Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Mistaken For Wayne – Only for One | Canada
El proyecto canadiense Mistaken For Wayne presenta “Only for One”, segundo single de su álbum debut Whetfish, en una incursión acústica de country y folk que apuesta por la intimidad y la sencillez. La canción se construye alrededor de un arreglo despejado que permite que la interpretación vocal y la emoción ocupen el primer plano, evitando una producción excesivamente elaborada. Las cuerdas aportan movimiento y calidez al conjunto, mientras la composición mantiene un carácter cercano y natural. “Only for One” muestra así una faceta contenida de Mistaken For Wayne, donde la honestidad de la interpretación y la claridad de la escritura tienen mayor protagonismo que el despliegue instrumental.
Fiona Kweskin – Shut My Mouth | Estados Unidos
La cantautora Fiona Kweskin presenta “Shut My Mouth”, un tema de pop desenfadado que juega con la contradicción de enamorarse precisamente de la persona que tus amigos te recomendarían dejar. La canción parte de ese momento en el que sabes que estás tomando una mala decisión, pero aun así buscas una oportunidad para defenderla con un “sé lo que estás pensando, pero escúchame”. Con una actitud juguetona y melodías pegadizas, Kweskin convierte las dudas, las advertencias y la atracción por una relación poco recomendable en un himno ligero sobre dejarse llevar por una decisión que probablemente no tiene demasiada defensa.
Autumn Rain – Pieces of Me | Estados Unidos
Autumn Rain convierte el desamor y la pérdida emocional en una reflexión sobre la identidad con “Pieces of Me”, un tema de alternative pop con influencias de R&B y neo-soul. La metáfora del rompecabezas funciona como eje de la canción: la persona amada parecía ser la pieza que completaba la vida del narrador, pero su partida deja también fragmentos de esa identidad atrás. La letra lleva esa sensación a situaciones cotidianas como esperar una notificación o pasar noches sin dormir, mientras las capas vocales, armonías y recursos melódicos aportan una dimensión soul a la producción. Hacia el final, la imagen de correr bajo la lluvia introduce una posibilidad de liberación: avanzar no implica dejar atrás todo el dolor, sino recuperar poco a poco la capacidad de seguir adelante con aquello que permanece.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
The First Eloi – Drawn Into These Headlights | Alemania
The First Eloi, banda de shoegaze originaria de Hamburgo, Alemania, presenta “Drawn Into These Headlights”, un tema que retrata la inquietante sensación de permanecer inmóvil mientras una catástrofe se aproxima. La canción combina guitarras densas, reverberaciones, feedback y una base rítmica persistente para crear un sonido expansivo y cargado de tensión, donde la atmósfera refuerza el peso emocional de la composición sin ocultar su dimensión melódica. Con una producción trabajada entre Hamburgo y Londres, donde James Aparicio estuvo a cargo de la mezcla y masterización, The First Eloi construye una pieza hipnótica que transforma la incertidumbre y la ansiedad colectiva en una experiencia sonora intensa y envolvente.
Yr Knives – Fear&Trimbling | Estados Unidos
Desde Chicago, Yr Knives presenta “Fear&Trimbling”, el primer adelanto de su álbum debut Begin Yr Singing, una propuesta de rock experimental que reúne músicos procedentes de los mundos del rock y el jazz. Formado por Andrew Trim, Brian J Sulpizio, Douglas McCombs y el destacado baterista Quin Kirchner, el grupo combina guitarras ásperas y entrelazadas, grooves flexibles y elementos de improvisación para crear un sonido que se mueve entre el post-rock, el jazz experimental y la psicodelia. Con un arreglo de cuerdas de Paul Karner, la canción destaca por su carácter dinámico y exploratorio, donde la interacción entre los músicos resulta tan importante como la propia composición. “Fear&Trimbling” funciona así como una introducción a la identidad de Yr Knives: inquieta, colaborativa y difícil de encasillar.
McGraw Project – Estados Unidos
McGraw Project reúne a David McGraw y sus hijos en un proyecto familiar de rock que combina influencias del rock clásico con composiciones marcadas por experiencias personales. En “How Do You Sleep”, “Change of Heart” y “Dust”, el grupo aborda distintas formas de incertidumbre, transformación y pérdida, desde las preguntas que quedan pendientes en una relación hasta los cambios inesperados en los sentimientos y la distancia provocada por la muerte de una persona cercana. “Dust”, grabada en directo en Abbey Road y con una sonoridad inspirada en Neil Young & Crazy Horse, aporta una dimensión especialmente cruda al conjunto, mientras las otras canciones amplían el recorrido hacia la introspección y los conflictos emocionales. Los tres temas forman parte de Imaginary Rain, el álbum debut de McGraw Project, publicado en 2025.
El artista argentino Zepet, nombre artístico del cantautor, multiinstrumentista y productor Ezequiel Gurovich, presenta “Hasta Siempre y Después”, un single que marca un cambio significativo dentro de su trayectoria al convertirse en su primer lanzamiento escrito íntegramente en español. Con base en Buenos Aires y una trayectoria de colaboraciones internacionales, el músico construye en esta ocasión una canción de carácter personal a partir de una experiencia que terminó transformándose en una historia de vida compartida.
La canción tiene su origen en la relación a distancia que Zepet mantuvo con quien posteriormente se convertiría en su esposa. Mientras él vivía en Argentina y ella residía en Inglaterra, ambos atravesaron meses marcados por las pantallas y la diferencia horaria. La distancia terminó con un viaje que cambió las circunstancias de la relación y, años más tarde, con su matrimonio. Zepet escribió “Hasta Siempre y Después” para ella y decidió publicarla durante su luna de miel como un regalo personal.
La canción se mueve entre indie pop, indie rock y alt pop, con una orientación claramente melódica. Sus referencias incluyen artistas como The 1975, Bandalos Chinos y Dayglow, aunque la composición mantiene un enfoque propio centrado en la voz y en el relato de la relación.
El eje de “Hasta Siempre y Después” es la separación, pero la canción evita presentarla únicamente como una experiencia de pérdida. La ausencia aparece vinculada a los recuerdos, las canciones y la presencia emocional de la persona que se encuentra lejos. La distancia funciona así como un elemento que pone a prueba la relación, pero también como parte de la historia que conduce hacia el encuentro.
El propio título resume esa dualidad. “Hasta siempre” puede entenderse como una promesa de permanencia, mientras que “y después” introduce una mirada hacia lo que todavía está por venir. La combinación de ambas expresiones sitúa la canción entre la nostalgia por lo vivido y la expectativa de continuar construyendo una vida en común. Los elementos del indie pop se encuentran con recursos del indie rock y el alt pop para crear un marco que permite que la historia permanezca en primer plano.
Sin recurrir a una narrativa de grandes conflictos, Zepet centra el single en una experiencia cotidiana pero significativa: descubrir si una relación puede sobrevivir a la distancia y convertirse posteriormente en una vida compartida. “Hasta Siempre y Después” encuentra su identidad precisamente en esa transición, utilizando el indie pop como vehículo para hablar de amor, separación, nostalgia y la posibilidad de un futuro en común.
Desde San Diego, California, Twin Ritual regresa con “Suffocate”, un single que se mueve entre el synth-pop, el dance rock y elementos del post-punk para abordar una situación emocional compleja: acompañar a alguien que atraviesa un momento de sufrimiento sin poder resolver aquello que le ocurre.
La banda, formada por Hannah Mahute en la voz, Anthony Ramirez, de Glass Spells, en sintetizadores y batería, y Antonio Estrada en guitarra, construye en “Suffocate” una atmósfera amplia y envolvente. Los sintetizadores aportan buena parte del carácter cinematográfico de la producción, mientras los ritmos pulsantes mantienen una sensación de movimiento constante. Las guitarras de Estrada aparecen de manera más espaciosa, funcionando tanto como elemento ambiental como contrapunto melódico.
En el centro se encuentra la interpretación vocal de Mahute. Su registro mantiene una cualidad soñadora, aunque en determinados momentos adquiere mayor intensidad, acompañando una letra centrada en el amor, la paciencia y la dificultad de observar el sufrimiento de otra persona. La canción no plantea el afecto como una solución automática, sino como una forma de permanecer cerca mientras se reconoce que existen problemas que no pueden resolverse desde fuera.
Ese planteamiento constituye uno de los elementos centrales de “Suffocate”. Amar a alguien puede implicar ofrecer apoyo, escuchar y mantener abierta la posibilidad de acompañamiento, pero también aceptar que la decisión de afrontar determinados conflictos pertenece a la persona que los experimenta. La canción se sitúa precisamente en esa frontera entre la solidaridad y la impotencia. Los sintetizadores dibujan líneas melódicas que amplían el espacio de la canción, mientras la batería establece un pulso definido y el bajo refuerza su componente rítmico. La guitarra introduce texturas que ayudan a mantener el carácter atmosférico del conjunto. El resultado conserva una conexión con la tradición del synth-pop, pero incorpora suficiente presencia de guitarra y batería para acercarse al terreno del rock alternativo.
Sin presentar respuestas sencillas, “Suffocate” plantea una cuestión reconocible: hasta dónde puede llegar el amor cuando la persona que sufre debe afrontar su propio proceso. Twin Ritual utiliza para ello una producción atmosférica y una interpretación contenida, situando la canción en un espacio donde la ternura, la frustración y la aceptación de los propios límites pueden coexistir.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Kristi-Lee and The Pines – Fade
Kristi-Lee and The Pines nació en una pequeña comunidad de montaña, donde unas cuantas personas encontraron en la música un espacio para conectar y compartir. Lo que comenzó como sesiones improvisadas hasta altas horas de la noche terminó convirtiéndose en un proyecto liderado por Kristi-Lee y Michael Chaves, un dúo de cantautores que transforma emociones en canciones sobre el anhelo, el cambio y la búsqueda de algo más. Con una esencia cercana, espontánea y profundamente humana, la banda combina sensibilidad y diversión, manteniendo intacto el espíritu de aquellas primeras reuniones entre amigos.
Vittoria Constantino – Dificil (vamohaceloREAL) | Estados Unidos
Vittoria Constantino comenzó su carrera musical bajo el nombre de Zofi Consta, siempre en búsqueda de una voz propia, sin necesidad de reinventar la rueda, la artista atraviesa ahora un proceso de renovación que amplía y redefine su propuesta. En su nuevo single, “Dificil (vamohaceloREAL)”, presenta un sonido contemporáneo que bebe del R&B y el pop, con un groove preciso que deja espacio para destacar sus elegantes líneas vocales. La canción, interpretada en español e inglés, aborda con naturalidad la contradicción de unas relaciones que pueden parecer complicadas y, al mismo tiempo, fluir de manera sencilla. Sin dramatismos y con mucha personalidad, Vittoria convierte esa dualidad en una pieza fresca, moderna y emocionalmente cercana.
Spring Term – Hummingbird | Estados Unidos
Spring Term presenta “Hummingbird”, una pieza de indie pop cálida y luminosa inspirada en el poema de Emily Dickinson “A Route of Evanescence”. La canción reimagina la idea de un regreso a casa después de haber viajado lejos, llevando consigo pequeñas huellas de todos los lugares recorridos. Un piano juguetón y dinámico se encuentra con una guitarra de cuerdas de nylon y coros colectivos, creando una superficie alegre y colorida bajo la que se esconde una corriente más reflexiva y melancólica. Con una sensibilidad cercana a artistas como Vampire Weekend, Clairo y Rex Orange County, “Hummingbird” combina calidez acústica, buen humor y una delicada nostalgia, acompañada además por un videoclip oficial dirigido por Claire Dorise.
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Willis Mathewson – Mourning | Estados Unidos
Desde Nueva York, el baterista y compositor Willis Mathewson presenta “Mourning”, una emotiva pieza de Country Rock escrita en memoria de un amigo que falleció demasiado joven. Grabada en los legendarios estudios Sear Sound de Nueva York junto a destacados músicos de la escena indie y country local, la canción combina una instrumentación orgánica y áspera con una sensibilidad profundamente personal. Sin caer en el dramatismo, Mathewson transforma el duelo en un homenaje sincero, permitiendo que el recuerdo y el dolor convivan en una composición que habla de la pérdida, la memoria y de la idea de que seguir adelante no significa olvidar, sino llevar a quienes hemos perdido con nosotros.
PEPTALK – Bad People | Australia
El trío australiano PEPTALK, formado por Jay-Lee Kwan, Lara Frew y Phoebe Sinclair, presenta “Bad People”, un tema de indie pop, pop rock y alt pop que combina una atmósfera emocional con una producción expansiva y envolvente. La canción aborda la culpa, el arrepentimiento y la dificultad de procesar una mala experiencia sin convertirla en una condena personal, recordando que cometer un error no nos convierte en malas personas. Con una interpretación cercana y empática, PEPTALK transforman ese diálogo interno en un mensaje de autocompasión y aceptación, reafirmando su identidad como una banda que busca ofrecer música reconfortante, positiva y cercana, como el consejo de tres amigas que te recuerdan que todos somos humanos.
Shiloh Lovelle – ECHO | Estados Unidos
Desde Austin, Texas, Shiloh Lovelle presenta “ECHO”, una canción nacida de una profunda necesidad de transformar el dolor en algo bello. Cantautora y compositora, Shiloh encontró en la música una forma de procesar experiencias emocionales difíciles y explorar temas como el amor, la pérdida y la conexión humana. Con una propuesta íntima y cargada de sensibilidad, “ECHO” refleja esa búsqueda de comprender el alma a través de la música, convirtiendo sentimientos que permanecen resonando en el interior en una expresión honesta y conmovedora. Para Shiloh, la música es medicina, y cada canción representa una oportunidad para conectar con quienes también llevan sus propias historias y emociones.
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Dead Hands – The Puppeteer | Dinamarca
Desde Silkeborg, Dinamarca, Dead Hands irrumpen con un hard rock potente y melódico marcado por guitarras pesadas, una sección rítmica contundente y una voz cargada de intensidad. Formada en 2020, la banda presenta “The Puppeteer”, un single de carácter oscuro y energía antibélica que aborda la pérdida de autonomía del individuo dentro de la maquinaria de la guerra. A través de riffs contundentes y una narrativa directa, la canción pone el foco en quienes mueven los hilos y en las heridas visibles e invisibles que quedan mucho después de que el conflicto termina. Una declaración cruda y visceral que combina la fuerza del rock con un mensaje de protesta.
Sonic Anonymous – Be Good Tonight | Estados Unidos
Sonic Anonymous presenta “Be Good Tonight”, una propuesta de synthpop alternativo, experimental y profundamente personal que combina grooves electrónicos hipnóticos, guitarras crudas y una atmósfera cinematográfica con una voz relajada y cargada de carácter. Concebida como una plegaria electrónica póstuma dedicada a su hermano, un veterano militar que terminó viviendo en las calles de Las Vegas y falleció trágicamente por una sobredosis, la canción transforma una experiencia íntima de pérdida, ansiedad y agotamiento emocional en un viaje nocturno, oscuro y conmovedor. Entre sonidos envolventes, pensamientos circulares y una estética marcada por la ironía, “Be Good Tonight” convierte el dolor privado en un himno para quienes siguen adelante cuando ya no queda energía.
Greg Rider Farrell – ROAM | Canada
El cantautor canadiense Greg Rider Farrell presenta “ROAM”, el tema principal de su nuevo álbum, una canción que combina Country, Americana y Country Pop con una sonoridad cálida, auténtica y evocadora. Inspirada en su propia historia de transformación y redención, la canción refleja ese impulso de ponerse en camino, dejar atrás el pasado y recuperar la libertad después de años de lucha personal. Con una guitarra acústica envolvente, arreglos modernos y una voz áspera y expresiva, Greg convierte “ROAM” en un himno a los nuevos comienzos, demostrando una vez más cómo utiliza su música para transmitir esperanza, honestidad y la posibilidad de cambiar de rumbo.
Soft Cuff es una banda instrumental originaria de St. Petersburg, Florida, que comenzó a tomar forma a finales de 2023 a partir de las sesiones musicales entre el bajista Brian Schanck y el multiinstrumentista Michael “Mikey” Bostinto. El proyecto surgió de manera relativamente espontánea: lo que inicialmente eran sesiones de trabajo terminó convirtiéndose en un repertorio propio y, posteriormente, en una banda.
A ellos se sumaron el guitarrista Shane Schuch y la tecladista y percusionista Christina Sanchez, configurando la formación que llevó las primeras composiciones al escenario. En sus primeros lanzamientos, Soft Cuff se presentó como un proyecto de psych-groove instrumental, con influencias que abarcan el funk, el soul, el jazz, el hip-hop y el rock psicodélico.
Soft Cuff, banda formada en St. Petersburg, Florida, presenta su primer álbum de larga duración, Thick Heat. El lanzamiento llega poco menos de tres años después de la formación del grupo y representa una ampliación de la propuesta instrumental que la banda había desarrollado en sus primeros trabajos.
A diferencia de una banda centrada en canciones vocales, Soft Cuff construye buena parte de su identidad a través de los arreglos instrumentales, los cambios de textura y el desarrollo de los riffs. En ese sentido, Thick Heat continúa una línea que ya estaba presente en sus primeros lanzamientos, aunque amplía el espectro de influencias y de instrumentos utilizados.
Uno de los elementos más evidentes de Thick Heat es su interés por el ritmo. El funk aparece como uno de los puntos de partida, pero no como una fórmula cerrada. A lo largo del álbum se incorporan recursos asociados al rock psicodélico, el soul, el jazz, el hip-hop y la música cinematográfica.
El Track x Track de “Thick Heat”
1. “Pico Suave” “Pico Suave” abre Thick Heat con un ambiente hipnótico y relajado que introduce buena parte del lenguaje instrumental de Soft Cuff. La percusión establece un pulso juguetón mientras las guitarras aportan tonos cálidos y envolventes. El bajo avanza con una cadencia pausada y se integra con una batería constante, creando una pieza instrumental como mucho groove y atmósfera. Es una apertura que presenta al oyente un sonido más interesado en construir espacios que en apresurarse hacia un clímax, yendo del groove a lo ligeramente psicodélico.
2. “Me? I’ll Have That” Con una conexión directa del ritmo el segundo track del disco “Me? I’ll Have That” conserva parte del carácter percusivo del primer tema, aunque incorpora una mayor presencia del funk. El bajo adquiere protagonismo y las guitarras se muestran más brillantes y funky, mientras los teclados añaden brillo y profundidad. La canción va incrementando su intensidad hasta alcanzar una sección pausada protagonizada por el bajo, los cambios entre texturas más suaves y pasajes se transforman en un riff ligeramente distorsionado que va dirigiendo la sección final mientras los teclado crean esa tensión “rica” que nos encanta para terminar el track.
3. “Mystery Box” “Mystery Box” en lugar de depender de una estructura vocal tradicional, Soft Cuff utiliza la interacción entre los instrumentos para mantener la sensación de descubrimiento que sugiere el título, llena de riffs y arreglos que van tomando protagonismo durante 3:34 minutos, con un sonido retro y a la vez moderno hasta ahora el álbum nos recuerda a bandas como Chicano Batman, pasando del groove y funk a ritmos mas latinos agregándole texturas de sintetizadores setenteros que te harán perderte en su sonido.
4. “Rudy” “Rudy” se adentra con mayor claridad en la faceta psicodélica de Soft Cuff. Los teclados, particularmente el órgano, aportan una textura colorida que se combina con guitarras que alternan entre riffs impulsados por el ritmo y momentos de mayor intensidad. El tema incorpora cambios de dinámica y pausas que interrumpen temporalmente el flujo antes de recuperar su amplitud instrumental. También aparecen matices de reggae dentro de su estructura, ampliando la combinación de referencias que caracteriza al álbum.
5. “Short Moves” “Short Moves” nos lleva a un momento de calma con su intro, un e piano suave y delicado, mientras el groove va creciendo y la interacción instrumental ocupen el centro. Dentro del disco, el tema tiene una sensación mas reflexiva y lenta pero conservando este groove retro que caracteriza a la banda, especialmente en el coro. El tema forma parte de una secuencia en la que Soft Cuff alterna diferentes grados de intensidad y textura, evitando que el álbum quede limitado a una única aproximación psicodélica o funk. Su presencia contribuye al carácter cambiante del disco y a la sensación de que cada composición funciona como una variación sobre el lenguaje general de la banda.
6. “Neon Sanders” “Neon Sanders” añade otra tonalidad al universo de Thick Heat. El título evoca una estética urbana y cinematográfica , como ocurre en buena parte del álbum, el interés está menos en una narrativa explícita que en la manera en que los instrumentos pueden sugerir escenas, movimientos y ambientes. La canción amplía así el recorrido antes de llegar a la pieza que da nombre al álbum. La canción explota con un outro final lleno de sintetizadores y un ritmo mas agresivo que hacen que la pieza te lleve de una sensación de caminar por la calle al caos explosivo del final de una historia.
7. “Thick Heat” La canción que da título al álbum constituye uno de sus momentos más cinematográficos. Con algo más de cinco minutos, desarrolla una atmósfera que recuerda a determinadas bandas sonoras de los años setenta. Las guitarras presentan sonidos suaves y elegantes, mientras los efectos y sintetizadores espaciales amplían el paisaje sonoro. El resultado se mueve entre el misterio de una película de espionaje y una estética más sensual asociada con ciertas producciones de aquella década, manteniendo siempre el carácter instrumental del grupo.
8. “What’s A Question Mark Sound Like?” “What’s A Question Mark Sound Like?” reúne funk, psicodelia, soul, rock, y algunos toques de world music. La guitarra, los teclados y la sección rítmica se combinan para producir una composición dinámica, juguetona y orientada al groove. La canción toma todos estos elementos crenado un jam con todo los elementos que venia presentando en canciones anteriores, suavidad, sintes retros, bajos con mucho groove y crechendos que pasan de lo latín al rock de manera natural.
9. “S’good Enuff” “S’good Enuff” se encuentra hacia el cierre del álbum y forma parte de la última etapa del recorrido musical planteado por Soft Cuff. El título, deliberadamente coloquial, también refleja el sentido de humor y la informalidad que aparecen en distintos aspectos de la identidad de la banda, en esta ocasión reflejando este tono super funk como parte de su identidad.
10. “Scorsese’s Dream” “Scorsese’s Dream” cierra Thick Heat y retoma de manera directa la dimensión cinematográfica presente en el concepto del álbum. La canción está construida alrededor de la idea de una película de atracos, con robos, persecuciones y escapes como referencia narrativa. Un bajo de movimiento constante impulsa la composición mientras las guitarras pasan de intervenciones atmosféricas a líneas ascendentes y momentos de mayor intensidad. Hacia la mitad, el tempo se reduce antes de que la canción recupere fuerza y desemboque en un cierre de orientación más rockera. Como final del álbum, reúne varios de los elementos que definen la propuesta de Soft Cuff: groove, psicodelia, instrumentación y una marcada sensibilidad cinematográfica.
Entre los artistas con los que Soft Cuff ha sido comparado se encuentran Khruangbin, BADBADNOTGOOD, Menahan Street Band, The Budos Band, El Michels Affair, Mildlife y Surprise Chef. Las comparaciones sirven como referencia para entender el terreno musical en el que se mueve el grupo, aunque Thick Heat no se limita a reproducir ninguno de esos estilos.
La incorporación de diferentes instrumentos de percusión es también parte importante de la evolución que plantea el álbum. En lugar de utilizar la guitarra como único elemento protagonista, Soft Cuff distribuye el peso de las composiciones entre el ritmo, el bajo, las guitarras y las diferentes capas percusivas.
La ausencia de una voz como elemento principal cambia la manera en que Soft Cuff aborda sus composiciones. En Thick Heat, los instrumentos tienen que asumir funciones que tradicionalmente pueden recaer sobre una melodía vocal: crear tensión, establecer una atmósfera y conducir el desarrollo de las canciones.
El resultado sitúa a Soft Cuff en un espacio entre la recuperación de sonidos vintage y la búsqueda de una estética contemporánea. Su apuesta por la música instrumental también los diferencia dentro de un panorama en el que la voz continúa siendo el principal vehículo narrativo para buena parte de las propuestas de rock y música alternativa.
Integrada por Sanna Komi, Ninni Luhtasaari, Ringa Manner e Iiti Yli-Harja, la formación Pintandwefall suma más de quince años en el circuito musical de Finlandia. Sus integrantes han extendido su trabajo en proyectos como Ruusut, Risto, Kynnet y propuestas solistas como The Hearing o KO:MI. Con seis álbumes publicados y diversos trabajos en formato corto, la agrupación mantiene un dinamismo constante en su producción colectiva.
Su producción titulada Seventh Baby, publicada bajo la firma Soliti en febrero de dos mil veintidós, nació del intercambio de maquetas gestadas durante la pandemia. Grabado en un periodo de seis días bajo el intenso calor de julio, el álbum contó con la colaboración de Liisa Tani en la producción. El resultado presenta un enfoque más volcado a las guitarras, incorporando matices suaves propios del género shoegaze.
Dentro de esta etapa creativa se sitúa la difusión de su sencillo titulado Mustang. La composición se estructura bajo un estilo que respeta bastante su esencia rock, incorporando ciertos toques un poco duros en su base instrumental. Toda la arquitectura del tema se despliega con fluidez, sosteniendo un pulso claro que sostiene la marcha de la pieza de principio a fin.
El aspecto característico de la grabación reside en el contraste entre esa base instrumental firme y la voz de la artista, una combinación que en general hace que suene muy genial. La ejecución vocal guía el desarrollo del corte sin recargar los arreglos ni perder el equilibrio con la sección de guitarras. Con la presentación de Mustang, la agrupación Pintandwefall confirma la vigencia de su lenguaje expresivo.
Nacido como Pedro Rodrigues en Portugal, el cantante emigró a Suiza con su familia durante la década de los noventa. Su interés por la música surgió en la infancia al quedar fascinado por las composiciones de películas y videojuegos. Tras ejercer como vocalista principal en la formación One Day Remains, sintió la necesidad de impulsar su proyecto individual. De sus victorias en batallas de videojuegos en línea adoptó el seudónimo Lerocque.
Para suplir la falta de un instrumento propio, el intérprete sumó a su trabajo al productor Matthias Hillebrand-Gonzalez. El proceso creativo del autor encuentra una fuente particular bajo el agua, donde el buceo le brinda un espacio de silencio e inspiración. De esa colaboración surgen composiciones directas que narran historias cotidianas sin reservas. La búsqueda constante de un lenguaje propio define el rumbo de esta etapa.
Dentro de este camino de producción constante se da a conocer su canción titulada Sweet Baby. La pieza se presenta como una canción pop de corte tradicional pero orientado más hacia lo moderno. El desarrollo de la pista se despliega con fluidez sobre una estructura clara, manteniendo un equilibrio efectivo en todo su recorrido instrumental. La arquitectura sonora sostiene el pulso rítmico sin recargar la mezcla.
En el apartado de la interpretación, el tema destaca por contar con una voz limpia y controlada que le va muy bien al resto de la canción. La grabación exhibe una producción muy buena que ensambla con orden cada uno de sus elementos instrumentales. El trabajo vocal conduce la composición con soltura sin saturar el espacio acústico. Con la entrega de Sweet Baby, el proyecto Lerocque afirma la vigencia de su propuesta.
