Retro

Electrónica/Etereo/Experimental/Indie Pop/Retro/Synth Pop

Bending Grid y “Phoenix”: Crisis Global y Emoción Sonora

By Neto Cuc / febrero 12, 2025

Bending Grid es un músico y productor originario de Summerville, Carolina del Sur. Su propuesta artística se centra en los géneros Synthwave, Retrowave y Popwave, explorando estos estilos desde una perspectiva emotiva. Con una capacidad para contar historias a través de la música, Bending Grid ha sabido cautivar a su público mediante composiciones que combinan nostalgia, futurismo y una profunda carga emocional.

Con una fusión de sintetizadores brillantes, ritmos envolventes y melodías expresivas, ha demostrado una habilidad excepcional para equilibrar lo introspectivo con lo accesible, lo experimental con lo emocional. Sus producciones suelen evocar una sensación de viaje a través del tiempo, transportando a los oyentes a paisajes sonoros donde el pasado y el futuro se entrelazan en perfecta armonía.

Uno de los lanzamientos más recientes de Bending Grid es “Phoenix”, un sencillo que explora las dificultades económicas y la tensión geopolítica a través de una composición profundamente emotiva. La canción cuenta con la colaboración vocal de Anna Moore, cuya interpretación aporta una dimensión de vulnerabilidad y fortaleza. Con una instrumentación que oscila entre sintetizadores cristalinos y texturas sonoras crudas, “Phoenix” se convierte en una pieza que invita a la reflexión.

Además de su versión original, “Phoenix” también cuenta con una versión instrumental, que permite a los oyentes sumergirse en las capas sonoras y texturas de la pista. Esta versión evidencia el dominio de Bending Grid en la creación de atmósferas y emociones puramente a través de la música.

Bending Grid ha construido una discografía diversa, que incluye sencillos, remixes y colaboraciones con otros artistas dentro de la escena synthwave y popwave.

Indie Pop/Nuevos Sonidos/Retro

Desamor, Ironía y Synthpop: Gabe Lopez Brilla con su Música

By Neto Cuc / febrero 7, 2025

Gabe Lopez, es un cantante, compositor y productor que ha sabido conquistar tanto el mainstream como la escena indie queer con su sonido electrizante y su identidad auténtica. Gabe ha construido una carrera colaborando con grandes nombres de la industria. Su trabajo ha sido reconocido en producciones como RuPaul’s Drag Race, donde ha aportado su talento como compositor y productor, lo que le valió una nominación al Emmy en 2023. Además, recientemente coescribió y coprodujo el nuevo tema principal de Dora the Explorer, demostrando su versatilidad para crear música tanto para la cultura pop como para la televisión.

No solo ha trabajado detrás de escena; también ha compartido escenario con leyendas. Gabe abrió la gira de Belinda Carlisle en EE.UU. y el Reino Unido, presentándose en recintos icónicos como Indigo at The O2 en Londres, Manchester Academy, Glasgow Royal Concert Hall, The Fonda en Los Ángeles y B.B. King’s NYC.

Su música fusiona elementos de synthpop, electro pop, R&B y funk, evocando la esencia del pop de los años 80 con una producción moderna. Su voz poderosa y expresiva, junto con sus letras que exploran el amor, la pasión y el autodescubrimiento, han conectado con una audiencia global.

Canciones como “High 4 U” y “Can We Do A Little More Than Talk?” son prueba de su evolución como artista, mostrando una libertad creativa que lo aleja de las convenciones y lo posiciona como un referente del pop queer contemporáneo.

Uno de sus mas recientes lanzamientos “I Am Absolutely and Without a Doubt I’m Almost Sure” nos atrapa con su base rítmica vibrante, sintetizadores luminosos y una voz que transmite emoción con cada palabra. Gabe Lopez juega con la ironía en su letra, reflejando ese momento en el que insistimos en que hemos superado a alguien, pero el corazón dice lo contrario.

“I am absolutely and without a doubt I’m almost sure… I’m over you, I’m over you.
I am definitely and entirely it’s mostly true… I’m over you, I’m over you.”

Con una fusión de synthpop, electro-pop y un toque de funk, Gabe Lopez entrega una canción que fácilmente podría convertirse en un clásico.

Dance/Electrónica/Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Retro

Close to Monday: El Dúo Electrónico Que Fusiona Nostalgia y Modernidad

By Neto Cuc / febrero 3, 2025

El dúo europeo Close to Monday está ganando cada vez más relevancia en la escena de la música electrónica, con un enfoque en la nostalgia de los años 80 y un toque moderno y fresco.

Su estilo musical, etiquetado como indietrónico, mezcla la electrónica de los años 80, al estilo de bandas como Depeche Mode y New Order, con una voz femenina envolvente que aporta calidez y cercanía a sus composiciones. Sus canciones se caracterizan por sintetizadores envolventes, ritmos contagiosos y melodías profundas, que nos sumergen en un universo emocional donde el escapismo y la reflexión se entrelazan perfectamente.

En 2025, Close to Monday presentó su versión del clásico “Come Undone” de Duran Duran, una de las canciones más emblemáticas de los años 90. Este cover no solo rinde homenaje a la banda británica, sino que también lleva consigo una carga emocional muy personal. La cantante Ann redescubrió un antiguo video de su infancia en el que aparecía bailando al ritmo de la versión original, lo que la inspiró a reimaginar esta canción como un viaje entre el pasado y el presente.

“Grabar esta canción fue como cerrar un círculo”, explica Ann. “La música de Duran Duran fue la banda sonora de mi juventud, y este cover nos permitió honrar esa influencia mientras añadíamos nuestra propia voz y perspectiva a la canción”. Este tema no solo revive la nostalgia por la música de los 80 y 90, sino que también invita a los oyentes a reconectar con sus propios recuerdos y sueños de infancia.

El cover de “Come Undone” forma parte de un preámbulo para su esperado EP World Turtles, que será lanzado a finales de este invierno. Este proyecto refleja la evolución artística del dúo, al mismo tiempo que captura las influencias musicales que los han moldeado. La banda espera que los oyentes experimenten una sensación de conexión y nostalgia similar a la que los inspiró a crear este trabajo.

Etereo/Indie Rock/Nuevas Voces Femeninas/Nuevo Pop/Nuevos Sonidos/Retro/Rock

Violet Jane: Un Viaje de Música, Sanación y Autodescubrimiento

By Neto Cuc / febrero 2, 2025

Originaria de Florida, Violet Jane comenzó su trayectoria en el mundo del modelaje, una industria donde brilló durante varios años. Sin embargo, su verdadera vocación siempre fue la música. En enero, tomó la decisión de mudarse a Los Ángeles para dedicarse completamente a su carrera artística, un salto de fe impulsado por su deseo de expresión genuina y sanación a través del arte.

Las canciones de Violet Jane son una extensión de su alma, inspiradas en sus propias vivencias. Como sobreviviente de traumas infantiles, enfermedades mentales y abuso, encontró en la música un refugio, un espacio donde su voz podía ser escuchada. Ahora, a través de su arte, busca ofrecer ese mismo sentido de conexión y consuelo a quienes han vivido experiencias similares.

Su estilo es una fusión ecléctica de indie, pop oscuro y ambiental, blues y elementos alternativos. Su sonido es hipnótico, melancólico y, al mismo tiempo, poderoso, logrando transmitir emociones con una honestidad conmovedora.

En “But Do I Wanna”, Violet explora las complejidades de una relación marcada por la confusión y la lucha por la identidad propia. Inspirada en su propia historia, la canción narra cómo su esposo la alentó a buscar una relación fuera del matrimonio, solo para luego retractarse cuando ella encontró felicidad. A través de sus letras, Violet Jane expresa la lucha interna entre cumplir las expectativas impuestas por otros y la necesidad de priorizar su propia felicidad.

El tema aborda cuestiones fundamentales como el amor propio, la autonomía y la búsqueda de identidad en medio de las presiones externas. Con una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza, “But Do I Wanna” se convierte en un himno para quienes han sentido la necesidad de redescubrirse.

Su capacidad para transformar el dolor en arte y su valentía para compartir su historia la convierten en una artista digna de seguir de cerca. Mientras continúa explorando nuevos sonidos y experiencias, su música promete seguir siendo un refugio para quienes buscan consuelo, inspiración y autenticidad en cada acorde.-

Indie Rock/Retro/Rock/Synth Pop

“Tainted Love”: Un clásico reinventado por MONTESCO

By Rafael Méndez / febrero 1, 2025

La banda barcelonesa MONTESCO nos sorprende con su versión en español de “Tainted Love”, un cover que respeta la esencia del clásico de Soft Cell mientras le imprime un toque moderno. Con una voz femenina que añade una nueva capa, la canción se convierte en una propuesta que combina lo nostálgico con un toque moderno, logrando un equilibrio perfecto entre el pop alternativo y la electrónica.

MONTESCO no es nueva en la escena musical. Desde su debut en 2022 con el EP Gardenias, la banda ha demostrado su habilidad para mezclar géneros como el pop, la electrónica y la psicodelia. Su álbum debut, Sol de Medianoche, lanzado en 2024 bajo el sello Music Bus, explora las complejidades de las relaciones posmodernas en las grandes ciudades, consolidando su lugar en el panorama indie español e internacional.

El cover de “Tainted Love” es un ejemplo más de la versatilidad de MONTESCO. La banda logra mantener la atmósfera pegajosa como la versión original, pero añade su sello característico con arreglos modernos y una producción cuidada. La voz de Helena Moreno, líder de la banda, aporta una sensibilidad única que hace que esta versión se sienta familiar.

Con más de 200 mil reproducciones en Spotify y presencia en listas editoriales tanto nacionales como internacionales, MONTESCO ha logrado captar la atención de un público diverso. Su propuesta en vivo, que combina instrumentos orgánicos con sintetizadores y bases electrónicas, ha sido aplaudida en festivales como Viva Sounds en Suecia y Waves Vienna en Austria, demostrando que su música trasciende fronteras.

Indie Rock/Retro/Rock

“Last Night”: El viaje musical llena de influencias retro de Roller Derby

By Rafael Méndez / enero 30, 2025

Desde Hamburgo, el dúo Roller Derby nos presenta su nueva canción, “Last Night”, una propuesta que combina influencias rock con un toque retro gracias a su efecto lo-fi. La atmósfera nostálgica de la pista se mezcla con una producción cuidadosa, donde la voz de Philine Meyer flota sobre los cálidos sonidos de guitarra de Manuel Romero Soria. Es una canción que evoca los 80s sin perder la frescura del indie pop moderno.

Roller Derby no es nuevo en la escena musical. Desde su formación en 2020, el dúo ha logrado hitos importantes, como agotar entradas en ciudades como Hamburgo, Berlín y Londres, y presentarse en festivales de renombre como el Reeperbahn Festival y el SXSW en Austin, Texas.

La inspiración de Roller Derby es tan diversa como su sonido. Desde los 60s y 80s hasta artistas contemporáneos como Angel Olsen, Alvvays y Beach House, el dúo ha sabido fusionar estas influencias en algo único. “Last Night” es un ejemplo perfecto de cómo pueden tomar elementos clásicos y darles un giro moderno, creando una experiencia auditiva que es a la vez familiar y fresca.

La voz de Philine Meyer es uno de los pilares de “Last Night”. Su tono etéreo y emotivo encaja perfectamente con la instrumentación, añadiendo profundidad a la canción. Junto con los arreglos de Manuel Romero Soria, la pista logra un equilibrio entre lo melancólico y lo energético, atrapando al oyente desde el primer momento. Es una muestra más de por qué Roller Derby sigue ganando reconocimiento en la escena indie.

Con “Last Night”, Roller Derby confirma su lugar como uno de los proyectos más interesantes del dream pop actual. Su capacidad para mezclar lo retro con lo moderno, junto con una producción impecable, los convierte en una banda a seguir. Si buscas una canción que te transporte a otra época sin perder el ritmo del presente, esta es tu opción.

Indie Pop/Nuevo Rock/Nuevos Sonidos/Retro/Shoegaze

OSNOVA: Explorando los límites del Shoegaze desde Los Ángeles

By Neto Cuc / enero 26, 2025

La banda estadounidense OSNOVA se ha consolidado como una propuesta fresca y evocadora dentro de la escena shoegaze de Los Ángeles. Su sonido, una mezcla equilibrada de atmósferas cargadas y momentos intensos, ha sido descrito como caminar solo en una noche oscura: un avance seguro que esconde un trasfondo inquietante y ansioso. Este enfoque sonoro, que combina movimiento y emoción, define el espíritu de una banda en constante evolución.

OSNOVA nació en 2018 como el proyecto instrumental del guitarrista Jean-Claude Vorgeack. Apodado JC por sus seguidores, Jean-Claude es un apasionado de la música alternativa, con una trayectoria que abarca desde su infancia analizando portadas de discos y letras hasta años de participación en bandas underground. En la búsqueda de un baterista, JC encontró a Sam Ribeyro, un emigrante ruso cuya precisión y expresividad dieron vida a las primeras maquetas del proyecto. Durante la pandemia de COVID-19, Sam y JC perfeccionaron su sonido, pero el verdadero punto de inflexión llegó en julio de 2022, cuando finalmente encontraron a su vocalista: Caroline McLaughlin.

En el otoño de 2022, OSNOVA lanzó su EP debut homónimo, seguido por el sencillo “Octavian” y su lado B “For Selene” en 2023. Cada lanzamiento consolidó su identidad sonora, llevando al público en un viaje entre lo nostálgico y lo experimental. En agosto de 2024, el trío presentó “Waiting for June”, una pieza melancólica que explora el anhelo y la conexión emocional, marcando un hito en su evolución artística.

El 24 de enero de 2025, OSNOVA lanzará “Climbing Dues”, un sencillo que promete ser uno de los más emotivos y reflexivos de la banda. La canción aborda los costos crecientes de participar en una sociedad obsesionada con extraer valor de las personas, explorando las luchas generacionales en un sistema que privilegia la productividad sobre el bienestar.

Caroline McLaughlin explica:
“‘Climbing Dues’ trata sobre los costos crecientes de participar en una sociedad que busca quitarte lo que considera más valioso. Cada generación atraviesa un ciclo similar, luchando por alcanzar lo que se percibe como éxito, hasta que la sociedad decide que ya no eres valioso y el ciclo se reinicia con la generación más joven.”

La combinación de la interpretación vocal de Caroline y la rica instrumentación de la banda crea una pieza que equilibra el peso existencial con una belleza etérea. Este lanzamiento demuestra la habilidad de OSNOVA para conectar con su audiencia a nivel emocional e intelectual, manteniéndose fiel a su estilo mientras exploran nuevos horizontes.

Indie Rock/Retro/Rock/Shoegaze

“Mercurial”: Pillowprince trae un soplo de aire fresco al rock con un toque retro irresistible

By Rafael Méndez / enero 25, 2025

En la escena indie de Oakland, Pillowprince se posiciona como una banda que logra fusionar lo mejor del rock alternativo con el shoegaze, aportando una frescura que es difícil de ignorar. Su nuevo sencillo “Mercurial” es prueba de ello, con una producción impecable que equilibra cada instrumento, permitiendo que todos los elementos encuentren su espacio en una estructura que fluye con naturalidad. El resultado es una canción que combina influencias rock con un toque de nostalgia retro y la suavidad característica del género.

La voz de Olivia Lee, compositora y guitarrista de Pillowprince, es el hilo conductor que sostiene la esencia de “Mercurial”. Su interpretación destaca por la manera en que juega con los contrastes, moviéndose energía. Acompañada por las guitarras envolventes y los ritmos marcados de Sea Snyder en la batería, la canción logra crear una atmósfera densa y expansiva, un paisaje sonoro que recuerda las luces rojas de un escenario nocturno y la sensación de despertar en un mundo demasiado brillante.

Pillowprince no solo crea música, sino que explora las emocionesde la experiencia humana, particularmente las que están relacionadas con la alegría, el dolor y el amor queer. Olivia Lee aborda estos temas con una sinceridad cruda, utilizando sus letras como un vehículo para expresar las complejidades de la subversión y la identidad. La guitarra brota con intensidad, puntualizando cada sentimiento, mientras que las baterías de Snyder impulsan el ritmo hacia un sonido que se balancea entre lo íntimo y lo grandioso.

Lo más notable de “Mercurial” es cómo logra capturar una dualidad. Por un lado, se siente como un himno épico que navega entre momentos de intimidad y expansividad, mientras que por otro lado, mantiene una ligereza que lo acerca al indie pop. Esa capacidad para moverse entre lo dramático y lo juguetón le da a Pillowprince una versatilidad única, haciéndolos destacar dentro de una escena que a veces puede sentirse saturada por las mismas fórmulas repetidas.

Pop Rock/Retro/Rock

“Carmen San Diego”: La interesante propuesta retro indie de Famous Friend

By Rafael Méndez / enero 25, 2025

En la escena indie actual, pocos artistas logran capturar una esencia tan singular como lo hace Famous Friend. Con su nueva canción “Carmen San Diego”, Zachariah Carlson, bajo su alter-ego, nos ofrece una propuesta refrescante que mezcla lo mejor de lo retro con un toque lo-fi y unas influencias rock que no pasan desapercibidas. Desde el primer acorde, el ritmo pegajoso de la canción envuelve al oyente, transportándolo a una época pasada, pero con una frescura que solo un artista con su visión podría aportar.

Lo que destaca de “Carmen San Diego” es cómo la voz de Famous Friend encaja de manera perfecta con el estilo de la canción. Con una producción que utiliza guitarras indie rock desgastadas, acompañadas de baterías electrónicas pulidas, la canción construye una atmósfera de nostalgia sin perder el toque moderno que define su sonido. La voz, ligera y melódica, se desliza entre los elementos musicales con naturalidad, haciendo que todo se sienta perfectamente orquestado.

Famous Friend no es solo un músico, es una sátira viviente de la vida en Los Ángeles, un alter-ego que critica tanto lo mejor como lo peor de la ciudad. Inspirado por sus propias experiencias en el elitismo de las escuelas privadas de West L.A., Zach usa su música y su estética para burlarse de los excesos y las superficialidades del lugar.

La estética visual de Famous Friend es tan particular como su música. Con vestidos rojos, pendientes de turquesa y collares de perlas, crea una imagen que recuerda a una Audrey Hepburn en una película de John Waters, una mezcla tan irreverente como cautivadora. Este enfoque único le permite navegar entre géneros y estilos sin perder su esencia, logrando una fusión perfecta entre la nostalgia retro y la crítica moderna.

Indie Pop/Retro/Synth Pop

Un Nuevo Año, Una Nueva Melodía: El Encanto de Clementine Moss con “New Year’s Day”

By Rafael Méndez / enero 22, 2025

Cuando el calendario marca un nuevo año, solemos reflexionar sobre lo vivido y lo que está por venir. Esa misma nostalgia y optimismo se refleja en “New Year’s Day”, el más reciente lanzamiento de Clementine Moss. La canción, con un ritmo sencillo pero ingenioso, te atrapa desde el primer compás, recordando lo mejor del pop retro con su uso de sintetizadores y ecos que le añaden un toque nostálgico. Es una pieza que, aunque no tiene una producción abrumadora, logra cautivar con su sutil estilo y una voz que se desliza perfectamente entre los acordes.

Clementine Moss ha demostrado ser una fuerza creativa versátil, desde su trabajo como baterista hasta su faceta como compositora y cantante. Su álbum más reciente, Nothing Will Keep Us Apart, es un ejemplo claro de su habilidad para mezclar lo pop y lo folk en un sonido propio. Las canciones exploran temas de amor, tanto terrenal como divino, y Moss nos recuerda que en medio de la oscuridad siempre hay luz si nos aferramos al amor. Esa misma exploración de lo difícil y lo liberador se hace presente en “New Year’s Day”, una canción que, aunque más ligera en comparación, sigue resonando con esa búsqueda de libertad a través de la sencillez.

A lo largo de su carrera, Clementine Moss ha colaborado con músicos talentosos como Robert Preston y William Cameron, quienes ayudaron a dar forma a las melodías de su último álbum. Su influencia también se siente en “New Year’s Day”, donde el uso de los sintetizadores no abruma sino que complementa perfectamente los ecos y matices vocales de Moss. La mezcla de elementos retro y modernos le da un aire único que, aunque evoca a artistas como Tom Waits o Norah Jones, nunca pierde su propia identidad.

Mirando al futuro, Clementine Moss no tiene planes de frenar su creatividad. En 2025, lanzará un proyecto que fusiona el jazz con influencias contemporáneas, creado en colaboración con el guitarrista Daniele Gottardo. Este nuevo trabajo promete expandir aún más su ya diverso repertorio, mostrando la habilidad de Moss para moverse entre géneros sin perder la esencia de su sonido.