The Next Movement vuelve a demostrar por qué se ha consolidado como una de las propuestas más enérgicas del funk europeo con “MOJO”, un nuevo single en el que el trío suizo une funk, neo-soul, jazz-funk y elementos de Afrobeat para convertir la recuperación personal en una experiencia colectiva. Acompañados por The SoulVision Allstars Horns, colaboradores habituales de otros proyectos, J.J. Flueck, Pascal “P” Kaeser y Sam Siegenthaler amplían su característico sonido con una sección de metales que aporta fuerza, movimiento y una dimensión especialmente expansiva.
The Next Movement ha construido una identidad marcada por el groove, el virtuosismo y una poderosa conexión con el público. Su formación de tres músicos Flueck en batería, samples y voz principal; Kaeser en bajo, sintetizadores y coros; y Siegenthaler en guitarra y coros consigue generar el impacto de una banda mucho más grande, combinando precisión instrumental, humor y una energía contagiosa.
En “MOJO”, esa capacidad para convertir el groove en una experiencia física encuentra un nuevo punto de expresión. El bajo, la guitarra, la batería y los sintetizadores establecen una base dinámica sobre la que los metales de The SoulVision Allstars Horns amplían el espectro de la canción. El resultado es un tema vibrante en el que el funk y el neo-soul se encuentran con influencias de jazz y ritmos afrobeat, manteniendo el movimiento constante de principio a fin.
En el centro de la canción aparece una frase sencilla que funciona como declaración y como mantra: “I got my mojo back”. El “mojo” representa esa energía, seguridad y confianza personal que en determinados momentos puede desaparecer bajo el peso de la duda o el desgaste, pero que también puede recuperarse. La canción convierte ese proceso interior en una celebración. No se trata simplemente de volver al punto de partida, sino de atravesar una etapa difícil y emerger de ella con una perspectiva diferente. La imagen del ave fénix refuerza precisamente esa idea de transformación: renacer no significa ser exactamente quien eras antes, sino reconstruirte y recuperar tu espacio desde un lugar nuevo.
Los arreglos de metales aportan una dimensión adicional al formato de trío y convierten el groove en una celebración sonora de mayor escala. Cada elemento trabaja para mantener el impulso: la base rítmica sostiene el movimiento, la guitarra aporta textura y carácter, los sintetizadores expanden el paisaje y los metales elevan los momentos clave.
“MOJO” llega en una etapa especialmente importante para The Next Movement. Después de su etapa More Cowbell y de lanzamientos como Never Coming Down, Funk Love Ecstasy e Is it Real?, el grupo prepara una nueva gira durante 2026/2027 y el lanzamiento de su cuarto álbum de larga duración en octubre de 2026.
Hay artistas que comienzan buscando una voz y otros que comienzan buscando una respuesta. En el caso de Jeynu Núñez, escritor y rapero de Juana Díaz, Puerto Rico, ambas búsquedas parecen ocurrir al mismo tiempo. Desde 2020, Núñez ha utilizado la música como un espacio para explorar aquello que lo compone: la memoria, la identidad, las relaciones, las experiencias cotidianas y también esas emociones que, a primera vista, podrían parecer demasiado pequeñas como para convertirse en una canción. Su propuesta parte de una intención sencilla, aunque no necesariamente fácil: hablar desde la sensibilidad sin perder el calor humano.
Ese recorrido desemboca en NOSTALGIA, su primer álbum de estudio, un proyecto de siete canciones que funciona como una mirada hacia distintas etapas de su vida. No se trata únicamente de recordar. En el álbum, recordar parece ser también una forma de ordenar, entender y finalmente soltar.
NOSTALGIA no busca presentar una narrativa explicada de principio a fin. En lugar de construir un discurso explícito, Núñez parece confiar en los detalles.
El proyecto también reúne una serie de colaboraciones que amplían ese ejercicio de memoria hacia otras geografías. En sus créditos aparecen artistas de Puerto Rico y de distintos lugares del mundo, entre ellos Yuyang Lu, Migui, Ivan Bervin, LAPERRERA, Melina Alegria, brrrravo, Annie, Jon Limon, Acidd y Siete.
El Track x Track de “Nostalgia”
1. El intro que le debía a Shanice — con Yuyang Lu
El álbum comienza casual y relax, con un lenguaje casual que logra darnos contexto del artista El intro que le debía a Shanice funciona como una puerta de entrada a NOSTALGIA: una canción que parte de una persona específica para abrir un espacio mucho más amplio de recuerdos. Hay algo íntimo en la idea de “deberle” una canción a alguien, como si hacerla fuera finalmente cumplir una promesa pendiente. Con Yuyang Lu, el tema nos da un “Solo quedara seguir pa lante” como mantra de la canción, fuera de la legra la música es muy interesante, con sensaciones de hip hop, R&B y soul, la canción logra transmitirnos desde pensamientos relax, hasta un contexto social que tienes que escuchar.
2. JiNCHA BORiCUA — con Migui y Ivan Bervin
JiNCHA BORiCUA parece surgir desde un lugar más cotidiano y orgullosamente puertorriqueño. El propio título juega con una identidad reconocible, pero presentada desde una sensibilidad personal y posiblemente irreverente. La presencia de Migui e Ivan Bervin amplía esa identidad hacia afuera, convirtiendo una experiencia local en un punto de encuentro entre distintas partes del mundo. Dentro de NOSTALGIA, representa la memoria de un lugar y de una forma de ser: aquello que uno carga consigo incluso cuando se encuentra lejos. La canción nos presenta memorias, lugares, personas y emociones como un pequeño momento entre amigos donde pueden platicar sobre esos días que valoran, pero que han quedado atrás. El track no solo funciona como remembranzas del pasado sino como una propuesta romántica con la integración del featuring.
3. Maldita Esperanza — con LAPERRERA y Melina Alegria
Hay algo contradictorio en llamar Maldita Esperanza a una canción: la esperanza suele ser aquello que nos sostiene, pero también puede ser precisamente lo que nos impide aceptar que algo terminó. El título encapsula esa tensión entre querer seguir creyendo y saber que quizá deberíamos dejar ir. Con LAPERRERA y Melina Alegria, la canción se convierte en uno de los momentos donde la nostalgia puede sentirse menos como recuerdo y más como una emoción todavía presente.
4. Una lofi pa’ Nati — con brrrravo y Annie
Con una voz en off de introducción,Una lofi pa’ Nati tiene desde el título una intimidad distinta. No intenta sonar como una gran declaración; parece más bien un gesto sencillo: hacerle una canción a alguien. El “pa’ Nati” hace que el proyecto vuelva a lo cotidiano y recuerda que la memoria también está hecha de pequeños detalles, nombres propios y momentos que quizás nunca fueron importantes para nadie más. Su carácter lo-fi encaja naturalmente con esa sensación de mirar una fotografía vieja, quedarse pensando y dejar que el recuerdo haga el resto, su carácter instrumental nos da un respiro dentro del disco pero a la vez la voice note del principio de la canción nos deja recordando esas conversaciones que tuvimos con esa persona de nuestro pasado.
5. Lafourcade — con Acidd
Lafourcade introduce la memoria desde otro lugar: el de las referencias que terminan convirtiéndose en parte de nuestra propia identidad. Con Acidd, la canción funciona como una conversación al pasado, una persona y muchos recuerdos, dándole aún mas valor al titulo del álbum. La canción logra sorprendernos con un final que fusiona elementos de la electrónica y rap con un groove inesperado que nos encantó.
6. Algo así pa’l outro de David — con Siete
Si El intro que le debía a Shanice abre el álbum desde una deuda, Algo así pa’l outro de David parece cerrarlo desde otro lado, un instrumental acústico a voz y guitarra con una naturalidad casi improvisada, como si la canción hubiera nacido de una conversación, una referencia interna o una idea que simplemente había que convertir en música. Esa espontaneidad encaja con la esencia de NOSTALGIA: no todo recuerdo necesita una explicación solemne. A veces basta con dedicar algo, nombrarlo y dejarlo existir. La colaboración con Siete convierte ese momento en otro encuentro dentro del álbum.
7. La tinta no miente — con marciano, el joven
El álbum termina con una declaración que podría resumir todo su concepto: La tinta no miente. Después de recorrer recuerdos, personas, lugares y distintas versiones de sí mismo, queda la escritura como testigo. La tinta conserva aquello que la memoria puede distorsionar, esconder o intentar olvidar. Que esta sea la última canción hace que NOSTALGIA termine regresando a una de las raíces de Jeynu: el escritor. Si todo el álbum es un ejercicio de recordar para entenderse, aquí la escritura aparece como evidencia de ese proceso. Lo que quedó escrito, quedó.
Vistas juntas, las siete canciones pueden leerse como siete formas diferentes de recordar: una deuda, una identidad, una esperanza, una persona, una influencia, una despedida y finalmente la escritura.
Y eso conecta muy bien con la idea que planteaste desde el principio: NOSTALGIA no intenta contarle al oyente exactamente qué debe sentir. Le enseña fragmentos de la memoria de Jeynu y lo deja completar los espacios vacíos. Para Jeynu, la nostalgia no parece significar únicamente extrañar el pasado. Es, más bien, una materia con la que puede trabajar.
Su música parte de experiencias que pueden ser banales o profundamente introspectivas, pero intenta acercarse a ambas con el mismo nivel de honestidad. Esa disposición a encontrar significado incluso en aquello que aparentemente no lo merece es una de las características que atraviesa su propuesta.
En NOSTALGIA, esa mirada adquiere una dimensión especialmente personal. Una ruptura amorosa terminó convirtiéndose en parte importante del proceso creativo y llevó a Núñez a confrontar sensibilidades que quizá permanecían en segundo plano.
Lo que comenzó como una inquietud artística terminó funcionando también como una forma de terapia: un espacio para mirar hacia adentro cuando mirar hacia afuera ya no parecía suficiente. Pero el álbum no parece querer quedarse atrapado en el dolor. Hay humor, referencias personales, colaboraciones, buenas vibras y una voluntad evidente de mantener la humanidad en el centro. La introspección no tiene que convertirse necesariamente en solemnidad.
Catalina nos presenta Solos Los Dos, una canción que refleja con elegancia la fusión entre sus raíces argentinas y la visión global que ha desarrollado viviendo en Shanghai. Nacida en Argentina y criada en China desde los seis meses de edad, la joven cantante representa una nueva generación de artistas capaces de unir culturas, idiomas y estilos en una propuesta auténtica y sofisticada.
Con Solos Los Dos, la artista presenta una historia de amor envuelta en una atmósfera cálida y nostálgica. La canción combina la sensibilidad del soul, la elegancia del jazz y la pasión del tango argentino, creando un sonido distintivo que conecta lo clásico con lo contemporáneo. Desde sus primeros acordes, el tema transmite cercanía emocional, romanticismo y una profundidad interpretativa que confirma la madurez artística de Catalina.
A través de una interpretación vocal delicada y segura, Catalina convierte cada verso en una experiencia íntima donde el amor, la distancia y el deseo de conexión toman protagonismo. Esa honestidad emocional es una de las principales fortalezas de su música.
El lanzamiento llegó acompañado de un videoclip que reivindica la identidad porteña y la conexión de la artista con Buenos Aires. Con una estética cuidada y elegante, las imágenes muestran paisajes representativos de la ciudad mientras Catalina se presenta como embajadora cultural, llevando la esencia argentina hacia nuevas audiencias internacionales.
Con Solos Los Dos, Catalina nos muestra su capacidad para mezclar tradición, emoción y modernidad.
Con una carrera marcada por la constante exploración y de reinventarse, Riva Taylor presenta Keeping It Together, un EP de cinco canciones que consolida una de las etapas más vibrantes y sofisticadas de su trayectoria. El proyecto se sumerge en territorios donde el pop clásico se entrelaza con ritmos latinos, texturas de jazz cinematográfico y un inconfundible aire cosmopolita.
Tras el éxito de su colaboración Cubano con Los Rumberos, la artista británica se dejó llevar por los colores, la energía y las cadencias de la música de la región. El resultado es un trabajo que, sin perder la teatralidad pop que la caracteriza, abre las puertas a nuevas formas de expresión. En palabras de la propia Taylor, estas canciones son “una manera de soltar y reconectar con un lado más lúdico e intuitivo” de su arte.
Cada pista del EP ofrece un matiz distinto: la calidez bossa de Great Unknown, la melancolía etérea de Valentine Road, la ligereza jazzística y juguetona de Hey Ho!, y el poder emocional del tema central Keeping It Together, que se erige como un himno moderno sobre la resiliencia. Todas comparten un mismo hilo conductor: la búsqueda de autenticidad y la fusión entre lo íntimo y lo expansivo, lo clásico y lo contemporáneo.
La producción, a cargo de Marcus Foster (Ellie Goulding, GIVĒON), así como las colaboraciones pasadas con figuras como Craigie Dodds y el productor mexicano Juan Luis Ayala, han sido clave en la construcción de este sonido global. No es casual que el EP evoque tanto la elegancia de Astrud Gilberto como la sofisticación de Sade, al tiempo que incorpora influencias de Burt Bacharach y Barbra Streisand; referencias que aquí no suenan a homenaje retro, sino a ingredientes de un lenguaje renovado.
El track x track de “the album everyone wants”
1. Keeping It Together
El tema central del EP, el cual abre la producción es es un himno de resiliencia y control emocional. Mezclando arreglos orquestales sutiles con grooves latinos, la canción transmite la fuerza de mantener la calma en medio de la turbulencia. La combinación de ritmo y sensibilidad crea una narrativa de equilibrio personal, explorando cómo la serenidad puede coexistir con la intensidad de los sentimientos, mientras la artista nos deja ver esas influencias dentro de la voz y su interpretación de generos como el jazz.
2. Eyes of a Stranger
“Eyes of Stranger” nos envuelve en una calma deliciosa, mientras la delicada instrumentación y la voz de Riva nos guían a través de un tema profundamente nostálgico, evocando la sensación de pasar inadvertidos. Los arreglos de metales y el groove sutil aportan un aire sofisticado y cinematográfico que realza la experiencia sonora.
3. Hey Ho!
Una celebración del swing y la ligereza, esta canción recuerda la energía de los clubes de jazz antiguos con un toque contemporáneo. La percusión juguetona y los arreglos de cuerdas aportan un aire festivo, mientras que la melodía mantiene un encanto íntimo y cercano. Es un tema que equilibra diversión y sofisticación, logrando que cada escucha sea un momento de alegría contemplativa.
4. Great Unknown
Un viaje sonoro que combina la calidez de la bossa nova con texturas pop modernas. La canción invita a perderse en paisajes musicales amplios y envolventes, donde la melodía suave y la percusión latina crean una sensación de introspección y descubrimiento. Es un arranque que transmite curiosidad y apertura, como mirar hacia lo desconocido con confianza y calma.
5. Valentine Road
Una pieza de melancolía luminosa, donde la voz flota sobre acordes de jazz y atmósferas cinematográficas. La canción captura la nostalgia de relaciones pasadas y la belleza efímera de los recuerdos, evocando emociones profundas sin caer en la tristeza. Cada nota parece contener una historia, transportando al oyente a un paisaje emocional lleno de luz tenue y reflexión.
Más allá de lo musical, Keeping It Together es también un manifiesto personal: un recordatorio de que el arte florece cuando se cruza con culturas, experiencias y emociones reales. Para una artista que empezó como la intérprete más joven en firmar con EMI Classics & Jazz, y que ha contado con el apoyo de figuras como Sir Elton John, este EP no es solo una nueva etapa, sino una reafirmación de su madurez creativa.
Con un álbum de larga duración en camino y presentaciones en vivo previstas, Riva Taylor confirma con Keeping It Together que su voz sigue siendo una de las más singulares y sofisticadas del pop contemporáneo: una intérprete que convierte cada canción en un viaje íntimo y, a la vez, universal.
El dúo costarricense F.A.V. y Tino Amor lanzó el pasado 29 de agosto “Corazones Tristes”, el tercer sencillo de su primer álbum AZÚCAR, que se espera para finales de octubre bajo el sello Lácteo Cósmico. Esta canción también marca su primera colaboración internacional con Terror/Cactus, proyecto de folklore digital y electro-cumbia psicodélica del productor Martín Selasco, originario de Buenos Aires y radicado en Seattle, reconocido por fusionar folclore argentino, chicha peruana y cumbia colombiana con beats electrónicos, guitarras psicodélicas y dub lasers.
“Corazones Tristes” explora las primeras etapas del dolor post-ruptura, combinando un coro melancólico inspirado en las telenovelas noventeras con versos de rap intensos y guitarras atmosféricas. El resultado es un contraste perfecto entre nostalgia y urgencia, envuelto en la impronta experimental de ambas propuestas. En palabras del dúo, la canción es “para los amantes de la plancha, la gente que les rompió el corazón, que les encanta la cumbia”.
F.A.V. y Tino Amor, formados en 2023, han logrado consolidarse como uno de los nombres prometedores de la nueva generación latinoamericana. Su cumbia experimental fusiona hip-hop, punk, pop y electrónica, generando una propuesta sonora única que ha sido reconocida con 11 nominaciones y 3 premios ACAM. Con una estética excéntrica, visuales vanguardistas y un discurso político que defiende los derechos de las minorías, el dúo convierte cada canción en un manifiesto artístico, y “Corazones Tristes” es un ejemplo perfecto de su visión creativa y su capacidad de innovar en la música latinoamericana contemporánea.
Jean Dawson, el polifacético cantante, compositor y productor originario de San Diego, California, se ha consolidado como uno de los artistas más disruptivos de la música alternativa actual. Su estilo, autodenominado “ghetto pop”, desafía cualquier etiqueta y fusiona con maestría elementos del punk, trap, hip-hop, alt-rock, indie pop y R&B, creando un sonido que es a la vez fresco, emocional y profundamente personal.
Recientemente, Dawson estrenó su sencillo “Rock A Bye Baby”, una pista a cargo de sus colaboradores de confianza Hoskins, Lecx Stacy, Johnny May y Jesse Shuster, la canción combina ritmos pegajosos con una sensibilidad nostálgica y letras que exploran la dualidad de la experiencia humana, entre fragilidad y fuerza interior. Desde su icónico riff de guitarra hasta la utilización de la voz como instrumento principal, la canción es un ejemplo de cómo Dawson puede hacer pop sin renunciar a su espíritu rebelde y reflexivo.
Criado entre San Diego y Tijuana, su identidad bicultural y su trayectoria personal enriquecen su propuesta, aportando capas de significado y autenticidad que resuenan con un público amplio y diverso. Su honestidad brutal al abordar temas como salud mental, pertenencia y espiritualidad convierte cada proyecto en una experiencia íntima y única para el oyente.
El impacto de Dawson no ha pasado desapercibido, actualmente forma parte de la gira de Linkin Park, además de presentar sus propios shows como cabeza de cartel. Con “Rock A Bye Baby” y su próximo proyecto Rock A Bye Baby Glimmer of God, Jean Dawson confirma que no solo está redefiniendo los límites de la música alternativa, sino también consolidando su lugar como una de las voces más originales y necesarias de la escena actual.
Su propuesta es un manifiesto generacional: valiente, emocional, camaleónica y auténticamente Jean Dawson, un artista que transforma sus experiencias personales en arte y que invita a sus seguidores a experimentar la música sin filtros ni barreras.
Con una energía desbordante, un estilo visual y una propuesta que fusiona el funk rock con nostalgia millennial, The Bad Actors están dejando su huella en la escena del Reino Unido. El dúo originario de Sheffield —formado por el frontman Khalil y el relajado pero certero baterista Jay— se dio a conocer en el verano de 2023.
Aunque las comparaciones con Jimi Hendrix o Red Hot Chili Peppers son inevitables, los propios Bad Actors prefieren citar influencias como Living Colour, The Police y Sly and The Family Stone, demostrando que su sonido va más allá de lo evidente. Su estilo combina riffs explosivos, letras cargadas de ironía y una estética construida alrededor de su apodo viral: “los hombres de naranja.”
La química entre ambos es innegable, fruto de una amistad que se remonta a los días de escuela, cuando Khalil convenció a Jay de aprender batería solo para unirse a su banda. Hoy, esa conexión se traduce en un show en vivo lleno de acrobacias, sincronía y carisma, que ya los ha llevado a escenarios como Tramlines Festival 2024 y los verá este año en Y Not Festival 2025.
Su nuevo sencillo, “My Motorola”, es un guiño semiautobiográfico a los amores no correspondidos de la adolescencia —específicamente a una niñera—, contado con el descaro y humor que los caracteriza. La canción forma parte de su inminente EP debut, y ha sido acompañada por su conocida estrategia de clips virales: microvideos musicales que ya superan las 350 mil cuentas alcanzadas en Instagram, más de 170K visualizaciones mensuales en TikTok y 190K en YouTube.
Desde las entrañas culturales de Oxnard, California, surge una propuesta en la escena alternativa chicana actual: The Crystal Tears. Con un sonido que ellos mismos definen como Gothic Soul Groove, esta banda fusiona con audacia el alma profunda del soul latino, los ritmos hipnóticos de la cumbia y las atmósferas etéreas del dream pop, todo envuelto en un aura oscura y poética.
La alineación de la banda incluye a Naomi Fuentes (Voz), Cheyne Castroni (bajo), Héctor Soto (guitarra), Hekar Rivera (cello, teclado, percusiones), Bello (voz, guitarra, bajo, saxofon y órgano), Nesta Rivas (Batteria). The Crystal Tears logra crear una fusión propia que es tan nostálgico como propio.
El Track x Track de The Crystal Tears
Dia de los Muertos
“Día de los Muertos” de The Crystal Tears es una huapachosa y oscura celebración sonora de la icónica festividad mexicana. La canción fusiona la cadencia envolvente de la cumbia con violines góticos que lloran entre capas de percusión ritual y teclados espectrales, creando un paisaje musical que es tanto festivo como melancólico, sintiendose como un canto místico, lleno de nostalgia y espiritualidad, donde lo tradicional se encuentra con lo alternativo para rendir homenaje a una de las fechas más profundas de la cultura mexicana.
Es Halloween
En “El Halloween” descubrimo una original mezcla de post punk, donde guitarras dreamy y una base rítmica urgente se entrelazan con el sonido inesperado y fantasmagórico de trompetas, creando una atmósfera tensa, festiva y misteriosa a la vez. La canción captura el espíritu travieso y oscuro de la noche de brujas, jugando con imágenes góticas y referencias culturales. Esta fusión inusual entre energía punk y vientos latinos le da a “El Halloween” un carácter teatral y vibrante.
Eternal Dusk
En “Eternal Dusk”, The Crystal Tears se adentran en su faceta más lúgubre y contemplativa, dejando momentáneamente de lado sus habituales fusiones para entregarnos una pieza dominada por una interpretación de violín profundamente emotiva, con claras influencias de la música clásica y el romanticismo gótico. La atmósfera es sombría y delicada, como una elegía suspendida en el tiempo, donde cada nota parece susurrar secretos del más allá. A pesar del giro estilístico, la canción mantiene intacta la esencia del grupo en el albúm, demostrando que su identidad vive en el alma de cada interpretación.
Eternal Dusk P2
“Eternal Dusk P2” funciona como el epílogo perfecto para su predecesora, llevando la oscuridad contemplativa de “Eternal Dusk” hacia una resolución cargada de emoción. En esta segunda parte, The Crystal Tears cierran el ciclo con una sensibilidad donde el violín cede protagonismo al piano en la parte final, que entra con acordes lentos, frágiles y profundamente tristes. La pieza no busca levantar el ánimo, sino abrazar la melancolía y darle un lugar digno dentro del universo sonoro de la banda. Es un cierre íntimo y vulnerable que reafirma la capacidad del grupo para conmover sin necesidad de palabras, manteniendo su identidad emocional con una belleza sombría que deja eco.
Intertwined
En “Intertwined”, The Crystal Tears regresan a su vena más post punk con una ejecución elegante y envolvente. Con una voz femenina dulce y etérea que flota sobre cajas de ritmo rápidas y precisas, la canción construye una atmósfera misteriosa y nocturna que recuerda al espíritu clásico del género. A medida que avanza el track, la banda introduce sutilmente violines que se entrelazan con la base rítmica, aportando una textura emocional que eleva la canción sin romper su tensión. “Intertwined” es una muestra clara de cómo la banda domina el equilibrio entre lo melódico y lo sombrío, consolidando su estilo con identidad y sofisticación.
Jasmine Flowers
“Jasmin Flowers” se presenta como una de las joyas más delicadas del álbum, donde The Crystal Tears se sumergen de lleno en el universo del dream pop para entregar una balada hipnótica y nostálgica. Alejada de los matices oscuros de otras piezas del disco, esta canción destaca por sus capas etéreas de guitarras reverbadas, sintetizadores flotantes y una interpretación vocal suave que parece susurrar desde un recuerdo lejano. Es un tema que invita a perderse, a dejarse llevar por la bruma sonora que construye la banda con precisión emocional, reafirmando su versatilidad sin sacrificar la identidad que los define.
Of You
“Of You” es una balada dreamy que navega entre la melancolía y el anhelo, construida sobre texturas suaves y voces susurrantes que envuelven al oyente en una calma suspendida. Sin embargo, hacia el tramo final, la canción se transforma por completo, estallando en una ola de distorsiones densas y envolventes propias del shoegaze. Junto a “Jasmin Flowers”, este track representa el corazón más onírico del disco, donde The Crystal Tears exploran a fondo el sonido clásico del dream pop, demostrando una sensibilidad sónica.
Por Eternidad
En “Por Eternidad”, la banda retoman su característico sonido guapachoso, fusionando la cadencia vibrante de la cumbia con violines melancólicos y una atmósfera oscura pero dulcemente envolvente. Las letras, cantadas en español, hablan del anhelo profundo de amar por la eternidad, creando un contraste emotivo entre la calidez rítmica y la fragilidad del sentimiento. El tema vibra con un romanticismo fatalista, donde cada acorde y cada golpe de percusión parecen bailar entre la luz y la sombra.
Solo Yo
“Solo Yo” abre con una introducción que podría fácilmente pertenecer al catálogo de Joy Division, con un bajo profundo que marca el tono sombrío desde el primer segundo. La voz masculina principal, cargada de dramatismo y vulnerabilidad, se entrelaza con coros misteriosos que amplifican la sensación de desasosiego y deseo. A medida que avanza, la canción incorpora un ritmo rápido de caja de ritmo que late con energía constante, llevándonos de la introspección al movimiento. Es un tema que, sin perder su melancolía, invita a bailar bajo luces estroboscópicas en una discoteca gótica, donde el dolor y el placer conviven al mismo compás.
Sueño Azul
“Sueño Azul” nos envuelve desde el inicio con una introducción sutil de cuerdas y sintetizadores que abren paso a una balada introspectiva y etérea, distinta a todo lo que The Crystal Tears habían mostrado hasta ahora. A lo largo del track, se perciben influencias nuevas que expanden el universo sonoro de la banda, explorando territorios retro. Aunque da la sensación de que la canción queda a un paso de alcanzar su máximo desarrollo, “Sueño Azul” se convierte en una pieza intrigante, que aporta una pausa melancólica justo antes del cierre del álbum.
Vampiro
Fue con “Vamipo”, que la banda reafirma su estilo principal con una fusión de cumbia y generos como el dream pop, y un solo de violín electrizante de Hekar Rivera, la canción mezcla cumbia y gótico como nunca antes, convirtiéndose en una declaración de principios y en la antesala perfecta para su álbum debut homónimo.
Con este recorrido sonoro, The Crystal Tears consolidan un debut lleno de matices, donde lo oscuro y lo luminoso coexisten en perfecta armonía. Entre cumbias góticas, baladas etéreas, explosiones shoegaze y homenajes al post punk clásico, el álbum se siente como un universo propio: profundamente emocional, chicano en esencia y audaz en forma. Es un trabajo que no teme experimentar, pero que nunca pierde su identidad.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
Andy Martin, el músico originario de Hamburgo, ha sido una presencia constante en el mundo musical desde su juventud. Con una pasión por la música que comenzó a temprana edad, Andy ha experimentado y evolucionado en su carrera a lo largo de los años, pasando por distintos géneros y estilos para finalmente encontrar su voz auténtica como artista independiente.
Desde su adolescencia, Andy demostró un interés por la música al experimentar con la Hammond organ en su hogar y tocar la guitarra en varias bandas locales. Sin embargo, fue en 2007 cuando lanzó su primer proyecto en solitario, Jazz Fiction. Este proyecto fusionaba la música lounge electrónica con elementos de jazz, creando una atmósfera única y sofisticada.
Tras el éxito inicial con Jazz Fiction, Andy Martin se tomó una pausa creativa, un tiempo necesario para reflexionar sobre su música y su camino artístico. Durante este receso, comenzó a explorar nuevos sonidos y estilos, buscando una mayor conexión personal con su música. Esta introspección lo llevó a reinventarse como Andy Martin, un nombre artístico que marca su transición hacia un sonido más personal y sincero.
En su nuevo proyecto, Andy se adentra en el mundo del singer-songwriter, con un enfoque más orgánico que combina su pasión por el piano, la guitarra y los sintetizadores. Las letras en inglés, cargadas de emoción y reflexión, reflejan un lado más profundo y humano de su ser, algo que no había podido explorar completamente en su etapa anterior.
Su primer sencillo bajo este nuevo enfoque, “Turn Back”, es un testimonio de su evolución como artista. Con un sonido melódico y desgarrador, “Turn Back” mezcla influencias electrónicas con una lírica más introspectiva y personal. La canción aborda temas de transitoriedad, pérdida y la lucha por encontrar un propósito en medio de la adversidad. Es un tema que refleja tanto su pasado como su presente, combinando su experiencia en la música electrónica con una nueva sensibilidad como compositor.
Ahora, con su segundo sencillo, “Wonder Why”, Andy Martin lleva su exploración a nuevos horizontes. Esta canción combina los géneros del post-punk y synthwave, creando una atmósfera minimalista y elegante. “Wonder Why” no cuenta una historia lineal, sino que ofrece fragmentos de pensamientos y preguntas que parecen surgir en medio del caos mundial, un tema que resuena fuertemente en los tiempos actuales. Las letras fragmentadas y los pasajes vocales minimalistas reflejan un mundo lleno de incertidumbres y preguntas sin respuestas.
La música de “Wonder Why” es un reflejo del ambiente moderno: inquietante, pero con una belleza cautivadora. Los sintetizadores fríos y las melodías introspectivas se combinan perfectamente con la voz sincera de Andy, creando una sensación de vulnerabilidad que conecta con el oyente.
A lo largo de su carrera, Andy Martin ha mantenido una filosofía musical clara: la experimentación y la autenticidad. Su habilidad para fusionar géneros como la electrónica, el post-punk, el synthwave y la música de cantautor lo ha convertido en un artista emocionante.
