosamente durante dos años, está compuesto por siete pistas que se presentan en formatos digital, CD de edición limitada y vinilo, cada uno con una masterización única y sutiles variaciones en las pistas. Esta atención al detalle reafirma el compromiso de la banda con la calidad y la autenticidad sonora.
Si bien Endless conserva la esencia de Summer Fades Away—melancólica, intensa y evocadora—tambien introduce nuevos matices en su paleta sonora. Las guitarras etéreas, los motivos de teclado hipnóticos y las estructuras rítmicas precisas crean paisajes auditivos que invitan a la reflexión y la catarsis.
Con elementos melódicos que evocan el sonido de instrumentos como el guzheng, reinterpretados a través de las texturas expansivas del post-rock moderno. Esta fusión dota a la banda de una identidad sonora única dentro de la escena internacional.
El Track x Track de “Endless”
June Yui: La apertura del álbum es un viaje entre ritmos militares de tarolas, donde las guitarras etéreas y un crescendo hipnótico preparan el terreno para la narrativa emocional de Endless. Las guitarras juegan un papel principal en el track creando una atmosfera nostalgica, que se siente como una musicalización de recuerdos del pasado.
Guansha Ridge: El track comienza explosivamente, con guitarra distorsionadas y un ritmo agresivo, la canción crea una atmosfera que podria llevarnos a un momento de guerra, la sensación crece intensamente y tiene un tono nastalgico dentro de todo este caos, los arreglos de guitarra especialmente la guitarra melodica le da ese toque oriental que carecteriza a la banda.
At Last, It Fades: Con un piano ligero y lleno de texturas el tercer track del disco nos introduce a una calma que poco a poco se llena de tensión y resoluciones, llevandonos a una atmosfera que sirve como un descanso esperanzador dentro del disco.
The Withering We Knew: A manera de continuación este track surge de una atmosfera calmada y nostalgica, lleno de guitarras brillantes, armonizaciones y contramelodias el grupo crea una tridimensionalidad muy interesante, poco a poco elementos como la bateria y una guitarra veloz entran a escenario haciendo crecer enormemente al track, haciendolo sentir heroico, sin perder este tono de esperanza.
The Last Movement: Casi llegando al final del disco, The Last Movement nos presenta una primera sección que se siente como la duda antes de la esperanza, contrastando con una segunda sección mas eterea y nostaglicamente esperanzadora, hsta ahora uno de los tracks mas minimalistas de la obra pero que cautiva con una melodia muy memorable que evoluciona en un siguiente acto a modo de pasaje. Llegando a la mitad de la canción, esta se transforma para darnos una sensasion grandilocuente, con toms invitando a unirnos al movimiento, mientras el juego de guitarras va de lo noisy a lo melodico, un final lleno de coros armonizados a manera de victoria o final epico, la canción termina en una nota muy arriba.
Make An Appointment: Despues del momento mas algido del disco, viene la calma, Make an Appointment juega principalmente con las guiatrras y una atmosfera suave donde se siente como si los isntrumentos estuvieran conversando entre ellos. La canción poco a poco va creciendo y entra un aura de tristeza reforzada con un ligero piano.
Shall I Compare Thee To A Summer’s Day: El cierre de Endless es una canción atmosferica llena de piano y sonidos ligeros que nos transportan al mundo de la banda, sorpresivamente aparece una voz que narra un dialogo para concluir el album, poco a poco la canción evoluciona en un energetico track mnostalgico, donde la bateria toma protagonismo, con fills tremendamente efusivos, asi como la explosion de guitarras y piano le da cierre al disco.
Para celebrar el lanzamiento de Endless, Summer Fades Away se embarcará en una gira nacional que recorrerá 21 ciudades de China en 2025. Con una puesta en escena envolvente y emotiva, el grupo promete transportar a su público a través de un viaje sonoro inolvidable, lleno de crescendos majestuosos y momentos de introspección.
La influencia de Summer Fades Away en la escena post-rock no puede subestimarse, y su regreso con Endless marca un nuevo capítulo en su trayectoria. Con una combinación de nostalgia e innovación, para los amantes del post-rock, Endless es una experiencia que confirma por qué el nombre Summer Fades Away sigue resonando en la escena musical.
Desde Los Ángeles, Soft Siren emerge en el panorama del dream pop y shoegaze. Formado por los talentos de Sidewalks and Skeletons y CASHFORGOLD, este proyecto fusiona lo etéreo y lo ruidoso, llevando la nostalgia de los años 90 a un territorio contemporáneo, oscuro y sorprendentemente único.
La música de Soft Siren es un viaje sensorial que mezcla la delicadeza del dream pop con la intensidad del shoegaze, incorporando también toques de psicodelia y elementos del rock alternativo. Influenciados por bandas míticas como Cocteau Twins, Mazzy Star y la nostalgia de Lana del Rey, su sonido se caracteriza por un equilibrio perfecto entre lo onírico y lo poderoso. Cada acorde de guitarra parece sumergir al oyente en un océano de ecos expansivos, mientras que las voces etéreas y casi angelicales fluyen a través de capas de ruido y reverberación, creando una atmósfera de ensueño que es, al mismo tiempo, profunda y envolvente.
Su más reciente sencillo, “Dethereal”, abre con una suavidad que rápidamente se transforma en una ola de guitarras densas y potentes, acompañadas de una batería lo-fi que le da una textura especial. Es un tema que evoca la estética del shoegaze de los 90, pero con un giro moderno que roza el post-metal, sumergiendo al oyente en un paisaje sonoro donde las distorsiones y las atmósferas se entrelazan con la poesía de las letras.
La letra de “Dethereal”, con imágenes como “rosas de plástico en la marea”, captura la esencia del amor perdido y la melancolía. Es una reflexión sobre el desgaste emocional y la nostalgia, un tema recurrente en la música de Soft Siren. La banda no solo rinde homenaje a las grandes figuras del shoegaze, sino que también le da su propio giro, fusionando lo antiguo con lo moderno de manera sublime.
Aunque Soft Siren no está reinventando el género, su habilidad para mezclar influencias clásicas con elementos contemporáneos les permite ofrecer una propuesta refrescante. La combinación de la nostalgia por el pasado y la incursión en sonidos más oscuros y experimentales mantiene a la banda a la vanguardia del shoegaze y el rock alternativo.
Forgotten Garden es una banda de indie rock que ha logrado cautivar a su audiencia con una propuesta sonora única, fusionando elementos de post-punk, dream pop y una pizca de folk. Formada por la cantante Inês Rebelo y el multiinstrumentista Danny Elliott, esta banda de origen escocés-portugués lleva desde 2019 explorando las emociones más profundas y oscuras a través de sus canciones, abordando temas como el amor perdido, el dolor de las rupturas y las cicatrices dejadas por el paso del tiempo.
Inês vive en Portugal, mientras que Danny reside en el norte de Escocia, lo que da una dimensión única al proceso creativo de la banda, ya que han tenido que superar la distancia física para desarrollar una conexión musical profunda. A pesar de vivir en diferentes países, su colaboración ha dado como resultado una propuesta sonora que se siente tanto personal como universal.
La música de Forgotten Garden está influenciada por algunas de las bandas más emblemáticas del post-punk, como The Cure, Joy Division y The Smiths, pero también tiene un giro más contemporáneo gracias a sus incursiones en el dream pop y la música alternativa. Las composiciones de Danny, cargadas de sintetizadores oscuros, guitarras melódicas y líneas de bajo envolventes, crean un ambiente íntimo y a menudo melancólico que complementa perfectamente la voz de Inês.
Inês Rebelo es el alma vocal de Forgotten Garden, y su capacidad para transmitir emoción a través de su voz es una de las características más destacadas de la banda. Su estilo vocal, que ha sido comparado con artistas como Florence Welch, Lana Del Rey, Chelsea Wolfe y Weyes Blood, tiene una versatilidad impresionante. Puede pasar de ser etérea y delicada a poderosa y desgarradora, lo que le da a cada tema un matiz emocional profundo.
En canciones como Five Minutes, el contraste entre los sonidos oscuros de la instrumentación y la voz melancólica de Inês crea una atmósfera única. El tema, que habla de una relación que lentamente se desvanece, ha sido descrito como “sueño encantado” y “único” por críticos como Existential Magazine. La evocadora voz de Inês sobre una base instrumental orgánica y cautivadora deja una sensación de nostalgia y tristeza que es difícil de ignorar.
A lo largo de su carrera, Forgotten Garden ha lanzado varios sencillos y EPs que exploran temas de pérdida, angustia emocional y la fugacidad de las relaciones. Su primer EP, Broken Pieces (2020), marcó el inicio de su carrera con un enfoque en las rupturas sentimentales. Posteriormente, lanzaron el sencillo “Jessica” y la oscura canción navideña Christmas Time, que explora el dolor de los recuerdos tristes que resurgen en épocas festivas.
Sin embargo, fue con su segundo EP, In Memoriam (2024), cuando la banda realmente profundizó en temas de duelo y pérdida. Los cuatro temas del EP están basados en las emociones que surgen ante la muerte, el luto y el vacío dejado por aquellos que ya no están. La crítica ha elogiado este trabajo, destacando la fragilidad y belleza transitoria de las composiciones.
Moscoman nacido en Israel y radicado en Berlín, este DJ, productor y músico ha cautivado al público con su capacidad para mezclar géneros aparentemente dispares y llevar la música electrónica a territorios inexplorados. Moscoman ha logrado crear una identidad propia dentro de la música de baile, manteniendo siempre una energía impredecible que lo hace destacar en cada actuación y producción.
A lo largo de su carrera, Moscoman ha demostrado su versatilidad al fusionar diferentes géneros, desde el house y el techno hasta el disco oscuro, el acid y el synth, siempre con un toque alternativo. Su capacidad para combinar influencias de la música indie y rock con la electrónica le ha permitido crear un sonido único que no encaja en ninguna etiqueta predefinida. Si bien es conocido por sus sets de club, donde la energía y la imprevisibilidad son clave, su música también tiene una calidad introspectiva que la hace apta para ser disfrutada en un ambiente más relajado.
Uno de los lanzamientos más esperados de Moscoman es su próximo álbum, Caviar, que se publicará el 6 de junio. Con este trabajo, Moscoman da un giro hacia un sonido más orgánico, alejándose de la electrónica purista para incorporar más instrumentos en vivo y elementos del indie y el shoegaze. Caviar es un reflejo de la evolución personal y artística de Moscoman, un viaje sonoro que comenzó como un concepto experimental fusionando el shoegaze y el dancefloor, pero que, con el tiempo, ha evolucionado hacia una propuesta más refinada pero igualmente visceral.
“Este álbum se siente como un road trip”, comenta Moscoman, al referirse a cómo la música captura la sensación de un viaje largo y emocional. La producción comenzó en Los Ángeles, donde el productor experimentó con sampling, sonidos grabados y, finalmente, la incorporación de guitarras, baterías en vivo y sintetizadores para darle textura y profundidad a la obra. La colaboración con artistas como COMA, SCUDFM, Tom Sanders, Justin Strauss, The Golden Dreggs y Talee también ha sido fundamental para dar forma a la visión de Moscoman, creando una mezcla de influencias que va desde el indie de los 90 hasta la música electrónica contemporánea.
El trío de Exeter, Soot Sprite, compuesto por Elise Cook (voz principal/guitarra), Sean Mariner (bajo/voz secundaria) y Sam Cother (batería/voz secundaria), ha evolucionado desde sus inicios como un proyecto de lo-fi bedroom pop liderado por Cook, hasta convertirse en una banda que abarca el alt-indie shoegaze con su sonido envolvente y lleno de matices.
Este 16 de mayo, Soot Sprite lanzará su esperado álbum debut, Wield Your Hope Like A Weapon, a través del sello Specialist Subject (conocido por trabajar con artistas como FRESH, Jeff Rosenstock, Doe, Muncie Girls). En este trabajo, la banda muestra una notable madurez musical, abrazando tanto los altibajos de la vida emocional como los momentos de pura energía visceral.
El primer sencillo que lanzaron, All My Friends Are Depressed, da una fuerte pista de lo que nos espera en el álbum. En esta canción, Cook se adentra en una profunda reflexión sobre la crisis de salud mental, un tema personal pero universal. “Es una observación de la crisis de salud mental en la que estamos, lo extendida que está y cómo los factores sociopolíticos juegan un papel importante. También es un recordatorio para mí misma de que tengo que dejar de distraerme de mis problemas y tratar de cambiar algo, o enfrentarlo, porque si no lo hago, nunca superaré este episodio”, dice Cook sobre la canción.
Influenciados por el alt-indie, el shoegaze y un enfoque emocional en la composición, las canciones del álbum exploran la lucha contra la apatía, la importancia de la empatía y la necesidad de esperanza en un mundo cada vez más agitado. Como explica Cook: “Es un álbum sobre abrazar la empatía por encima de la apatía, a pesar del constante flujo de horrores mundiales. Si tenemos empatía, podemos tener esperanza, y con esperanza el cambio siempre es posible”.
Hunny Buzz explora la complejidad de las relaciones humanas a través de una mezcla de indie pop y rock con matices shoegaze. Liderados por Lyd Read, cuya voz contrasta con la energía cruda de sus instrumentales, el cuarteto británico aborda temas como el desamor moderno con letras narrativas y un enfoque melancólico. En Maisy, su propuesta más reciente, se percibe una tensión entre la fuerza del ritmo y la vulnerabilidad de las líricas, creando un diálogo sonoro que refleja su esencia.
La banda ha ganado atención gracias a su habilidad para combinar estrofas introspectivas con coros contagiosos de influencia surf-pop. Apoyados por BBC Introducing y presentados en programas como el de Gemma Bradley en Radio 1, Hunny Buzz ha construido una base sólida en la escena indie británica. Su participación en festivales como Truck y Dot to Dot, junto con colaboraciones con artistas como Vistas, refuerza su presencia en vivo como un acto en ascenso.
Maisy destaca por su estructura explosiva, donde las guitarras reverberantes y las líneas de bajo marcadas se entrelazan con la voz de Lyd Read, que oscila entre lo etéreo y lo directo. La canción no busca complacer, sino transmitir la ambivalencia de aceptar el fin de una relación: hay crudeza, pero también un dejo de liberación. Este equilibrio entre lo caótico y lo controlado define su propuesta.
Con su EP debut Welcome to our Garden y una agenda activa en 2024, Hunny Buzz se consolida como un nombre a seguir. Para quienes buscan indie rock con personalidad y letras que van más allá de lo superficial, Maisy es una puerta de entrada a su jardín sonoro, donde lo dulce y lo áspero coexisten sin disculpas.
First Day Of Spring es una banda originaria de Londres que en los últimos años han ido ganando terreno con un sonido que fusiona el shoegaze de los años 90 con el indie rock de principios de los 2000. Su más reciente EP, Be My Hospital crea atmósferas envolventes, mientras exploran temas personales y emocionales a través de sus letras.
Uno de los puntos más destacados de este EP es el tema “Old World”, con una carga emocional sincera, la canción inicia con una presencia tranquila y segura. El tema refleja los sentimientos de gratitud y esperanza surgidos después de la pandemia de COVID-19, con referencias a un obelisco de granito datado de 1836, conocido como el Crowstone, que marca el límite este de la jurisdicción de conservación del río Támesis en la ciudad de Londres. Para la banda, este obelisco tiene un significado personal, ya que se encuentra cerca de su hogar, y se convierte en un símbolo de la vuelta a la normalidad y de la posibilidad de reunirse en la playa tras el fin de la pandemia.
La mezcla de guitarras suaves y melodías envolventes en “Old World” no solo evoca una sensación de nostalgia, sino también de esperanza, llevando al oyente a un viaje emocional a través de la música. El tema se convierte en una celebración de las pequeñas cosas que a menudo damos por sentadas, como estar con seres queridos o disfrutar de los espacios abiertos, todo envuelto en un sonido que parece pertenecer tanto al pasado como al futuro.
Con una propuesta sonora rica en capas de guitarras y dinámicas emocionales, la banda sigue demostrando que el shoegaze y el indie rock no son géneros del pasado, sino que siguen evolucionando de maneras frescas y emocionantes.
Por otro lado, First Day Of Spring también ha logrado destacar con su sencillo de 2023, “Operation”, el cual mezcla elementos de shoegaze con una atmósfera similar a la de The Cure, con guitarras que explotan en una espiral de sonidos que pronto se transforman en una melodía más etérea y envolvente. La canción se mueve entre el caos y la calma, mostrando la versatilidad de la banda y su habilidad para crear paisajes sonoros profundos y emocionales.
First Day Of Spring está haciendo música que invita a la introspección y a la conexión emocional con el oyente, y su habilidad para contar historias personales a través de sus canciones es lo que los hace destacar en un panorama musical cada vez más saturado. Si aún no has escuchado su música, te invitamos a darle una oportunidad a su sonido único y a sumergirte en las emociones que transmiten con cada acorde.
La banda suiza Last Leaf Down ha experimentado una notable evolución sonora, inicialmente influenciados por el doom metal, el grupo dio un giro significativo en su trayectoria cuando Benjamin Schenk se unió en 2007, marcando el inicio de una transición hacia el shoegaze y el rock alternativo. Con influencias de bandas como Anathema, Placebo, Katatonia, Slowdive, Keane y Muse, el grupo logró consolidar un estilo propio dentro del género.
Para 2012, Last Leaf Down ya había definido su identidad musical, caracterizada por atmósferas etéreas, guitarras envolventes y una melancolía introspectiva que los distingue dentro de la escena shoegaze. En su álbum debut, Fake Lights, lanzado en 2014 y. Bright Wide Colder en 2017, combinan pasajes hipnóticos con letras cargadas de emoción.
Después de varios años de evolución, Last Leaf Down regresa con su nuevo álbum, Weight of Silence, que será lanzado el 11 de abril. Este trabajo promete una exploración aún más profunda de su característico sonido etéreo y melancólico, manteniendo la esencia que los ha definido desde sus inicios, pero con una madurez artística que refleja su trayectoria.
Con su mezcla de nostalgia, paisajes sonoros expansivos y letras introspectivas, Last Leaf Down continúa marcando su huella en el mundo del shoegaze y el rock alternativo.Si aún no los has escuchado, este es el momento perfecto para sumergirte en su mundo sonoro y descubrir por qué Last Leaf Down es una de las bandas más cautivadoras del shoegaze contemporáneo.
