Rock

Saudade: el viaje íntimo de Ale Camalión hacia la sanación

By Oleada Indie / mayo 17, 2025

Desde Medellín, Colombia, bajo el nombre de Ale Camalión se presenta el músico y diseñador gráfico Alejandro Cardona Arango quien ha creado un universo donde la vulnerabilidad se convierte en una fuerza creativa y la melancolía, en belleza sonora. Su EP debut, Saudade, es un refugio, una catarsis y renacimiento personal.

Su relación con la música comenzó en la adolescencia, pero fue interrumpida por una decisión dolorosa: abandonar su vocación para cumplir con las expectativas de lo que el mundo considera un “trabajo real”. Durante siete años, ese silencio lo arrastró a una profunda depresión. Sin embargo, fue precisamente en ese abismo donde encontró el impulso para volver a su esencia y reconstruirse desde el arte. Así nació Saudade, su primer EP.

Saudade es una palabra portuguesa que no tiene una traducción exacta al español, pero que encierra una mezcla de nostalgia, amor perdido y añoranza por lo que ya no está. Ese sentimiento atraviesa cada una de las seis canciones del EP, que fusionan synthpop, dream pop, shoegaze y una sensibilidad lírica profunda. Canciones como “Reflejos”, “El mar sobre nosotros”, “Noche negra” y “Mal y un reloj” tejen paisajes emocionales que hablan de desarraigo, introspección y reconexión personal.

El EP fue producido en Medellín junto a Simón Ramírez Acosta, guitarrista de La Banda del Bisonte, mientras que el mástering fue realizado por Sebastián Lopera, nominado a cuatro Latin Grammy.

El Track x Track de Saudade

No Hay Mas (ft. Cheri)

El disco abre con el focus track, “No hay más”, una colaboración con la artista Chéri, y ofrece una mirada cruda sobre la falsa idea de libertad que pueden representar las fiestas, las luces de la ciudad y el ruido social. Lejos de liberarnos, a veces nos aíslan aún más de nuestra esencia. Co

“No hay más denuncia la ilusión de que la ciudad y la fiesta puedan liberarnos. Al contrario, nos encierran, distanciándonos de lo que realmente somos”, explica Ale.

Un track influenciado por el sonido mas clasico del Indie Rock de los ultimos años, con reminisencias a Siddhartaha, Reyno o inclusive Zoé, el track nos lleva por capas de sintetizadores y guitarras crunchy, mientras las voces juegan mucho con la letra poetica y que logra destacar la voz de Cheri al darle un color dulce a la canción.

Mal y un Reloj

Como segundo track del disco Alex nos presenta una canción que se abalanza mas a los sonidos del rock, jugando entre metaforas y una oda al tiempo Mar y un Reloj, explora esta sensación de no poder parar el tiempo, mientras poco a poco nos lleva a un mundo lleno de sintetizadores y riffs de guitarras potentes.

Noche Negra

En Noche Negra, Alex explora nuevos colores de su voz, siendo el uso del falsete un distintivo de este track, con ritmos solidos y sintetizadores juguetones el artista nos lleva a una historia donde mirar hacia dentro y crecer a traves de la realidad se vulven la bandera de la canción, dandole este toque instrospectivo que busca Alex en Saudade, recordandonos en ocasiones a bandas como Cuarteto de Nos.

Kaguya

Desde el titulo del cuarto track se nos hace interesante la presentación de este nuevo tema, con una voz un poco mas ligera y una sensación mas relajada, este track le da ese punto de tranquilidad que el album necesitaba, si bien la canción sigue jugando mucho con temas como la nostalgia, el silencio y las emociones, la canción logra sentirse mas digerible y disfrutable entre su melodia instrumental.

El mar sobre nosotros

En camino a la recta final el mar sobre nosotros, inicia con todo con unos sintetizadores mas agresivos que llaman la atencion desde el primer momento, en esta ocasión el ritmo que venia proponiendo Ale durante en el disco se mantiene y quizas eso llegue a ser un poco cansado, pero esta exploración de un ritmo mas dance le da una sensación diferente a la canción, quizas nos hubiera gustado explorar un poco mas de minimalismo en algunos tracks … pero esta evolución a temas mas cargados de riffs y sintetizadores retros tambien se siente como un paso natural en la discografia.

Reflejos

Reflejos cierra el disco, con texturas diferentes a los tracks anteriores pero con una sencilles muy llevadera.

Más allá de su propuesta sonora, Ale Camalión se ve comprometido con la visibilización de la salud mental. Sus letras y mensajes apuntan a abrir conversaciones necesarias sobre depresión, ansiedad, y la importancia de volver a uno mismo.

“Quiero llevar a quienes se sumergen en mi universo a un mundo donde los sentimientos recobran su magia. Donde el dolor se transforma en arte”, concluye Ale.

Ale no solo canta lo que duele, sino que lo transforma en una experiencia que acompaña, abraza y libera. En tiempos de inmediatez y ruido, su música es una invitación a escuchar hacia adentro.

Indie Rock/Rock/Shoegaze

Explosión de energía indie: HLLLYH vuelve con “Uru Buru”

By Rafael Méndez / mayo 15, 2025

Desde los rincones más inquietos de la escena experimental de Los Ángeles, HLLLYH —antes conocidos como Mae Shi— retoma el pulso con “Uru Buru”, un tema que condensa años de exploración musical bajo un envoltorio de distorsión, ritmo y actitud. Lejos de los escenarios alternativos que alguna vez compartieron con leyendas del DIY en The Smell, el grupo regresa con una pieza que no teme al caos, pero que sabe mantener la forma.

“Uru Buru” es una canción que se desliza entre capas de sonido con un dinamismo contagioso. El rock y el shoegaze se entrelazan en un ejercicio de control y desenfreno, donde cada golpe de batería y cada riff parecen dialogar un lado retro. Su energía no es gratuita, sino el resultado de una visión clara: mantenerse fiel al impulso creativo sin perder el hilo de lo que hace vibrar a un oyente.

Detrás del tema se percibe una banda que no ha olvidado su origen, pero que también entiende que la evolución no significa ruptura. Si bien este nuevo proyecto iba a ser inicialmente un disco de Mae Shi, el cambio de nombre a HLLLYH sugiere un deseo de abrir nuevos caminos sin borrar las huellas anteriores. La canción funciona como carta de presentación, pero también como declaración de principios.

Con el anuncio de un nuevo álbum bajo el mismo título que este sencillo, HLLLYH parece dispuesto a reconfigurar su legado sin nostalgia innecesaria. “Uru Buru” nos recuerda que el indie puede seguir siendo impredecible y visceral cuando se le da espacio para respirar y rugir.

Pop Rock/Rock/Shoegaze

Entre Shoegaze y Nostalgia: Harmless mira hacia el futuro con su nuevo sencillo

By Rafael Méndez / mayo 15, 2025

En la escena alternativa actual, donde la nostalgia se funde con lo experimental, Harmless presenta una propuesta que se mantiene en equilibrio entre lo íntimo y lo ostentoso. Su más reciente canción, “future music”, es un ejercicio de contención emocional con una base de rock ligero que se filtra con la distorsión del shoegaze. La atmósfera que construye se siente ligera pero nunca superficial, con capas que, sin saturar, sugieren más de lo que muestran.

Detrás de Harmless se encuentra Nacho Cano, un compositor y productor originario de Ciudad de México, que encontró en San Diego y más tarde en Los Ángeles un territorio fértil para su evolución musical. Su historia personal atraviesa proyectos como Twin Cabins y Canito, etapas donde exploró desde la confesión sentimental hasta el juego con samplers y ritmos urbanos. Con Harmless, Cano parece haber encontrado un punto medio donde conviven emoción, síntesis y memoria.

“future music” se sostiene sobre un ritmo que no necesita de artificios para generar impacto. La voz, con un timbre particular , se convierte en guía dentro de un paisaje sonoro que respira cierta melancolía. Es una pieza que sugiere movimiento sin estridencia, evocando una sensación de tránsito entre épocas, donde el pasado se transforma en proyección.

El título no es casualidad: hay en esta canción una mirada hacia adelante, pero no desde la novedad técnica sino desde lo emocional. Harmless no busca innovar por el simple acto de romper esquemas, sino más bien condensar experiencias en sonidos que resuenan con quienes aún encuentran en la música una forma de permanecer.

Indie Pop/Indie Rock/Pop/Rock

Romanie Rompe Barreras con su Sonido Más Oscuro en ‘Uh Oh’

By Oleada Indie / mayo 13, 2025

Romanie, la artista nacida en Bélgica y radicada en Naarm/Melbourne, explora la complejidad de la vida con una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza. Tras su álbum debut Are We There Yet? (2023), Romanie regresa con un nuevo sencillo titulado “Uh Oh”, que marca una evolución hacia un sonido más oscuro y grunge, mientras mantiene su enfoque introspectivo y su característico sentido del humor.

Desde su mudanza a Naarm en 2019, Romanie ha logrado cautivar a una audiencia global con su música indie y alternativa, convirtiéndose en una de las artistas más prometedoras de la escena musical australiana. Su música, inicialmente influenciada por el indie-pop, ha evolucionado, reflejando sus experiencias personales y un cambio en su visión artística. “Uh Oh” es un claro ejemplo de esta evolución, con un sonido más áspero y visceral, donde la fusión de guitarras eléctricas, sintetizadores y sus poderosas vocales dan lugar a una canción que refleja el caos y la turbulencia de la vida, todo ello envuelto en una atmósfera de autoconocimiento.

El nuevo sencillo de Romanie, “Uh Oh”, es el primer lanzamiento desde su debut en 2023. En él, la artista aborda las dificultades personales que atravesó en un periodo complicado de su vida, entre las que se incluyen problemas de salud y la nostalgia por su Bélgica natal. Sin embargo, como es característico en su estilo, la canción no se limita a la oscuridad; también está impregnada de un toque de humor irónico, lo que permite a la audiencia encontrar ligereza incluso en medio del dolor.

La letra de “Uh Oh” es una reflexión sincera sobre la lucha interna, con frases como “One of these days I will replace this version of myself / the bedside manners soothing up the bad side of my health”, que capturan perfectamente ese sentimiento de transformación y superación. La combinación de un riff de guitarra suave pero presente, junto con un sintetizador glitchy y la poderosa interpretación vocal de Romanie, lleva al oyente en un viaje emocional, que culmina con un grito catártico al final de la canción.

El video musical que acompaña a “Uh Oh” tiene un estilo nostálgico, evocando los primeros años de los 2000, con un toque visual de los videos musicales de esa época. Dirigido por Young Ha Kim (Mdou Moctar, Kaiit, Press Club), el video fue filmado en dos desguaces de autos en Cranbourne, Victoria, lo que refuerza la conexión de Romanie con su sonido más crudo y directo, además de rendir homenaje al coche pastel que aparecía en el video de su sencillo anterior “Are We There Yet?”. Esta estética visual representa la transición de Romanie de su antiguo sonido a este nuevo enfoque más experimental y audaz.

Altpop/Nuevo Rock/Pop/Rock

Noelle Sucks no decepciona: Pop alternativo brillante para corazones rotos

By Oleada Indie / mayo 12, 2025

Con una mezcla de alt-pop, bedroom pop y tintes de emo y pop rock, la cantante y compositora estadounidense Noelle Sucks está ganando terreno en la escena independiente con su más reciente sencillo, “Little 2 Close 2 The Sun”, es un testimonio de su capacidad para convertir el desamor en una experiencia sonora envolvente, luminosa y profundamente identificable.

La canción nace, según palabras de la propia artista, desde un “purgatorio post-rompimiento”, un limbo emocional donde no se puede volver atrás, pero avanzar tampoco parece claro. Esa ambigüedad sentimental se refleja en la producción: sintetizadores brillantes, riffs de guitarra eléctrica sutiles, y una voz que oscila entre la melancolía y la esperanza.

“No podía regresar, pero seguir adelante también era extraño. Estaba completamente en limbo, sin dejar entrar ni salir a nadie”, explica Noelle sobre el proceso emocional que inspiró la canción.

Aunque su nombre artístico —Noelle Sucks— juega con la ironía, su música dice todo lo contrario. Con una estética sonora que remite a los días de NeverShoutNever, Owl City o The Postal Service, Noelle logra mantener esa nostalgia viva, pero la moderniza con una producción refinada y letras que resuenan con las experiencias de las nuevas generaciones.

“Little 2 Close 2 The Sun” no es solo una canción sobre el fin de una etapa amorosa, sino una obra que abraza el dolor y lo transforma en belleza, sin caer en dramatismos innecesarios. Incluso quienes no están atravesando una ruptura podrán disfrutar de su energía, estructura dinámica y frescura vocal.

Indie Rock/Retro/Rock

Bajo el Manto Retro: “Under the Weather” de THYMIAN

By Rafael Méndez / mayo 4, 2025

En “Under the Weather”, THYMIAN recupera con soltura el pulso del rock clásico y lo viste de una estética retro muy marcada. El tema arranca con un efecto lo-fi que sumerge al oyente en una atmósfera casi nostálgica. El ritmo se mantiene constante y permite que la canción fluya con naturalidad, atrapando desde el primer momento.

La voz de THYMIAN, en su registro de barítono con cuerpo, aporta un matiz de rudeza capaz de contrarrestar la suavidad de la producción. Ese contraste la hace especialmente atractiva: el sonido cuidado y la capa de imperfección lo-fi se equilibran con una interpretación vocal que no teme rasgarse. De esta manera, la pieza adquiere una personalidad distintiva y un aire de autenticidad poco común.

Conocido como el Sad-Dancy-Boy, THYMIAN fusiona el new wave ochentero con el synth-pop moderno como parte de su terapia personal. Temas como la duda, el cambio y el miedo atraviesan su obra, y en “Under the Weather” esas inseguridades se insinúan entre líneas. La canción se convierte en un ejercicio de autoexploración, donde la sonoridad vintage sirve de guía para un viaje interior que desafía los prejuicios.

En definitiva, “Under the Weather” es una inmersión en un universo sonoro que honra el pasado sin quedarse atrapado en él. Con una producción envolvente y una voz que destila carácter, THYMIAN ofrece una pieza que conecta con quienes buscan música con identidad y mensaje.

Experimental/Nuevo Pop/Pop/Rock

Entre Ritmos y Alucinaciones: “Psychoactive Love” de Chris Jobe

By Rafael Méndez / mayo 3, 2025

Psychoactive Love irrumpe con un pulso original, donde Chris Jobe amalgama rock, pop moderno y texturas experimentales en un mismo compás. El teclado se erige como un contrapunto brillante, agregando capas sonoras que invitan a descubrir nuevos rincones en cada escucha. La producción, tan pulida como disfrutable, hace que el tema se sienta tan inmediato como impredecible.

La voz de Chris Jobe encuentra en Psychoactive Love un terreno fértil para desplegar su característica emotividad. Con registros que van del susurro al clímax, su interpretación enriquece cada cambio de ritmo. No es solo la técnica lo que atrapa, sino esa cualidad de cercanía que convierte cada verso en un relato personal.

El recorrido de Chris Jobe, desde su aparición en NBC’s Songland hasta sus colaboraciones internacionales, ha sido un constante cruce de géneros. En esta canción, el bedroom pop se tiñe de un aire más dinámico, mientras las influencias soul y rock asoman sin estridencias. Los ganchos melódicos, pulidos tras 14 millones de reproducciones, siguen sorprendiendo por su capacidad para quedarse en la memoria.

En definitiva, Psychoactive Love se suma al catálogo de un artista que se niega a estancarse. La fusión de estilos aquí no es un truco, sino una forma de explorar caminos inusuales dentro del pop contemporáneo. La canción no necesita grandes adornos para mantener su frescura; basta con esa mezcla de ritmos, teclados y una voz que sabe cómo mantenerse siempre en control.

Lo Mejor de la Semana/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Rock

Hamish Anderson nos recuerda que no estamos solos en “Everybody”

By Oleada Indie / mayo 3, 2025

En un momento en el que el mundo se vio obligado a detenerse, el artista australiano Hamish Anderson encontró en el silencio una puerta hacia adentro. De esa introspección profunda nació “Everybody”, una canción que representa un renacer musical, sino también una afirmación emocional de lo que significa estar perdido… y reencontrarse.

Lanzado el 11 de octubre de 2024 como parte de su más reciente álbum Electric, “Everybody” es una carta abierta al alma. Con una guitarra que respira blues y un ritmo que dialoga con la nostalgia y la esperanza, Anderson conecta con un sentimiento compartido por millones tras la pandemia: el aislamiento, la búsqueda de sentido, y la necesidad urgente de reconexión.

“Este álbum habla de estar aislado del mundo y de mirarse al espejo después de años de evitarlo. Es sobre redescubrir quién eres, reconectarte con lo esencial, y usar la música como puente”, cuenta Anderson.

Durante los confinamientos, el artista se reencontró con su yo más joven, el niño de 12 años que pasaba horas tocando guitarra sobre discos de Hendrix, Buddy Guy o Jeff Beck. Esa reconexión con sus raíces musicales marcó el ADN de Electric, un trabajo donde la guitarra eléctrica no solo lidera, sino que cuenta una historia emocional por sí misma. En “Everybody”, esta narrativa se manifiesta en un solo que va de lo tímido a lo seguro, como si también viajara desde la confusión hacia la claridad.

La letra no ofrece soluciones fáciles ni finales felices forzados. En cambio, ofrece compañía: “Everybody’s felt this way / Everybody knows this pain” (“Todos se han sentido así / Todos conocen este dolor”). Es una afirmación de vulnerabilidad compartida, que en lugar de aislar, une.

Indie Rock/Rock

Desde Cork al Mundo: “Higher Place”, la nueva apuesta de Fintan McKahey

By Rafael Méndez / abril 21, 2025

En el horizonte de 2025 asoma Fintan McKahey con “Higher Place”, una canción que rescata lo mejor del rock con tintes soul. El tema se mueve con un ritmo delicioso, donde cada compás construye una base firme sin abandonar la ligereza. La producción, íntima y sugerente, convierte el sencillo en una invitación a dejarse llevar por su energía controlada.

“Higher Place” destaca por el cuerpo de la voz que se despliega con confianza, aportando una profundidad que envuelve al oyente. Entre guitarras cálidas y matices de piano o sintetizador, el tema conserva esa atmósfera espacial y psicodélica que caracteriza al artista. Los toques soul se escuchan en los pequeños adornos y en la cadencia de las notas, equilibrando lo crudo del rock con una suavidad bien medida.

Originario de Cork, Irlanda, Fintan McKahey ha forjado su carrera como cantante, multiinstrumentista y productor dentro del ámbito lo-fi indie. Tras obtener reconocimiento en la radio nacional y encabezar salas importantes, decidió alejarse de los escenarios para abrazar la paternidad. En su refugio de West Cork, donde reubicó el estudio Ivy Hill, encontró en la soledad creativa y en las rutinas nocturnas la inspiración para renovar su sonido.

Con “Higher Place”, el regreso de Fintan McKahey se siente renovado y con nuevos matices. El tema anticipa una etapa en la que su pasión por la producción desplegará horizontes más amplios, gracias a la perspectiva que le aportó la vida familiar. Este sencillo no solo presenta un ritmo adictivo, sino que también muestra a un artista cómodo en su propia piel, listo para llevarnos a un plano superior de escucha.

Indie Rock/Rock/Shoegaze

Entre Riffs y Maremotos: La contundente propuesta de Eurekas

By Rafael Méndez / abril 12, 2025

Shark Infested Seas emerge como un potente experimento musical que une influencias de rock y shoegaze en una atmósfera rústica y algo agresiva. La canción se despliega con un ritmo explosivo y ganchos inesperados que marcan un estilo distintivo. A través de su producción cuidada, la banda consigue evocar la crudeza de la música real sin perder la vitalidad necesaria para enganchar al oyente. Este tema se siente como una embestida sonora, a la vez directa y cargada de emociones.

Formada en octubre de 2021 por los vocalistas Jack Perrett y Dan Burridge, Eurekas ha sabido forjarse un lugar en la escena del sur de Gales con determinación y entusiasmo. Su carrera se ha visto acelerada por una serie de singles que han captado la atención de referentes de la radio tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. La experiencia de la banda en directo resalta su capacidad para transmitir energía y autenticidad en cada actuación. Este crecimiento ha generado expectación en el panorama indie rock.

Con Shark Infested Seas, Eurekas continúa explorando nuevos territorios sonoros que reflejan su identidad como banda. La composición destaca por su fusión de elementos tradicionales del rock con texturas etéreas del shoegaze, creando una propuesta sonora que resulta tanto provocadora como accesible. La voz, que acompaña de manera segura el trasfondo instrumental, aporta una dimensión extra, dotando a la canción de personalidad y de una chispa única. La banda logra así unir lo melódico con lo contundente.

En definitiva, Shark Infested Seas es una clara declaración de intenciones para Eurekas, una banda que no teme arriesgarse y romper moldes. La propuesta resulta atractiva para quienes buscan una experiencia musical intensa y cargada de energía, sin caer en excesos. La capacidad de la agrupación para conjugar influencias diversas y presentarlas de forma honesta y directa es lo que hace que este tema se destaque en el panorama indie rock. Es un convite a dejarse arrastrar por la fuerza de los riffs y la crudeza de una producción que realmente invita al movimiento.