Synth Pop

“Pencils”: Una Fusión Perfecta de Indie Pop y Dream Pop

“Pencils”: Una Fusión Perfecta de Indie Pop y Dream Pop

La unión entre Madge y Sea Glass con su nuevo sencillo “Pencils” nos sumerge en una atmósfera de emotividad y melancolía, envolviendo al oyente en una experiencia sonora que trasciende géneros. La historia de “Pencils” tiene sus raíces en el proceso creativo de Jake Muskat, el productor detrás de Sea Glass. Según él, el track comenzó como una idea en forma de demo instrumental justo después de completar su primer álbum. A pesar de que estuvo en busca de un vocalista para darle vida a la pista, el destino le jugó una buena pasada. Durante su paso por el festival SXSW en 2023, Muskat intentó encontrar la voz perfecta para el tema, pero no fue hasta un año después que, a través de un amigo en común, se cruzó con Madge.



Fue amor a primera escucha. Madge, conocida por su estilo único en el mundo del hyperpop, encontró inmediatamente una conexión con el demo y aceptó colaborar. En cuestión de una hora y media, “Pencils” pasó de ser un fragmento instrumental a una pieza completa y fascinante. Madge, con su habilidad para crear melodías contagiosas, aportó la chispa final que transformó la canción en lo que es hoy.

“Pencils” se caracteriza por un sonido suave y etéreo que se mueve entre el Indie Pop y el Dream Pop, dos géneros que se abrazan en una atmósfera introspectiva y envolvente. La producción de Sea Glass es delicada y precisa, con guitarras limpias y sintes que crean un ambiente flotante, mientras que la voz de Madge se despliega en todo su esplendor. Sus melodías, a la vez suaves y penetrantes, añaden una capa emocional que conecta de inmediato con el oyente.

La letra de “Pencils” refleja el dilema emocional de querer algo real en una relación, pero sin saber cómo expresarlo, ni si se debe profundizar más. La canción captura con maestría la fragilidad de esos sentimientos ambiguos, en los que el deseo no correspondido y la confusión juegan un papel central. El enfoque lírico parece más un monólogo interno, una especie de “vomito emocional” que refleja la lucha por encontrar claridad en medio del caos emocional.


Wounded Hero: Naomi Greene a Través de la Sensualidad y la Melancolía

Wounded Hero: Naomi Greene a Través de la Sensualidad y la Melancolía

En la intersección de la sensualidad, la nostalgia y la experimentación musical, aparece Naomi Greene, una cantante y arpista con una propuesta que fusiona el pop experimental con la esencia del chanson francés, Naomi ha creado un sonido que hipnotiza y seduce, llevando a sus oyentes a un viaje introspectivo lleno de emociones profundas y transformadoras.

La artista, que divide su tiempo entre Francia y California, lleva consigo lo mejor de ambas culturas. Desde la sofisticación melódica y la elegancia europea hasta la libertad y la creatividad de la costa oeste americana, Naomi Greene ha logrado encontrar un equilibrio perfecto entre la ligereza onírica y la intensidad emocional. Su música es un reflejo de su mundo interno, donde cada nota y cada verso se sienten auténticos y profundamente personales.



“Wounded Hero” es una canción que, desde su primer acorde, te envuelve en un aura de ensueño. El tema abre con una introducción cinematográfica a cargo del arpista, un instrumento que Naomi maneja con maestría. Esta entrada etérea da paso a una atmósfera cargada de sintetizadores flotantes y grooves sensuales que marcan el ritmo, mientras la voz de la cantante, llena de vulnerabilidad y emoción, va tejiendo una historia cautivadora.

Naomi Greene aborda el tema de la transformación a través de la sensualidad y la melancolía. La letra habla de un amante que se ha convertido en un fantasma, una presencia que persiste a lo largo del tiempo, dejando una huella profunda en la protagonista. El verso “I will never be the same again” resuena como un canto a la autoaceptación, un recordatorio de que el amor y las experiencias nos transforman, nos hacen más fuertes y nos invitan a renacer.

Si aún no has tenido el placer de escucharla, te invitamos a sumergirte en su universo sonoro. Naomi Greene está aquí para quedarse, y con su talento único, sin duda alguna seguirá transformando la música de manera fascinante y emotiva.


Entre Bits y Ritmos: El Sonido de Auggie Velarde

Entre Bits y Ritmos: El Sonido de Auggie Velarde

En un mundo donde la música y la tecnología convergen cada vez más, el artista y productor Auggie Velarde lleva los límites del sonido y la identidad al extremo. Nacido en Perú y radicado en Estados Unidos, Auggie ha construido una carrera marcada por la fusión de culturas, la exploración tecnológica y la autenticidad emocional.

Como inmigrante de primera generación, Auggie Velarde ha experimentado de primera mano los desafíos de la identidad y la pertenencia. Su música refleja esa lucha y resiliencia, abordando temas de migración, adaptación y la constante búsqueda de un hogar. A través de sus canciones, comparte su historia de forma auténtica, conectando con oyentes que han vivido experiencias similares.



Auggie adopta el alias de “Hacker” para simbolizar su enfoque disruptivo y experimental en la música. Su sonido es una mezcla de Hip Hop, Pop Latino y Electrónica, una combinación que rompe esquemas y desdibuja géneros tradicionales. Como productor autodidacta y letrista bilingüe, no solo crea melodías pegajosas, sino que también introduce innovaciones técnicas que enriquecen la experiencia auditiva.

Auggie Velarde sigue desafiando los límites de la música y la tecnología, explorando nuevas formas de expresión y conexión con su audiencia.


Juliane Viktoria: La Voz Introspectiva de la Nueva Música Danesa

Juliane Viktoria: La Voz Introspectiva de la Nueva Música Danesa

Juliane Viktoria es una artista de la escena musical danesa. Con un estilo que fusiona elementos del pop y la electrónica, con un sonido delicado pero profundamente emocional. Su música, que se caracteriza por su sensibilidad y su capacidad para abordar temas complejos, ha resonado en países como Dinamarca y Noruega.

Originaria de un pequeño pueblo en Dinamarca, Juliane Viktoria ha sido moldeada por su entorno y su experiencia personal. Sus primeros años de vida estuvieron marcados por las noches de viernes en las que, como adolescente, pasaba horas en las pistas de baile, buscando formas de encontrar su identidad. Esta búsqueda constante de sí misma se refleja claramente en su música, que tiene un aire de vulnerabilidad y autenticidad. En sus canciones, Juliane se adentra en temas como la introspección, la lucha interna y las emociones humanas más complejas, incluyendo el miedo, la ansiedad y la esperanza.



Aunque comenzó componiendo en danés, Juliane Viktoria siempre sintió la necesidad de expandir su sonido y llegar a una audiencia global. Esta evolución en su estilo ha sido evidente en sus más recientes trabajos, donde ha logrado crear un sonido accesible pero profundamente introspectivo, que se aleja de las fronteras tradicionales del pop. Influenciada por artistas como Mac DeMarco y Usted Señalemelo, Juliane ha logrado combinar lo mejor de la electrónica con la calidez del pop, creando una atmósfera única y emocionalmente poderosa.

Uno de los ejemplos más claros de esta evolución es su último sencillo, Not Afraid to Die. Esta canción es un viaje sonoro a través de las sombras de la depresión, con una producción llena de reverberaciones atmosféricas que acompañan su voz suave y melancólica. La canción, que explora la relación con la muerte y la angustia existencial que surge durante momentos oscuros de la vida, se convierte en una reflexión profunda sobre la fragilidad humana. En sus propias palabras, Juliane explica que escribió esta canción después de una depresión que había creído superada, pero que, de manera inesperada, volvió a hacer acto de presencia, borrando temporalmente el miedo al final de la vida.

A pesar de la gravedad del tema, Not Afraid to Die no es una canción que invite a la desesperación. Por el contrario, transmite un mensaje de esperanza y de aceptación. Su suave piano, las texturas electrónicas que emergen y se desvanecen, y su voz etérea crean una atmósfera similar a la de un sueño, como si estuvieras flotando entre la vigilia y el descanso. La letra de la canción, con versos como “La hierba en mis sueños es brillante como diamantes”, expresa una belleza triste y a la vez reconfortante.


Entre Recuerdos musicales: Una Gran Propuesta, Will You Remember Me? de &Tilly

Entre Recuerdos musicales: Una Gran Propuesta, Will You Remember Me? de &Tilly

En la escena musical contemporánea, Will You Remember Me? se presenta como una pieza que combina lo mejor del pop con matices synthpop. La canción se abre con una producción cuidada que introduce sintetizadores y elementos modernos, creando una atmósfera fresca y contemporánea. Con influencias tanto del pop como del indie pop, la propuesta se mueve entre lo actual y lo nostálgico. El resultado es un tema que invita al oyente a sumergirse en un universo de sonidos dinámicos.

La estructura de Will You Remember Me? se sostiene sobre un ritmo atrapante y bien definido, que se complementa con ganchos melódicos que se sienten naturales en cada transición. La voz, siempre en control y con un toque distintivo, aporta el matiz sexy que refuerza el carácter de la canción. Esta combinación logra un equilibrio que hace la pieza fácil de conectar y agradable de escuchar.



El proyecto &Tilly se destaca por su capacidad de desafiar géneros y ofrecer propuestas originales sin perder la sencillez en su mensaje. La banda, con una trayectoria marcada por colaboraciones internacionales, logra transmitir en cada tema una visión personal y discreta. En Will You Remember Me?, la mezcla de sonidos modernos y la sutileza en la producción reflejan una sensibilidad que va más allá de las modas del momento. La propuesta se convierte en un reflejo de la evolución natural de su estilo.

En definitiva, Will You Remember Me? se consolida como una adición interesante al panorama del pop actual, mostrando una fusión entre lo clásico y lo vanguardista. La canción, con su ritmo adictivo y producción detallada, se presenta como una invitación a explorar nuevas facetas de la música contemporánea. Su atmósfera, marcada por el balance entre sintetizadores y una voz cautivadora, ofrece un espacio para el oyente en el que lo familiar se transforma en algo renovado. Así, &Tilly reafirma su compromiso con una propuesta sonora que se mantiene fiel a su identidad sin recurrir a exageraciones.


Pâle Regard: La Melancolía Suave que Transforma el Pop Psicodélico

Pâle Regard: La Melancolía Suave que Transforma el Pop Psicodélico

Pâle Regard es una banda que se mueve entre las sombras y las luces del pop psicodélico, creando un sonido que mezcla lo etéreo con lo tangible. Su música, a menudo descrita como melancólica, tiene una suavidad envolvente que parece capturar las emociones más íntimas y complejas de la vida. Con una mezcla de texturas sofisticadas y lo-fi, las canciones de Pâle Regard invitan a un viaje sonoro donde las voces lánguidas se entrelazan con capas atrevidas de guitarras y pads de sintetizador, creando un espacio sonoro único que transita entre la calidez y la tristeza.

La banda se ha caracterizado por explorar los diversos matices de la melancolía, desde la más suave y acogedora hasta la que duele, pero de una forma sutil. Su música tiene algo de reconfortante, como una manta que nos envuelve en una noche fría, pero también posee esa cualidad inquietante de lo irreal. Este contraste ha sido la firma de Pâle Regard desde sus inicios.



Tras su álbum Absurdia Fantasmagoria, que surgió de una colaboración con el artista mcbaise, y su interpretación del tema Sous le soleil, la banda continuó expandiendo su universo sonoro con el lanzamiento de su EP Tout va en octubre de 2024.

Una de las sorpresas más interesantes de la banda fue el lanzamiento de su sencillo Lundi bleu en enero de 2025, una versión renovada y personal de la icónica canción de New Order. Pâle Regard se adentra aquí en un terreno más energético, abrazando los sonidos de los 80s, pero con su toque característico. Aunque la banda siempre ha tenido un pie en la nostalgia y en lo experimental, este sencillo marca una transición hacia una sonoridad más directa y bailable, sin perder la melancolía que los caracteriza. La invitación de la banda es clara: “Escúchalo fuerte, y si es posible, de noche”. Este sencillo promete ser un hit en las listas de reproducción, con su energía renovada, pero manteniendo la magia y el encanto del grupo.


La Antigua Fe: Una Nueva Era del Pop Electrónico desde València

La Antigua Fe: Una Nueva Era del Pop Electrónico desde València

La Antigua Fe, el proyecto nacido en València durante el verano de 2024, ha irrumpido con una propuesta sonora fresca y experimental, fusionando lo mejor del pop electrónico con influencias del darkwave, synthpop y la música urbana. La banda, formada por Rafael Antón y José Aguado, surge de un proceso de creación lleno de buenas intenciones que finalmente toma forma tras dos años de ideas guardadas y poco espacio para su materialización. Con un estilo que no renuncia a ningún formato, la propuesta de La Antigua Fe se caracteriza por la capacidad de transformar emociones complejas en un sonido que se mueve entre la nostalgia y lo vanguardista.

El primer single, El Espacio, revela una melodía sintetizada heredera del legendario Battiato y su obra Mondi Lontanissimi, creando un espacio etéreo y misterioso con sus sintetizadores. Este debut, cargado de ensoñaciones románticas, marca la entrada de un proyecto que se atreve a ir más allá del pop electrónico clásico, explorando territorios más oscuros y filosóficos.



El siguiente paso del proyecto llegó con Equilibrio, un segundo single que expande las fronteras de su sonido con una producción más agresiva y una clara incursión en los fraseos urbanos. Aquí, los ritmos y las influencias de la música urbana se fusionan con la esencia electrónica de la banda, creando un contraste dinámico que refleja la transición de una época melancólica a una más introspectiva y desafiante. La canción marca una evolución, pero sin perder la esencia que caracteriza a La Antigua Fe: una propuesta que no tiene miedo de explorar nuevos caminos mientras sigue fiel a su propia identidad sonora.

Aunque La Antigua Fe es aún un proyecto joven, su capacidad para generar un sonido único y complejo promete mucho para el futuro. La banda no se limita a un solo género ni estilo, sino que juega con las posibilidades infinitas del pop electrónico y sus derivados, abriendo las puertas a una constante evolución sonora.


Bending Grid y “Phoenix”: Crisis Global y Emoción Sonora

Bending Grid y “Phoenix”: Crisis Global y Emoción Sonora

Bending Grid es un músico y productor originario de Summerville, Carolina del Sur. Su propuesta artística se centra en los géneros Synthwave, Retrowave y Popwave, explorando estos estilos desde una perspectiva emotiva. Con una capacidad para contar historias a través de la música, Bending Grid ha sabido cautivar a su público mediante composiciones que combinan nostalgia, futurismo y una profunda carga emocional.

Con una fusión de sintetizadores brillantes, ritmos envolventes y melodías expresivas, ha demostrado una habilidad excepcional para equilibrar lo introspectivo con lo accesible, lo experimental con lo emocional. Sus producciones suelen evocar una sensación de viaje a través del tiempo, transportando a los oyentes a paisajes sonoros donde el pasado y el futuro se entrelazan en perfecta armonía.



Uno de los lanzamientos más recientes de Bending Grid es “Phoenix”, un sencillo que explora las dificultades económicas y la tensión geopolítica a través de una composición profundamente emotiva. La canción cuenta con la colaboración vocal de Anna Moore, cuya interpretación aporta una dimensión de vulnerabilidad y fortaleza. Con una instrumentación que oscila entre sintetizadores cristalinos y texturas sonoras crudas, “Phoenix” se convierte en una pieza que invita a la reflexión.

Además de su versión original, “Phoenix” también cuenta con una versión instrumental, que permite a los oyentes sumergirse en las capas sonoras y texturas de la pista. Esta versión evidencia el dominio de Bending Grid en la creación de atmósferas y emociones puramente a través de la música.



Bending Grid ha construido una discografía diversa, que incluye sencillos, remixes y colaboraciones con otros artistas dentro de la escena synthwave y popwave.


“Tainted Love”: Un clásico reinventado por MONTESCO

“Tainted Love”: Un clásico reinventado por MONTESCO

La banda barcelonesa MONTESCO nos sorprende con su versión en español de “Tainted Love”, un cover que respeta la esencia del clásico de Soft Cell mientras le imprime un toque moderno. Con una voz femenina que añade una nueva capa, la canción se convierte en una propuesta que combina lo nostálgico con un toque moderno, logrando un equilibrio perfecto entre el pop alternativo y la electrónica.

MONTESCO no es nueva en la escena musical. Desde su debut en 2022 con el EP Gardenias, la banda ha demostrado su habilidad para mezclar géneros como el pop, la electrónica y la psicodelia. Su álbum debut, Sol de Medianoche, lanzado en 2024 bajo el sello Music Bus, explora las complejidades de las relaciones posmodernas en las grandes ciudades, consolidando su lugar en el panorama indie español e internacional.



El cover de “Tainted Love” es un ejemplo más de la versatilidad de MONTESCO. La banda logra mantener la atmósfera pegajosa como la versión original, pero añade su sello característico con arreglos modernos y una producción cuidada. La voz de Helena Moreno, líder de la banda, aporta una sensibilidad única que hace que esta versión se sienta familiar.

Con más de 200 mil reproducciones en Spotify y presencia en listas editoriales tanto nacionales como internacionales, MONTESCO ha logrado captar la atención de un público diverso. Su propuesta en vivo, que combina instrumentos orgánicos con sintetizadores y bases electrónicas, ha sido aplaudida en festivales como Viva Sounds en Suecia y Waves Vienna en Austria, demostrando que su música trasciende fronteras.


“LOVEGRUNGE”: El EP de Amanda Cy que Explora el Caos Emocional y la Fuerza del Amor

“LOVEGRUNGE”: El EP de Amanda Cy que Explora el Caos Emocional y la Fuerza del Amor

Amanda Cy, la cantautora sueca-británica, nacida en Londres y criada en Estocolmo, Amanda ha logrado combinar lo mejor de ambas culturas en su música, fusionando influencias del alt-rock con melodías pop pegajosas y elementos experimentales que la convierten en una de las artistas más prometedoras de la actualidad.

El año 2024 fue un periodo clave en la carrera de Amanda Cy. Con el lanzamiento de su segundo EP, Waterworks, y su gira junto a la cantante GRIFF por Europa, Amanda consolidó aún más su nombre dentro del panorama musical. Waterworks fue un testimonio de su evolución artística, mostrando un equilibrio entre la vulnerabilidad y la energía que caracteriza sus composiciones. La respuesta positiva tanto de la crítica como de los oyentes reflejó la capacidad de Amanda para conectar con sus seguidores de una manera genuina y emocional.



En enero de 2025, Amanda Cy comienza el nuevo año con fuerza al lanzar Miss U, el primer sencillo de su EP LOVEGRUNGE. La canción, que se perfila como uno de sus mayores éxitos hasta la fecha, es una reflexión sincera y emotiva sobre el amor-odio y la incapacidad de olvidar a alguien. Con letras que hablan de la ambivalencia de las relaciones complicadas, Miss U es un claro ejemplo de la habilidad de Amanda para traducir los altibajos emocionales de manera honesta y directa.

La letra refleja el vacío y el anhelo típicos de un corazón roto, pero también ofrece una pizca de esperanza y fortaleza, como se puede escuchar en la línea: “Normalmente soy bueno para seguir adelante”. Es una canción sobre el conflicto interior, sobre la tentación de volver a algo que sabemos que no nos beneficia, pero también sobre el deseo de seguir adelante, de sanar.

Musicalmente, Miss U es un derroche de energía. Fusiona el indie pop, el rock y toques electrónicos, creando una atmósfera melancólica pero revitalizante. Los coros pegajosos y los riffs de guitarra distorsionada son solo una parte de la fórmula, mientras que las texturas y capas de la producción la convierten en una experiencia auditiva rica y compleja. Este sonido innovador refleja perfectamente los sentimientos que la canción busca transmitir: la contradicción entre el deseo de seguir adelante y la atracción por lo que nos retiene.

LOVEGRUNGE promete ser el trabajo más ambicioso de Amanda Cy hasta la fecha. El concepto del EP, que fusiona la crudeza del rock con melodías pop, refleja la complejidad de las emociones humanas. “Miss U” es solo un adelanto de lo que está por venir. A través de su música, Amanda se aventura en temas como el amor, la pérdida, el arrepentimiento y la superación, todo ello con una sinceridad y una madurez que hacen de cada canción una pieza única y emocionalmente poderosa.