Indie Pop

Jeremy & the Harlequins ilumina el indie pop con “Thunderbolt”

Jeremy & the Harlequins ilumina el indie pop con “Thunderbolt”

No es la primera vez que hablamos de Jeremy & the Harlequins, y eso confirma que su propuesta sigue siendo relevante dentro del panorama indie. El artista neoyorquino ha sabido moverse entre el retro-rock y el pop clásico, con canciones que evocan épocas pasadas pero que mantienen un pulso contemporáneo. Su trayectoria incluye colaboraciones con productores como Mike Abiuso y presentaciones junto a nombres destacados, consolidando un estilo que se distingue por su energía y versatilidad.

En este nuevo capítulo aparece “Thunderbolt”, una canción que se sostiene en un ritmo dinámico y muy alegre. La estructura del tema está tan bien lograda que consigue desmarcarse de otras propuestas dentro del indie pop, ofreciendo un sonido que se siente fresco y vibrante. La pieza no busca complejidad excesiva, sino transmitir una energía directa que atrapa desde el primer momento.



La historia de Jeremy & the Harlequins también se ha visto reflejada en canciones como Blue y Moon Man, donde la nostalgia y la exploración cósmica marcaron distintos matices de su repertorio. En “Thunderbolt”, la banda apuesta por un enfoque más luminoso, reforzando la idea de que su música puede ser tanto evocadora como festiva. Es un tema que se integra con naturalidad en su catálogo, pero que al mismo tiempo abre nuevas posibilidades.

Al escuchar “Thunderbolt”, se percibe un indie pop que se distingue por su dinamismo y su atmósfera positiva. La canción funciona como un recordatorio de la capacidad de Jeremy & the Harlequins para reinventarse sin perder identidad, ofreciendo propuestas que se sienten cercanas y al mismo tiempo distintas. En esa mezcla de ritmo y alegría, la banda reafirma su lugar dentro de una escena que busca constantemente nuevas formas de expresión.


Lowly Light y la atmósfera retro de “The Woods”

Lowly Light y la atmósfera retro de “The Woods”

No es la primera vez que hablamos de Lowly Light, el proyecto de Matt Gorny, y eso confirma que su propuesta sigue generando interés. Con un recorrido que lo ha llevado a colaborar con artistas como Ultra Nate, Amanda Lepore y Liset Alea, su sonido se ha mantenido en constante evolución. Desde el nu-disco hasta el indie pop, pasando por grooves más relajados, Gorny ha demostrado una versatilidad que se refleja en cada lanzamiento.

En esta ocasión, “The Woods”, creada en colaboración con Mishell Ivon, se presenta como una canción de ritmo tranquilo que destaca lo mejor del indie pop moderno. La atmósfera envolvente se complementa con elementos de synthpop que aportan un estilo retro curioso y atractivo. La pieza no busca la estridencia, sino un espacio sonoro que atrapa por su equilibrio entre lo contemporáneo y lo evocador.



La trayectoria de Lowly Light muestra un interés constante por explorar distintos matices. Canciones anteriores como Down the Coast o Prayin’ revelan esa capacidad de moverse entre géneros sin perder coherencia. En “The Woods”, esa misma inquietud se traduce en un tema que apuesta por la calma y la textura, reforzada por la colaboración vocal de Ivon, que añade un matiz distintivo a la propuesta.

Al escuchar “The Woods”, se percibe un diálogo entre lo moderno y lo retro, entre lo íntimo y lo expansivo. La canción se convierte en una invitación a dejarse llevar por una atmósfera que, aunque tranquila, resulta atrapante. En esa mezcla de indie pop y synthpop, Lowly Light reafirma su capacidad de ofrecer música que evoluciona sin perder identidad, consolidando un camino que ya hemos seguido antes y que continúa abriéndose con nuevas posibilidades.


Los Aptos y su viaje musical en “IND 2 JFK”

Los Aptos y su viaje musical en “IND 2 JFK”

El trío Los Aptos, originario de Fort Wayne, Indiana, ha construido una propuesta que desafía etiquetas dentro de la música mexicana contemporánea. Formado por Juan Ortega, Jonathan Rivera y Daniel Vaides, el grupo fusiona la raíz emocional del regional mexicano con influencias de rock alternativo, pop, soul y R&B. Su historia comenzó en 2019 con sencillas interpretaciones en redes sociales y pronto se transformó en un proyecto sólido durante la pandemia, consolidándose con el EP Mis Ilusiones y el sencillo Enamorado, que los colocó en el mapa musical.

En este proceso de evolución aparece “IND 2 JFK”, una canción que refleja la capacidad del grupo para moverse entre géneros. La pieza combina influencias de indie pop y urbano, generando una atmósfera refrescante que se sostiene en la parte vocal. El tema no busca complejidad excesiva, sino transmitir una energía directa y cercana, capaz de conectar con oyentes que buscan propuestas modernas sin perder un sentido de identidad.



La trayectoria de Los Aptos ha estado marcada por escenarios de gran relevancia como Lollapalooza, Coachella y Ruidofest, además de colaboraciones con artistas como Cuco y Dannylux. Estos pasos han reforzado su perfil como una banda que entiende la música desde una perspectiva bicultural, integrando sus raíces latinas con sonidos globales. En “IND 2 JFK”, esa visión se traduce en un tema que se siente contemporáneo y que amplía el espectro de su propuesta.

Al escuchar “IND 2 JFK”, se percibe un equilibrio entre lo experimental y lo accesible. La canción se convierte en un ejemplo de cómo Los Aptos continúan expandiendo su sonido, explorando nuevas atmósferas sin perder coherencia. En esa mezcla de indie pop y urbano, el grupo reafirma su lugar dentro de una escena que busca renovarse, ofreciendo música que se siente fresca y que refleja la evolución constante de su identidad artística.


B.Miles y la frescura indie de “+1”

B.Miles y la frescura indie de “+1”

La música de B.Miles, originaria de Nueva York, se ha descrito como un puente hacia el futuro del pop. Con una trayectoria que incluye su álbum Different Pages y el exitoso sencillo Salt, la artista ha demostrado una capacidad para transformar experiencias personales en canciones que conectan con públicos diversos. Su presencia en escenarios como el Bowery Ballroom junto a sus colaboradores ha reforzado un estilo que combina valentía y sensibilidad.

En este nuevo capítulo aparece “+1”, una canción que se sostiene en un ritmo genial y una atmósfera moderna. El tema refleja lo mejor del indie pop contemporáneo, con un sonido refrescante que se siente cercano y actual. La voz sensual de la artista añade un matiz distintivo, convirtiéndose en el elemento que potencia la propuesta y le da un carácter más envolvente.



La intención de B.Miles en esta etapa no se limita a narrar rupturas o emociones difíciles, sino a explorar la pregunta sobre la felicidad y la decisión de actuar en consecuencia. “+1” se convierte en un ejemplo de cómo su música puede ser directa y al mismo tiempo introspectiva, ofreciendo un espacio sonoro que invita a reflexionar mientras se disfruta de su dinamismo.

Al escuchar “+1”, se percibe una propuesta que apuesta por la frescura y la claridad. La canción no busca adornos excesivos, sino transmitir con sencillez un sonido que atrapa desde el primer momento. En esa mezcla de ritmo, atmósfera contemporánea y voz cautivadora, B.Miles reafirma su lugar dentro del indie pop actual, mostrando que su evolución sigue marcada por la autenticidad y la capacidad de conectar con el oyente.


Yari M. irrumpe en la escena latina con su álbum debut Momentos

Yari M. irrumpe en la escena latina con su álbum debut Momentos

La cantautora puertorriqueña Yari M. llega al pop latino con el lanzamiento de su álbum debut, Momentos. Con una propuesta musical que fusiona Latin pop, R&B, afrobeat y ritmos urbanos, creando un sonido propio que refleja su identidad artística y su visión innovadora dentro de la música latina contemporánea.

El álbum, llega tras su EP Yo Soy, incluye singles que ya han capturado la atención del público, como “Última Vez” y “Sin Ti”, este último alcanzando el No. 1 en República Dominicana. Cada tema de Momentos ofrece una narrativa emotiva, explorando sentimientos de alegría, nostalgia, desamor y celebración, consolidando la capacidad de Yari M. para conectar con sus oyentes desde la vulnerabilidad y la autenticidad.



Momentos es un reflejo de quién soy, de mis vivencias y de cómo la música puede contar historias que trascienden fronteras_”, comenta la artista. Su voz combinada con producciones contemporáneas y arreglos cuidadosamente elaborados, logra un equilibrio entre lo emotivo y lo bailable, ideal para el público que busca tanto intensidad emocional como diversión musical.

Con Momentos, Yari M. marca un nuevo capítulo en su trayectoria, confirmando su lugar dentro del pop latino contemporáneo y su compromiso con la música honesta y emocional.


Nurko e iann dior desatan un torbellino emocional en “I Want You”

Nurko e iann dior desatan un torbellino emocional en “I Want You”

En un año donde el pop alternativo, el rap melódico y la electrónica sentimental dominan las playlists nocturnas, Nurko y su nuevo sencillo “I Want You”, en colaboración con iann dior, es una pieza diseñada para sentirse más que para escucharse: una mezcla de vulnerabilidad cruda, melodías expansivas y un pulso emocional que late entre el pop rap y el indie pop.

Jack Leech, mejor conocido como Nurko, creció entre baterías, pianos y una familia repleta de artistas. Desde sus primeros experimentos en internet hasta sus estudios formales de música, siempre tuvo claro que la melodía sería su brújula. Lo demostró en 2015 con “Goodbye” y “Your Embrace”, temas que acumularon millones de reproducciones y pusieron su nombre en canales clave como MrSuicideSheep y Chill Nation.



En este nuevo lanzamiento, Nurko intercambia parte de su energía épica por un ambiente más íntimo y urbano. “I Want You” combina una base electrónica suave y un arreglo ascendente con barras emocionales de iann dior, quien narra la volatilidad de una relación adictiva: juegos mentales, silencios incómodos y la atracción magnética hacia lo que sabemos que puede herirnos.

El resultado es un tema perfecto para manejar de noche con las ventanas abajo, para playlists de introspección o para ese momento de debilidad en el que buscamos canciones que “duelan bonito”, el indie pop se mezcla con el trap suave, y los oyentes buscan canciones que combinen honestidad y atmósfera. “I Want You” encaja perfectamente en esta corriente: híbrida, accesible, emotiva y lista para viralizarse.

Nurko reafirma su habilidad para convertir sentimientos complejos en estructuras melódicas sólidas. Y iann dior aporta la franqueza necesaria para que el mensaje llegue directo.


Maite Iriarte y la atmósfera acústica de “Tengo que decirte que”

Maite Iriarte y la atmósfera acústica de “Tengo que decirte que”

La trayectoria de Maite Iriarte se ha tejido entre Pamplona y Salamanca, ciudades que marcaron el inicio de su voz y su formación musical. Psicóloga de profesión, encontró en la música un cauce inevitable, primero como corista en distintas agrupaciones salmantinas y luego como solista en Tiebas, donde comenzó a escribir sus propios temas. Con proyectos como La Banda Dispersa y The Swingers Morning, fue consolidando un estilo versátil que se nutre de géneros diversos, desde el bolero hasta el jazz.

En este recorrido aparece “Tengo que decirte que”, una canción que destaca por su riqueza instrumental. La atmósfera acústica se construye a partir de cuerdas frotadas y percusiones que sostienen el tema con naturalidad, mientras la voz cálida y con buen cuerpo de Iriarte se convierte en el centro de la experiencia. El resultado es un sonido que combina influencias folk y pop con un toque latinoamericano, logrando una propuesta cercana y envolvente.



La historia de Maite Iriarte también está marcada por colaboraciones y aprendizajes. Su encuentro con Jesús Los Arcos le permitió grabar Regresiones Acústicas, un disco que recoge momentos significativos de su carrera. En los últimos años, el ukelele se ha convertido en su compañero de composición, aportando nuevas texturas a sus canciones y reforzando la idea de que cada tema pide un tratamiento distinto según su esencia.

Al escuchar “Tengo que decirte que”, se percibe un equilibrio entre sencillez y profundidad. La canción no busca artificios, sino transmitir emociones a través de un sonido orgánico y directo. En esa mezcla de tradición acústica y matices contemporáneos, Maite Iriarte reafirma su lugar como una voz que fluye con autenticidad, ofreciendo música que conecta desde lo íntimo y que refleja la corriente vital que guía su camino artístico.


Denna Mur y el viaje musical de “Ferris Wheel”

Denna Mur y el viaje musical de “Ferris Wheel”

El proyecto musical Denna Mur, creado por Alec Nakano en Ventura, California, representa una búsqueda constante de nuevas formas de expresión. Tras el debut con No Name Cinema, un álbum concebido en plena pandemia y marcado por un proceso de grabación poco convencional, Nakano inicia ahora una nueva etapa en su producción y composición. En este contexto aparece “Ferris Wheel”, el primero de una serie de sencillos que abren un capítulo distinto en su trayectoria.

La canción “Ferris Wheel” se sostiene en un ritmo ameno y un sonido pop-rock que se siente cercano. Su estructura no busca complejidad excesiva, sino transmitir una sensación de abrazo sonoro, reforzada por la voz controlada y encantadora del artista. Es un tema que conecta con el oyente desde la sencillez, ofreciendo un espacio donde la melodía y la interpretación se complementan de manera natural.



El recorrido previo de Denna Mur ayuda a entender este nuevo lanzamiento. No Name Cinema fue un álbum que exploró los límites entre realidad y ficción, inspirado en referencias cinematográficas y en experiencias personales. Con canciones narrativas y atmósferas folk, aquel trabajo mostró una faceta introspectiva. Ahora, con “Ferris Wheel”, el proyecto se desplaza hacia un terreno más ligero y accesible, sin perder la intención de generar un vínculo emocional.

Al escuchar “Ferris Wheel”, se percibe la voluntad de abrir un nuevo camino en la propuesta de Denna Mur. La canción se convierte en una invitación a dejarse llevar por un sonido que, aunque sencillo, resulta envolvente. En esa mezcla de frescura pop-rock y una voz que transmite cercanía, Nakano reafirma su capacidad de evolucionar y de ofrecer música que se siente viva y presente.


Tamar Berk revive el espíritu retro con “indiesleaze 2005”

Tamar Berk revive el espíritu retro con “indiesleaze 2005”

La trayectoria de Tamar Berk se ha caracterizado por un sonido que oscila entre el indie rock y el alt-pop, con guitarras distorsionadas y texturas oníricas que acompañan letras cargadas de intensidad emocional. Su formación musical, desde el piano clásico hasta la influencia de artistas como Bowie y Liz Phair, le ha permitido construir un estilo propio que se mueve entre lo melódico y lo introspectivo. En su carrera solista, Berk ha mantenido una independencia férrea, produciendo y grabando bajo un enfoque DIY que refuerza su autenticidad.

En este contexto aparece “indiesleaze 2005”, una canción que se sostiene en las bases del pop tradicional, pero que añade un toque retro evocador. El tema remite a épocas pasadas, con un ritmo sencillo que, sin necesidad de complejidad, logra ser lo suficientemente potente para permanecer en la memoria. Es una pieza que se siente familiar y a la vez fresca, como un puente entre la nostalgia y el presente.



La propuesta de Tamar Berk en esta canción no se limita a reproducir fórmulas conocidas. Su capacidad para integrar influencias clásicas con un aire contemporáneo le permite generar un sonido que conecta con distintas sensibilidades. “indiesleaze 2005” se convierte así en un ejemplo de cómo el pop puede dialogar con lo retro sin perder vigencia, ofreciendo un espacio sonoro que invita tanto a recordar como a descubrir.

Al escuchar “indiesleaze 2005”, se percibe un equilibrio entre sencillez y fuerza. La canción no busca adornos excesivos, sino que apuesta por un ritmo directo y una atmósfera que evoca imágenes de épocas pasadas. En esa mezcla de tradición y modernidad, Tamar Berk reafirma su lugar dentro de la escena independiente, mostrando que su música sigue siendo capaz de atrapar al oyente con propuestas que se sostienen en la honestidad y en la memoria sonora.


Shimdra y la fuerza de “Somos lo que somos”

Shimdra y la fuerza de “Somos lo que somos”

El dúo costarricense Shimdra, originario de Tres Ríos en Cartago, ha construido su identidad a partir de un largo recorrido que comenzó con la banda Shangri-Lá en los años 2000. Con el paso del tiempo, la formación se consolidó y en 2010 inició la grabación de su primera producción musical, sumando la participación de Fabián Romero en el bajo y Katherine en la voz principal. La historia del grupo refleja un proceso de transformación constante, marcado por la búsqueda de un sonido propio dentro del rock criollo.

En 2016 la incorporación de Bob de la Vega como voz principal dio un nuevo impulso a Shimdra, que junto a Ale Calderón en la guitarra y voz, Fabián Romero en el bajo y Alejandro Di Mare en la batería, conformaron una etapa más sólida. A finales de 2018, el contacto con el productor argentino Mario Breuer abrió un camino de composición y ensayos que reafirmó la intención de trabajar en música original. Sin embargo, la enfermedad y posterior partida de Romero en 2020 dejó una huella profunda en la agrupación.



Dentro de este recorrido aparece “Somos lo que somos”, una canción que se sostiene en influencias rock muy marcadas. Su ritmo simple funciona como un recurso suficiente para atrapar al oyente, mientras que la voz cálida y llena de vida aporta un carácter humano y directo. El tema no busca complejidad excesiva, sino transmitir con claridad la esencia de la banda y su manera de entender el rock como un lenguaje cercano.

Al escuchar “Somos lo que somos”, se percibe un diálogo entre la historia del grupo y su presente. La canción refleja tanto la resiliencia de Shimdra como su capacidad de transformar experiencias en música que conecta. En esa mezcla de sencillez rítmica y energía vocal, el dúo reafirma su lugar dentro de la escena costarricense, mostrando que su propuesta se sostiene en la autenticidad y en la fuerza de seguir creando.