Nuevo Pop

La Fama y el Caos: Kai Bosch Desnuda la Realidad del Sueño Pop

By Oleada Indie / abril 18, 2025

Kai Bosch con una combinación perfecta de vulnerabilidad y atrevido espectáculo, el cantante y compositor británico está dejando una huella tras haber alcanzado un notable éxito con sencillos como Angel y Rodeo Romeo, Bosch está listo para su EP más ambicioso hasta la fecha, Popstar of Your Dreams.

El EP Popstar of Your Dreams es una declaración de principios, una reinvención y una terapia creativa. Tras un período de agotamiento emocional y dudas sobre su carrera, Kai Bosch decidió sumergirse en un proceso de creación donde lo más importante era la diversión y la autenticidad, dejando atrás las presiones externas. En sus propias palabras, este EP fue sobre “tomarse las cosas menos en serio” y “volver a hacer música para mi propio disfrute”.

Con la colaboración del productor Duncan Mills, Bosch compuso este proyecto durante un verano frenético. El resultado es un álbum lleno de pop maximalista, con influencias de grandes nombres como Gwen Stefani, Charli XCX, Marina y las Diamantes, y Girls Aloud, pero manteniendo la emocionalidad que siempre ha caracterizado su estilo. La canción que da título al EP es una verdadera oda a la fantasía pop, envuelta en brillo, caos y una honestidad brutal.

El tema central de Popstar of Your Dreams es su canción homónima, una pista energética y brillante que captura las luchas internas de un artista que aspira a la fama pero lucha con el peso de las expectativas, la imagen y el síndrome del impostor. Es un himno autocrítico sobre la búsqueda incansable de reconocimiento, y la canción da voz a la tensión entre lo que se espera de uno mismo y lo que realmente es.

Bosch se presenta en esta canción bajo el alter ego de un “Popstar de tus sueños”, un personaje idealizado y sin miedo a la vulnerabilidad. Con letras como “Ponme en tu lista de reproducción, ¿qué va a hacer falta para que me haga famoso?”, Kai captura esa esencia universal de todos aquellos que alguna vez soñaron con brillar bajo las luces del escenario.

Más allá de la superficie brillante y pegajosa de sus canciones, Popstar of Your Dreams es una exploración de la complejidad emocional de Bosch. “Todo es hermoso” es una de las canciones que destaca por su dulce y efervescente retrato del amor recién descubierto, mientras que Popstar ofrece una mirada honesta sobre el precio de la fama y la identidad personal.

Este enfoque sincero y directo se ve como un reflejo de su propio viaje artístico, donde las emociones se desnudan en medio de la estética glitter y los beats electrónicos. Al igual que otros artistas queer como Troye Sivan, Christine and the Queens o Dorian Electra, Kai Bosch está construyendo un espacio propio donde las barreras entre la identidad, el arte y la vida personal se desdibujan.

Nuevo Pop/Nuevos Sonidos/R&B

R&B, jazz y amor eterno: Austin Gatus y Sophia James en su emotiva colaboración

By Oleada Indie / abril 17, 2025

El cantautor californiano Austin Gatus y la cantante Sophia James (ex participante de American Idol) se han unido para crear una pieza musical que captura la esencia del amor joven y las dificultades de una relación a distancia. Su sencillo “Don’t Want This to Change” es una balada R&B con toques de jazz y un aire retro, que destaca por su suave fusión de guitarras, teclados sentimentales y una destacada sección de metales que complementa perfectamente sus voces cálidas y llenas de emoción.

La canción es una declaración de amor en tiempos complicados, donde la distancia se convierte en un desafío a superar. Austin Gatus, conocido por su talento como saxofonista, le da un toque especial al tema con un solo de saxofón que aparece en los momentos clave, evocando una sensación de intimidad y sensualidad. La letra expresa el deseo de mantener una relación sólida y profunda a pesar de los obstáculos que pueda traer la distancia.

La inspiración detrás de esta canción proviene de la experiencia personal de Gatus, quien estuvo involucrado en una relación a distancia durante más de cinco años. A través de esta canción, Austin comparte su vivencia de amor y crecimiento personal, un tema recurrente en el futuro EP “You’re My Muse”, que está previsto para finales de 2025. Este EP será una exploración musical sobre la evolución de una relación a distancia, sus altibajos y las lecciones aprendidas, fusionando géneros como el soul, el jazz y el indie-pop.

Una de las decisiones más destacadas en la creación de “Don’t Want This to Change” fue convertirla en un dueto entre Austin y Sophia, lo que permite reflejar ambos puntos de vista dentro de la historia de amor. Sophia James, quien ha trabajado con artistas como Jessica Sanchez, escribió su propia estrofa y puente para ofrecer un contraste perfecto con la voz de Gatus. La elección de las tonalidades en las que ambos cantan aporta una dinámica única al tema, resaltando las emociones de cada uno de los intérpretes.

Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop/Nuevos Sonidos/Voces Dulces

Astrid Yan: Sanar Cantando desde la Herida más Profunda

By Oleada Indie / abril 17, 2025

Desde Pichucalco, Chiapas, emerge una voz nueva en el pop en español que no solo canta, sino que sana: Astrid Yan. Con su EP debut Quiero Gritar, esta cantautora nos abre el corazón y nos invita a mirar de frente nuestras heridas más profundas, esas que muchas veces preferimos callar. En su caso, el origen de todo fue una ruptura muy particular: la de su relación con su padre.

“Mis amigos me dicen As, y la primera persona que me rompió el corazón fue mi papá”, confiesa sin rodeos. Y es desde ahí, desde esa honestidad brutal, que nace su música.

El primer track del EP, titulado “Galaxia”, es también la primera canción que escribió en su vida. Tenía 14 años, un teclado Casio viejo, una guitarra y un mundo emocional que se acababa de derrumbar. Durante más de una década, esa canción permaneció incompleta, como una cicatriz abierta. No fue hasta 16 años después que Astrid decidió cerrarla simbólicamente con un outro, dándole un nuevo cuerpo sonoro y una nueva vida. Así, “Galaxia” se transforma en un tema de synth-pop y alt-pop, influenciado por artistas como Moenia, M83 y CHVRCHES, con sintetizadores envolventes y guitarras eléctricas que evocan la inmensidad del universo… y la soledad que a veces habita en él.

Para su promoción, Astrid apostó por visuales animados en 2D que representan a su versión adolescente: una niña que soñaba con huir a otra galaxia para escapar del dolor. Quiero Gritar es una bitácora emocional. A través de sus canciones, Astrid nos lleva por los caminos de la tristeza, el apego, el perdón y la esperanza. En temas como “Sin Temor”, habla de darle una segunda oportunidad al amor, esta vez desde una versión más consciente y vulnerable de sí misma.

“Este EP es el inicio de todo”, explica. “Antes de contar las historias de mis relaciones fallidas en el álbum que viene, necesitaba sacar esto. Porque Quiero Gritar es el grito que nunca lancé cuando era niña.”

Astrid Yan comenzó su relación con la música en la adolescencia, cantando y componiendo dentro del grupo de alabanza de su iglesia cristiana en Chiapas. Allí tocaba el teclado, cantaba y empezaba a ponerle nombre a lo que sentía. Sus influencias combinan lo íntimo y lo épico: desde Shania Twain hasta The Killers, pasando por el pop alternativo que hoy le da identidad a su sonido.

Acústico/Americana/Country/Nuevo Pop

Connor McCutcheon: la nueva promesa del country-pop que debes conocer

By Oleada Indie / abril 16, 2025

Desde Hendersonville, Tennessee, emerge una voz que combina la nostalgia del country tradicional con la frescura del pop moderno: Connor McCutcheon. Nacido el 28 de octubre, Connor creció rodeado de música. Desde pequeño, mostraba una afinidad natural por el canto y los instrumentos, alimentada por una familia que siempre valoró el arte. Connor no solo imitaba canciones, sino que comenzaba a construir un sonido propio, influenciado por géneros como el rock, el pop, el soul y, por supuesto, el country.

Mientras estudiaba en la Universidad de Tennessee en Chattanooga, Connor dio un gran salto profesional. En 2021, grabó sus primeros cuatro EPs junto al productor ganador del Grammy Julian Raymond en los legendarios estudios Blackbird de Nashville. El resultado fue una carta de presentación inolvidable. Raymond, impresionado por su voz, sus letras y su visión, llegó a declarar: “He visto y escuchado el futuro del country, y su nombre es Connor McCutcheon.”

El EP debut, I Want You (2021), dejó claro que Connor no venía a seguir fórmulas. Sus canciones ofrecen una mezcla de baladas íntimas y melodías poderosas, siempre con letras honestas que tocan fibras profundas. A lo largo de sus siguientes lanzamientos, su estilo ha seguido evolucionando, pero siempre conservando esa esencia emocional que lo conecta con el público de forma genuina.

Su más reciente EP, Two Beers, es un ejemplo brillante de cómo Connor McCutcheon combina lo clásico con lo contemporáneo. Con toques de pop rock y beats sutiles, la canción que da nombre al EP es una historia de fragilidad emocional, encuentros inesperados y promesas que penden de un hilo. Más que una canción sobre beber, es una canción sobre intentar arreglar lo roto con lo poco que queda… incluso si solo son dos cervezas.

Connor no solo brilla en el estudio: sus presentaciones en vivo están cargadas de emoción, carisma y una conexión real con su audiencia. Su voz, cálida y llena de matices, tiene la capacidad de contar historias que parecen sacadas del diario personal de cualquiera.

Acústico/Indie Pop/Nuevo Pop/Nuevo Rock

Miguel Guevara y la música como refugio: así suena Temporal, su nuevo EP acústico

By Oleada Indie / abril 16, 2025

Miguel Guevara el cantautor, productor y multiinstrumentista bogotano lanza Temporal, un EP acústico que funciona como un acto de resistencia suave: volver a lo esencial, a la canción desnuda, a la emoción pura. Temporal es una pausa, un suspiro entre el ruido, una declaración artística hecha con las manos y el alma. A lo largo de cuatro canciones, Miguel revisita algunos de sus temas anteriores con una nueva sensibilidad: más íntima, más madura, más suya. Lo hace desde una mirada cálida y artesanal, buscando generar una conexión directa con quienes escuchan.

En el centro del EP brilla “Evidente”, la única canción inédita del proyecto. La letra es un desahogo emocional, un momento en que la verdad ya no se puede callar. Su interpretación, vulnerable, se apoya en una producción minimalista donde destacan las texturas acústicas y los matices folclóricos sutiles, esos que remiten a raíz, a tierra, a hogar.

“Las canciones se sienten como refugios, como lugares donde el tiempo se detiene y la emoción encuentra espacio para habitarse.” Así lo describe Miguel, y no hay mejor forma de resumir la experiencia de escuchar Temporal.

La historia musical de Miguel Guevara comenzó desde muy joven. A los seis años ya estudiaba violín con el maestro Miguel Ángel Guevara Díaz. Más adelante, profundizó sus conocimientos en piano y armonía con énfasis en jazz, llevandolo a formar parte de la Orquesta Nueva Filarmonía desde los 13 años, participando en producciones sinfónicas con artistas como Santiago Cruz, Andrés Cepeda, Fonseca, Kraken y Alcolirykoz.

Con Temporal, Miguel Guevara inaugura una nueva etapa en su carrera. Es un proyecto que se aleja de lo grandilocuente para abrazar lo íntimo. Grabado en casa, con un enfoque artesanal tanto en lo sonoro como en lo visual, el EP es también una extensión de lo que viene mostrando en vivo: un formato acústico donde la vulnerabilidad es protagonista y la cercanía con el público se vuelve más tangible que nunca.

Los comentarios no se han hecho esperar. Quienes lo han escuchado destacan la conexión emocional que genera, la sensación de que cada canción es un espacio seguro, un rincón de calma en medio del caos.

“Es música hecha desde el alma de un niño que todavía cree en la honestidad del arte”, dice Miguel. Y eso se siente. Se siente en cada acorde, en cada pausa, en cada palabra cantada sin artificio.

Indie Pop/Minimalista/Nuevo Pop/Nuevos Sonidos

Mokita: La Luz en la Oscuridad de ‘Fortunately’

By Oleada Indie / abril 16, 2025

Mokita, el proyecto musical de John-Luke Carter, conocido por sus canciones introspectivas y cargadas de emoción a través de letras profundas que exploran la vulnerabilidad, la soledad y, más recientemente, la importancia del apoyo mutuo en tiempos de dificultad.

Su último sencillo, “Fortunately”, marca un giro significativo en la carrera de Mokita, alejándose de la angustia de la incertidumbre para centrarse en la fortaleza que se puede encontrar en los demás. Es un tema sobre tener a alguien en tu vida que siempre está dispuesto a brindarte apoyo, alguien en quien puedes confiar cuando las dificultades de la vida se vuelven más intensas.

La creación de “Fortunately” fue un proceso espontáneo y emocional. Escribiendo junto a Trent Dabbs y Jeremy Lutito, Mokita y su equipo comenzaron con una melodía de coro que Dabbs había traído, y a partir de ahí construyeron el resto de la canción. La grabación del tema fue realizada en un solo día, y con el paso de las horas, la canción fue tomando forma, con la adición de un toque especial de cuerdas que la hizo aún más emocionalmente rica.

“Fortunately” comienza con un piano suave y se ve acompañada por percusiones y cuerdas que aportan una capa emocional adicional. La armonía y la instrumentalización de la canción crean una atmósfera envolvente que refleja el mensaje central del tema: aunque la vida puede ser incierta y desafiante, siempre hay una luz en la oscuridad, y a menudo esa luz es una persona dispuesta a caminar junto a nosotros.

Con este sencillo, Mokita presenta un cambio en su sonido, asi como también ofrece una mirada más optimista a través de su música. Mientras que sus trabajos anteriores a menudo se centraban en la introspección y la lucha interna, “Fortunately” se erige como un homenaje a las personas que, sin pedir nada a cambio, nos acompañan y nos dan fuerzas cuando más lo necesitamos.

Este sencillo forma parte de lo que será el primer álbum de Mokita, el cual promete seguir explorando temas emocionales y personales, con un enfoque renovado y esperanzador. “Fortunately” es solo el comienzo de lo que parece ser una nueva etapa en la carrera del artista, una etapa que combina su energía creativa con una conexión emocional más profunda con su audiencia.

Indie Pop/Nuevo Pop/Pop

“Up Next Ash”: Landan Ash Nos Invita A Ser Nosotros Mismos

By Oleada Indie / abril 15, 2025

Landan Ash es un artista originario de una pequeña ciudad en Texas, Landan se mudó a Los Ángeles en busca de un espacio para desarrollar su música y su identidad artística. Su primer sencillo, Quicksand, lanzado en 2020, marcó el inicio de una carrera que continúa explorando su mundo interior, dándole voz a sus emociones más vulnerables y auténticas.

Con un estilo que combina el indie pop con la bedroom pop, sus canciones capturan una mezcla única de fragilidad emocional y exploración sonora. La atmósfera que crea es íntima, como si el oyente estuviera siendo invitado a un espacio seguro donde las emociones más crudas pueden ser expresadas sin temor al juicio.

Una de sus canciones más recientes, Up Next Ash, habla de la búsqueda de la identidad y la validación en un mundo que a menudo puede parecer indiferente. La letra refleja la lucha interna de un artista que siente que no es valorado en su vida cotidiana, pero que encuentra una forma de ser visto y apreciado en el escenario.

“Up Next Ash” no solo hace referencia al nombre artístico del cantante, sino también a la transformación que experimenta al subirse al escenario, donde puede ser quien quiera ser, dejando atrás la inseguridad y abrazando la posibilidad de reinventarse.

Desde el principio de su carrera, ha tenido claro que una de sus misiones es dar visibilidad a las voces queer en la música, algo que logra al compartir su propia experiencia de navegar por los altibajos de las relaciones y la autodefinición en un mundo que a veces no es del todo inclusivo. Influenciado por artistas como Gracie Abrams, Troye Sivan, Beach House y Cigarettes After Sex, Landan combina la melancolía con la experimentación sonora, creando un espacio donde sus emociones pueden ser procesadas y comprendidas.

En Up Next Ash, por ejemplo, la música transmite perfectamente la lucha interna del artista, con cambios de ritmo que reflejan su deseo de encontrarse y salir de la sombra, mientras enfrenta la contradicción de necesitar ser visto, pero al mismo tiempo, ser genuino consigo mismo.

Altpop/Indie Pop/Nuevo Pop/Pop

Entre Universos Musicales: Descubre Another World (Reset Everything) de The Last Nation

By Rafael Méndez / abril 12, 2025

Another World (Reset Everything) surge como una propuesta que fusiona lo mejor del pop contemporáneo con matices electrónicos, creando un paisaje sonoro lleno de carácter. La canción se destaca por unos sintetizadores bien trabajados que envuelven la pista en una atmósfera evocadora. La voz, con la que se le confiere personalidad, se funde en un ambiente que reta a los límites de la innovación musical. Se siente como una invitación a reinventar el mundo a través del sonido.

El proyecto The Last Nation, liderado por Fernando Torres Barradas en Veracruz, México, es fruto de la unión de creativos y productores que comparten sus instintos musicales. Con influencias que oscilan entre el lo-fi, chillhop y synthwave, la banda plasma en cada tema una historia de sentimientos y conexión. Su música se inspira en bandas sonoras de videojuegos y en artistas tan diversos como Björk o Billie Eilish, generando un enfoque único. La colaboración de estos talentos crea un relato musical que trasciende géneros.

En Another World (Reset Everything) se nota esa mezcla de influencias, donde los toques electrónicos se conjugan con una base pop que resulta atractiva para un público amplio. La calidad de la producción y los detalles en cada capa instrumental hacen que el tema se sienta pulido sin sacrificar la emoción inherente a la experiencia. Cada acorde y cada pausa parecen diseñados para conectar de forma sincera con el oyente, abriendo paso a nuevas formas de expresión.

En resumen, Another World (Reset Everything) de The Last Nation abre una ventana a un mundo musical en constante evolución, donde la fusión de pop y electrónica cobra vida de manera original. El proyecto se reafirma como un espacio de encuentro entre la innovación y la tradición musical, impulsado por un grupo de mentes creativas que buscan trascender fronteras.

Altpop/Indie Pop/Indie Rock/Lo Mejor de la Semana/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop

KÄSSY: La Música Que Rinde Tributo a las Contradicciones del Alma

By Oleada Indie / abril 10, 2025

KÄSSY es el reflejo de una artista que no tiene miedo a desafiar las convenciones y explorar todas las facetas de su creatividad. Canción tras canción, la cantante, instrumentista, productora y performer se reinventa, fusionando sonidos que van desde la locura más experimental hasta las emociones más puras y apáticas. Su música, a menudo marcada por lo inesperado, oscila entre la belleza, la paranoia y la incomodidad. Todo esto está impregnado en su inconfundible estilo, que ha hecho de su proyecto solista un camino único, lleno de giros, contradicciones y una gran carga emocional.

KÄSSY, cuyo verdadero nombre es Katrin Paucz, comenzó su carrera en la música de manera algo inusual. A tan solo unos pasos de terminar la secundaria, dio un salto inmediato hacia la industria musical, convirtiéndose en guitarrista en vivo para la banda Oehl. Fue en esa etapa donde tuvo su primer contacto con el mundo de los escenarios y las giras. Más tarde, junto al productor Marco Kleebauer y el rapero Mile, fundó la banda Sharktank en 2020, con la que lanzó dos álbumes y un EP. Sin embargo, en 2022, KÄSSY tomó la decisión de embarcarse en su propio proyecto artístico, dejando atrás Oehl para unirse como guitarrista a la banda Bilderbuch, una de las más populares de la escena musical de habla alemana.

A lo largo de estos años, KÄSSY absorbió conocimientos y experiencias que marcarían profundamente su carrera. Se empapó de las lecciones de ser una artista, una intérprete y una líder. En marzo de 2024, debutó como KÄSSY, siendo telonera de Bilderbuch en su gira europea por Alemania, Austria, Países Bajos, Francia y el Reino Unido. Con esta gira, comenzó a consolidar su identidad como solista, marcando un punto de inflexión importante en su carrera.

En su primer sencillo, “Skirt On Pants”, nos sumerge en una mezcla caótica de sonidos sintéticos, voces melódicas y ritmos frenéticos. Su música puede sonar como un paseo por el “infierno de la manía” en un segundo y, al siguiente, como un flotar en un cielo de emociones intensas y apáticas. En este primer tema, KÄSSY nos ofrece una visión de lo que será su carrera: un torrente de contradicciones, giros inesperados y una entrega total hacia lo que la música le pide en cada momento.

A lo largo de sus siguientes sencillos, KÄSSY continúa explorando emociones complejas. En “I Feel So Heavy”, presenta una versión más suave y vulnerable de sí misma, reflexionando sobre la sensación de insuficiencia, el dolor de crecer y la desconexión emocional. En “For Two”, nos habla sobre los altibajos de las relaciones personales, abordando cómo el deseo de compartir todo con alguien puede volverse una carga. Con “wemightchange”, toca temas de identidad y realidad, mientras que en “Milk”, se adentra en la obsesión y el desengaño de las expectativas no cumplidas.

Su debut EP, que verá la luz en enero de 2025, promete seguir sorprendiendo con su mezcla única de pop experimental y electrónica, fusionada con su sello personal que desafía las convenciones.

Electrónica/Experimental/Nuevo Pop/Nuevos Sonidos/Synth Pop

Hybrid Collapse: La Revolución Sonora en la Era Digital

By Oleada Indie / abril 10, 2025

En un mundo donde la tecnología y la identidad se entrelazan, surge un proyecto que redefine los límites del arte en la era digital: Hybrid Collapse. Este proyecto de música experimental, completamente impulsado por inteligencia artificial, fusiona géneros como el glitch, IDM, industrial oscuro y pop alternativo, creando una experiencia que nos hace reflexionar sobre el poder, el control y la evolución digital.

El álbum debut de Hybrid Collapse, titulado Biopolitics, es una obra conceptual. A través de cada pista, el proyecto explora distintas facetas de las estructuras biopolíticas contemporáneas. Desde la intervención estatal en la sexualidad hasta el capital en la nube y la digitalización de la identidad antes de la muerte, Biopolitics indaga en cómo la tecnología influye y moldea las vidas humanas, a menudo de maneras invisibles pero profundamente impactantes.

El álbum se sumerge en sonidos que fluctúan entre lo abstracto y lo provocador, con una mezcla de texturas electrónicas que no solo despiertan una respuesta emocional, sino también intelectual. La producción meticulosa de Hybrid Collapse, junto con su capacidad para crear ambientes sonoros oscuros y fascinantes, transforma la música en una forma de arte que es tanto auditiva como filosófica.

Una de las características más sorprendentes de Hybrid Collapse es el uso de la inteligencia artificial en todas las etapas del proceso creativo. Desde el diseño del sonido hasta las visuales generadas para acompañar el proyecto, la IA no solo es una herramienta técnica, sino que se convierte en un co-creador dentro de esta obra. La idea de un proceso creativo posthumano, nativo de la era digital, es el núcleo de Hybrid Collapse, lo que da lugar a una estética digital decadente y cibernética que forma la base visual y conceptual de la música.

En lugar de ver la IA como una amenaza o una mera herramienta, Hybrid Collapse la presenta como una extensión natural del proceso creativo en un mundo cada vez más tecnológico. El proyecto se extiende más allá de lo auditivo a través de videos musicales en 4K generados por IA que exploran las mismas temáticas filosóficas y conceptuales del álbum. Estos videos no son solo acompañamientos visuales, sino que son narrativas completas por derecho propio, ampliando la discusión sobre la condición humana digitalizada con imágenes perturbadoras y visuales surrealistas.