Indie Pop

Indie Pop/Nuevas Voces Femeninas/Pop/Synth Pop

Girl Wilde lanza su nuevo sencillo “could’ve been”: una oda al desamor y la introspección

By Oleada Indie / octubre 14, 2025

La cantante y compositora estadounidense Girl Wilde nos presenta su más reciente lanzamiento, could’ve been, un tema indie-pop que captura la esencia de la desilusión amorosa y la reflexión sobre esos vínculos que “pudieron ser” pero nunca se concretaron. La canción surge de experiencias personales de la artista durante tres años de relaciones fallidas, transformando la tristeza y la frustración en una pieza musical emotiva y catártica.

Musicalmente, could’ve been fusiona elementos de alt-pop, pop-rock y synth-pop. La pista inicia con delicados riffs de guitarra acústica que se combinan con sintetizadores brillantes y progresiones de guitarra eléctrica, mientras la batería aporta ritmo y dinamismo. Esta combinación crea un paisaje sonoro que acompaña la vulnerabilidad y la intensidad de la voz de Girl Wilde, logrando que cada emoción se perciba de manera directa y envolvente.

La letra de la canción refleja la lucha interna entre aceptar la pérdida y seguir idealizando lo que no se concretó, invitando al oyente a transformar el dolor en empoderamiento emocional. La interpretación de Wilde, que alterna momentos de fragilidad y fuerza, permite que la audiencia conecte profundamente con la narrativa del tema.

Su propuesta combina letras introspectivas con un sonido que puede ser tanto calmante como estimulante, convirtiéndose en la banda sonora ideal para quienes atraviesan rupturas, buscan introspección o simplemente disfrutan de un indie-pop emotivo y honesto. Could’ve been es, sin duda, un reflejo del talento de Girl Wilde para convertir la experiencia personal en un mensaje universal de introspección y resiliencia.

Indie Pop/Nuevos Sonidos

Rubén Nasville respira nuevo aire con Oxígeno

By Oleada Indie / octubre 13, 2025

El músico y compositor Rubén Nasville, nacido en Zaragoza en 1981 como Rubén Garcés Carcas, durante años, formó parte de diversas agrupaciones, incluida la Banda del Ayuntamiento de Zaragoza, hasta que en 2007 decidió emprender un camino más personal. Dejó las bandas clásicas para crear su primer proyecto propio, Pura Cepa, que pronto evolucionó en Don de Gentes, grupo en el que se destacó como compositor y principal fuerza creativa.

Tras cerrar esa etapa, Nasville inició una búsqueda de identidad sonora que lo llevó a reinventarse y a encontrar su verdadera voz. Bajo su nombre artístico actual, Rubén Nasville, el artista ha desarrollado un estilo maduro, introspectivo y emocional, donde el rock melódico se funde con matices de soul, pop y raíces acústicas. Su música se caracteriza por letras profundas y honestas, que hablan de la reconstrucción, la esperanza y el poder de la vulnerabilidad.

Influenciado por artistas como Dire Straits, Ray Charles, Nina Simone, Leiva, MClan y Quique González, Nasville combina la elegancia del sonido clásico con una sensibilidad moderna. Sus canciones, producidas por David Santisteban y acompañadas por músicos de alto nivel, reflejan su evolución desde el músico académico hasta el cantautor completo que es hoy.

En sus más recientes lanzamientos, como “Finisterre” y “Oxígeno”, Rubén Nasville muestra su faceta más personal y luminosa: un creador que ha aprendido a convertir las despedidas en nuevos comienzos y el dolor en arte. Su música no solo se escucha, se siente —porque detrás de cada nota hay una historia real, la de un artista que respira autenticidad.

Indie Pop/Retro/Rock

La Sinceridad de un Sonido Casero

By Rafael Méndez / octubre 7, 2025

Después de retratar la desafección juvenil en su debut, el grupo Pynch reorienta su brújula artística. En su segundo trabajo, la mirada deja de apuntar hacia afuera para explorar un territorio más íntimo y complejo: el propio ser. Este giro hacia lo personal se convierte en el eje de una propuesta sonora que valora la honestidad por encima del pulido técnico, presentando un sonido más ambicioso.

La producción, a cargo del propio vocalista Spencer Enock, abraza una estética lo-fi que se siente deliberada. En sus propias letras, la banda resume esta filosofía: “No sé lo que estoy haciendo, pero quizá ahí es donde está la verdad”. Esa sinceridad despojada de pretensiones es la que da forma a un universo sonoro lleno de sintetizadores new wave, distorsión y ritmos intermitentes de forma lúdica.

Un claro ejemplo de este enfoque es la canción Hanging on a Bassline. El tema construye una atmósfera con claras influencias retro, apoyada en un ritmo enérgico que bebe directamente del new wave y el punk. Más allá de su sonido inmediato, la letra encapsula el encanto irreverente del disco, buscando algo tan fundamental como comprensión y una cerveza barata en el proceso.

El trabajo de Pynch no busca respuestas definitivas a las grandes preguntas existenciales que plantea, sino que encuentra calidez en el proceso de búsqueda. Hanging on a Bassline funciona como una puerta de entrada a este sonido que es íntimo en su ejecución. Es una invitación a apreciar el valor que se puede encontrar en la imperfección honesta de la música.

Indie Pop/Indie Rock/Pop Rock/Rock

Tom A. Smith Una Trayectoria Forjada en el Escenario

By Rafael Méndez / octubre 6, 2025

La edad es a menudo un indicador engañoso en el mundo de la música, y el caso de Tom A. Smith es un claro ejemplo. Con solo 18 años, este músico de Sunderland presenta una hoja de ruta que muchos artistas consolidados tardarían décadas en construir. Su desarrollo no ha ocurrido en un estudio de grabación aislado, sino sobre las tablas de escenarios legendarios, un hecho que define su sonido de manera fundamental.

Su canción I Don’t Blame You es un testimonio de esa formación. La pieza se sustenta en una sección rítmica de notable construcción y ganchos efectivos que capturan la atención sin esfuerzo. Con influencias que beben del rock y el indie pop moderno, el tema proyecta una sensación de frescura, anclada por una presencia vocal que se abre paso con claridad y convicción en la mezcla.

Este nivel de ejecución no ha pasado desapercibido, ganándole el respeto de figuras consolidadas. Haber compartido escenario con artistas como Sam Fender y recibir el reconocimiento de Elton John no son meras anécdotas, sino validaciones de un talento en pleno desarrollo. La colaboración con el productor Larry Hibbitt también apunta a una búsqueda sonora ambiciosa y bien dirigida para su carrera.

Más que una promesa emergente, Tom A. Smith se presenta como un músico con un oficio ya definido. En I Don’t Blame You se percibe la energía de la juventud, pero también la seguridad de quien conoce el escenario. Es una propuesta musical potente y directa que merece ser escuchada para comprender cómo la experiencia, y no solo los años, moldea a un artista.

Indie Pop/Pop

La Honestidad Musical de Otto Aday

By Rafael Méndez / octubre 6, 2025

En un panorama musical que a menudo se siente saturado, encontrar una voz con una propuesta clara es un ejercicio de paciencia. Desde el Reino Unido e Irlanda emerge la figura de Otto Aday, un compositor y productor que se desmarca de las fórmulas predecibles. Su enfoque no reside en la estridencia, sino en la construcción de un sonido que se siente a la vez expansivo y cercano al oyente, logrando un equilibrio poco común.

Su pieza, Bookmark In Time, sirve como una elocuente carta de presentación de su estilo. La canción se desarrolla sobre una base pop con sutiles matices de rock, donde un ritmo suave sirve de lienzo. Sobre esta instrumentación, la voz de Otto Aday aporta una calidez personal que evita el artificio, convirtiendo la escucha en una experiencia que se siente directa y sin pretensiones, logrando atrapar desde el inicio.

Lo que define la propuesta de Otto Aday es su habilidad para equilibrar producciones de escala cinematográfica con letras personales. Sus composiciones exploran temas universales como el amor, la pérdida y el autodescubrimiento con una honestidad palpable. Consigue que sus experiencias personales resuenen como historias con las que cualquiera puede identificarse, creando un puente entre lo grandioso y lo íntimo.

El recorrido de este artista, que abarca desde Nashville hasta los estudios de Abbey Road, demuestra una búsqueda sonora constante y seria. Bookmark In Time no es una canción que exija atención a gritos, sino que la gana a través de su cuidada construcción. Es una de esas piezas que invitan a ser escuchadas con atención, ofreciendo la oportunidad de descubrir a un talento que tiene algo genuino que comunicar.

Dream Pop/Indie Pop/Pop

La honestidad hecha música en “Deer in Headlights”

By Rafael Méndez / octubre 3, 2025

En el panorama actual del pop independiente, ILIRA presenta su nuevo tema “Deer in Headlights”, una pieza donde la sencillez instrumental y el ritmo pausado transmiten una calma poco frecuente en la escena. Con una estructura bien delineada, la canción refleja la intención de mantener la claridad en cada elemento, logrando un sonido que respira sin prisas y que se inclina hacia lo introspectivo, mostrando con naturalidad sus influencias pop.

La artista, nacida en Suiza y criada por padres kosovo-albaneses, nunca encontró un espacio donde sentirse completamente parte de algo. Esa sensación de estar en los márgenes se transformó en impulso creativo y en una manera de construir su propio espejo a través de la música. En “Deer in Headlights”, esa historia personal se percibe en la forma en que combina vulnerabilidad con un aire de serenidad, proyectando un estado emocional claro pero sin dramatismos excesivos.

Tras casi una década inmersa en el mundo de las grandes discográficas, ILIRA tomó la decisión de apartarse de ese camino. No fue un gesto de renuncia, sino de preservación. Eligió resguardar su autenticidad antes que moldearse a expectativas externas. Ese cambio se nota en su sonido actual: más directo, menos condicionado y con una honestidad que refuerza la conexión con quienes la escuchan.

El resultado es un proyecto musical que se mueve entre la crudeza del rock alternativo y la suavidad melódica, un equilibrio que ella describe como un punto medio entre Foo Fighters y Lana Del Rey. En ese cruce aparece “Deer in Headlights”, una canción que transmite tranquilidad sin dejar de lado la fuerza de su trasfondo, consolidando a ILIRA como una voz que encuentra en la independencia su terreno más fértil.

Indie Pop/Nuevo Pop

Veronica Fusaro: La Cantautora Suizo-Italiana que Mezcla Melancolía y Energía Pop

By Oleada Indie / octubre 3, 2025

La artista suizo-italiana Veronica Fusaro ha logrado destacarse en la escena musical con un estilo propio que combina sensibilidad lírica, voz intensa y un enfoque retro-modernista en su sonido. Desde su debut en 2016 con el EP Lost in Thought, Fusaro se ha ganado reconocimiento gracias a su capacidad para envolver emociones melancólicas en melodías coloridas y energéticas, logrando un equilibrio entre profundidad y ligereza. Su talento le valió el premio Demo of the Year en el prestigioso festival M4Music y más de 350 presentaciones en vivo, incluyendo conciertos en Glastonbury 2019, Eurosonic 2020 y giras como acto de apertura para artistas como Mark Knopfler, Eagle-Eye Cherry e Ibeyi.

Su más reciente sencillo, “Gold Rush”, ejemplifica la fuerza y originalidad de Fusaro. La canción establece un paralelo entre la histórica fiebre del oro en California y la cultura moderna de gratificación instantánea, explorando la urgencia de alcanzar éxito, reconocimiento y conexión emocional. Con ritmos pulsantes, voces hipnóticas y un coro potente, la producción combina elementos modernos con un toque retro, generando una experiencia auditiva intensa y envolvente que captura tanto la ambición como la vulnerabilidad de perseguir sueños a toda velocidad.

Fusaro continúa consolidándose como una artista que sabe mezclar introspección y espectáculo, ofreciendo una música que no solo entretiene, sino que también invita a la reflexión. Su esperado álbum debut promete expandir aún más esta propuesta, con sonidos orgánicos, letras honestas y una voz única capaz de transitar entre la intimidad y la potencia. Con “Gold Rush” y sus próximos lanzamientos, Veronica Fusaro reafirma su lugar como una de las voces más prometedoras de la música indie pop contemporánea.

Indie Pop/Nuevo Pop/Nuevos Sonidos

“Party Girl”: Ryley Tate Wilson y la magia del pop sureño introspectivo

By Oleada Indie / octubre 2, 2025

El joven artista estadounidense Ryley Tate Wilson, de 18 años, continúa consolidándose como una de las promesas más emocionantes del pop contemporáneo. Originario de Montgomery, Alabama, Ryley se dio a conocer a nivel nacional como finalista de cuatro sillas giratorias en la temporada 23 de The Voice de NBC, dejando una fuerte impresión con su talento y carisma.

Desde entonces, Ryley ha trabajado de manera autodidacta en su música, fusionando influencias de su herencia sureña con artistas modernos como Bon Iver y Charli XCX. Su estilo combina narrativa emotiva, melodías pegajosas y producción contemporánea, creando un pop introspectivo y accesible que conecta con su audiencia de forma inmediata.

Su más reciente sencillo, “Party Girl”, muestra una faceta madura y vulnerable del artista. La canción explora la sensación de estar rodeado de alegría y movimiento mientras se extraña a alguien que ya no está. Musicalmente, el tema mezcla elementos de folk, pop y toques electrónicos, con una producción que equilibra instrumentación cálida y brillante, creando un paisaje sonoro envolvente. La voz de Ryley, suave y potente a la vez, transmite perfectamente la nostalgia, el anhelo y la vulnerabilidad que inspira la letra.

“Party Girl” es el primer adelanto de su futuro EP, previsto para principios de 2026, y refleja la evolución de un artista que combina sensibilidad emocional con un sonido fresco y moderno. Con giras recientes junto a AJR y Niall Horan, Ryley Tate Wilson se perfila como una voz prometedora de la escena pop, capaz de transformar experiencias personales en canciones universales que resuenan con su generación.

Indie Pop/Nuevos Sonidos/Synth Pop

Glassio transforma la pérdida en “melancholy disco” con su nuevo single Al Pacino

By Oleada Indie / octubre 2, 2025

El productor, cantante y compositor irlandés-iraní Sam R., mejor conocido como Glassio, regresa con un lanzamiento cargado de nostalgia y sutileza emocional. Su nuevo sencillo “Al Pacino”, en colaboración con el artista neoyorquino Loren Berí, es una pieza de indie-electrónica y synthpop que combina grooves de French-Touch, atmósferas de New Wave y la riqueza melódica inspirada en Brian Wilson, consolidando una vez más el universo sonoro que Glassio ha bautizado como melancholy disco.

Más allá de su título llamativo, la canción no gira en torno al célebre actor, sino que utiliza su nombre como metáfora de los distintos “rostros” que las personas pueden mostrar en una relación. Con lirismo íntimo y un trasfondo melancólico, “Al Pacino” explora la complejidad de las despedidas y la dificultad de soltar vínculos que generan dolor. El resultado es un track que, entre la pista de baile y la contemplación, logra transmitir tanto ternura como desgarro.

Nacido entre Sharjah (Emiratos Árabes) y Monterey (California), Sam R. creció inspirado por discos como Pet Sounds de The Beach Boys o Graceland de Paul Simon. Tras mudarse a Nueva York en 2011, comenzó a experimentar en bandas indie y, finalmente, encontró en Glassio el proyecto perfecto para unir su amor por la electrónica, la melodía y la narrativa introspectiva.

“Al Pacino” es la más reciente muestra de esa búsqueda: un tema que se mueve entre lo íntimo y lo expansivo, entre lo cinematográfico y lo confesional, y que confirma a Glassio como una de las voces más originales del indie-electrónico contemporáneo.

Altpop/Indie Pop/Indie Rock/Rock

La dualidad de TENDER en “Gravity/Infinity”

By Rafael Méndez / septiembre 26, 2025

El regreso de TENDER marca un nuevo capítulo en su carrera con el lanzamiento de “Gravity/Infinity”, primer adelanto de su próximo trabajo. La canción se construye sobre un ritmo rápido que combina influencias de indie pop y rock, ofreciendo una atmósfera vibrante que se sostiene gracias a una interpretación vocal con estilo particular. Esa voz, suave y airosa, logra proyectar dinamismo sin perder delicadeza, dándole al tema un carácter distintivo.

Desde su formación en 2015, el dúo compuesto por James Cullen y Dan Cobb ha sabido moverse entre la intimidad del bedroom pop y la ambición expansiva de los escenarios multitudinarios. Su habilidad para equilibrar estas dos dimensiones les ha permitido ganar espacio en medios como NPR y Stereogum, además de acumular millones de escuchas a nivel global. “Gravity/Infinity” refleja esa misma capacidad de síntesis: un sonido que parece cercano, pero que también puede expandirse con fuerza.

La trayectoria de TENDER incluye tres discos que muestran una evolución clara. Modern Addiction (2017) y Fear of Falling Asleep (2019) consolidaron su estilo alt-pop con composiciones detalladas, mientras que Flux (2023) ofreció un relato más íntimo sobre la paternidad y los retos personales vividos por la banda en aquel momento. Ahora, con sus vidas más estables y asentados en la costa sur de Inglaterra, se reencuentran con el origen de su proyecto musical, pero desde una nueva perspectiva.

En ese contexto, “Gravity/Infinity” funciona como un punto de partida. No busca romper del todo con el pasado, sino tender un puente hacia lo que está por venir. Es un tema que mantiene la esencia del dúo, pero con un aire renovado, dejando ver una propuesta indie fresca que conserva dinamismo y sensibilidad a partes iguales. Una pieza que abre camino hacia un álbum que promete seguir explorando esa química inquebrantable que define a TENDER.