Indie Pop

Artpop/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Synth Pop

‘Stone In The Rubble’: El Nuevo Relato Poético y Emotivo de Maria De Val

By Oleada Indie / enero 17, 2025

Maria De Val es una cantautora italiana quien ha cautivado al público con su capacidad para mezclar indie, folk, schlager italiano y psicodelia en un estilo único e inconfundible. Desde su primer sencillo como solista, “As We Both Knew Before,” ha demostrado ser una artista capaz de crear atmósferas envolventes y conmovedoras que exploran las complejidades emocionales del ser humano.

Nacida y criada en las montañas del Tirol del Sur, en el norte de Italia, Maria De Val tiene una trayectoria musical rica en experiencias que la han moldeado como artista. Desde pequeña, estuvo inmersa en la música, cantando en el coro de la iglesia local, lo que la conectó con las raíces de la tradición musical. Con el tiempo, se alejó de esa formación para explorar diferentes géneros y sonidos, y en su juventud formó parte de bandas de punk y jazz. Esta diversidad de influencias ha marcado su estilo único, que hoy combina con maestría elementos del indie, folk y la música italiana.

Con su nuevo sencillo, “Stone In The Rubble,” y el EP del mismo nombre, Maria De Val demuestra una vez más su capacidad para evolucionar y sorprender a su audiencia. La canción se adentra en el indie pop, pero mantiene la esencia de la artista, fusionando elementos minimalistas con un enfoque vanguardista que recuerda a artistas como girl in red, Phoebe Bridgers y Feist. La voz de Maria De Val es el centro de la pieza, acompañada de arreglos instrumentales sutiles pero profundos que aportan una textura rica y envolvente.

La letra de “Stone In The Rubble” es introspectiva y poética, abordando temas como el amor, la pérdida y la resiliencia. La canción transmite la lucha interna y la búsqueda de redención, lo que la convierte en una pieza emocionalmente poderosa y profundamente conectada con el oyente. Con este lanzamiento, Maria reafirma su posición como una de las voces más interesantes del indie europeo, mostrando su capacidad para tocar temas universales con una sensibilidad única.

Altpop/Artpop/Etereo/Indie Pop/Lo Mejor de la Semana/Nuevos Sonidos

Art d’Ecco y su nueva canción “True Believer”: Un viaje hacia la dualidad interna

By Oleada Indie / enero 16, 2025

Art d’Ecco, el músico canadiense originario de Victoria, ha emergido como una de las voces más intrigantes de la escena musical contemporánea, mezclando géneros como el glam rock, el post-punk y el synth-pop, su sonido es una amalgama audaz de influencias clásicas y una estética profundamente personal. Sin embargo, lo que realmente distingue a Art d’Ecco es su enfoque único sobre la existencia humana y las emociones complejas, temas que explora con gran profundidad en su nuevo álbum Serene Demon.

Para la realización de este cuarto álbum, Art d’Ecco se sumergió en un proceso de reflexión profunda, que incluyó un retiro en la ciudad de Nueva York. En el otoño de 2022, alquiló un apartamento en la Gran Manzana y se adentró en la ciudad, tomando largas caminatas solitarias y visitando bares, galerías de arte y espectáculos por su cuenta. Durante este tiempo, se inspiró en las bandas sonoras cinematográficas de compositores como Henry Mancini, Ennio Morricone, John Barry y François de Roubaix, lo que aportó una atmósfera nostálgica y cinematográfica a su música.

Como adelanto de este esperado trabajo, el cantante y compositor ha lanzado el single “True Believer”, una canción que se adentra en las complejidades del alma humana, explorando la lucha interna entre el bien y el mal.

“True Believer” es un reflejo de la dualidad que se encuentra en el núcleo del álbum Serene Demon, una obra que, según el propio Art d’Ecco, funciona como una metáfora de esa lucha interna que todos enfrentamos. En sus propias palabras: “Serene Demon es una metáfora. Piensa en ello como la dualidad entre el bien y el mal. Todos somos capaces de habitar ambos mundos, pero la mayoría de nosotros, de forma intrínseca, trata de habitar el mundo del bien”. La canción, sin embargo, se enfoca en el lado oscuro de esta dualidad, explorando la seducción del mal que habita dentro de nosotros mismos. Art d’Ecco describe el proceso creativo de “True Believer” como un reflejo de pensamientos invasivos que pueden conducir a la autodestrucción, o tal vez, como una metáfora de la depresión. En su propia imaginación, visualiza “un pequeño demonio bailando sobre su hombro, seduciéndolo para que se incline hacia el lado oscuro”.

Los arreglos instrumentales y la atmósfera densa complementan la temática introspectiva de la letra, creando una experiencia auditiva envolvente. Además, el videoclip dirigido por Brendan Fletcher, conocido por su trabajo en The Revenant y The Last of Us, añade una capa visual a este mundo emocionalmente cargado, acentuando el tema de la lucha interna con una estética cinematográfica que captura la esencia de la canción.

Musicalmente, Serene Demon lleva a Art d’Ecco a nuevas alturas. Canciones como “Tree of Life” evocan el sonido psicodélico de los años 80, mientras que la pegajosa “Shell Shock” trae a la mente los sintetizadores retro de los 70s, recordando a artistas como Steve Miller. Incluso la pieza instrumental “Meursault’s Walk”, una referencia a la obra El Extranjero de Albert Camus, se convierte en una pieza introspectiva antes de desembocar en la eufórica “Honeycomb”, un tema pop enriquecido con el toque exótico de los tambores de acero.

Altpop/Dreamy/Indie Pop/Nuevo Pop

‘ooo’ de Club 8: Indie Pop con Un Toque Etéreo y Vibrante

By Oleada Indie / enero 16, 2025

El dúo sueco Club 8, conformado por Karolina Komstedt y Johan Angergård, es uno de los nombres más emblemáticos de la escena indie pop. Desde su formación en los años 90, el grupo ha sabido reinventarse con cada álbum, explorando desde el pop melódico y minimalista hasta sonidos electrónicos, influencias africanas y ritmos bailables. Tras un largo silencio, Club 8 volvió en 2024 con su undécimo álbum, A Year with Club 8, marcando un regreso triunfal que reafirma su lugar como pilares del indie pop.

En enero de 2025, Club 8 sorprendió nuevamente con el lanzamiento de “ooo”, un sencillo que encapsula su capacidad única para evocar emociones profundas a través de una producción exquisita. El tema fusiona elementos de dream pop, lo-fi rock e indie pop, destacando la voz etérea de Karolina Komstedt, que flota sobre arreglos de guitarra envolventes y una atmósfera nostálgica. Desde los primeros acordes, “ooo” invita al oyente a un viaje introspectivo, alternando entre luminosidad y melancolía con una facilidad desarmante.

“ooo” sigue la estela de A Year with Club 8, un álbum que, a través de su enfoque conceptual, exploró las emociones de un año completo. Este trabajo marcó un giro hacia un sonido más ruidoso y melódico, recuperando la esencia creativa del grupo y demostrando que su pausa no hizo más que enriquecer su visión artística.

Desde el sonido delicado de su debut Nouvelle (1996) hasta los ritmos africanos de The People’s Record (2010) y el pop sintético de Pleasure (2015), su discografía es un testimonio de constante evolución. Sin embargo, siempre mantienen un núcleo cálido y acogedor que conecta emocionalmente con sus seguidores.

Altpop/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop

Sanando con ‘Summer Rain’: La Magia de Gabby Martin en su Nueva Canción

By Oleada Indie / enero 13, 2025

Gabby Martin, es una artista indie pop británica, quien mezcla vulnerabilidad, honestidad y una profunda carga emocional en su música. Con su sonido, que fusiona el indie pop, alt pop y elementos experimentales, Martin está marcando su huella y su último sencillo, “Summer Rain”, es una prueba irrefutable de su talento y capacidad para conectar con su audiencia.

“Summer Rain” es el segundo sencillo de su próximo EP titulado “Time To Heal”, y como su nombre lo indica, la canción aborda los procesos de sanación emocional después de una ruptura amorosa. A través de una melodía envolvente y una letra profundamente honesta, Gabby nos invita a recorrer un viaje emocional cargado de ira, confusión y, finalmente, liberación. La artista describe el proceso creativo de la canción como una experiencia catártica, donde la intensidad de los sentimientos la llevó a un momento de liberación durante la grabación de las voces, especialmente en la sección final del tema.

En “Summer Rain”, la artista nos ofrece una representación cruda de lo que significa sentirse perdido después de una decisión que se escapa de nuestro control. La letra refleja esa sensación de estar completamente desbordado, cuestionando todo lo que nos ha llevado hasta ese momento. Sin embargo, a medida que la canción avanza, el oyente también experimenta una sensación de empoderamiento, de recuperar el control sobre uno mismo a través de la música.

Para los fanáticos del pop alternativo “Summer Rain” es una pieza que no se deben perder. Gabby Martin sigue consolidándose como una voz fresca e interesante de la música británica.

Indie Pop/Nuevos Sonidos

«I Gotta Love»: Battleflagg y la Música que Transforma la Angustia en Belleza

By Oleada Indie / enero 13, 2025

En tiempos de cambio, la música se convierte en refugio, y Battleflagg, el proyecto liderado por el cantautor de Filadelfia Jeff Hartwig, es un ejemplo de cómo el arte puede canalizar las emociones más complejas. Concebido en 2020, en medio de una era marcada por la agitación social, política y personal, Battleflagg es un colectivo de músicos y artistas visuales con una misión clara: combinar creatividad y comunidad para desafiar el cinismo progresivo de nuestro tiempo.

Con una base que mezcla instrumentación tradicional de rock con sintetizadores ambientales, loops de batería y samples, el proyecto logra un delicado equilibrio entre géneros como el Heartland rock, el Americana y el indie rock. Las canciones de Hartwig son honestas, directas y cargadas de emoción, con letras que parecen hablar directamente al oyente y coros que invitan a ser coreados en grandes estadios.

El sencillo más reciente de Battleflagg, «I Gotta Love», explora temas profundos a través de su música. Producida por Daniel Knowles, conocido por su trabajo con Sharon Van Etten y Cigarettes After Sex, esta canción aborda el concepto de solastalgia, un término acuñado por el filósofo Glenn Albrecht.

La solastalgia es descrita como “la nostalgia que sientes cuando todavía estás en casa”, una sensación de pérdida y angustia causada por los cambios en el entorno familiar. Según Hartwig, «es como estar de pie en un lugar mientras la vida, los recuerdos y los lugares se desvanecen lentamente a tu alrededor». A diferencia de la nostalgia, que suele evocar dulzura y añoranza, la solastalgia es inquietante y profundamente emocional.

«I Gotta Love» encapsula esta idea con una mezcla de texturas sonoras suaves y momentos de liberación catártica. La interpretación vocal de Hartwig transita entre lo introspectivo y lo explosivo, mientras que la producción aporta una calidad distintiva que deja huella.

En palabras de Hartwig, el objetivo de Battleflagg es que los oyentes «entiendan y sientan el poder de los momentos simples descritos en las canciones, y cómo esos momentos son comunes para muchos». A través de su música, Battleflagg invita a la reflexión y la conexión, ofreciendo un espacio donde las emociones pueden ser compartidas y comprendidas.

Indie Pop/Indie Rock/Rock

Polo Lounge y su explosiva propuesta indie: “Trapped Nerve”

By Rafael Méndez / enero 13, 2025

La banda inglesa Polo Lounge ha sabido captar la atención con su más reciente sencillo ‘Trapped Nerve’, una explosiva mezcla de indie pop y rock alternativo que pone a bailar a cualquiera que la escuche. Desde los primeros segundos, la canción despliega un ritmo dinámico y vibrante, con ganchos irresistibles y una poderosa interpretación vocal que no deja indiferente a nadie. Es una pieza que combina energía y frescura, haciéndola destacar en la creciente escena indie del Reino Unido.

‘Trapped Nerve’ se presenta como una pieza que combina lo mejor del indie rock y el pop, con una energía contagiosa que te atrapa desde el primer acorde. El ritmo es vertiginoso, lleno de ganchos que te obligan a moverte, y la interpretación vocal refleja la intensidad y frescura de una banda que sabe aprovechar su potencial. Es fácil entender por qué esta canción ha capturado la atención de la crítica y el público, con sus vibrantes riffs de guitarra y su pegajosa melodía.

Polo Lounge, oriundos de la costa sur de Kent, han sabido fusionar el lado más oscuro del sonido de bandas como Arctic Monkeys con la energía de grupos como Bloc Party y Foals. En ‘Trapped Nerve’, podemos sentir esa influencia de post-punk danzable con una textura sonora densa, que mantiene el dinamismo en cada momento. La banda ha sido seleccionada por BBC Introducing Kent, con Abbie McCarthy destacando su capacidad para crear riffs que se quedan en la cabeza y un estribillo que invita a ser gritado a todo pulmón.

Formada por cuatro integrantes, Polo Lounge ha ganado terreno rápidamente en la escena indie, gracias a su habilidad para mezclar elementos de rock alternativo, punk y dance. Este enfoque ha permitido a la banda construir un sonido propio, lleno de energía y con la intención de hacer que la audiencia se levante a bailar. Sus influencias van desde Bloc Party hasta Friendly Fires, pero lo que destaca en ‘Trapped Nerve’ es su habilidad para canalizar esa inspiración en algo único y fresco.

Indie Pop/Nuevos Sonidos/Synth Pop

Skinner: El Provocador del No Wave Irlandés Lanza su Álbum Debut New Wave Vaudeville

By Oleada Indie / enero 13, 2025

Tras su EP Geek Love el año pasado, Skinner, el proyecto del multiinstrumentista, cantante y productor irlandés Aaron Corcoran, da un paso adelante con el lanzamiento de su primer álbum, New Wave Vaudeville. Con el sencillo principal, “Sour Milk”, Skinner nos invita a un mundo sonoro que mezcla el caos del no wave, la energía del post-punk y un toque de humor ingenioso.

“Siempre he soñado con hacer un álbum”, explica Skinner. “Los álbumes son donde puedo perderme completamente y ver el mundo a través de los ojos del artista que los creó. Espero que este disco pueda ofrecer lo mismo a otras personas. Es mi intento de crear un mundo para aquellos que no encajan en este”.

Inspirado por la escena no wave de Nueva York a finales de los años 70 y principios de los 80, el título del álbum rinde homenaje al New Wave Vaudeville, un espectáculo musical experimental y extravagante que se celebró en el mítico 57 Club de Nueva York. Este espíritu de irreverencia y libertad artística impregna cada rincón del disco.

El sencillo principal, “Sour Milk”, captura la sensación de desconexión y frustración que acompaña a la privación de sueño y la vida fuera de ritmo. Basada en las experiencias personales de Skinner mientras trabajaba en turnos nocturnos, la canción combina letras irónicas y reflexivas con una producción explosiva.

“La canción trata sobre sentirse desconectado de la realidad y privado de sueño”, comparte Skinner. “Trabajaba de noche y mi patrón de sueño era un desastre. Podía pasar días sin dormir, sin saber qué día era y sin ver a nadie. Un día, mientras conducía, escuché A Little Time de The Beautiful South, y la frase ‘it’s funny how quick the milk turns sour, isn’t it?’ (es gracioso lo rápido que se agria la leche, ¿no?) me pareció hilarante y totalmente cierta. La vida cambia tan rápido, y aunque eso puede ser frustrante, también es lo que la hace hermosa”.

Con un ritmo envolvente y una energía implacable, “Sour Milk” encapsula el enfoque de Skinner: unir lo absurdo y lo emocional en un mismo espacio.

New Wave Vaudeville es un homenaje a los inadaptados musicales y una mezcla audaz de géneros. Skinner cita influencias que van desde The B-52s y James Chance and the Contortions hasta Pixies y ESG, pasando por la música latina y el disco. Además, su colaboración con Dara Kiely, vocalista de Gilla Band, le ayudó a perfeccionar su estilo vocal crudo y expresivo, especialmente notable en temas como “Tell My Ma” y “Calling In Sick”.

Indie Pop

Gandharva ilumina el indie pop actual con su gran propuesta “Apaga La Luz”

By Rafael Méndez / enero 13, 2025

Cuando una canción logra mezclar de manera natural ritmos poderosos y ganchos cautivadores, es imposible que pase desapercibida. “Apaga La Luz”, el más reciente lanzamiento de Gandharva, no es la excepción. Con influencias claras del indie pop y ligeros toques de soul, esta pieza destaca por un dinamismo que fluye con naturalidad, guiado por una voz que aporta una personalidad que le da mucha personalidad a la canción.

Gandharva, el seudónimo de Gastón Astorquiza, tiene una historia musical rica que se remonta a su liderazgo en la banda chilena Fruto Prohibido, donde compartió escena con figuras como Federico Faure y Felipe Cadenasso. Durante ese tiempo, canciones como “Taxi” y “Adiós” lo posicionaron como un referente en la escena del rock alternativo chileno.

La música de Gandharva ha evolucionado a lo largo de los años, moviéndose entre el folk alternativo, el blues y el rock’n’roll, pero siempre manteniendo temáticas profundas y reflexivas. Canciones como “Kaminando” y “En Tus Sueños” reflejan ese toque filosófico y romántico que caracteriza su estilo, mientras que “Nube” y “Pronto Paraíso” muestran su habilidad para fusionar géneros con una naturalidad sorprendente. “Apaga La Luz” se siente como una progresión lógica en su carrera, donde el indie pop se encuentra con la calidez del soul para crear algo fresco, pero al mismo tiempo familiar.

Es imposible hablar de “Apaga La Luz” sin destacar el impacto emocional que genera. A través de una interpretación vocal fuerte y expresiva, Gandharva crea un ambiente donde cada palabra resuena con sinceridad, logrando conectar con su audiencia.

En la actualidad, Gandharva reside en Puerto Vallarta, México, donde continúa trabajando en su próximo material. Su capacidad para adaptarse y experimentar con diferentes sonidos, combinada con su profunda conexión con la música, promete que futuros lanzamientos seguirán sorprendiendo y cautivando a quienes buscan una propuesta única. Si “Apaga La Luz” es un indicio de lo que está por venir, es seguro que Gandharva continuará consolidándose como una de las voces más interesantes y dinámicas de la escena alternativa actual.

Dream Pop/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Nuevos Sonidos

Recuerdos y Riffs: ‘Those Were the Days’ de Elisabeth Pixley-Fink

By Oleada Indie / enero 13, 2025

Elisabeth Pixley-Fink es una de las voces más intrigantes dentro de la escena de Michigan. Con una carrera que abarca desde las suaves melodías folk hasta el enérgico rock de garage, su música captura la esencia de la vulnerabilidad humana, la nostalgia y el caos emocional, todo mientras se mantiene fiel a un sonido visceral y auténtico.

Desde sus inicios, Pixley-Fink mezcla con el folk y el punk. Su estilo ha sido comparado con el de artistas como Liz Phair, quien también supo canalizar esa energía cruda y emocional que caracteriza al movimiento riot grrrl. Sin embargo, Elisabeth logra mantener una identidad propia, que va más allá de la rebeldía juvenil para adentrarse en temas de introspección y autodescubrimiento.

Uno de los sencillos más destacados de su carrera, “Those Were the Days”, es un claro ejemplo de su capacidad para fusionar lo melódico con lo visceral. Con un inicio lleno de retroalimentación y un riff de guitarra envolvente, la canción nos lleva por un recorrido lleno de intensidad emocional, desde la euforia de la juventud hasta las cicatrices de un amor perdido. La producción, que incluye elementos de guitarras distorsionadas y una batería sólida, crea una atmósfera única que captura la esencia de esa época en la que todo parece posible.

Elisabeth, en sus propias palabras, describe la canción como “un himno indie-rock crudo y lleno de angustia, que captura la intensidad desenfrenada del deseo juvenil, la emoción de la aventura y el dolor de la decepción juvenil”. A través de sus letras, la canción invita al oyente a reflexionar sobre la naturaleza efímera del tiempo y la belleza dolorosa de los recuerdos.

La colaboración con el productor John Hanson en Detroit añadió un toque contemporáneo, con la incorporación de sintetizadores y guitarras auxiliares que enriquecieron el sonido sin perder la esencia punk y garagera que caracteriza a Pixley-Fink. Este equilibrio entre lo crudo y lo pulido refleja a la perfección la dualidad de la canción, que ofrece momentos de introspección y de liberación emocional.

“Those Were the Days” es el tercer sencillo de su próximo álbum Heartsink, que promete continuar explorando temas de crecimiento personal, relaciones complicadas y las emociones que nos definen a lo largo de nuestra vida. Con una base de indie rock, pero con capas de texturas que van desde lo suave y melódico hasta lo más crudo y eléctrico, Pixley-Fink está creando un álbum que no solo hará que el público baile, sino que también los haga pensar y sentir profundamente.

Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Synth Pop

“Patterns In The Sky”: La Canción que Marca el Renacer de Rebecca Helen

By Oleada Indie / enero 13, 2025

Rebecca Helen es una cantante y compositora originaria de Ciudad del Cabo, Sudáfrica, hija de una familia de músicos, creció inmersa en un entorno lleno de influencias musicales, lo que la llevó a desarrollar una pasión por la música desde una edad temprana.

Desde los 7 años, Rebecca mostró su habilidad vocal participando en concursos de canto, donde comenzó a ganar premios y a forjar su carrera en el mundo de la música. A lo largo de los años, Rebecca ha sido parte de varias bandas, incluyendo 3Dimensions, formada junto a sus hermanas Vanessa y Stephanie.

En 2019, Rebecca Helen dio el gran paso hacia su carrera como artista en solitario. Su primer álbum Musical Life, un trabajo POP/Dance, fue producido y coescrito junto al productor australiano Mick Evans (quien ha trabajado con Trevor Horn), Rebeka Rain y Duncan Mackay, músico de 10CC.

Uno de sus sencillos más recientes, “Patterns In The Sky”, coescrito y producido junto al músico y productor nominado al SAMA, Sasha Righini, combina influencias retro con un toque fresco y contemporáneo, lo que la convierte en una muestra perfecta de la versatilidad musical de Rebecca.

En una entrevista reciente, habló sobre cómo sus canciones son una manera de abrazar su vulnerabilidad y compartir su visión del mundo con su audiencia global. Su deseo de viajar y colaborar con otros artistas y productores refleja una ambición por expandir su música y seguir aprendiendo de otras culturas musicales.