Hay canciones que buscan llamar la atención desde el primer segundo y otras que prefieren entrar lentamente, casi sin avisar, hasta crear un espacio del que resulta difícil salir. When Morning Comes Around, el nuevo sencillo de Soft Siren, pertenece a esta segunda categoría. La canción se desliza entre el dream pop y el indie rock con una delicadeza particular, construyendo una atmósfera nocturna donde la voz, las guitarras y la batería parecen moverse al mismo ritmo de un sueño.
Desde sus primeros compases, Soft Siren apuesta por la suavidad. La instrumentación combina percusiones precisas con riffs eléctricos y pequeños matices acústicos, creando una base que mantiene el movimiento sin romper la sensación de calma. La guitarra adquiere especial protagonismo conforme avanza la canción, mientras la batería marca el pulso con golpes contenidos pero firmes.
Sin embargo, es la voz de Jacqueline Lee uno de los elementos que termina de definir la identidad del tema. Su interpretación es delicada, aterciopelada y emocional, capaz de transmitir una sensación de cercanía incluso dentro de una producción amplia y envolvente. La voz no parece competir con los instrumentos; por el contrario, se integra en ellos y funciona como el hilo que conduce la canción.
La historia detrás de When Morning Comes Around gira alrededor de dos personas que intentan conservar un vínculo mientras las circunstancias comienzan a demostrarles que permanecer juntos puede no ser posible. Esa tensión entre aferrarse y dejar ir se convierte en el corazón emocional de la composición.
El título adquiere así un significado particular. La noche funciona como ese momento suspendido en el que todavía existe la posibilidad de permanecer juntos, mientras que la llegada de la mañana representa inevitablemente el regreso a la realidad. Soft Siren aprovecha esa imagen para construir una canción sobre la fragilidad de los momentos que sabemos que no pueden durar para siempre. La melancolía, por lo tanto, no aparece como un elemento puramente triste. Hay también deseo, intimidad y una especie de fascinación por prolongar el instante. La canción parece decir que, aunque el final sea inevitable, todavía existe valor en aferrarse a ese momento antes de que llegue la mañana.
En When Morning Comes Around, esa identidad aparece de manera especialmente clara. Las guitarras aportan textura, las percusiones mantienen un pulso casi hipnótico y las armonías vocales amplían el espacio de la canción. Todo está diseñado para crear una experiencia envolvente sin sacrificar la melodía.
Frankie White explora la confianza personal y la necesidad de desprenderse de las expectativas externas en “What You Think”, una canción situada entre el Indie Pop y el Soft Rock. El tema aborda el proceso de dejar de lado la presión por complacer a los demás para comenzar a confiar en las propias decisiones, recorriendo un camino que parte de la inseguridad y avanza hacia una actitud más firme. Las voces íntimas y una instrumentación de carácter melódico acompañan esta evolución, creando un equilibrio entre sensibilidad y energía.
Originaria de Colchester, Vermont, White es pianista, guitarrista y cantante y compositora. Durante cuatro años desarrolló su sonido en Nueva Orleans antes de regresar a Vermont, donde continúa trabajando con su banda. Su identidad musical se construye a partir de la combinación de diferentes influencias. Los sonidos sencillos y melancólicos de artistas como Ingrid Michaelson y Birdy conviven con la energía del Rock de los años 90 asociada a bandas como Weezer y Local H. A esta mezcla se suman referencias de Sylvan Esso y Death Cab For Cutie.
En “What You Think”, estas influencias se traducen en una composición que combina elementos suaves con una dinámica más cercana al Rock alternativo. La canción utiliza una construcción progresiva para acompañar su contenido, comenzando desde un registro más contenido y aumentando gradualmente su intensidad. Uno de los cambios más destacados se produce alrededor del minuto 2:05, momento en el que la melodía adquiere mayor fuerza y refuerza el giro emocional de la canción.
El concepto central gira alrededor de la relación entre identidad y percepción externa. En lugar de centrarse únicamente en una afirmación de seguridad, la letra se sitúa en el proceso previo: cuestionar las decisiones tomadas para satisfacer a otras personas y reconocer la importancia de desarrollar una voz propia. La instrumentación acompaña ese planteamiento mediante una evolución gradual que conecta el carácter introspectivo de los primeros momentos con una energía más decidida.
Con “What You Think”, Frankie White continúa definiendo una propuesta que combina piano melancólico, guitarras y elementos del Rock de los 90 con una sensibilidad propia del Indie Pop. La canción utiliza ese contraste para abordar un proceso personal de duda y autoconfianza, manteniendo la voz y la evolución de los arreglos como elementos centrales de su identidad musical.
La artista británica Iona Luke presenta “From Dust”, la canción que da título y cierra su EP debut, publicado el 4 de septiembre de 2026 a través de Vorpal Records. El lanzamiento completa un proyecto centrado en distintas experiencias relacionadas con la adultez, la identidad, la pérdida y la conexión con los demás, y amplía su propuesta hacia una reflexión de carácter más existencial.
Musicalmente, “From Dust” se construye de manera progresiva. El tema parte de una base de guitarra contenida, acompañada por la voz de Luke, y desarrolla gradualmente una instrumentación de mayor dimensión hasta desembocar en secciones dominadas por guitarras eléctricas. Esta evolución convierte la canción en una pieza cercana a la estructura de una balada de rock, con un enfoque cinematográfico que contrasta los momentos más íntimos con pasajes de mayor intensidad.
La letra gira alrededor de la relación entre el individuo y el mundo que lo rodea, abordando la sensación de que la vida puede resultar simultáneamente abrumadora e insatisfactoria. Luke también explora el temor y la curiosidad que implica ser visto realmente por otra persona, más allá de las identidades que construimos. La imagen del polvo funciona como un elemento central de la canción, vinculando la fragilidad material del ser humano con la manera en que cada persona interpreta, hereda y modifica su propia historia.
Dentro del EP, “From Dust” adopta una perspectiva diferente a la de canciones como “Can We Still Hang Out?”, “Bones”, “Crashing”, “Existential” y “Dawn”, aunque mantiene algunos de los temas relacionados con la identidad y la experiencia emocional presentes en el resto del proyecto. Como cierre, la canción reúne varios de estos conceptos y los lleva hacia una conclusión menos narrativa y más reflexiva.
La propuesta de Luke combina influencias asociadas a artistas como PJ Harvey, Patti Smith y Tori Amos con una escritura de sensibilidad literaria y arreglos de Alternative Pop. En “From Dust”, estos elementos se traducen en una canción que alterna vulnerabilidad vocal, guitarras de carácter dramático y una construcción instrumental ascendente. El resultado es un cierre que pone el énfasis tanto en la dimensión emocional como en las preguntas sobre identidad y existencia que atraviesan la canción.
El dúo franco-estadounidense Freedom Fry, formado por Bruce Driscoll y Marie Seyrat y radicado en Los Ángeles, presenta “Tonight Is Forever”, un sencillo que se mueve entre el Synthpop y el Indie Pop con una marcada estética nocturna. La canción combina sintetizadores de inspiración ochentera, baterías constantes, bajo y voces suaves para construir una producción que apuesta por un sonido retro, cinematográfico y envolvente.
La inspiración del tema está relacionada con Drive y la música de Kavinsky. Según explicó Bruce Driscoll, el dúo volvió a ver la película y encontró en su banda sonora y en sus escenas nocturnas una referencia para imaginar la canción. A partir de esa experiencia surgió una pieza que busca recrear la sensación de recorrer una ciudad de noche, rodeado de luces y con la música como acompañamiento.
En el plano musical, “Tonight Is Forever” combina elementos electrónicos con una base rítmica que mantiene el movimiento de la canción. Los sintetizadores aportan buena parte de su identidad retro, mientras las voces de Driscoll y Seyrat se mantienen suaves y contenidas, integrándose en las texturas de la producción. La batería de Kiel Feher aporta el pulso principal y añade un componente más físico al arreglo.
La letra se centra en la idea de aprovechar el presente y dejar temporalmente de lado las preocupaciones asociadas al día siguiente. La repetición de “Tonight Is Forever” funciona como un motivo central que refuerza esa sensación de suspensión temporal: durante unas horas, el futuro puede esperar y la atención se concentra en la noche, la música y el momento compartido.
“Tonight Is Forever” representa así una nueva aproximación de Freedom Fry a la música electrónica y al Indie Pop, utilizando referencias cinematográficas y sonoras de los años 80 para construir una canción centrada en la experiencia nocturna. El resultado se apoya más en la atmósfera, el ritmo y la melodía que en una narrativa compleja, con una producción que busca transmitir la sensación de una noche que, al menos por un momento, parece no tener final.
Desde la periferia industrial de Waterloo, Ontario, Awake & Dreaming llega con una propuesta de alt-rock canadiense. Integrada por Sasha Kristoff (voz y teclados), Stefan Schneider (guitarra), Phil Lee (bajo) y Ryan Dugal (batería), la agrupación ha construido una identidad sonora definida por la dualidad: un viaje constante entre la intimidad del piano, atmósferas electrónicas y explosiones de guitarras de escala monumental. El estilo de la banda suele incorporar capas sintéticas, ritmos y arreglos vocales dramáticos, citando frecuentemente influencias estilísticas y dinámicas vinculadas al alt-rock de las últimas dos décadas.
El álbum debut de la banda, titulado Inevitable, está programado para su lanzamiento el 16 de octubre de 2026, acompañado de una edición en vinilo y una gira por 10 ciudades en Ontario y Quebec. Con una duración total de 48 minutos y 36 segundos distribuida en 10 canciones, el álbum explora conceptualmente la experiencia de mantener la sensibilidad humana dentro de un entorno dominado por la sobreestimulación tecnológica y la apatía social.
El Track x Track de Inevitable
1. “I U Me” El disco abre con una declaración de energía cruda y directa, con bajo distorsionado la canción establece de inmediato la tensión del álbum mediante una instrumentación delicada con el uso del piano y una voz aterciopelada, mientras el coro explota en un estribillo emocional y agresivo. A nivel de producción, la mezcla limpia y robusta de Jay Dufour resalta la fuerza física de los instrumentos, logrando un sonido de gran alcance que marca el punto de partida del álbum: el momento en que el individuo, atrapado en la inercia de la máquina cotidiana, despierta a través de la tensión y el conflicto para reclamar su propia presencia.
2. “Rewire”
Segunda pista del álbum que profundiza en la necesidad de reprogramar los hábitos y esquemas mentales frente al adormecimiento cotidiano. Con un ritmo impulsivo y sintético, la canción construye un puente hacia la transformación, alternando versos melódicos con pasajes de marcada carga rítmica. Lo curioso es que las guitarras tienen un estilo particular de géneros como el Krautrock, pero llevándolo a otro lugar propio al tener una voz tan melódica y dulce, la canción tiene esa agresividad que propone la banda a la vez que las melodías nos remontan a bandas como king gizzard and the lizard wizard
3. “Old Ghosts” Sumergiéndose en una atmósfera de minimalismo evocador, esta pista reduce la instrumentación a sus elementos más íntimos. La combinación de e piano y sombras electrónicas genera una sensación de espacio y nostalgia, explorando el peso del pasado y las memorias no resueltas. La canción nos lleva completamente a un ambiente completamente diferente de los tracks anteriores, dándole un espacio mayor a la parte vocal y su interpretación,
4. “Antidote”
Corte cargado de suspenso y sensualidad oscura. La pista comienza con una estructura delicada de sintetizadores y una sensación de ciencia ficción, a través de arreglos de piano y un bajo que sostiene el movimiento de la canción, mientras el track va evolucionando para culminar en un clímax dramático sostenido por la afirmación de supervivencia “I’m still breathing”.
5. “Cold Shoulder”
“Cold Shoulder” nos presenta un sonido que juega con las texturas de la guitarra para crear disonancias que generan esta tensión incomoda y misteriosa, este es el punto de inflexión del disco donde la frustración se convierte en resistencia colectiva. A través de versos contenidos el tema explota en un estribillo de escala bailable diseñado para el canto grupal, coronado por la consigna rebelde “I’m gonna dance in the street while it’s burning”.
6. “Underwater”
Con una respiración inicial, el sencillo principal del álbum funciona como una sesión de introspección nocturna sobre el desapego y la carga emocional. Con una sonoridad melancólica, la canción utiliza la metáfora de la profundidad marina para abordar la urgencia de soltar lo que nos arrastra hacia el fondo antes de quedar completamente aislados. Con una interpretación tremendamente emocional el track toma elementos del Dream Pop combinándolo con un piano protagonista y unas líneas melódicas que te hacen conectar con la letra y melodias vocales que podrian hacer remembranza a Cocteau Twins.
7. “Lights Down Low”
Una composición que desacelera el ritmo para explorar el lado más acústico y cinemático de la banda. Apoyada en dinámicas vocales sutiles, la canción recrea la sensación de intimidad y refugio cuando el mundo exterior se apaga, mientras todo el track va creciendo para terminar con una explosión de toda la banda dándole paso a unas palabras finales con el ritmo acústico de la guitarra.
8. “Can’t Sleep”
Pista centrada en el insomnio, el sobre pensamiento y la sobreestimulación de la vida moderna. La canción nos recibe con un sonido de gran piano, el cual ha sido un elemento recurrente en el alum y creo que es de lo que mas le aporta para tener su propio sonido a la banda, ya que combina Dream Pop, Rock y texturas atmosféricas, pero hasta ahora el piano y la voz han sido una gran base para marcar un estilo propio de la banda, la instrumentación rítmica y los arreglos marcados transmiten la inquietud de una mente en vela que busca claridad en medio de la noche, con una gran melodía vocal en los versos que poco a poco va siendo acompañada de elementos como guitarras acústicas y coros suaves el disco nos entrega una balada piano que para nuestro gusto es uno de los mejores tracks del disco.
9. “Faceless”
Con guitarras cortantes y una sección rítmica acelerada, “Faceless” crea un ambiente orquestal , la canción refleja la lucha contra el anonimato y la presión por encajar en moldes preestablecidos, mientras nos lleva por un track que siente epico pasando por un solo explosivo y un final que pudiese sentirse como el cierre de una batalla al combinar elementos como coros, piano y un ritmo acelerado.
10. “Event Horizon” El cierre conceptual del disco representa el punto de no retorno y la catarsis final. La pista evoluciona desde capas atmosféricas progresivas hasta un clímax monumental, concluyendo el viaje del álbum con un sentimiento de asombro, resolución y reencuentro con la humanidad. Lo que nos llama la atención es el uso de estas capas de sintetizadores, que dan un tono contemplativo y a la vez misterioso.
El arco narrativo del álbum explora la necesidad de mantenerse humano en un mundo diseñado para adormecer las emociones. La historia evoluciona desde la alienación de sentirse “parte de la máquina” en la pista de apertura, hasta alcanzar la catarsis y el asombro por lo posible en el tema de cierre. A lo largo de sus sencillos, la banda ha mostrado las distintas facetas que componen esta travesía: El camino hacia el lanzamiento continuará con el estreno del sencillo principal, “Underwater” (18 de septiembre), un diálogo nocturno sobre soltar lo que nos arrastra a las profundidades, seguido por “Rewire” (2 de octubre).
Acompañado por una gira de 10 fechas entre septiembre y octubre por Ontario y Quebec, Awake & Dreaming demuestra que la autenticidad, la precisión técnica y la visión estética pueden abrirse paso sin el respaldo de una gran discográfica. Inevitable no solo representa el debut de una banda en pleno dominio de su arte, sino la afirmación de que el rock alternativo aún puede ser un refugio de esperanza y rebelión.
Desde San Diego, California, Twin Ritual regresa con “Suffocate”, un single que se mueve entre el synth-pop, el dance rock y elementos del post-punk para abordar una situación emocional compleja: acompañar a alguien que atraviesa un momento de sufrimiento sin poder resolver aquello que le ocurre.
La banda, formada por Hannah Mahute en la voz, Anthony Ramirez, de Glass Spells, en sintetizadores y batería, y Antonio Estrada en guitarra, construye en “Suffocate” una atmósfera amplia y envolvente. Los sintetizadores aportan buena parte del carácter cinematográfico de la producción, mientras los ritmos pulsantes mantienen una sensación de movimiento constante. Las guitarras de Estrada aparecen de manera más espaciosa, funcionando tanto como elemento ambiental como contrapunto melódico.
En el centro se encuentra la interpretación vocal de Mahute. Su registro mantiene una cualidad soñadora, aunque en determinados momentos adquiere mayor intensidad, acompañando una letra centrada en el amor, la paciencia y la dificultad de observar el sufrimiento de otra persona. La canción no plantea el afecto como una solución automática, sino como una forma de permanecer cerca mientras se reconoce que existen problemas que no pueden resolverse desde fuera.
Ese planteamiento constituye uno de los elementos centrales de “Suffocate”. Amar a alguien puede implicar ofrecer apoyo, escuchar y mantener abierta la posibilidad de acompañamiento, pero también aceptar que la decisión de afrontar determinados conflictos pertenece a la persona que los experimenta. La canción se sitúa precisamente en esa frontera entre la solidaridad y la impotencia. Los sintetizadores dibujan líneas melódicas que amplían el espacio de la canción, mientras la batería establece un pulso definido y el bajo refuerza su componente rítmico. La guitarra introduce texturas que ayudan a mantener el carácter atmosférico del conjunto. El resultado conserva una conexión con la tradición del synth-pop, pero incorpora suficiente presencia de guitarra y batería para acercarse al terreno del rock alternativo.
Sin presentar respuestas sencillas, “Suffocate” plantea una cuestión reconocible: hasta dónde puede llegar el amor cuando la persona que sufre debe afrontar su propio proceso. Twin Ritual utiliza para ello una producción atmosférica y una interpretación contenida, situando la canción en un espacio donde la ternura, la frustración y la aceptación de los propios límites pueden coexistir.
Soft Cuff es una banda instrumental originaria de St. Petersburg, Florida, que comenzó a tomar forma a finales de 2023 a partir de las sesiones musicales entre el bajista Brian Schanck y el multiinstrumentista Michael “Mikey” Bostinto. El proyecto surgió de manera relativamente espontánea: lo que inicialmente eran sesiones de trabajo terminó convirtiéndose en un repertorio propio y, posteriormente, en una banda.
A ellos se sumaron el guitarrista Shane Schuch y la tecladista y percusionista Christina Sanchez, configurando la formación que llevó las primeras composiciones al escenario. En sus primeros lanzamientos, Soft Cuff se presentó como un proyecto de psych-groove instrumental, con influencias que abarcan el funk, el soul, el jazz, el hip-hop y el rock psicodélico.
Soft Cuff, banda formada en St. Petersburg, Florida, presenta su primer álbum de larga duración, Thick Heat. El lanzamiento llega poco menos de tres años después de la formación del grupo y representa una ampliación de la propuesta instrumental que la banda había desarrollado en sus primeros trabajos.
A diferencia de una banda centrada en canciones vocales, Soft Cuff construye buena parte de su identidad a través de los arreglos instrumentales, los cambios de textura y el desarrollo de los riffs. En ese sentido, Thick Heat continúa una línea que ya estaba presente en sus primeros lanzamientos, aunque amplía el espectro de influencias y de instrumentos utilizados.
Uno de los elementos más evidentes de Thick Heat es su interés por el ritmo. El funk aparece como uno de los puntos de partida, pero no como una fórmula cerrada. A lo largo del álbum se incorporan recursos asociados al rock psicodélico, el soul, el jazz, el hip-hop y la música cinematográfica.
El Track x Track de “Thick Heat”
1. “Pico Suave” “Pico Suave” abre Thick Heat con un ambiente hipnótico y relajado que introduce buena parte del lenguaje instrumental de Soft Cuff. La percusión establece un pulso juguetón mientras las guitarras aportan tonos cálidos y envolventes. El bajo avanza con una cadencia pausada y se integra con una batería constante, creando una pieza instrumental como mucho groove y atmósfera. Es una apertura que presenta al oyente un sonido más interesado en construir espacios que en apresurarse hacia un clímax, yendo del groove a lo ligeramente psicodélico.
2. “Me? I’ll Have That” Con una conexión directa del ritmo el segundo track del disco “Me? I’ll Have That” conserva parte del carácter percusivo del primer tema, aunque incorpora una mayor presencia del funk. El bajo adquiere protagonismo y las guitarras se muestran más brillantes y funky, mientras los teclados añaden brillo y profundidad. La canción va incrementando su intensidad hasta alcanzar una sección pausada protagonizada por el bajo, los cambios entre texturas más suaves y pasajes se transforman en un riff ligeramente distorsionado que va dirigiendo la sección final mientras los teclado crean esa tensión “rica” que nos encanta para terminar el track.
3. “Mystery Box” “Mystery Box” en lugar de depender de una estructura vocal tradicional, Soft Cuff utiliza la interacción entre los instrumentos para mantener la sensación de descubrimiento que sugiere el título, llena de riffs y arreglos que van tomando protagonismo durante 3:34 minutos, con un sonido retro y a la vez moderno hasta ahora el álbum nos recuerda a bandas como Chicano Batman, pasando del groove y funk a ritmos mas latinos agregándole texturas de sintetizadores setenteros que te harán perderte en su sonido.
4. “Rudy” “Rudy” se adentra con mayor claridad en la faceta psicodélica de Soft Cuff. Los teclados, particularmente el órgano, aportan una textura colorida que se combina con guitarras que alternan entre riffs impulsados por el ritmo y momentos de mayor intensidad. El tema incorpora cambios de dinámica y pausas que interrumpen temporalmente el flujo antes de recuperar su amplitud instrumental. También aparecen matices de reggae dentro de su estructura, ampliando la combinación de referencias que caracteriza al álbum.
5. “Short Moves” “Short Moves” nos lleva a un momento de calma con su intro, un e piano suave y delicado, mientras el groove va creciendo y la interacción instrumental ocupen el centro. Dentro del disco, el tema tiene una sensación mas reflexiva y lenta pero conservando este groove retro que caracteriza a la banda, especialmente en el coro. El tema forma parte de una secuencia en la que Soft Cuff alterna diferentes grados de intensidad y textura, evitando que el álbum quede limitado a una única aproximación psicodélica o funk. Su presencia contribuye al carácter cambiante del disco y a la sensación de que cada composición funciona como una variación sobre el lenguaje general de la banda.
6. “Neon Sanders” “Neon Sanders” añade otra tonalidad al universo de Thick Heat. El título evoca una estética urbana y cinematográfica , como ocurre en buena parte del álbum, el interés está menos en una narrativa explícita que en la manera en que los instrumentos pueden sugerir escenas, movimientos y ambientes. La canción amplía así el recorrido antes de llegar a la pieza que da nombre al álbum. La canción explota con un outro final lleno de sintetizadores y un ritmo mas agresivo que hacen que la pieza te lleve de una sensación de caminar por la calle al caos explosivo del final de una historia.
7. “Thick Heat” La canción que da título al álbum constituye uno de sus momentos más cinematográficos. Con algo más de cinco minutos, desarrolla una atmósfera que recuerda a determinadas bandas sonoras de los años setenta. Las guitarras presentan sonidos suaves y elegantes, mientras los efectos y sintetizadores espaciales amplían el paisaje sonoro. El resultado se mueve entre el misterio de una película de espionaje y una estética más sensual asociada con ciertas producciones de aquella década, manteniendo siempre el carácter instrumental del grupo.
8. “What’s A Question Mark Sound Like?” “What’s A Question Mark Sound Like?” reúne funk, psicodelia, soul, rock, y algunos toques de world music. La guitarra, los teclados y la sección rítmica se combinan para producir una composición dinámica, juguetona y orientada al groove. La canción toma todos estos elementos crenado un jam con todo los elementos que venia presentando en canciones anteriores, suavidad, sintes retros, bajos con mucho groove y crechendos que pasan de lo latín al rock de manera natural.
9. “S’good Enuff” “S’good Enuff” se encuentra hacia el cierre del álbum y forma parte de la última etapa del recorrido musical planteado por Soft Cuff. El título, deliberadamente coloquial, también refleja el sentido de humor y la informalidad que aparecen en distintos aspectos de la identidad de la banda, en esta ocasión reflejando este tono super funk como parte de su identidad.
10. “Scorsese’s Dream” “Scorsese’s Dream” cierra Thick Heat, la canción transmite una sensación cercana al cine de espías y atracos, aunque esa cualidad funciona como una impresión que produce la música y no como el concepto a partir del cual fue compuesta. El bajo aporta un movimiento constante mientras las guitarras pasan de momentos más atmosféricos a líneas ascendentes y secciones de mayor intensidad. Hacia la mitad, el ritmo se ralentiza antes de recuperar fuerza para un cierre más contundente y orientado al rock. Como último tema del disco, resume algunos de los recursos que aparecen a lo largo de Thick Heat, particularmente el groove, las texturas de guitarra y la capacidad de Soft Cuff para generar una atmósfera cinematográfica sin recurrir a una narrativa vocal.
Entre los artistas con los que Soft Cuff ha sido comparado se encuentran Khruangbin, BADBADNOTGOOD, Menahan Street Band, The Budos Band, El Michels Affair, Mildlife y Surprise Chef. Las comparaciones sirven como referencia para entender el terreno musical en el que se mueve el grupo, aunque Thick Heat no se limita a reproducir ninguno de esos estilos.
La incorporación de diferentes instrumentos de percusión es también parte importante de la evolución que plantea el álbum. En lugar de utilizar la guitarra como único elemento protagonista, Soft Cuff distribuye el peso de las composiciones entre el ritmo, el bajo, las guitarras y las diferentes capas percusivas.
La ausencia de una voz como elemento principal cambia la manera en que Soft Cuff aborda sus composiciones. En Thick Heat, los instrumentos tienen que asumir funciones que tradicionalmente pueden recaer sobre una melodía vocal: crear tensión, establecer una atmósfera y conducir el desarrollo de las canciones.
El resultado sitúa a Soft Cuff en un espacio entre la recuperación de sonidos vintage y la búsqueda de una estética contemporánea. Su apuesta por la música instrumental también los diferencia dentro de un panorama en el que la voz continúa siendo el principal vehículo narrativo para buena parte de las propuestas de rock y música alternativa.
Amakiya es una artista electrónica y de trip-hop cuya música nace de la exploración de su paisaje emocional interior. Su propuesta combina sonido, imaginación y energía para construir espacios donde lo íntimo puede transformarse en una experiencia colectiva. En su universo artístico, la música no es únicamente una forma de expresión: es también una herramienta de transformación.
En Running in My Dreams, esa búsqueda adquiere una dimensión especialmente evocadora. El propio título sugiere movimiento, deseo y escape, pero también un territorio que existe más allá de las limitaciones de la vigilia. Correr en los sueños puede representar la posibilidad de avanzar sin las restricciones del mundo cotidiano: atravesar el miedo, dejar atrás el dolor y descubrir una versión más libre de una misma.
La sensibilidad de Amakiya está profundamente vinculada con elementos del Afrofuturismo y el trabajo energético. Desde esa perspectiva, imaginar otros mundos también puede convertirse en una forma de sanar y de recuperar poder. Sus composiciones exploran la tensión entre vulnerabilidad y fuerza, entre introspección y movimiento, creando una atmósfera en la que el cuerpo puede convertirse en parte del proceso de transformación.
A través de los beats mágicos de Croom, Amakiya construye paisajes sonoros que parecen existir entre distintos estados de conciencia. El trip-hop aporta una cualidad hipnótica y envolvente, mientras que la electrónica abre espacio para la experimentación y la expansión. El resultado es una música que invita tanto a escuchar hacia dentro como a dejarse llevar por el ritmo.
Running in My Dreams puede entenderse, entonces, como una experiencia de movimiento interior. No se trata solamente de correr hacia algún lugar, sino de descubrir qué ocurre cuando finalmente nos permitimos avanzar. En el mundo de Amakiya, el movimiento puede ser una forma de liberar aquello que permanecía atrapado, y el baile, una manera de reclamar el propio cuerpo y la propia historia.
Corey Hunter presenta “Tides”, un nuevo sencillo creado junto a la cantante Alia como parte de Ocean Eyes, el proyecto de dúo que ambos desarrollan. La canción ocupa el sexto lugar dentro del álbum debut de nueve temas de Ocean Eyes y continúa la exploración de Hunter de un sonido atmosférico, influenciado por el Vapor Soul, el Indie Folk, el Electropop y el Alternative R&B.
En “Tides”, Hunter mantiene uno de los elementos más reconocibles de su propuesta: un paisaje vocal construido mediante diferentes capas que genera una sensación etérea y envolvente. La participación de Alia incorpora una interpretación de carácter más sutil y emocional, estableciendo un contraste que se convierte en uno de los principales recursos de la canción. La combinación de ambas voces sitúa al tema en un espacio sonoro cercano al indie folk y al soul alternativo de orientación ambiental.
Ocean Eyes surge después del recorrido de Corey Hunter como solista. Originario de una isla frente a la costa de Alaska, Hunter desarrolló desde joven una relación estrecha con el canto a través del coro de una iglesia. Su propuesta musical se ha caracterizado por una aproximación introspectiva a temas relacionados con la vida, el amor y las emociones humanas. Como solista, ha publicado canciones como “I Am My High”, “Ocean of Love”, “Fantasy” y “You Are My Everything”, esta última con presencia en las listas de iTunes en Ucrania.
Con “Tides”, Ocean Eyes amplía este recorrido hacia un formato colaborativo. La canción apuesta por una producción contenida y una interpretación vocal expresiva, utilizando las texturas y el espacio sonoro como parte fundamental de su identidad. El tema representa una nueva muestra de la búsqueda de Corey Hunter por combinar melodías íntimas con ambientes electrónicos y orgánicos, ahora acompañada por la voz de Alia en una propuesta centrada en la interacción entre ambos intérpretes.
Human Barbie, proyecto encabezado por el compositor estadounidense Chris Leopold, presenta “Ghosted”, un sencillo que se mueve entre el indie pop, el shoegaze y una estética lo-fi de marcado carácter analógico. La canción aborda una experiencia reconocible dentro de las relaciones contemporáneas: el distanciamiento repentino de una persona que, sin una explicación clara, deja de responder o desaparece emocionalmente.
Musicalmente, “Ghosted” apuesta por la contención. El tema comienza con guitarras suaves y una batería discreta, construyendo una atmósfera pausada que deja espacio para que la melodía y la voz ocupen el centro. Un sintetizador de carácter fantasmal aparece en determinados momentos y aporta una textura adicional sin alterar demasiado la estructura minimalista de la canción.
La sencillez de la producción contrasta con la presencia de su melodía principal, construida alrededor de un estribillo fácil de recordar. En lugar de recurrir a una producción expansiva o a recursos propios del pop de gran escala, Human Barbie mantiene una instrumentación más cercana al indie de carácter introspectivo. Esta elección sitúa a “Ghosted” dentro de una tradición de canciones que buscan generar impacto mediante la atmósfera, el detalle y la repetición más que mediante el exceso sonoro.
La letra parte directamente del concepto que da título al sencillo. El narrador intenta comprender cómo una relación que parecía avanzar puede transformarse de manera repentina en ausencia y desconexión. Frases como “Said you could love me / But suddenly maybe not” reflejan esa incertidumbre y funcionan como eje emocional de la canción. El tema no presenta el desamor desde una perspectiva grandilocuente, sino desde la confusión y el sentimiento de haberse perdido dentro de una situación difícil de interpretar.
“Ghosted” forma parte del trabajo de Human Barbie, un proyecto que Chris Leopold describe como una especie de “fantasía analógica”, con influencias que conectan el pop de radio, el vinilo y distintas vertientes de la música alternativa. Esta identidad también está presente en su trayectoria anterior, marcada por una producción artesanal y por una búsqueda de sonidos nostálgicos.
