Desde su estudio de grabación en casa, ubicado en la ciudad de Mississauga, Canadá, Oleyada está construyendo un universo musical propio: íntimo, nostálgico y, al mismo tiempo, sorprendentemente fresco. Su propuesta se mueve entre el indie-pop, las texturas lo-fi y una sensibilidad cercana al rock, creando canciones que combinan melodías pegadizas con atmósferas soñadoras.
Detrás de este proyecto se encuentra también Mathew Fantini, su esposo y compañero creativo, con quien Oleyada trabaja en la producción de su música. Juntos han desarrollado un sonido que deja espacio para la delicadeza de su voz: suave, aérea y envolvente, pero capaz de sostener canciones con una identidad melódica muy marcada. La identidad de Oleyada está profundamente ligada a sus raíces. Como canadiense de segunda generación e hija de padres uruguayos, incorpora tanto el inglés como el español en su trabajo artístico. Esta dualidad no aparece como un simple recurso estilístico, sino como una parte natural de su manera de contar historias y relacionarse con su propia identidad cultural.
Su música ha aparecido en producciones de televisión y streaming, incluyendo las series canadienses Strays y Workin’ Moms, además de Hudson & Rex y The Lake, reflejando su capacidad para crear ambientes y emociones que funcionan más allá de la escucha individual. Sus canciones pueden acompañar una escena, establecer un estado de ánimo o reforzar un momento narrativo sin perder jamás su propia identidad.
El Track x Track de “Oleyada”
“all about you”
En su último lanzamiento doble, la artista presenta “all about you”, una canción que nos transporta de inmediato a este mundo acústico y dreamy. Su estudio de dormitorio se convierte en un laboratorio creativo donde lo retro encuentra nuevas formas de expresarse a través de la producción lo-fi. Con un color de voz delicado y suave, Oleyada apuesta por una atmósfera romántica, casi inocente, colorida, donde la melodía y la narración son protagonistas. Entre voces etéreas, sintetizadores retro dulces y letras que combinan juego y profundidad, su música construye un espacio propio donde lo íntimo se convierte en algo universal.
Específicamente en esta canción, la combinación de texturas orgánicas con una atmósfera de ensueño entre capas de amor recuerda a artistas como Clairo o Sales, llevándonos a un mundo visual que se siente como un sueño emocional.
“the sky”
Por su parte, en “the sky”, el segundo tema de este sencillo doble, la atmósfera mantiene ese mismo mundo con una sensación nostálgica y ligeramente triste. Este track apuesta por una voz más protagonicamente emocional y arreglos que sirven como una cama sonora que hace sumergirnos por completo en la visión de la artista. El resultado es una pieza luminosa y envolvente que transmite libertad, introspección y melancolía.
En definitiva, Oleyada representa a una nueva generación de artistas independientes que transforman lo íntimo en un mundo personal habitable. Visualmente, el proyecto podría recordarnos a The Marías o Magdalena Bay, mientras que en lo musical apuesta por un toque acústico y dreamy que le otorga una voz propia dentro del panorama musical.
Desde su dormitorio Oleyada, combina sus raíces uruguayas, el inglés y el español con un indie-pop soñador, cálido y lleno de personalidad. Su voz etérea, sus melodías envolventes y una sensibilidad que conecta nostalgia y modernidad hacen de su propuesta una presencia singular dentro de la escena musical canadiense e internacional. Con cada canción, Oleyada continúa demostrando que las historias más personales también pueden encontrar un profundo eco mucho más allá de sus propias fronteras.” por que es muy parecido al parrafo del inicio
Hay canciones que buscan respuestas y otras que simplemente nos acompañan mientras intentamos encontrarlas. “Cycles”, el nuevo sencillo de la cantautora neerlandesa Celine Cairo, pertenece a esa segunda categoría. Con una atmósfera hipnótica y una interpretación vocal que se mueve entre lo etéreo y lo profundamente humano, Cairo convierte una reflexión sobre el cambio, el paso del tiempo y los ciclos de la vida en una experiencia íntima y reconfortante.
“Cycles” continúa la nueva etapa artística de Cairo, iniciada con el sencillo “Panacea” y encaminada hacia su próximo álbum, previsto para junio. La canción se adentra en un territorio más oscuro e introspectivo, explorando esa sensación tan familiar de mirar hacia el futuro sin saber exactamente qué nos espera.
“Cycles” se construye alrededor de un antiguo Wurlitzer de Cairo y una producción de inspiración trip-hop. Los paisajes electrónicos son sutiles, los sintetizadores analógicos aportan profundidad y las guitarras eléctricas, interpretadas por Bram Doreleijer de Haevn, aparecen amplias y espaciales. A esto se suman cuerdas reales que ayudan a expandir la canción sin restarle intimidad. El resultado es un paisaje sonoro que parece avanzar lentamente, como si la canción respirara al mismo ritmo que quien la escucha.
En el centro está la voz de Cairo. Etérea, cristalina y ligeramente fantasmal, funciona como una guía dentro de este universo sonoro. “Cycles” tiene algo de experiencia nocturna: esa sensación de estar despierto mientras todos duermen, pensando demasiado en el futuro, en las decisiones tomadas y en los cambios que todavía están por llegar. Sin embargo, la canción nunca queda atrapada en la ansiedad. Su calma funciona como una forma de aceptación.
Cairo habla de crecer, envejecer, cambiar de lugar y enfrentarse a aquello que no podemos controlar. Cuando canta sobre poner la mano sobre el corazón y sentir el cambio, para después recordar que las cosas terminan encontrando su lugar, convierte una experiencia personal en algo universal. Todos hemos conocido, en mayor o menor medida, ese temor ante lo desconocido. Todos hemos tenido que aprender que avanzar también significa dejar atrás ciertas versiones de nosotros mismos.
Biloba, proyecto del músico angelino DJ Stanfill, explora una combinación de Indie Folk, psicodelia y arreglos de inspiración clásica en “Little Flower”, segundo sencillo de su próximo álbum Tree Arcades. La canción parte de una base acústica de carácter íntimo, con guitarras ejecutadas mediante fingerpicking y voces de tono etéreo que remiten al sonido de los cantautores de los años 60. A lo largo de la composición aparecen referencias al Folk de aquella época y a una producción de estética Lo-Fi, mientras las armonías vocales amplían gradualmente la dimensión del tema.
La instrumentación adquiere mayor complejidad conforme avanza la canción. Sobre el ritmo inicial se incorporan capas de voces, cuerdas, metales y otros elementos orquestales que modifican progresivamente la textura. Esta evolución introduce rasgos de Chamber Folk y una aproximación psicodélica que amplía una estructura que, en sus primeros compases, parece deliberadamente sencilla. El resultado se apoya en el contraste entre momentos contenidos y secciones donde los diferentes instrumentos ocupan un espacio más destacado.
En el apartado lírico, “Little Flower” cuenta la historia de una abeja que se siente atraída por una flor durante la primavera, aunque es consciente de que ese afecto no puede llegar a materializarse. La situación sirve como punto de partida para hablar sobre deseo, frustración e impotencia desde una perspectiva que incorpora elementos de humor y fantasía. La ligereza de la ambientación contrasta con la tristeza del personaje, creando una lectura que se mueve entre lo absurdo y lo melancólico.
“Little Flower” refleja así el interés de Biloba por combinar una escritura de cantautor con una producción más amplia y experimental. Las guitarras acústicas y las voces mantienen el componente cercano de la canción, mientras que los arreglos orquestales y las variaciones rítmicas introducen nuevos matices a medida que avanza. Como segundo adelanto de Tree Arcades, el tema permite observar algunos de los recursos sonoros que forman parte del próximo trabajo de DJ Stanfill.
Kid Tigrrr aborda el final de una relación desde una perspectiva personal en “Crusher”, canción que cierra su segundo álbum, Pantalaimon. El tema combina una escritura directa y explícita con elementos sonoros asociados a la propuesta de la artista, especialmente las guitarras ejecutadas mediante fingerpicking y las voces etéreas que se desarrollan sobre una atmósfera cercana al Shoegaze y el Dream Pop. Frente al carácter más experimental de otros trabajos de Kid Tigrrr, “Crusher” apuesta por una narración más literal, construida a partir de recuerdos y situaciones vinculadas a una relación que no terminó como esperaba.
La letra no se limita a señalar las acciones de la otra persona, sino que incorpora una mirada autocrítica sobre el propio comportamiento de la artista. El sentido del humor aparece como una forma de observar sus actitudes con cierta distancia, introduciendo un contraste entre la melancolía de la historia y una perspectiva consciente de sus propias contradicciones. Esta combinación permite que la canción se mueva entre la decepción, la vulnerabilidad y una cierta ligereza.
Dentro de Pantalaimon, “Crusher” funciona como un cierre que reúne varios elementos de la identidad musical de Kid Tigrrr, pero los sitúa al servicio de una composición más concreta y narrativa. La delicadeza de las guitarras y las voces contrasta con una letra menos abstracta, mientras que la mezcla de tristeza, ironía y autoconciencia ofrece una conclusión marcada por la reflexión sobre una experiencia sentimental que llegó a su fin.
Desde la periferia industrial de Waterloo, Ontario, Awake & Dreaming llega con una propuesta de alt-rock canadiense. Integrada por Sasha Kristoff (voz y teclados), Stefan Schneider (guitarra), Phil Lee (bajo) y Ryan Dugal (batería), la agrupación ha construido una identidad sonora definida por la dualidad: un viaje constante entre la intimidad del piano, atmósferas electrónicas y explosiones de guitarras de escala monumental. El estilo de la banda suele incorporar capas sintéticas, ritmos y arreglos vocales dramáticos, citando frecuentemente influencias estilísticas y dinámicas vinculadas al alt-rock de las últimas dos décadas.
El álbum debut de la banda, titulado Inevitable, está programado para su lanzamiento el 16 de octubre de 2026, acompañado de una edición en vinilo y una gira por 10 ciudades en Ontario y Quebec. Con una duración total de 48 minutos y 36 segundos distribuida en 10 canciones, el álbum explora conceptualmente la experiencia de mantener la sensibilidad humana dentro de un entorno dominado por la sobreestimulación tecnológica y la apatía social.
El Track x Track de Inevitable
1. “I U Me” El disco abre con una declaración de energía cruda y directa, con bajo distorsionado la canción establece de inmediato la tensión del álbum mediante una instrumentación delicada con el uso del piano y una voz aterciopelada, mientras el coro explota en un estribillo emocional y agresivo. A nivel de producción, la mezcla limpia y robusta de Jay Dufour resalta la fuerza física de los instrumentos, logrando un sonido de gran alcance que marca el punto de partida del álbum: el momento en que el individuo, atrapado en la inercia de la máquina cotidiana, despierta a través de la tensión y el conflicto para reclamar su propia presencia.
2. “Rewire”
Segunda pista del álbum que profundiza en la necesidad de reprogramar los hábitos y esquemas mentales frente al adormecimiento cotidiano. Con un ritmo impulsivo y sintético, la canción construye un puente hacia la transformación, alternando versos melódicos con pasajes de marcada carga rítmica. Lo curioso es que las guitarras tienen un estilo particular de géneros como el Krautrock, pero llevándolo a otro lugar propio al tener una voz tan melódica y dulce, la canción tiene esa agresividad que propone la banda a la vez que las melodías nos remontan a bandas como king gizzard and the lizard wizard
3. “Old Ghosts” Sumergiéndose en una atmósfera de minimalismo evocador, esta pista reduce la instrumentación a sus elementos más íntimos. La combinación de e piano y sombras electrónicas genera una sensación de espacio y nostalgia, explorando el peso del pasado y las memorias no resueltas. La canción nos lleva completamente a un ambiente completamente diferente de los tracks anteriores, dándole un espacio mayor a la parte vocal y su interpretación,
4. “Antidote”
Corte cargado de suspenso y sensualidad oscura. La pista comienza con una estructura delicada de sintetizadores y una sensación de ciencia ficción, a través de arreglos de piano y un bajo que sostiene el movimiento de la canción, mientras el track va evolucionando para culminar en un clímax dramático sostenido por la afirmación de supervivencia “I’m still breathing”.
5. “Cold Shoulder”
“Cold Shoulder” nos presenta un sonido que juega con las texturas de la guitarra para crear disonancias que generan esta tensión incomoda y misteriosa, este es el punto de inflexión del disco donde la frustración se convierte en resistencia colectiva. A través de versos contenidos el tema explota en un estribillo de escala bailable diseñado para el canto grupal, coronado por la consigna rebelde “I’m gonna dance in the street while it’s burning”.
6. “Underwater”
Con una respiración inicial, el sencillo principal del álbum funciona como una sesión de introspección nocturna sobre el desapego y la carga emocional. Con una sonoridad melancólica, la canción utiliza la metáfora de la profundidad marina para abordar la urgencia de soltar lo que nos arrastra hacia el fondo antes de quedar completamente aislados. Con una interpretación tremendamente emocional el track toma elementos del Dream Pop combinándolo con un piano protagonista y unas líneas melódicas que te hacen conectar con la letra y melodias vocales que podrian hacer remembranza a Cocteau Twins.
7. “Lights Down Low”
Una composición que desacelera el ritmo para explorar el lado más acústico y cinemático de la banda. Apoyada en dinámicas vocales sutiles, la canción recrea la sensación de intimidad y refugio cuando el mundo exterior se apaga, mientras todo el track va creciendo para terminar con una explosión de toda la banda dándole paso a unas palabras finales con el ritmo acústico de la guitarra.
8. “Can’t Sleep”
Pista centrada en el insomnio, el sobre pensamiento y la sobreestimulación de la vida moderna. La canción nos recibe con un sonido de gran piano, el cual ha sido un elemento recurrente en el alum y creo que es de lo que mas le aporta para tener su propio sonido a la banda, ya que combina Dream Pop, Rock y texturas atmosféricas, pero hasta ahora el piano y la voz han sido una gran base para marcar un estilo propio de la banda, la instrumentación rítmica y los arreglos marcados transmiten la inquietud de una mente en vela que busca claridad en medio de la noche, con una gran melodía vocal en los versos que poco a poco va siendo acompañada de elementos como guitarras acústicas y coros suaves el disco nos entrega una balada piano que para nuestro gusto es uno de los mejores tracks del disco.
9. “Faceless”
Con guitarras cortantes y una sección rítmica acelerada, “Faceless” crea un ambiente orquestal , la canción refleja la lucha contra el anonimato y la presión por encajar en moldes preestablecidos, mientras nos lleva por un track que siente epico pasando por un solo explosivo y un final que pudiese sentirse como el cierre de una batalla al combinar elementos como coros, piano y un ritmo acelerado.
10. “Event Horizon” El cierre conceptual del disco representa el punto de no retorno y la catarsis final. La pista evoluciona desde capas atmosféricas progresivas hasta un clímax monumental, concluyendo el viaje del álbum con un sentimiento de asombro, resolución y reencuentro con la humanidad. Lo que nos llama la atención es el uso de estas capas de sintetizadores, que dan un tono contemplativo y a la vez misterioso.
El arco narrativo del álbum explora la necesidad de mantenerse humano en un mundo diseñado para adormecer las emociones. La historia evoluciona desde la alienación de sentirse “parte de la máquina” en la pista de apertura, hasta alcanzar la catarsis y el asombro por lo posible en el tema de cierre. A lo largo de sus sencillos, la banda ha mostrado las distintas facetas que componen esta travesía: El camino hacia el lanzamiento continuará con el estreno del sencillo principal, “Underwater” (18 de septiembre), un diálogo nocturno sobre soltar lo que nos arrastra a las profundidades, seguido por “Rewire” (2 de octubre).
Acompañado por una gira de 10 fechas entre septiembre y octubre por Ontario y Quebec, Awake & Dreaming demuestra que la autenticidad, la precisión técnica y la visión estética pueden abrirse paso sin el respaldo de una gran discográfica. Inevitable no solo representa el debut de una banda en pleno dominio de su arte, sino la afirmación de que el rock alternativo aún puede ser un refugio de esperanza y rebelión.
Soft Cuff es una banda instrumental originaria de St. Petersburg, Florida, que comenzó a tomar forma a finales de 2023 a partir de las sesiones musicales entre el bajista Brian Schanck y el multiinstrumentista Michael “Mikey” Bostinto. El proyecto surgió de manera relativamente espontánea: lo que inicialmente eran sesiones de trabajo terminó convirtiéndose en un repertorio propio y, posteriormente, en una banda.
A ellos se sumaron el guitarrista Shane Schuch y la tecladista y percusionista Christina Sanchez, configurando la formación que llevó las primeras composiciones al escenario. En sus primeros lanzamientos, Soft Cuff se presentó como un proyecto de psych-groove instrumental, con influencias que abarcan el funk, el soul, el jazz, el hip-hop y el rock psicodélico.
Soft Cuff, banda formada en St. Petersburg, Florida, presenta su primer álbum de larga duración, Thick Heat. El lanzamiento llega poco menos de tres años después de la formación del grupo y representa una ampliación de la propuesta instrumental que la banda había desarrollado en sus primeros trabajos.
A diferencia de una banda centrada en canciones vocales, Soft Cuff construye buena parte de su identidad a través de los arreglos instrumentales, los cambios de textura y el desarrollo de los riffs. En ese sentido, Thick Heat continúa una línea que ya estaba presente en sus primeros lanzamientos, aunque amplía el espectro de influencias y de instrumentos utilizados.
Uno de los elementos más evidentes de Thick Heat es su interés por el ritmo. El funk aparece como uno de los puntos de partida, pero no como una fórmula cerrada. A lo largo del álbum se incorporan recursos asociados al rock psicodélico, el soul, el jazz, el hip-hop y la música cinematográfica.
El Track x Track de “Thick Heat”
1. “Pico Suave” “Pico Suave” abre Thick Heat con un ambiente hipnótico y relajado que introduce buena parte del lenguaje instrumental de Soft Cuff. La percusión establece un pulso juguetón mientras las guitarras aportan tonos cálidos y envolventes. El bajo avanza con una cadencia pausada y se integra con una batería constante, creando una pieza instrumental como mucho groove y atmósfera. Es una apertura que presenta al oyente un sonido más interesado en construir espacios que en apresurarse hacia un clímax, yendo del groove a lo ligeramente psicodélico.
2. “Me? I’ll Have That” Con una conexión directa del ritmo el segundo track del disco “Me? I’ll Have That” conserva parte del carácter percusivo del primer tema, aunque incorpora una mayor presencia del funk. El bajo adquiere protagonismo y las guitarras se muestran más brillantes y funky, mientras los teclados añaden brillo y profundidad. La canción va incrementando su intensidad hasta alcanzar una sección pausada protagonizada por el bajo, los cambios entre texturas más suaves y pasajes se transforman en un riff ligeramente distorsionado que va dirigiendo la sección final mientras los teclado crean esa tensión “rica” que nos encanta para terminar el track.
3. “Mystery Box” “Mystery Box” en lugar de depender de una estructura vocal tradicional, Soft Cuff utiliza la interacción entre los instrumentos para mantener la sensación de descubrimiento que sugiere el título, llena de riffs y arreglos que van tomando protagonismo durante 3:34 minutos, con un sonido retro y a la vez moderno hasta ahora el álbum nos recuerda a bandas como Chicano Batman, pasando del groove y funk a ritmos mas latinos agregándole texturas de sintetizadores setenteros que te harán perderte en su sonido.
4. “Rudy” “Rudy” se adentra con mayor claridad en la faceta psicodélica de Soft Cuff. Los teclados, particularmente el órgano, aportan una textura colorida que se combina con guitarras que alternan entre riffs impulsados por el ritmo y momentos de mayor intensidad. El tema incorpora cambios de dinámica y pausas que interrumpen temporalmente el flujo antes de recuperar su amplitud instrumental. También aparecen matices de reggae dentro de su estructura, ampliando la combinación de referencias que caracteriza al álbum.
5. “Short Moves” “Short Moves” nos lleva a un momento de calma con su intro, un e piano suave y delicado, mientras el groove va creciendo y la interacción instrumental ocupen el centro. Dentro del disco, el tema tiene una sensación mas reflexiva y lenta pero conservando este groove retro que caracteriza a la banda, especialmente en el coro. El tema forma parte de una secuencia en la que Soft Cuff alterna diferentes grados de intensidad y textura, evitando que el álbum quede limitado a una única aproximación psicodélica o funk. Su presencia contribuye al carácter cambiante del disco y a la sensación de que cada composición funciona como una variación sobre el lenguaje general de la banda.
6. “Neon Sanders” “Neon Sanders” añade otra tonalidad al universo de Thick Heat. El título evoca una estética urbana y cinematográfica , como ocurre en buena parte del álbum, el interés está menos en una narrativa explícita que en la manera en que los instrumentos pueden sugerir escenas, movimientos y ambientes. La canción amplía así el recorrido antes de llegar a la pieza que da nombre al álbum. La canción explota con un outro final lleno de sintetizadores y un ritmo mas agresivo que hacen que la pieza te lleve de una sensación de caminar por la calle al caos explosivo del final de una historia.
7. “Thick Heat” La canción que da título al álbum constituye uno de sus momentos más cinematográficos. Con algo más de cinco minutos, desarrolla una atmósfera que recuerda a determinadas bandas sonoras de los años setenta. Las guitarras presentan sonidos suaves y elegantes, mientras los efectos y sintetizadores espaciales amplían el paisaje sonoro. El resultado se mueve entre el misterio de una película de espionaje y una estética más sensual asociada con ciertas producciones de aquella década, manteniendo siempre el carácter instrumental del grupo.
8. “What’s A Question Mark Sound Like?” “What’s A Question Mark Sound Like?” reúne funk, psicodelia, soul, rock, y algunos toques de world music. La guitarra, los teclados y la sección rítmica se combinan para producir una composición dinámica, juguetona y orientada al groove. La canción toma todos estos elementos crenado un jam con todo los elementos que venia presentando en canciones anteriores, suavidad, sintes retros, bajos con mucho groove y crechendos que pasan de lo latín al rock de manera natural.
9. “S’good Enuff” “S’good Enuff” se encuentra hacia el cierre del álbum y forma parte de la última etapa del recorrido musical planteado por Soft Cuff. El título, deliberadamente coloquial, también refleja el sentido de humor y la informalidad que aparecen en distintos aspectos de la identidad de la banda, en esta ocasión reflejando este tono super funk como parte de su identidad.
10. “Scorsese’s Dream” “Scorsese’s Dream” cierra Thick Heat, la canción transmite una sensación cercana al cine de espías y atracos, aunque esa cualidad funciona como una impresión que produce la música y no como el concepto a partir del cual fue compuesta. El bajo aporta un movimiento constante mientras las guitarras pasan de momentos más atmosféricos a líneas ascendentes y secciones de mayor intensidad. Hacia la mitad, el ritmo se ralentiza antes de recuperar fuerza para un cierre más contundente y orientado al rock. Como último tema del disco, resume algunos de los recursos que aparecen a lo largo de Thick Heat, particularmente el groove, las texturas de guitarra y la capacidad de Soft Cuff para generar una atmósfera cinematográfica sin recurrir a una narrativa vocal.
Entre los artistas con los que Soft Cuff ha sido comparado se encuentran Khruangbin, BADBADNOTGOOD, Menahan Street Band, The Budos Band, El Michels Affair, Mildlife y Surprise Chef. Las comparaciones sirven como referencia para entender el terreno musical en el que se mueve el grupo, aunque Thick Heat no se limita a reproducir ninguno de esos estilos.
La incorporación de diferentes instrumentos de percusión es también parte importante de la evolución que plantea el álbum. En lugar de utilizar la guitarra como único elemento protagonista, Soft Cuff distribuye el peso de las composiciones entre el ritmo, el bajo, las guitarras y las diferentes capas percusivas.
La ausencia de una voz como elemento principal cambia la manera en que Soft Cuff aborda sus composiciones. En Thick Heat, los instrumentos tienen que asumir funciones que tradicionalmente pueden recaer sobre una melodía vocal: crear tensión, establecer una atmósfera y conducir el desarrollo de las canciones.
El resultado sitúa a Soft Cuff en un espacio entre la recuperación de sonidos vintage y la búsqueda de una estética contemporánea. Su apuesta por la música instrumental también los diferencia dentro de un panorama en el que la voz continúa siendo el principal vehículo narrativo para buena parte de las propuestas de rock y música alternativa.
Alas de Liona presenta “The Vespertine”, el primer sencillo de Noble Rot, su próximo álbum de estudio y una nueva etapa dentro de la trayectoria de la artista estadounidense radicada en Escocia. El tema, descrito como una balada de alt-pop oscura, aborda el amor y la pérdida desde una perspectiva marcada por una estética gótica y una atmósfera introspectiva.
La canción introduce el universo conceptual de Noble Rot, un álbum inspirado en la temática de los vampiros. En “The Vespertine”, esta referencia funciona como parte de una propuesta que combina elementos oscuros con una sensibilidad melódica y emocional. La producción se apoya en el carácter atmosférico de la composición, mientras que la interpretación vocal de Alas de Liona aporta diferentes matices a una canción centrada en sentimientos de apego, ausencia y transformación.
La identidad musical de Alas de Liona se ha desarrollado en Edimburgo, ciudad a la que llegó después de pasar un año estudiando en el extranjero. Su propuesta combina alt-pop con elementos oníricos y una escritura introspectiva, dando especial importancia a la creación de ambientes. A lo largo de su trayectoria ha trabajado con músicos y productores vinculados a la escena escocesa, entre ellos Rod Jones, de Idlewild, y Gus Harrower.
“The Vespertine” llega después de Gravity Of Gold, el segundo álbum de la artista, publicado en septiembre de 2024. El disco recibió atención de distintos medios especializados, entre ellos Clash, The Line Of Best Fit, The Scotsman, BBC Radio Scotland, The Skinny, RTE y The Arts Desk. Estas publicaciones destacaron diferentes aspectos de su composición, interpretación vocal y orientación atmosférica.
Noble Rot fue completado en febrero de 2026 en Post Electric, en Leith, y continúa ampliando la dimensión conceptual de su música. El nuevo material representa una evolución respecto a su trabajo anterior, incorporando una narrativa vinculada a lo vampírico y una estética más oscura, sin abandonar la sensibilidad melódica que caracteriza a la artista.
EWAH llega como una de las voces más inquietas de la música independiente australiana. Su obra transita con naturalidad entre el art pop, el post-punk, el folk experimental, la electrónica y el rock noir, siempre guiada por una búsqueda constante de nuevas formas de composición. Músico, cineasta y creadora multidisciplinar, EWAH entiende cada proyecto como una exploración donde el azar, el espacio y la intuición tienen tanto peso como la melodía.
SPIRITUAL DANCE, el nuevo trabajo de EWAH, comenzó como una residencia artística en el estudio de danza Assembly 197, en Launceston (Lutruwita/Tasmania), con la intención de escribir la banda sonora de una película imaginaria, terminó convirtiéndose en una obra profundamente autobiográfica: un álbum que dialoga, quince años después, con GOSPEL DANCE (2011).
Durante su residencia en 2023, EWAH se impuso un reto sencillo y radical: escribir una canción cada día. Lejos de buscar la perfección, abrazó la inmediatez y permitió que el propio espacio guiara el proceso creativo. El estudio de danza se convirtió en un instrumento más. Las luces fluorescentes, el zumbido de un calefactor, las sirenas de las ambulancias, la música filtrándose desde los ensayos de jóvenes bailarines y el estruendo de los coches haciendo “blockies” quedaron registrados como parte esencial de la composición.
El resultado es un álbum que escucha el lugar tanto como lo habita. Más que una colección de canciones, SPIRITUAL DANCE es un diario sonoro donde los recuerdos de la adolescencia de EWAH en Launceston emergen sin nostalgia, transformados en una exploración del movimiento, la memoria y la identidad.
EL TRACK X TRACK DE SPIRITUAL DANCE
1. Prelude – Sun Beats
El álbum comienza como si el amanecer respirara a través de los altavoces. Prelude – Sun Beats no busca establecer una melodía convencional, sino abrir un espacio sensorial donde el cuerpo despierta antes que la mente. Las texturas ambientales parecen capturar el silencio del estudio antes de que llegue el movimiento, mientras pequeños pulsos rítmicos anticipan el viaje emocional que está por comenzar. Es la primera inhalación de un disco que entiende la danza como una forma de conciencia.
2. G Boogie
Con un ritmo a basae de caja de ritmo y una energía que se siente como un mantra que cruza la oscurida, G Boogie introduce el primer impulso del álbum. Entre ecos de voces distorsionadas y un sintetizador ostinato que transforma la canción en una sensación de pánico ambiental constante.
3. Do Wop Bop
Do Wop Bop transforma la nostalgia del doo-wop en una experimentación sonora, como en canciones anteriores “la tensión” es un elemento principal de la canción, con una ajeo que oscila durante toda la canción junto a un ritmo constante, jugando principalmente en la parte de texturas en sintetizadores y la parte vocal, utilizando falsetes y una voz despreocupada que poco a poco nos sumerge en un mundo atmosferico
4. Sirens
Las sirenas dejan de ser una simple señal de emergencia para convertirse en parte del paisaje emocional. Inspirada en los sonidos que rodeaban el estudio durante la residencia, la canción transforma el ruido urbano en una experiencia cinematográfica. Lo cotidiano adquiere un carácter hipnótico, mientras la tensión entre belleza y amenaza atraviesa cada compás como un recordatorio de que incluso el caos posee su propia armonía, con un ajo agresivo y lineas melodicas que hacen que el track se sienta mágico.
5. Run
Run llega para cambiar este tono meramente atmosférico a un rush dirigido por el bajo, transmitiendo la sensación de avanzar sin mirar atrás. La instrumentación acelera y desacelera como una respiración agitada, evocando el vértigo de crecer, abandonar viejas certezas y descubrir que el movimiento, por sí mismo, también puede ser una forma de libertad.
6. Hallelujah
Con un guitarra acustica y una voz sumergida en la atmosfera, eterea, magica y reverberada del alum, Hallelujah encuentra en los pequeños gestos cotidianos, en la repetición de los movimientos, en el sonido de una habitación compartida y en la capacidad del arte para transformar lo ordinario en extraordinario. Es una pausa luminosa dentro del recorrido del álbum.
7. Holy Trinity
La luz no se acaba en Hallelujah, Holy Trinity juega con ostinatos de guitarra y destellos de sintetizadores, que sirven como rafagas de luz atmosfericas mientras le bajo juega con una figura que nos va llevando por este camino sin necesidad de una voz, sintiendose como un interludio mientras buscas tu lugar en el disco, las distintas capas musicales dialogan como tres voces que buscan un punto de encuentro sin imponerse unas sobre otras. El resultado es una composición que invita a escuchar con paciencia, descubriendo nuevas conexiones en cada repetición.
8. Where I Hear the Music Play
Regresando de un puente emocional lleno de luz, Where I Hear the Music Play nos lelva por voces susurradas que convierten la memoria en un espacio físico donde la adolescencia, las calles y el presente conviven en perfecta sincronía.
9. Spiritual Dance
Con una caja de ritmo super ochentera, la pieza central del disco toma esta sensación atmosférica y minimalista de canciones anteriores, agregándole esta sensación bailable y futurista-ochentera. La pista de baile deja de ser un lugar de entretenimiento para convertirse en un espacio de transformación personal. Influencias de la disco, el post-punk y el art-pop confluyen en una celebración del movimiento como acto de resistencia, comunión y libertad, manteniendo este toque oscuro y de tensión que nos presento la artista desde inicios del disco. Inspirado por Blue Monday de New Order y por la tradición de la disco italiana que influyó en aquel clásico, combina bajos post-punk, guitarras metálicas y una energía espontánea que la propia artista describe como la de alguien descubriendo la música de baile por primera vez. Esa falta de cálculo es precisamente uno de sus mayores aciertos.
10. Fever Switch
Despues de la pista mas bailable del disco Fever Switch nos cambia completamente el mood con una instrumentación minimalista, especios reverberados y una descarga de energía nerviosa. Con voces procesadas que sirven para seguir creando una atmosfera llena de caos donde la caja de ritmo va marcando este tik tok del reloj para atravesar una neblina llena de arreglos inesperados.
11. Sunday
Después del minimalismo ambiental anterior, Sunday ofrece un espacio de contemplación., dirigido por un sonido de guitarra nuevo en el disco, mas melodico y con sensaciones de R&B, es una canción que parece suspendida entre el descanso y la anticipación, donde cada nota encuentra el espacio suficiente para respirar. La espiritualidad cotidiana vuelve a hacerse presente con una delicadeza casi doméstica. En este track la parte vocal es de lo mas llamativo, ya que tiene melodias memorables en los coros mientras en los versos se siente una intesión vocal mas percusiva.
12. Climb to the Sky
Construida como un ascenso lento pero decidido entre tambores, la canción convierte la idea de elevarse en una metáfora de la transformación . Con una sensación mas orgánica que juega con lo percusivo y voces limpias, cada nueva capa parece ampliar el horizonte, mientras la voz mantiene los pies en la tierra. La canción va transformando esta sensación de tensión en luz mientras la pieza va avanzando, la voz es la protagonista de este track, dándonos secciones de voz hablada, mientras poco a poco van apareciendo guitarras cristalinas, cuerdas y una paisaje celestial.
13. Find Your Faith
Find Your Faith continua esta sensación celestial, con apenas una guitarra acústica y una voz que habla de la fe, es uno de los momentos más introspectivos del álbum, donde la vulnerabilidad se convierte en una forma de fortaleza. Poco a poco la parte vocal va cruzando esta sensación etérea, mientras va integrando mas elementos de una manera orquestal para un crechendo que va dando paso al cierre del álbum.
14. Electricity
El cierre del disco posee una resonancia casi circular, marcándonos este tono característico de tensión como en los primeros tracks del disco, una pieza casi instrumental, marcando un mantra vocal mientras lentamente desaparece a los pocos minutos.
Musicalmente, el disco se desplaza con absoluta libertad entre la psicodelia, la raga india, el soul pantanoso, la música disco italiana y el nervio del post-punk. Esa diversidad nunca se siente arbitraria. Cada influencia aparece al servicio de una narrativa emocional que evita las etiquetas y reivindica la curiosidad como motor creativo.
Uno de los episodios más singulares de la grabación fue la aparición de una arritmia cardíaca durante la residencia. En lugar de ocultarla, EWAH decidió incorporarla al lenguaje del álbum utilizando un metrónomo averiado para reproducir ese pulso irregular. Cuando grabó la canción de cierre, Electricity, su ritmo cardíaco volvió inesperadamente a la normalidad, cerrando el disco con una resonancia casi simbólica.
La filosofía de crear rápido y comprometerse con la primera intuición también define el universo visual del proyecto. En 2026, EWAH regresó a Assembly 197 para filmar el videoclip de SPIRITUAL DANCE (SINGLE VERSION) junto al colectivo juvenil Stompin. Rodado en una sola jornada, bajo la dirección de Ursula Woods y con coreografía de Izzy Lockett, el vídeo alterna imágenes en película de 16 mm con una videocámara sostenida literalmente por pinzas de cocodrilo. El resultado es una estética imperfecta, urgente y vibrante, fiel al espíritu del álbum.
Con una trayectoria que abarca el rock noir, el folk, el electro, el art pop y la experimentación, EWAH continúa desafiando cualquier intento de clasificación. Su práctica artística atraviesa la música, el cine, la escritura y la colaboración interdisciplinar, consolidándola como una de las creadoras más singulares de la escena australiana contemporánea.
CASANDRA continúa ampliando el universo de ISLA TRANQUILITA con “HOURGLASS”, un sencillo que funciona como una nueva ventana hacia el mundo íntimo y cinematográfico que la artista ha construido alrededor de este proyecto. La cantante nacida en Miami y establecida en Los Ángeles presenta una pieza donde convergen la vulnerabilidad, la nostalgia y una búsqueda constante de paz interior, elementos que se han convertido en pilares fundamentales de su identidad musical.
El concepto de ISLA TRANQUILITA, cuyo significado es “pequeña isla de paz”, nace como un homenaje a la tía abuela Teresa de CASANDRA, una figura que representó apoyo y tranquilidad durante su infancia. Esa idea de encontrar un espacio seguro en medio de momentos difíciles se transforma en música a través de un proyecto que mezcla recuerdos, sanación y herencia cultural. “HOURGLASS” profundiza en ese universo al explorar la relación entre el amor, la conexión emocional y la inevitable naturaleza cambiante del tiempo.
Musicalmente, la canción se desarrolla como un paisaje de ensueño. Guitarras suaves, sintetizadores envolventes y ritmos delicados crean una atmósfera serena donde cada elemento parece flotar con naturalidad. La producción mantiene una sensación de intimidad, permitiendo que la voz de CASANDRA se convierta en el centro emocional del tema. Su interpretación, frágil pero segura, transmite una cercanía que invita al oyente a entrar en un espacio de reflexión personal.
“HOURGLASS” aparece en los pequeños detalles, en los silencios y en la forma en que la artista expresa emociones relacionadas con el deseo de conservar un momento especial. La letra aborda la incertidumbre de las relaciones y la pregunta de si ciertos vínculos pueden permanecer más allá de una etapa determinada.
Dentro de ISLA TRANQUILITA, “HOURGLASS” representa una pieza que conecta con las ideas centrales del proyecto: la memoria, el amor, la pérdida y la posibilidad de encontrar serenidad después de atravesar momentos complejos. CASANDRA utiliza su mezcla de alt-pop, R&B y electrónica ambiental para crear un espacio donde conviven la melancolía y la esperanza, ofreciendo una experiencia que se siente personal pero al mismo tiempo universal.
El dúo londinense atmos bloom, formado por Tilda Gratton y Curtis Paterson, continúa desarrollando su propuesta musical con dos sencillos que adelantan la dirección de su próximo álbum Everythingness: “It’s Enough” y “Closer”. Ambos temas muestran una etapa más reflexiva del proyecto, donde el dream pop, el shoegaze y el indie alternativo sirven como vehículo para explorar emociones relacionadas con el crecimiento personal, las expectativas y la transformación.
La historia de atmos bloom comenzó en Manchester, cuando Tilda y Curtis se conocieron a través de la música durante sus años universitarios. Después de compartir proyectos y desarrollar una conexión creativa, el dúo evolucionó hacia una propuesta propia marcada por influencias del psych-rock, el shoegaze y el pop de guitarras. Con referencias que incluyen a bandas como DIIV, Alvvays, Deerhunter, Broadcast y Ulrika Spacek, su sonido combina atmósferas expansivas con melodías accesibles y una sensibilidad íntima.
En “Closer”, atmos bloom aborda la idea de encontrar paz interior mientras se reconoce que algunas versiones anteriores de uno mismo ya no forman parte del presente. La canción se sitúa en ese punto de transición donde crecer implica aceptar cambios inevitables, dejar atrás ciertas identidades y aprender a convivir con la evolución personal.
El tema construye una atmósfera difusa y envolvente, característica del universo del dúo. Las guitarras crean un paisaje sonoro cercano al shoegaze y al dream pop, generando una sensación entre lo real y lo onírico. La producción apuesta por texturas suaves y una energía contenida que acompaña la idea central de la canción: avanzar sin perder la conexión con aquello que alguna vez fuimos.
“Closer” refleja una mirada contemplativa sobre el paso del tiempo y la búsqueda de equilibrio. Más que presentar el cambio como una pérdida, la canción lo plantea como una parte natural del crecimiento y de la construcción de una nueva identidad.
Por su parte, “It’s Enough” explora una preocupación diferente pero relacionada: la dificultad de sentirse suficiente frente a las expectativas de otras personas. La canción gira alrededor de la tensión entre intentar responder a las imágenes que los demás tienen de nosotros y la necesidad de aceptar nuestra propia realidad.
Musicalmente, el tema combina guitarras cristalinas, una base rítmica dinámica y la voz serena de Tilda Gratton, creando un equilibrio entre energía y vulnerabilidad. La instrumentación mantiene influencias del indie pop atmosférico y el shoegaze, con capas sonoras que aportan profundidad sin perder claridad.
La composición no busca ofrecer una solución definitiva a esa sensación de insuficiencia, sino abrir un espacio para reflexionar sobre ella. atmos bloom transforma una experiencia personal en una emoción compartida: la búsqueda de aprobación, el cansancio de intentar encajar y el proceso de aprender a valorarse desde una perspectiva más propia.
Tanto “Closer” como “It’s Enough” presentan dos caras complementarias del universo de Everythingness. Mientras “Closer” se centra en aceptar las transformaciones internas y las etapas que dejamos atrás, “It’s Enough” aborda la presión externa y la necesidad de liberarse de expectativas imposibles.
A través de una combinación de guitarras atmosféricas, melodías delicadas y letras introspectivas, atmos bloom continúa construyendo una identidad basada en la exploración emocional y la experimentación sonora.
