Synth Pop

‘Stone In The Rubble’: El Nuevo Relato Poético y Emotivo de Maria De Val

‘Stone In The Rubble’: El Nuevo Relato Poético y Emotivo de Maria De Val

Maria De Val es una cantautora italiana quien ha cautivado al público con su capacidad para mezclar indie, folk, schlager italiano y psicodelia en un estilo único e inconfundible. Desde su primer sencillo como solista, “As We Both Knew Before,” ha demostrado ser una artista capaz de crear atmósferas envolventes y conmovedoras que exploran las complejidades emocionales del ser humano.

Nacida y criada en las montañas del Tirol del Sur, en el norte de Italia, Maria De Val tiene una trayectoria musical rica en experiencias que la han moldeado como artista. Desde pequeña, estuvo inmersa en la música, cantando en el coro de la iglesia local, lo que la conectó con las raíces de la tradición musical. Con el tiempo, se alejó de esa formación para explorar diferentes géneros y sonidos, y en su juventud formó parte de bandas de punk y jazz. Esta diversidad de influencias ha marcado su estilo único, que hoy combina con maestría elementos del indie, folk y la música italiana.



Con su nuevo sencillo, “Stone In The Rubble,” y el EP del mismo nombre, Maria De Val demuestra una vez más su capacidad para evolucionar y sorprender a su audiencia. La canción se adentra en el indie pop, pero mantiene la esencia de la artista, fusionando elementos minimalistas con un enfoque vanguardista que recuerda a artistas como girl in red, Phoebe Bridgers y Feist. La voz de Maria De Val es el centro de la pieza, acompañada de arreglos instrumentales sutiles pero profundos que aportan una textura rica y envolvente.

La letra de “Stone In The Rubble” es introspectiva y poética, abordando temas como el amor, la pérdida y la resiliencia. La canción transmite la lucha interna y la búsqueda de redención, lo que la convierte en una pieza emocionalmente poderosa y profundamente conectada con el oyente. Con este lanzamiento, Maria reafirma su posición como una de las voces más interesantes del indie europeo, mostrando su capacidad para tocar temas universales con una sensibilidad única.


Skinner: El Provocador del No Wave Irlandés Lanza su Álbum Debut New Wave Vaudeville

Skinner: El Provocador del No Wave Irlandés Lanza su Álbum Debut New Wave Vaudeville

Tras su EP Geek Love el año pasado, Skinner, el proyecto del multiinstrumentista, cantante y productor irlandés Aaron Corcoran, da un paso adelante con el lanzamiento de su primer álbum, New Wave Vaudeville. Con el sencillo principal, “Sour Milk”, Skinner nos invita a un mundo sonoro que mezcla el caos del no wave, la energía del post-punk y un toque de humor ingenioso.

“Siempre he soñado con hacer un álbum”, explica Skinner. “Los álbumes son donde puedo perderme completamente y ver el mundo a través de los ojos del artista que los creó. Espero que este disco pueda ofrecer lo mismo a otras personas. Es mi intento de crear un mundo para aquellos que no encajan en este”.

Inspirado por la escena no wave de Nueva York a finales de los años 70 y principios de los 80, el título del álbum rinde homenaje al New Wave Vaudeville, un espectáculo musical experimental y extravagante que se celebró en el mítico 57 Club de Nueva York. Este espíritu de irreverencia y libertad artística impregna cada rincón del disco.



El sencillo principal, “Sour Milk”, captura la sensación de desconexión y frustración que acompaña a la privación de sueño y la vida fuera de ritmo. Basada en las experiencias personales de Skinner mientras trabajaba en turnos nocturnos, la canción combina letras irónicas y reflexivas con una producción explosiva.

“La canción trata sobre sentirse desconectado de la realidad y privado de sueño”, comparte Skinner. “Trabajaba de noche y mi patrón de sueño era un desastre. Podía pasar días sin dormir, sin saber qué día era y sin ver a nadie. Un día, mientras conducía, escuché A Little Time de The Beautiful South, y la frase ‘it’s funny how quick the milk turns sour, isn’t it?’ (es gracioso lo rápido que se agria la leche, ¿no?) me pareció hilarante y totalmente cierta. La vida cambia tan rápido, y aunque eso puede ser frustrante, también es lo que la hace hermosa”.

Con un ritmo envolvente y una energía implacable, “Sour Milk” encapsula el enfoque de Skinner: unir lo absurdo y lo emocional en un mismo espacio.

New Wave Vaudeville es un homenaje a los inadaptados musicales y una mezcla audaz de géneros. Skinner cita influencias que van desde The B-52s y James Chance and the Contortions hasta Pixies y ESG, pasando por la música latina y el disco. Además, su colaboración con Dara Kiely, vocalista de Gilla Band, le ayudó a perfeccionar su estilo vocal crudo y expresivo, especialmente notable en temas como “Tell My Ma” y “Calling In Sick”.


“Patterns In The Sky”: La Canción que Marca el Renacer de Rebecca Helen

“Patterns In The Sky”: La Canción que Marca el Renacer de Rebecca Helen

Rebecca Helen es una cantante y compositora originaria de Ciudad del Cabo, Sudáfrica, hija de una familia de músicos, creció inmersa en un entorno lleno de influencias musicales, lo que la llevó a desarrollar una pasión por la música desde una edad temprana.

Desde los 7 años, Rebecca mostró su habilidad vocal participando en concursos de canto, donde comenzó a ganar premios y a forjar su carrera en el mundo de la música. A lo largo de los años, Rebecca ha sido parte de varias bandas, incluyendo 3Dimensions, formada junto a sus hermanas Vanessa y Stephanie.

En 2019, Rebecca Helen dio el gran paso hacia su carrera como artista en solitario. Su primer álbum Musical Life, un trabajo POP/Dance, fue producido y coescrito junto al productor australiano Mick Evans (quien ha trabajado con Trevor Horn), Rebeka Rain y Duncan Mackay, músico de 10CC.



Uno de sus sencillos más recientes, “Patterns In The Sky”, coescrito y producido junto al músico y productor nominado al SAMA, Sasha Righini, combina influencias retro con un toque fresco y contemporáneo, lo que la convierte en una muestra perfecta de la versatilidad musical de Rebecca.

En una entrevista reciente, habló sobre cómo sus canciones son una manera de abrazar su vulnerabilidad y compartir su visión del mundo con su audiencia global. Su deseo de viajar y colaborar con otros artistas y productores refleja una ambición por expandir su música y seguir aprendiendo de otras culturas musicales.


“Eternity”: Un Viaje Musical que Trasciende La Música Convencional

“Eternity”: Un Viaje Musical que Trasciende La Música Convencional

La banda Two Passengers ha llegado con un tema que promete capturar corazones y trascender fronteras. Su nueva canción “Eternity” es una obra de arte meticulosamente construida, con una atmósfera rica en detalles donde cada instrumento tiene su momento exacto para brillar. Desde las primeras notas, te sumerges en un paisaje sonoro que combina influencias del indie pop, synthpop y baladas clásicas, creando una experiencia envolvente. La voz del cantante, limpia y perfectamente controlada, se fusiona con el resto de la producción, elevando aún más la belleza de la pieza.

Lo fascinante de “Eternity” es cómo los elementos musicales se entrelazan de manera armoniosa, logrando un equilibrio entre lo sutil y lo potente. El tema nos transporta a un lugar donde la música no solo se escucha, sino que se siente, creando una conexión emocional profunda. La atención al detalle en la producción es evidente, cada acorde y cada ritmo está diseñado para que la experiencia sea lo más completa y envolvente posible. En este sentido, Two Passengers ha logrado lo que pocos: una canción que se convierte en un viaje personal.



Two Passengers ha dedicado los últimos cuatro años a la creación de su álbum debut, y “Eternity” es solo una muestra del trabajo que han realizado en el legendario Mystery Train Studios de Markus. Este lugar, un paraíso para los amantes de la grabación analógica, fue el escenario donde la banda plasmó su esencia musical en cinta. La narrativa del álbum explora el amor en todas sus formas, desde las fiestas y las decepciones hasta los encuentros inesperados que marcan nuestra vida. Cada canción parece formar parte de una historia más grande, una que invita al oyente a reflexionar sobre sus propias experiencias.

La atención al detalle en la producción se complementa con el toque final de dos grandes de la industria: Peter Schmidt en la mezcla y Greg Calbi en la masterización. Esto ha elevado el sonido de “Eternity” a otro nivel, dándole una claridad y una presencia que la hacen destacar entre las canciones del mismo género. Se puede sentir la pasión y el esfuerzo que Two Passengers ha puesto en este proyecto, reflejando una dedicación a su arte que es difícil de encontrar en una industria dominada por la inmediatez.


YOGA BEAR y FRNCE Logran “Detener el Tiempo” con su Nueva Colaboración

YOGA BEAR y FRNCE Logran “Detener el Tiempo” con su Nueva Colaboración

Si hay algo que la música puede hacer es detener el tiempo, y justo eso han logrado YOGA BEAR y FRNCE con su nueva canción “Detener el Tiempo”. Este tema, una colaboración que fusiona lo mejor del indie pop y el synthpop moderno, nos sumerge en una atmósfera envolvente. La suavidad del ritmo, combinada con una línea vocal que se une de manera orgánica con el resto de la canción, crea una experiencia que atrapa desde el primer momento. La química entre ambos artistas es evidente, logrando que cada nota fluya con naturalidad.

YOGA BEAR, una banda electro/indie/pop formada en Monterrey en 2019, tiene una habilidad especial para crear melodías que conectan profundamente. Liderada por Mario Oliva en la guitarra y composición, junto a Chris Michaux en la voz. Esta canción no es solo una colaboración exitosa, sino un reflejo del sonido único que el dúo ha construido desde sus inicios, fusionando elementos electrónicos con influencias más tradicionales del indie.



Lo que destaca en “Detener el Tiempo” es cómo los elementos synthpop añaden un brillo especial al tema, mientras las voces, logran crear una narrativa emocional que resuena en cada escucha. El ritmo suave pero constante genera una atmósfera relajante sin perder el dinamismo que caracteriza a la banda. Cada componente de la canción se siente en su lugar, creando un equilibrio que invita al oyente a quedarse en ese espacio sonoro por un buen rato.

La historia de YOGA BEAR es también una de conexiones naturales. Mario y Chris comenzaron a trabajar juntos en 2019, cuando Mario le pidió a Chris que añadiera voces a algunas composiciones de un proyecto solista. Lo que empezó como una colaboración ocasional rápidamente se convirtió en un proyecto conjunto, con el baterista JuanRo sumándose poco después para darle solidez a las bases rítmicas.


Isaac Howlett: El Renacimiento del Synthpop a Través de la Introspección Musical

Isaac Howlett: El Renacimiento del Synthpop a Través de la Introspección Musical

Isaac Howlett, nacido en Inglaterra y actualmente radicado en Linz, Austria, ha logrado destacarse como un artista en la escena Synthpop. Con una carrera que comenzó en Empathy Test, Howlett decidió emprender su camino en solitario, donde ha fusionado sus influencias electrónicas con una lírica personal.

Con su carrera como cantautor y productor, Howlett mezcla sonidos etéreos, melodías evocadoras y letras cargadas de emoción. Su primer proyecto en solitario, “House of Cards”, debutó con gran éxito, alcanzando altas posiciones en varias listas, incluyendo el #1 en el German Alternative Chart (DAC) y el #2 en el Bandcamp Synthpop Chart.

Sin embargo, su segundo sencillo, “Endless Night”, es el que realmente marca una diferencia. En contraste con el tono más alegre y accesible de “House of Cards”, “Endless Night” ofrece una experiencia más profunda y melancólica, alejada de la estética comercial del Synthpop.



Con su piano grandioso, percusión minimalista y cuerdas envolventes, esta canción se adentra en temas más oscuros como la depresión, la soledad y la lucha interna. La voz serena de Howlett, combinada con un paisaje sonoro donde la vulnerabilidad y la resiliencia se encuentran.

En sus palabras, con “House of Cards” buscaba complacer al mayor número posible de personas, creando algo que pudiera ser disfrutado por todos. Pero con “Endless Night”, Howlett rompió las reglas y creó algo que reflejaba genuinamente sus propios pensamientos y emociones. La canción tiene una poderosa analogía en sus letras: “Hope comes and goes, I hold her so close but I know, She slips through my fingers like snow”, lo que refleja la transitoriedad de la esperanza y la lucha constante por encontrar consuelo en tiempos oscuros. “Endless Night” no solo es un himno a la resiliencia, sino una invitación a seguir adelante, a pesar de los obstáculos emocionales.

Este tema forma parte de lo que será el primer álbum en solitario de Isaac Howlett, previsto para ser lanzado en el 2025. Con su producción a cargo del reconocido Walter Kazmier (NYXX, Danny Blu), la expectativa en torno a este proyecto es alta. Los sencillos lanzados este año, incluyendo “Endless Night”, han sido aclamados por su complejidad y la evolución del estilo de Howlett, lo que promete un álbum de gran profundidad y madurez artística.


Ritmos Urbanos y Raíces Africanas: Descubre el Universo Sonoro de Yiigaa

Ritmos Urbanos y Raíces Africanas: Descubre el Universo Sonoro de Yiigaa

Yiigaa, nombre artístico de Yiga Gao Lou, es una cantante y compositora de pop alternativo que ha logrado destacar por fusionar géneros y su recorrido artístico. Nacida en Costa de Marfil y radicada en Londres, Yiigaa combina su herencia africana con influencias globales, creando un sonido único que se mueve entre el soul, el amapiano, el afrobeats, el garage y el R&B.

Desde muy joven, Yiigaa mostró un profundo interés por la música y las artes. A los siete años, comenzó a escribir sus propias letras, influenciada por una amplia variedad de estilos musicales. Esta pasión por la creatividad se consolidó durante su formación académica, donde estudió drama y artes teatrales en la universidad. A los 18 años, se unió al National Youth Theatre, una experiencia que no solo enriqueció su desarrollo artístico, sino que también la introdujo en el mundo del teatro profesional. A lo largo de su carrera, ha participado en producciones en espacios como el Young Vic, el Old Vic Young Company, Woolwich Theatre y Theatre Peckham.



Uno de sus lanzamientos más recientes, el sencillo Follow Lights, lanzado el 21 de noviembre de 2024 a través de Supernature, es una pieza que refleja la relación compleja y profunda que las personas tienen con las ciudades. Yiigaa explica que la canción aborda la belleza y la dificultad de vivir en la ciudad, un lugar lleno de oportunidades y éxito, pero también de soledad, sobrecarga sensorial y presión. En sus propias palabras: “Quería hacer una canción que encapsulara la belleza de ambos lados”.

Yiigaa sigue consolidándose como una artista integral que aporta nuevas perspectivas a la música, sino que también inspira a través de su trabajo en las artes escénicas y su enfoque en la autenticidad cultural. Con su capacidad para mezclar ritmos, emociones y reflexiones sobre la vida urbana, Yiigaa promete seguir siendo una de las voces más interesantes de la música alternativa global.