Desde las zonas rurales de Illinois, cerca de St. Louis, Starwolf lleva casi una década construyendo un universo musical propio en el que el funk, el pop y las texturas electrónicas conviven con una sensibilidad decididamente cósmica. Formado en 2016 por Tim Moore, Max Sauer y Chris Rhein, el trío ha desarrollado una propuesta que combina groove, experimentación y una estética de otro mundo. Después de publicar los EPs Ti Amo, Stargazer (2018) y Astro Lobo (2020), la banda continúa expandiendo ese imaginario con Copacabana, un nuevo proyecto que tiene en “Back It Up” uno de sus adelantos más destacados.
“Back It Up” funciona desde los primeros compases como una invitación a entrar en el particular universo sonoro de Starwolf. La canción se apoya en una combinación de funk y pop que prioriza el groove, con un bajo especialmente protagonista y beats pegadizos que aportan movimiento y una ligera sensación tropical.
Uno de los elementos más interesantes de la producción aparece en la mezcla de instrumentos y texturas. Las guitarras y baterías de inspiración bossa nova se encuentran con capas de sintetizadores que amplían el espacio sonoro, creando un contraste entre lo orgánico y lo electrónico. El resultado es una pieza relajada pero dinámica, capaz de mantener un pulso constante mientras incorpora diferentes matices a lo largo de su recorrido.
La canción también encuentra parte de su personalidad en la interpretación vocal de Chris Rhein. Su voz limpia, luminosa y serena adquiere un carácter casi etéreo, con un efecto que parece prolongarse sobre la instrumentación y reforzar la sensación envolvente del tema. La identidad de Starwolf siempre ha estado ligada a una idea de exploración. Desde su nacimiento, el trío ha construido una mezcla de funk y pop que evita quedarse en los límites convencionales de ambos géneros. “Back It Up” continúa esa búsqueda mediante una producción que combina ritmos bailables, elementos acústicos y sintetizadores.
El tema encuentra así un equilibrio entre relajación y movimiento. Hay espacio para dejarse llevar por el groove, pero también una atención especial a los detalles de la producción. Hacia el tramo final, alrededor del minuto 2:42, la voz desaparece y el instrumental adquiere un protagonismo especial, ofreciendo uno de los momentos más atractivos de la canción.
“Back It Up” es el quinto single de Copacabana, el EP que Starwolf prepara para el 5 de noviembre. El lanzamiento representa un nuevo capítulo para un grupo que ha mantenido una trayectoria marcada por la constancia y por el deseo de desarrollar una identidad sonora reconocible. El nuevo material parece continuar con esa combinación de ritmos, texturas y atmósferas que caracteriza al proyecto. En “Back It Up”, la bossa nova aporta un nuevo color a la fórmula de Starwolf, mientras el funk y el pop mantienen el centro de gravedad en el groove.
Milo convierte la música urbana en un espacio para hablar de fe, transformación y esperanza. En “Je te connais”, el artista marfileño se une a Sonxfgod, también conocido como Son of God, para construir una canción de gospel contemporáneo que combina afrobeats, afro-pop y afro-fusión con un mensaje profundamente espiritual. Lanzado el 3 de septiembre, el single aborda el encuentro con Jesús desde una perspectiva íntima, recorriendo las heridas, la sanación y la restauración hasta llegar a la fe como refugio, paz y victoria.
La propuesta de Milo parte de una experiencia personal. Su camino artístico tomó una nueva dirección después de un encuentro con Dios que transformó su manera de entender la vida y la música. Desde entonces, su trabajo ha buscado unir testimonio, Escrituras y experiencias cotidianas, utilizando los códigos de la música urbana para acercar un mensaje de esperanza a una audiencia joven.
“Je te connais” se sitúa dentro de una corriente contemporánea en la que el gospel y los sonidos africanos urbanos conviven de manera natural. Los afrobeats aportan una base cálida y rítmica, mientras que los elementos de afro-pop y afro-fusión mantienen la canción accesible y dinámica. En lugar de separar el mensaje espiritual del movimiento, Milo utiliza el groove como una vía para hacerlo más cercano.
La producción deja a las voces en el centro. El intercambio entre Milo y Sonxfgod convierte el mensaje en algo presente y humano, evitando que la canción se sienta como una reflexión distante. Sus interpretaciones transmiten la idea de una fe experimentada en primera persona: una fe que atraviesa momentos difíciles, reconoce las heridas y encuentra en Jesús un lugar de refugio. La canción plantea conocer a Jesús no solamente como una idea o una figura religiosa, sino a través de una experiencia que transforma la manera de atravesar las dificultades. La espiritualidad aparece así vinculada a la vida cotidiana y a la posibilidad de encontrar esperanza después de una etapa de dolor.
La colaboración con Sonxfgod amplía el alcance de la canción. Originario de la región de Congo-Brazzaville y Gabón, Sonxfgod ha desarrollado una propuesta de gospel centrada en la honestidad y en los procesos personales. Su proyecto PROCESS, así como su colaboración “Process Of God” con Loé Music, aborda precisamente la idea de atravesar pruebas sin interpretarlas como el final de la historia.
El encuentro entre ambos artistas resulta natural: Milo aporta la energía del gospel afro-urbano de Costa de Marfil, mientras Sonxfgod suma una perspectiva vinculada al proceso, la paciencia y la perseverancia. El francés funciona como punto de encuentro entre sus propuestas y los afrobeats como un lenguaje musical compartido.
Uno de los aspectos centrales de “Je te connais” es su manera de presentar la fe como un recorrido. La canción no parte de una vida sin dificultades, sino de la existencia de heridas y momentos de incertidumbre. Desde ahí, el encuentro con Jesús representa un proceso de sanación y restauración.
Esta perspectiva convierte el tema en algo más que una canción de alabanza tradicional. Su mensaje se construye alrededor de la transformación: reconocer el dolor, atravesarlo y encontrar una nueva forma de mirar hacia adelante. La victoria que plantea no elimina necesariamente las dificultades anteriores, sino que surge de haberlas atravesado con una confianza renovada.
The Next Movement vuelve a demostrar por qué se ha consolidado como una de las propuestas más enérgicas del funk europeo con “MOJO”, un nuevo single en el que el trío suizo une funk, neo-soul, jazz-funk y elementos de Afrobeat para convertir la recuperación personal en una experiencia colectiva. Acompañados por The SoulVision Allstars Horns, colaboradores habituales de otros proyectos, J.J. Flueck, Pascal “P” Kaeser y Sam Siegenthaler amplían su característico sonido con una sección de metales que aporta fuerza, movimiento y una dimensión especialmente expansiva.
The Next Movement ha construido una identidad marcada por el groove, el virtuosismo y una poderosa conexión con el público. Su formación de tres músicos Flueck en batería, samples y voz principal; Kaeser en bajo, sintetizadores y coros; y Siegenthaler en guitarra y coros consigue generar el impacto de una banda mucho más grande, combinando precisión instrumental, humor y una energía contagiosa.
En “MOJO”, esa capacidad para convertir el groove en una experiencia física encuentra un nuevo punto de expresión. El bajo, la guitarra, la batería y los sintetizadores establecen una base dinámica sobre la que los metales de The SoulVision Allstars Horns amplían el espectro de la canción. El resultado es un tema vibrante en el que el funk y el neo-soul se encuentran con influencias de jazz y ritmos afrobeat, manteniendo el movimiento constante de principio a fin.
En el centro de la canción aparece una frase sencilla que funciona como declaración y como mantra: “I got my mojo back”. El “mojo” representa esa energía, seguridad y confianza personal que en determinados momentos puede desaparecer bajo el peso de la duda o el desgaste, pero que también puede recuperarse. La canción convierte ese proceso interior en una celebración. No se trata simplemente de volver al punto de partida, sino de atravesar una etapa difícil y emerger de ella con una perspectiva diferente. La imagen del ave fénix refuerza precisamente esa idea de transformación: renacer no significa ser exactamente quien eras antes, sino reconstruirte y recuperar tu espacio desde un lugar nuevo.
Los arreglos de metales aportan una dimensión adicional al formato de trío y convierten el groove en una celebración sonora de mayor escala. Cada elemento trabaja para mantener el impulso: la base rítmica sostiene el movimiento, la guitarra aporta textura y carácter, los sintetizadores expanden el paisaje y los metales elevan los momentos clave.
“MOJO” llega en una etapa especialmente importante para The Next Movement. Después de su etapa More Cowbell y de lanzamientos como Never Coming Down, Funk Love Ecstasy e Is it Real?, el grupo prepara una nueva gira durante 2026/2027 y el lanzamiento de su cuarto álbum de larga duración en octubre de 2026.
Hay canciones que buscan respuestas y otras que simplemente nos acompañan mientras intentamos encontrarlas. “Cycles”, el nuevo sencillo de la cantautora neerlandesa Celine Cairo, pertenece a esa segunda categoría. Con una atmósfera hipnótica y una interpretación vocal que se mueve entre lo etéreo y lo profundamente humano, Cairo convierte una reflexión sobre el cambio, el paso del tiempo y los ciclos de la vida en una experiencia íntima y reconfortante.
“Cycles” continúa la nueva etapa artística de Cairo, iniciada con el sencillo “Panacea” y encaminada hacia su próximo álbum, previsto para junio. La canción se adentra en un territorio más oscuro e introspectivo, explorando esa sensación tan familiar de mirar hacia el futuro sin saber exactamente qué nos espera.
“Cycles” se construye alrededor de un antiguo Wurlitzer de Cairo y una producción de inspiración trip-hop. Los paisajes electrónicos son sutiles, los sintetizadores analógicos aportan profundidad y las guitarras eléctricas, interpretadas por Bram Doreleijer de Haevn, aparecen amplias y espaciales. A esto se suman cuerdas reales que ayudan a expandir la canción sin restarle intimidad. El resultado es un paisaje sonoro que parece avanzar lentamente, como si la canción respirara al mismo ritmo que quien la escucha.
En el centro está la voz de Cairo. Etérea, cristalina y ligeramente fantasmal, funciona como una guía dentro de este universo sonoro. “Cycles” tiene algo de experiencia nocturna: esa sensación de estar despierto mientras todos duermen, pensando demasiado en el futuro, en las decisiones tomadas y en los cambios que todavía están por llegar. Sin embargo, la canción nunca queda atrapada en la ansiedad. Su calma funciona como una forma de aceptación.
Cairo habla de crecer, envejecer, cambiar de lugar y enfrentarse a aquello que no podemos controlar. Cuando canta sobre poner la mano sobre el corazón y sentir el cambio, para después recordar que las cosas terminan encontrando su lugar, convierte una experiencia personal en algo universal. Todos hemos conocido, en mayor o menor medida, ese temor ante lo desconocido. Todos hemos tenido que aprender que avanzar también significa dejar atrás ciertas versiones de nosotros mismos.
Hay artistas que comienzan buscando una voz y otros que comienzan buscando una respuesta. En el caso de Jeynu Núñez, escritor y rapero de Juana Díaz, Puerto Rico, ambas búsquedas parecen ocurrir al mismo tiempo. Desde 2020, Núñez ha utilizado la música como un espacio para explorar aquello que lo compone: la memoria, la identidad, las relaciones, las experiencias cotidianas y también esas emociones que, a primera vista, podrían parecer demasiado pequeñas como para convertirse en una canción. Su propuesta parte de una intención sencilla, aunque no necesariamente fácil: hablar desde la sensibilidad sin perder el calor humano.
Ese recorrido desemboca en NOSTALGIA, su primer álbum de estudio, un proyecto de siete canciones que funciona como una mirada hacia distintas etapas de su vida. No se trata únicamente de recordar. En el álbum, recordar parece ser también una forma de ordenar, entender y finalmente soltar.
NOSTALGIA no busca presentar una narrativa explicada de principio a fin. En lugar de construir un discurso explícito, Núñez parece confiar en los detalles.
El proyecto también reúne una serie de colaboraciones que amplían ese ejercicio de memoria hacia otras geografías. En sus créditos aparecen artistas de Puerto Rico y de distintos lugares del mundo, entre ellos Yuyang Lu, Migui, Ivan Bervin, LAPERRERA, Melina Alegria, brrrravo, Annie, Jon Limon, Acidd y Siete.
El Track x Track de “Nostalgia”
1. El intro que le debía a Shanice — con Yuyang Lu
El álbum comienza casual y relax, con un lenguaje casual que logra darnos contexto del artista El intro que le debía a Shanice funciona como una puerta de entrada a NOSTALGIA: una canción que parte de una persona específica para abrir un espacio mucho más amplio de recuerdos. Hay algo íntimo en la idea de “deberle” una canción a alguien, como si hacerla fuera finalmente cumplir una promesa pendiente. Con Yuyang Lu, el tema nos da un “Solo quedara seguir pa lante” como mantra de la canción, fuera de la legra la música es muy interesante, con sensaciones de hip hop, R&B y soul, la canción logra transmitirnos desde pensamientos relax, hasta un contexto social que tienes que escuchar.
2. JiNCHA BORiCUA — con Migui y Ivan Bervin
JiNCHA BORiCUA parece surgir desde un lugar más cotidiano y orgullosamente puertorriqueño. El propio título juega con una identidad reconocible, pero presentada desde una sensibilidad personal y posiblemente irreverente. La presencia de Migui e Ivan Bervin amplía esa identidad hacia afuera, convirtiendo una experiencia local en un punto de encuentro entre distintas partes del mundo. Dentro de NOSTALGIA, representa la memoria de un lugar y de una forma de ser: aquello que uno carga consigo incluso cuando se encuentra lejos. La canción nos presenta memorias, lugares, personas y emociones como un pequeño momento entre amigos donde pueden platicar sobre esos días que valoran, pero que han quedado atrás. El track no solo funciona como remembranzas del pasado sino como una propuesta romántica con la integración del featuring.
3. Maldita Esperanza — con LAPERRERA y Melina Alegria
Hay algo contradictorio en llamar Maldita Esperanza a una canción: la esperanza suele ser aquello que nos sostiene, pero también puede ser precisamente lo que nos impide aceptar que algo terminó. El título encapsula esa tensión entre querer seguir creyendo y saber que quizá deberíamos dejar ir. Con LAPERRERA y Melina Alegria, la canción se convierte en uno de los momentos donde la nostalgia puede sentirse menos como recuerdo y más como una emoción todavía presente.
4. Una lofi pa’ Nati — con brrrravo y Annie
Con una voz en off de introducción,Una lofi pa’ Nati tiene desde el título una intimidad distinta. No intenta sonar como una gran declaración; parece más bien un gesto sencillo: hacerle una canción a alguien. El “pa’ Nati” hace que el proyecto vuelva a lo cotidiano y recuerda que la memoria también está hecha de pequeños detalles, nombres propios y momentos que quizás nunca fueron importantes para nadie más. Su carácter lo-fi encaja naturalmente con esa sensación de mirar una fotografía vieja, quedarse pensando y dejar que el recuerdo haga el resto, su carácter instrumental nos da un respiro dentro del disco pero a la vez la voice note del principio de la canción nos deja recordando esas conversaciones que tuvimos con esa persona de nuestro pasado.
5. Lafourcade — con Acidd
Lafourcade introduce la memoria desde otro lugar: el de las referencias que terminan convirtiéndose en parte de nuestra propia identidad. Con Acidd, la canción funciona como una conversación al pasado, una persona y muchos recuerdos, dándole aún mas valor al titulo del álbum. La canción logra sorprendernos con un final que fusiona elementos de la electrónica y rap con un groove inesperado que nos encantó.
6. Algo así pa’l outro de David — con Siete
Si El intro que le debía a Shanice abre el álbum desde una deuda, Algo así pa’l outro de David parece cerrarlo desde otro lado, un instrumental acústico a voz y guitarra con una naturalidad casi improvisada, como si la canción hubiera nacido de una conversación, una referencia interna o una idea que simplemente había que convertir en música. Esa espontaneidad encaja con la esencia de NOSTALGIA: no todo recuerdo necesita una explicación solemne. A veces basta con dedicar algo, nombrarlo y dejarlo existir. La colaboración con Siete convierte ese momento en otro encuentro dentro del álbum.
7. La tinta no miente — con marciano, el joven
El álbum termina con una declaración que podría resumir todo su concepto: La tinta no miente. Después de recorrer recuerdos, personas, lugares y distintas versiones de sí mismo, queda la escritura como testigo. La tinta conserva aquello que la memoria puede distorsionar, esconder o intentar olvidar. Que esta sea la última canción hace que NOSTALGIA termine regresando a una de las raíces de Jeynu: el escritor. Si todo el álbum es un ejercicio de recordar para entenderse, aquí la escritura aparece como evidencia de ese proceso. Lo que quedó escrito, quedó.
Vistas juntas, las siete canciones pueden leerse como siete formas diferentes de recordar: una deuda, una identidad, una esperanza, una persona, una influencia, una despedida y finalmente la escritura.
Y eso conecta muy bien con la idea que planteaste desde el principio: NOSTALGIA no intenta contarle al oyente exactamente qué debe sentir. Le enseña fragmentos de la memoria de Jeynu y lo deja completar los espacios vacíos. Para Jeynu, la nostalgia no parece significar únicamente extrañar el pasado. Es, más bien, una materia con la que puede trabajar.
Su música parte de experiencias que pueden ser banales o profundamente introspectivas, pero intenta acercarse a ambas con el mismo nivel de honestidad. Esa disposición a encontrar significado incluso en aquello que aparentemente no lo merece es una de las características que atraviesa su propuesta.
En NOSTALGIA, esa mirada adquiere una dimensión especialmente personal. Una ruptura amorosa terminó convirtiéndose en parte importante del proceso creativo y llevó a Núñez a confrontar sensibilidades que quizá permanecían en segundo plano.
Lo que comenzó como una inquietud artística terminó funcionando también como una forma de terapia: un espacio para mirar hacia adentro cuando mirar hacia afuera ya no parecía suficiente. Pero el álbum no parece querer quedarse atrapado en el dolor. Hay humor, referencias personales, colaboraciones, buenas vibras y una voluntad evidente de mantener la humanidad en el centro. La introspección no tiene que convertirse necesariamente en solemnidad.
Hay canciones que buscan llamar la atención desde el primer segundo y otras que prefieren entrar lentamente, casi sin avisar, hasta crear un espacio del que resulta difícil salir. When Morning Comes Around, el nuevo sencillo de Soft Siren, pertenece a esta segunda categoría. La canción se desliza entre el dream pop y el indie rock con una delicadeza particular, construyendo una atmósfera nocturna donde la voz, las guitarras y la batería parecen moverse al mismo ritmo de un sueño.
Desde sus primeros compases, Soft Siren apuesta por la suavidad. La instrumentación combina percusiones precisas con riffs eléctricos y pequeños matices acústicos, creando una base que mantiene el movimiento sin romper la sensación de calma. La guitarra adquiere especial protagonismo conforme avanza la canción, mientras la batería marca el pulso con golpes contenidos pero firmes.
Sin embargo, es la voz de Jacqueline Lee uno de los elementos que termina de definir la identidad del tema. Su interpretación es delicada, aterciopelada y emocional, capaz de transmitir una sensación de cercanía incluso dentro de una producción amplia y envolvente. La voz no parece competir con los instrumentos; por el contrario, se integra en ellos y funciona como el hilo que conduce la canción.
La historia detrás de When Morning Comes Around gira alrededor de dos personas que intentan conservar un vínculo mientras las circunstancias comienzan a demostrarles que permanecer juntos puede no ser posible. Esa tensión entre aferrarse y dejar ir se convierte en el corazón emocional de la composición.
El título adquiere así un significado particular. La noche funciona como ese momento suspendido en el que todavía existe la posibilidad de permanecer juntos, mientras que la llegada de la mañana representa inevitablemente el regreso a la realidad. Soft Siren aprovecha esa imagen para construir una canción sobre la fragilidad de los momentos que sabemos que no pueden durar para siempre. La melancolía, por lo tanto, no aparece como un elemento puramente triste. Hay también deseo, intimidad y una especie de fascinación por prolongar el instante. La canción parece decir que, aunque el final sea inevitable, todavía existe valor en aferrarse a ese momento antes de que llegue la mañana.
En When Morning Comes Around, esa identidad aparece de manera especialmente clara. Las guitarras aportan textura, las percusiones mantienen un pulso casi hipnótico y las armonías vocales amplían el espacio de la canción. Todo está diseñado para crear una experiencia envolvente sin sacrificar la melodía.
Frankie White explora la confianza personal y la necesidad de desprenderse de las expectativas externas en “What You Think”, una canción situada entre el Indie Pop y el Soft Rock. El tema aborda el proceso de dejar de lado la presión por complacer a los demás para comenzar a confiar en las propias decisiones, recorriendo un camino que parte de la inseguridad y avanza hacia una actitud más firme. Las voces íntimas y una instrumentación de carácter melódico acompañan esta evolución, creando un equilibrio entre sensibilidad y energía.
Originaria de Colchester, Vermont, White es pianista, guitarrista y cantante y compositora. Durante cuatro años desarrolló su sonido en Nueva Orleans antes de regresar a Vermont, donde continúa trabajando con su banda. Su identidad musical se construye a partir de la combinación de diferentes influencias. Los sonidos sencillos y melancólicos de artistas como Ingrid Michaelson y Birdy conviven con la energía del Rock de los años 90 asociada a bandas como Weezer y Local H. A esta mezcla se suman referencias de Sylvan Esso y Death Cab For Cutie.
En “What You Think”, estas influencias se traducen en una composición que combina elementos suaves con una dinámica más cercana al Rock alternativo. La canción utiliza una construcción progresiva para acompañar su contenido, comenzando desde un registro más contenido y aumentando gradualmente su intensidad. Uno de los cambios más destacados se produce alrededor del minuto 2:05, momento en el que la melodía adquiere mayor fuerza y refuerza el giro emocional de la canción.
El concepto central gira alrededor de la relación entre identidad y percepción externa. En lugar de centrarse únicamente en una afirmación de seguridad, la letra se sitúa en el proceso previo: cuestionar las decisiones tomadas para satisfacer a otras personas y reconocer la importancia de desarrollar una voz propia. La instrumentación acompaña ese planteamiento mediante una evolución gradual que conecta el carácter introspectivo de los primeros momentos con una energía más decidida.
Con “What You Think”, Frankie White continúa definiendo una propuesta que combina piano melancólico, guitarras y elementos del Rock de los 90 con una sensibilidad propia del Indie Pop. La canción utiliza ese contraste para abordar un proceso personal de duda y autoconfianza, manteniendo la voz y la evolución de los arreglos como elementos centrales de su identidad musical.
La artista británica Iona Luke presenta “From Dust”, la canción que da título y cierra su EP debut, publicado el 4 de septiembre de 2026 a través de Vorpal Records. El lanzamiento completa un proyecto centrado en distintas experiencias relacionadas con la adultez, la identidad, la pérdida y la conexión con los demás, y amplía su propuesta hacia una reflexión de carácter más existencial.
Musicalmente, “From Dust” se construye de manera progresiva. El tema parte de una base de guitarra contenida, acompañada por la voz de Luke, y desarrolla gradualmente una instrumentación de mayor dimensión hasta desembocar en secciones dominadas por guitarras eléctricas. Esta evolución convierte la canción en una pieza cercana a la estructura de una balada de rock, con un enfoque cinematográfico que contrasta los momentos más íntimos con pasajes de mayor intensidad.
La letra gira alrededor de la relación entre el individuo y el mundo que lo rodea, abordando la sensación de que la vida puede resultar simultáneamente abrumadora e insatisfactoria. Luke también explora el temor y la curiosidad que implica ser visto realmente por otra persona, más allá de las identidades que construimos. La imagen del polvo funciona como un elemento central de la canción, vinculando la fragilidad material del ser humano con la manera en que cada persona interpreta, hereda y modifica su propia historia.
Dentro del EP, “From Dust” adopta una perspectiva diferente a la de canciones como “Can We Still Hang Out?”, “Bones”, “Crashing”, “Existential” y “Dawn”, aunque mantiene algunos de los temas relacionados con la identidad y la experiencia emocional presentes en el resto del proyecto. Como cierre, la canción reúne varios de estos conceptos y los lleva hacia una conclusión menos narrativa y más reflexiva.
La propuesta de Luke combina influencias asociadas a artistas como PJ Harvey, Patti Smith y Tori Amos con una escritura de sensibilidad literaria y arreglos de Alternative Pop. En “From Dust”, estos elementos se traducen en una canción que alterna vulnerabilidad vocal, guitarras de carácter dramático y una construcción instrumental ascendente. El resultado es un cierre que pone el énfasis tanto en la dimensión emocional como en las preguntas sobre identidad y existencia que atraviesan la canción.
El dúo franco-estadounidense Freedom Fry, formado por Bruce Driscoll y Marie Seyrat y radicado en Los Ángeles, presenta “Tonight Is Forever”, un sencillo que se mueve entre el Synthpop y el Indie Pop con una marcada estética nocturna. La canción combina sintetizadores de inspiración ochentera, baterías constantes, bajo y voces suaves para construir una producción que apuesta por un sonido retro, cinematográfico y envolvente.
La inspiración del tema está relacionada con Drive y la música de Kavinsky. Según explicó Bruce Driscoll, el dúo volvió a ver la película y encontró en su banda sonora y en sus escenas nocturnas una referencia para imaginar la canción. A partir de esa experiencia surgió una pieza que busca recrear la sensación de recorrer una ciudad de noche, rodeado de luces y con la música como acompañamiento.
En el plano musical, “Tonight Is Forever” combina elementos electrónicos con una base rítmica que mantiene el movimiento de la canción. Los sintetizadores aportan buena parte de su identidad retro, mientras las voces de Driscoll y Seyrat se mantienen suaves y contenidas, integrándose en las texturas de la producción. La batería de Kiel Feher aporta el pulso principal y añade un componente más físico al arreglo.
La letra se centra en la idea de aprovechar el presente y dejar temporalmente de lado las preocupaciones asociadas al día siguiente. La repetición de “Tonight Is Forever” funciona como un motivo central que refuerza esa sensación de suspensión temporal: durante unas horas, el futuro puede esperar y la atención se concentra en la noche, la música y el momento compartido.
“Tonight Is Forever” representa así una nueva aproximación de Freedom Fry a la música electrónica y al Indie Pop, utilizando referencias cinematográficas y sonoras de los años 80 para construir una canción centrada en la experiencia nocturna. El resultado se apoya más en la atmósfera, el ritmo y la melodía que en una narrativa compleja, con una producción que busca transmitir la sensación de una noche que, al menos por un momento, parece no tener final.
Desde la periferia industrial de Waterloo, Ontario, Awake & Dreaming llega con una propuesta de alt-rock canadiense. Integrada por Sasha Kristoff (voz y teclados), Stefan Schneider (guitarra), Phil Lee (bajo) y Ryan Dugal (batería), la agrupación ha construido una identidad sonora definida por la dualidad: un viaje constante entre la intimidad del piano, atmósferas electrónicas y explosiones de guitarras de escala monumental. El estilo de la banda suele incorporar capas sintéticas, ritmos y arreglos vocales dramáticos, citando frecuentemente influencias estilísticas y dinámicas vinculadas al alt-rock de las últimas dos décadas.
El álbum debut de la banda, titulado Inevitable, está programado para su lanzamiento el 16 de octubre de 2026, acompañado de una edición en vinilo y una gira por 10 ciudades en Ontario y Quebec. Con una duración total de 48 minutos y 36 segundos distribuida en 10 canciones, el álbum explora conceptualmente la experiencia de mantener la sensibilidad humana dentro de un entorno dominado por la sobreestimulación tecnológica y la apatía social.
El Track x Track de Inevitable
1. “I U Me” El disco abre con una declaración de energía cruda y directa, con bajo distorsionado la canción establece de inmediato la tensión del álbum mediante una instrumentación delicada con el uso del piano y una voz aterciopelada, mientras el coro explota en un estribillo emocional y agresivo. A nivel de producción, la mezcla limpia y robusta de Jay Dufour resalta la fuerza física de los instrumentos, logrando un sonido de gran alcance que marca el punto de partida del álbum: el momento en que el individuo, atrapado en la inercia de la máquina cotidiana, despierta a través de la tensión y el conflicto para reclamar su propia presencia.
2. “Rewire”
Segunda pista del álbum que profundiza en la necesidad de reprogramar los hábitos y esquemas mentales frente al adormecimiento cotidiano. Con un ritmo impulsivo y sintético, la canción construye un puente hacia la transformación, alternando versos melódicos con pasajes de marcada carga rítmica. Lo curioso es que las guitarras tienen un estilo particular de géneros como el Krautrock, pero llevándolo a otro lugar propio al tener una voz tan melódica y dulce, la canción tiene esa agresividad que propone la banda a la vez que las melodías nos remontan a bandas como king gizzard and the lizard wizard
3. “Old Ghosts” Sumergiéndose en una atmósfera de minimalismo evocador, esta pista reduce la instrumentación a sus elementos más íntimos. La combinación de e piano y sombras electrónicas genera una sensación de espacio y nostalgia, explorando el peso del pasado y las memorias no resueltas. La canción nos lleva completamente a un ambiente completamente diferente de los tracks anteriores, dándole un espacio mayor a la parte vocal y su interpretación,
4. “Antidote”
Corte cargado de suspenso y sensualidad oscura. La pista comienza con una estructura delicada de sintetizadores y una sensación de ciencia ficción, a través de arreglos de piano y un bajo que sostiene el movimiento de la canción, mientras el track va evolucionando para culminar en un clímax dramático sostenido por la afirmación de supervivencia “I’m still breathing”.
5. “Cold Shoulder”
“Cold Shoulder” nos presenta un sonido que juega con las texturas de la guitarra para crear disonancias que generan esta tensión incomoda y misteriosa, este es el punto de inflexión del disco donde la frustración se convierte en resistencia colectiva. A través de versos contenidos el tema explota en un estribillo de escala bailable diseñado para el canto grupal, coronado por la consigna rebelde “I’m gonna dance in the street while it’s burning”.
6. “Underwater”
Con una respiración inicial, el sencillo principal del álbum funciona como una sesión de introspección nocturna sobre el desapego y la carga emocional. Con una sonoridad melancólica, la canción utiliza la metáfora de la profundidad marina para abordar la urgencia de soltar lo que nos arrastra hacia el fondo antes de quedar completamente aislados. Con una interpretación tremendamente emocional el track toma elementos del Dream Pop combinándolo con un piano protagonista y unas líneas melódicas que te hacen conectar con la letra y melodias vocales que podrian hacer remembranza a Cocteau Twins.
7. “Lights Down Low”
Una composición que desacelera el ritmo para explorar el lado más acústico y cinemático de la banda. Apoyada en dinámicas vocales sutiles, la canción recrea la sensación de intimidad y refugio cuando el mundo exterior se apaga, mientras todo el track va creciendo para terminar con una explosión de toda la banda dándole paso a unas palabras finales con el ritmo acústico de la guitarra.
8. “Can’t Sleep”
Pista centrada en el insomnio, el sobre pensamiento y la sobreestimulación de la vida moderna. La canción nos recibe con un sonido de gran piano, el cual ha sido un elemento recurrente en el alum y creo que es de lo que mas le aporta para tener su propio sonido a la banda, ya que combina Dream Pop, Rock y texturas atmosféricas, pero hasta ahora el piano y la voz han sido una gran base para marcar un estilo propio de la banda, la instrumentación rítmica y los arreglos marcados transmiten la inquietud de una mente en vela que busca claridad en medio de la noche, con una gran melodía vocal en los versos que poco a poco va siendo acompañada de elementos como guitarras acústicas y coros suaves el disco nos entrega una balada piano que para nuestro gusto es uno de los mejores tracks del disco.
9. “Faceless”
Con guitarras cortantes y una sección rítmica acelerada, “Faceless” crea un ambiente orquestal , la canción refleja la lucha contra el anonimato y la presión por encajar en moldes preestablecidos, mientras nos lleva por un track que siente epico pasando por un solo explosivo y un final que pudiese sentirse como el cierre de una batalla al combinar elementos como coros, piano y un ritmo acelerado.
10. “Event Horizon” El cierre conceptual del disco representa el punto de no retorno y la catarsis final. La pista evoluciona desde capas atmosféricas progresivas hasta un clímax monumental, concluyendo el viaje del álbum con un sentimiento de asombro, resolución y reencuentro con la humanidad. Lo que nos llama la atención es el uso de estas capas de sintetizadores, que dan un tono contemplativo y a la vez misterioso.
El arco narrativo del álbum explora la necesidad de mantenerse humano en un mundo diseñado para adormecer las emociones. La historia evoluciona desde la alienación de sentirse “parte de la máquina” en la pista de apertura, hasta alcanzar la catarsis y el asombro por lo posible en el tema de cierre. A lo largo de sus sencillos, la banda ha mostrado las distintas facetas que componen esta travesía: El camino hacia el lanzamiento continuará con el estreno del sencillo principal, “Underwater” (18 de septiembre), un diálogo nocturno sobre soltar lo que nos arrastra a las profundidades, seguido por “Rewire” (2 de octubre).
Acompañado por una gira de 10 fechas entre septiembre y octubre por Ontario y Quebec, Awake & Dreaming demuestra que la autenticidad, la precisión técnica y la visión estética pueden abrirse paso sin el respaldo de una gran discográfica. Inevitable no solo representa el debut de una banda en pleno dominio de su arte, sino la afirmación de que el rock alternativo aún puede ser un refugio de esperanza y rebelión.
