Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Ghost Party – Ghostwriter | Estados Unidos
Ghost Party es una banda estadounidense que fusiona el indie rock con tintes psicodélicos, dreampop y una estética retro cargada de referencias a los años 60. Su propuesta destaca por crear paisajes sonoros brumosos y envolventes, donde lo etéreo convive con lo emocionalmente intenso. A través de letras introspectivas y una producción lo-fi cuidadosamente diseñada, el proyecto explora temas como la ansiedad, el bloqueo creativo y la identidad, posicionándose como una voz singular dentro de la escena alternativa contemporánea.
Harper – roadkill | Reino Unido
Harper es un dúo originario de Leicester, Reino Unido, formado por Matt y Sadie, que crea una propuesta musical íntima y nebulosa desde el corazón del campo británico. Su sonido se mueve entre el dream pop, el indie lo-fi y la melancolía ambiental, construyendo paisajes sonoros que evocan nostalgia, calma y una belleza difusa. Con una estética delicada y contemplativa, Harper convierte lo cotidiano en algo etéreo, haciendo de cada canción una postal borrosa cargada de emoción.
The Slow Glow – Take it easy, Charlie | Suecia
The Slow Glow es un proyecto nostálgico que transforma las emociones en canciones-carta llenas de calidez. Su sencillo “Take it easy, Charlie” es escrito como mensaje a un amigo tras una conversación en Buenos Aires. Con influencias de la era Lennon de los 70, la canción combina sinceridad emocional con una producción casera y detallista fue grabado por el propio artista. Incluso el slide de guitarra fue tocado con una moneda, reforzando ese espíritu artesanal y honesto que define a The Slow Glow.
Desde las entrañas culturales de Oxnard, California, surge una propuesta en la escena alternativa chicana actual: The Crystal Tears. Con un sonido que ellos mismos definen como Gothic Soul Groove, esta banda fusiona con audacia el alma profunda del soul latino, los ritmos hipnóticos de la cumbia y las atmósferas etéreas del dream pop, todo envuelto en un aura oscura y poética.
La alineación de la banda incluye a Naomi Fuentes (Voz), Cheyne Castroni (bajo), Héctor Soto (guitarra), Hekar Rivera (cello, teclado, percusiones), Bello (voz, guitarra, bajo, saxofon y órgano), Nesta Rivas (Batteria). The Crystal Tears logra crear una fusión propia que es tan nostálgico como propio.
El Track x Track de The Crystal Tears
Dia de los Muertos
“Día de los Muertos” de The Crystal Tears es una huapachosa y oscura celebración sonora de la icónica festividad mexicana. La canción fusiona la cadencia envolvente de la cumbia con violines góticos que lloran entre capas de percusión ritual y teclados espectrales, creando un paisaje musical que es tanto festivo como melancólico, sintiendose como un canto místico, lleno de nostalgia y espiritualidad, donde lo tradicional se encuentra con lo alternativo para rendir homenaje a una de las fechas más profundas de la cultura mexicana.
Es Halloween
En “El Halloween” descubrimo una original mezcla de post punk, donde guitarras dreamy y una base rítmica urgente se entrelazan con el sonido inesperado y fantasmagórico de trompetas, creando una atmósfera tensa, festiva y misteriosa a la vez. La canción captura el espíritu travieso y oscuro de la noche de brujas, jugando con imágenes góticas y referencias culturales. Esta fusión inusual entre energía punk y vientos latinos le da a “El Halloween” un carácter teatral y vibrante.
Eternal Dusk
En “Eternal Dusk”, The Crystal Tears se adentran en su faceta más lúgubre y contemplativa, dejando momentáneamente de lado sus habituales fusiones para entregarnos una pieza dominada por una interpretación de violín profundamente emotiva, con claras influencias de la música clásica y el romanticismo gótico. La atmósfera es sombría y delicada, como una elegía suspendida en el tiempo, donde cada nota parece susurrar secretos del más allá. A pesar del giro estilístico, la canción mantiene intacta la esencia del grupo en el albúm, demostrando que su identidad vive en el alma de cada interpretación.
Eternal Dusk P2
“Eternal Dusk P2” funciona como el epílogo perfecto para su predecesora, llevando la oscuridad contemplativa de “Eternal Dusk” hacia una resolución cargada de emoción. En esta segunda parte, The Crystal Tears cierran el ciclo con una sensibilidad donde el violín cede protagonismo al piano en la parte final, que entra con acordes lentos, frágiles y profundamente tristes. La pieza no busca levantar el ánimo, sino abrazar la melancolía y darle un lugar digno dentro del universo sonoro de la banda. Es un cierre íntimo y vulnerable que reafirma la capacidad del grupo para conmover sin necesidad de palabras, manteniendo su identidad emocional con una belleza sombría que deja eco.
Intertwined
En “Intertwined”, The Crystal Tears regresan a su vena más post punk con una ejecución elegante y envolvente. Con una voz femenina dulce y etérea que flota sobre cajas de ritmo rápidas y precisas, la canción construye una atmósfera misteriosa y nocturna que recuerda al espíritu clásico del género. A medida que avanza el track, la banda introduce sutilmente violines que se entrelazan con la base rítmica, aportando una textura emocional que eleva la canción sin romper su tensión. “Intertwined” es una muestra clara de cómo la banda domina el equilibrio entre lo melódico y lo sombrío, consolidando su estilo con identidad y sofisticación.
Jasmine Flowers
“Jasmin Flowers” se presenta como una de las joyas más delicadas del álbum, donde The Crystal Tears se sumergen de lleno en el universo del dream pop para entregar una balada hipnótica y nostálgica. Alejada de los matices oscuros de otras piezas del disco, esta canción destaca por sus capas etéreas de guitarras reverbadas, sintetizadores flotantes y una interpretación vocal suave que parece susurrar desde un recuerdo lejano. Es un tema que invita a perderse, a dejarse llevar por la bruma sonora que construye la banda con precisión emocional, reafirmando su versatilidad sin sacrificar la identidad que los define.
Of You
“Of You” es una balada dreamy que navega entre la melancolía y el anhelo, construida sobre texturas suaves y voces susurrantes que envuelven al oyente en una calma suspendida. Sin embargo, hacia el tramo final, la canción se transforma por completo, estallando en una ola de distorsiones densas y envolventes propias del shoegaze. Junto a “Jasmin Flowers”, este track representa el corazón más onírico del disco, donde The Crystal Tears exploran a fondo el sonido clásico del dream pop, demostrando una sensibilidad sónica.
Por Eternidad
En “Por Eternidad”, la banda retoman su característico sonido guapachoso, fusionando la cadencia vibrante de la cumbia con violines melancólicos y una atmósfera oscura pero dulcemente envolvente. Las letras, cantadas en español, hablan del anhelo profundo de amar por la eternidad, creando un contraste emotivo entre la calidez rítmica y la fragilidad del sentimiento. El tema vibra con un romanticismo fatalista, donde cada acorde y cada golpe de percusión parecen bailar entre la luz y la sombra.
Solo Yo
“Solo Yo” abre con una introducción que podría fácilmente pertenecer al catálogo de Joy Division, con un bajo profundo que marca el tono sombrío desde el primer segundo. La voz masculina principal, cargada de dramatismo y vulnerabilidad, se entrelaza con coros misteriosos que amplifican la sensación de desasosiego y deseo. A medida que avanza, la canción incorpora un ritmo rápido de caja de ritmo que late con energía constante, llevándonos de la introspección al movimiento. Es un tema que, sin perder su melancolía, invita a bailar bajo luces estroboscópicas en una discoteca gótica, donde el dolor y el placer conviven al mismo compás.
Sueño Azul
“Sueño Azul” nos envuelve desde el inicio con una introducción sutil de cuerdas y sintetizadores que abren paso a una balada introspectiva y etérea, distinta a todo lo que The Crystal Tears habían mostrado hasta ahora. A lo largo del track, se perciben influencias nuevas que expanden el universo sonoro de la banda, explorando territorios retro. Aunque da la sensación de que la canción queda a un paso de alcanzar su máximo desarrollo, “Sueño Azul” se convierte en una pieza intrigante, que aporta una pausa melancólica justo antes del cierre del álbum.
Vampiro
Fue con “Vamipo”, que la banda reafirma su estilo principal con una fusión de cumbia y generos como el dream pop, y un solo de violín electrizante de Hekar Rivera, la canción mezcla cumbia y gótico como nunca antes, convirtiéndose en una declaración de principios y en la antesala perfecta para su álbum debut homónimo.
Con este recorrido sonoro, The Crystal Tears consolidan un debut lleno de matices, donde lo oscuro y lo luminoso coexisten en perfecta armonía. Entre cumbias góticas, baladas etéreas, explosiones shoegaze y homenajes al post punk clásico, el álbum se siente como un universo propio: profundamente emocional, chicano en esencia y audaz en forma. Es un trabajo que no teme experimentar, pero que nunca pierde su identidad.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Rosé Futurismo – KALEIDOSCOPE | Estados Unidos
Rosé Futurismo irrumpe como un poeta urbano del futuro, un enigma lírico que transforma el caos de la ciudad en arte sonoro. Su sencillo “Kaleidoscope” encapsula esa dualidad: una pieza introspectiva y envolvente que se desliza como un sueño a medio recordar. Con una atmósfera lo-fi y melancólica, la canción explora emociones fragmentadas por el tiempo y la memoria, revelando el costado más vulnerable y contemplativo del artista. Entre sombras, luces de neón y verdades a medias, Rosé Futurismo convierte su música en refugio, búsqueda y redención.
Joe Dilillo – When It Comes To Us | Estados Unidos
Joe Dilillo es un compositor y productor de Chicago, a lo largo de su carrera ha colaborado con artistas de como A Girl Called Eddy, The Lickerish Quartet y Josh Caterer, combinando la sofisticación melódica clásica con una sensibilidad contemporánea. En 2023 lanzó su EP Superhero Star y con canciones como “When It Comes To Us”, demuestra que la experiencia y la autenticidad siguen siendo sus mayores fortalezas.
Pagafantas – Difracción | España
Pagafantas es una banda de pop-rock/indie que nace de la combinación de humor, sinceridad y desamor. Formada por cinco músicos originarios de Cáceres, Huelva, Castellón y Tenerife, el grupo transforma las experiencias románticas fallidas y las torpezas sentimentales en canciones pegajosas y llenas de energía. Su estilo mezcla ritmos rápidos con letras que alternan entre la ironía y la vulnerabilidad, reflejando tanto la comicidad como la fragilidad del amor moderno. Con influencias que remiten al cine de instituto y una estética de “pringado entrañable”, Pagafantas conecta a través de historias reales y emotivas.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
MARTIZ – Hasta que el cuerpo reviente
MARTIZ nos invita a sumergirnos en “Hasta que el cuerpo reviente”, es un álbum nacido de meses de pura intensidad creativa, amistad y referencias pop muy personales. Inspirado por la energía de Daisy Jones & The Six, las melodías envolventes de Post Malone y las aventuras de Hollow Knight, este trabajo condensa vivencias, obsesiones y un espíritu de camaradería irrepetible. El resultado: música con alma de slide cowboy, estética de camiseta vintage del Manchester United y una honestidad brutal. La primera parte del disco ya está disponible, y es solo el comienzo de este viaje donde el cuerpo y el alma lo dan todo.
Will Rainier – Dance with the Dead | Estados Unidos
Will Rainier es un cantautor estadounidense que combina la melancolía del country con la sensibilidad del indie, creando paisajes sonoros cinematográficos llenos de personajes entrañables y una emotividad cruda. Su nuevo sencillo, “Dance with the Dead”, desprende un encanto nostálgico al estilo de los Byrds de Sweetheart of the Rodeo, con pedal steel, armonías etéreas y una letra que contrapone imágenes lúgubres con una melodía luminosa. La voz de Rainier, acompañada por los coros de su esposa Jen Garrett, invita a bailar con los fantasmas del pasado mientras se explora la belleza en lo oscuro.
Avenida Paranoia – Nuevo Sol (Olvídame) | México
Avenida Paranoia es una banda de rock alternativo originaria de Salamanca, Guanajuato, que mezcla la intensidad emocional con una energía sonora arrolladora. Su música transita entre el Alt Rock, Funk Rock y Modern Rock, con influencias claras de la escena estadounidense de los 90’s y 2000’s. Formada durante el movimiento musical del 2020, la banda presenta letras introspectivas marcadas por la ansiedad, el cambio y el deseo de trascender.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Palette Park – Concrete | Estados Unidos
Palette Park es un proyecto que combina atmósferas oníricas, ritmos constantes y una sensibilidad emocional profunda. Su sonido se construye a partir de texturas analógicas cálidas y elementos digitales modernos, creando una mezcla que resulta tanto nostálgica como contemporánea. Con influencias del shoegaze y el dream pop, Palette Park invita al oyente a sumergirse en un universo sonoro introspectivo, donde la memoria, la distancia y el cambio se transforman en canciones envolventes y cinematográficas.
Innervisions – Floating
Naomi Greene – Courageuse | Francia
Naomi Greene es una cantante, compositora y arpista franco-californiana que fusiona la elegancia de la chanson francesa con la sensibilidad del pop experimental. Su música habita un espacio entre dos culturas, oscilando entre la melancolía profunda y una luminosidad embriagadora. Con el arpa como instrumento central de su universo sonoro, Greene crea paisajes íntimos y cinematográficos que exploran la transformación, la sensualidad y la búsqueda de identidad.
Jakke es un músico y productor radicado en Los Ángeles que combina lo mejor del rock alternativo con la energía y sofisticación de la música electrónica. Su trayectoria comenzó en el mundo del alt-rock con su proyecto Enjune, donde rápidamente destacó gracias a sus composiciones cautivadoras y su estilo vocal.
Con el tiempo, Jakke expandió su universo creativo, explorando nuevos géneros y adoptando la música dance como vehículo principal para su evolución artística. Actualmente, se destaca como DJ y productor, fusionando en sus presentaciones en vivo la instrumentación orgánica con elementos electrónicos que crean atmósferas hipnóticas y emocionantes.
Su reciente sencillo, “Without Peace”, es un claro ejemplo de su capacidad para crear paisajes sonoros emocionales que invitan a la reflexión. El tema fusiona texturas ambientales y melodías hipnóticas para explorar la complejidad del amor y la reconciliación, convirtiéndose en un himno para quienes buscan encontrar calma en medio del conflicto.
Jakke no solo es un artista, sino un creador que transforma cada show en una experiencia única, ya sea a través de sus sets de DJ, presentaciones acústicas o conciertos electrónicos en vivo. Con varios álbumes en camino y una propuesta sonora fresca y emotiva, Jakke continúa consolidándose como una figura dentro de la escena musical alternativa y electrónica.
Nadia Vaeh ha llegado con pop-rock y letras conscientes con una actitud sin filtros. Originaria de Atlanta, esta artista se ha ganado la atención con su estilo denomina “poptimistic-rock” — una mezcla de pop optimista con rock enérgico y mensajes profundos.
Desde sus inicios, Nadia ha sabido conectar con su audiencia no solo por su talento vocal, sino también por la sinceridad y la valentía de sus letras. Su música aborda temas como la salud mental, las relaciones tóxicas y los altibajos de la vida, invitando a sus seguidores a abrazar tanto la luz como la oscuridad que todos llevamos dentro. Esta sensibilidad nace de una experiencia personal dolorosa: la pérdida de su madre por suicidio cuando ella tenía apenas 17 años. Esa tragedia ha marcado su vida y su arte, impulsándola a usar su plataforma para crear conciencia y apoyar la desestigmatización de la salud mental.
En esta ocasión la artista regresa con un nuevo sencillo: “I Think I Think Too Much”, un tema cargado de honestidad y energía que se convierte en un himno para todos aquellos que luchan con la ansiedad y el exceso de pensamientos.
Desde su inicio, la canción atrapa con una melodía acústica suave y una voz cargada de vulnerabilidad. Nadia aborda un tema muy cercano para muchas personas hoy en día: el desafío de manejar la salud mental, y la frustración que puede generar cuando las soluciones parecen no funcionar. Este mensaje tan honesto y real conecta profundamente con las generaciones jóvenes, quienes constantemente lidian con ese torbellino emocional que a veces parece no tener fin.
Al llegar al coro, la canción da un giro hacia un ritmo más enérgico y optimista, con un beat pegajoso que invita a moverse y liberarse. La combinación de letras introspectivas con una producción pop-rock vibrante crea un contraste cautivador que invita a aceptar y compartir esas emociones complejas, en lugar de esconderlas.
Este sencillo es el primer adelanto del próximo EP de Nadia, Nerve Endings, un proyecto que promete profundizar en temas como el trauma, la resiliencia y la sanación desde una perspectiva sincera y sin filtros. Con esta canción, Nadia Vaeh reafirma su lugar como una voz relevante y auténtica dentro del pop alternativo, capaz de crear espacios seguros a través de su música para quienes se sienten perdidos o abrumados.
En tiempos donde la incertidumbre parece una constante y lo político se entrelaza con lo personal, Sam Varga con base en Nashville pero raíces en Louisville, Kentucky, Varga ha logrado fusionar la crudeza del emo, la narrativa del folk sureño y la energía visceral del pop punk en un sonido que es tan emocional como explosivo.
Su más reciente sencillo, “Minute Man”, muestra el caos contemporáneo para ser transformardo en una canción que suena a despedida, a protesta… y también a historia de amor. “Me prometí no escribir nunca una canción política”, confiesa Varga. Pero en este track no hay forma de separar lo político de lo íntimo. Es una postal desde el borde del colapso, firmada con amor y encendida como una bengala.
Con guitarras crujientes, percusiones potentes y una letra cargada de simbolismo, “Minute Man” no ofrece respuestas, pero sí muchas preguntas. Varga lo describe como una especie de prueba de Rorschach sonora: “Lo que ames —o detestes— de esta canción probablemente diga más de ti que de mí”. No hay juicios, no hay bandos, solo una atmósfera densa en la que cada oyente puede proyectar sus propias ansiedades, esperanzas o frustraciones.
La historia de Varga comienza en la escena DIY emo de Louisville, donde se formó entre shows en sótanos, guitarras fuertes y noches desbordadas. Pero en casa, sus padres le inculcaron un amor por el rock de los 80, los clásicos del sur de EE.UU. y los grandes letristas. Ese cruce generacional y emocional es la base de su sonido: una mezcla de vulnerabilidad, urgencia y autenticidad que no sigue reglas ni etiquetas.
Con “Minute Man”, Sam lleva su propuesta más cruda, más cinematográfica, más directa. Es la banda sonora perfecta para una generación que se siente agotada por el ruido del mundo.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Granada – Be With You | México
Granada es una banda mexicana que crea espacios de buena vibra y diversión a través de su música, mezclando indie pop con sonidos suaves y emotivos. Su sencillo “Be With You” es una canción bilingüe que combina guitarras nostálgicas y texturas oníricas para expresar el deseo íntimo de estar junto a alguien especial, capturando la magia de los momentos compartidos.
Silverset – Wherever You Are (Wherever You Go) | Estados Unidos
Silverset es un trío de rock alternativo formado a finales de 2024, el grupo combina influencias del funk y el indie rock. Liderados por la voz aireada de Nicki Fruth, y respaldados por la experiencia de los hermanos Jon y Jared Stenz en la batería y el bajo. Su sencillo “Wherever You Are (Wherever You Go)” es una explosión de energía bailable que combina influencias del funk y el indie con una atmósfera veraniega y vibras ochenteras.
Fran Vazquez – NO PUEDO SER TU AMIGO! | Argentina
Desde Argentina, Fran Vázquez lanza su primer sencillo, “NO PUEDO SER TU AMIGO!”, una intensa expresión emocional que da comienzo a su álbum debut. Con un estilo directo y un sonido que combina el pop alternativo con la crudeza del indie, el artista explora las dificultades de las relaciones rotas y los límites personales.
Con una voz que desafía las etiquetas y una sensibilidad poética que remite tanto a Leonard Cohen como a Janis Joplin, Asaf Avidan nacido en Jerusalén, es un cantautor israelí ha construido una carrera con siete álbumes de estudio, múltiples giras por Europa y una entrega artística que traspasa fronteras.
Su música se mueve entre el folk, el rock, el art pop, el blues y la canción de autor, siempre cargada de dramatismo, teatralidad y una honestidad brutal. Cada tema parece una pequeña obra de teatro sonoro, donde el cuerpo, el alma y la música se funden en una interpretación que no deja indiferente a nadie.
En 2025, tras un periodo de bloqueo creativo, Asaf Avidan regresa con “Haunted”, el primer adelanto de su próximo álbum UNFURL. El sencillo, concebido luego de una serie de eventos tan improbables como inspiradores —que incluyen a Carl Jung, vértigo, México, Brad Pitt y Alfred Hitchcock—, marca una nueva etapa sonora en su carrera. “Haunted” comienza como una pieza acústica aparentemente sencilla, pero pronto se transforma en una producción cinematográfica exuberante donde la voz de Avidan, siempre camaleónica, juega incluso con el rap y las estructuras más experimentales.
Este nuevo capítulo en la vida artística de Avidan no solo explora nuevos territorios sonoros, sino que lo reafirma como un creador que no teme reinventarse ni exponer su vulnerabilidad al mundo. La gira UNFURL Tour, ya con fechas agotadas en ciudades clave de Europa, promete ser una experiencia catártica tanto para los fans antiguos como para quienes apenas descubren la magia de su arte.
