La DJ, productora y vocalista MIJA, radicada en Berlín, presenta Hard Disco, un EP de cuatro canciones que explora nuevas posibilidades para el disco al cruzarlo con techno, hardgroove y Eurodance. Con una propuesta que combina nostalgia, sensualidad y energía de club, la artista transforma referencias clásicas en un sonido contemporáneo, pensado para la pista de baile y conectado con la intensidad de la escena electrónica berlinesa.
En Hard Disco, el pasado no funciona como una fórmula que debe repetirse, sino como un punto de partida para experimentar. Los grooves inspirados en el disco y el house clásico conviven con percusiones contundentes, ritmos acelerados y la energía directa del rave. El resultado es una propuesta dinámica y juguetona que conserva el carácter bailable de sus influencias mientras las lleva hacia territorios más intensos y nocturnos.
El EP está compuesto por “Feels Good”, “Hard Disco”, “On The Floor” y “Temptation”, cuatro piezas que desarrollan distintas facetas de una misma identidad musical. La apertura con “Feels Good” establece el movimiento desde los primeros compases, mientras que la canción homónima, “Hard Disco”, lleva las referencias disco hacia una dimensión más contundente y orientada a los momentos de mayor intensidad en el club.
Por su parte, “On The Floor” destaca por su groove contagioso y su vocación física, consolidándose como uno de los ejes del proyecto. La canción fue presentada antes del lanzamiento del EP y recibió apoyo inicial de medios como House of Solo y Son of Marketing. El recorrido concluye con “Temptation”, una pieza que introduce otra atmósfera sin romper la continuidad sonora de la colección.
Más que reunir cuatro sencillos independientes, MIJA construye un recorrido que mantiene una dirección común y permite que cada canción aporte un matiz diferente. El disco aporta sensualidad y ligereza; el techno y el hardgroove endurecen el pulso, mientras que el Eurodance suma una dimensión pop directa y reconocible.
Antes de este lanzamiento, trabajos como Summer Groove y el EP Soft Groove ya mostraban el interés de MIJA por combinar funk, house y ritmos de club acelerados. Hard Disco continúa esa exploración y profundiza en el cruce entre la memoria musical y las sonoridades actuales de la electrónica europea.
D’Angello & Francis regresan con “Do You Know (Where Your Teenager Is)?”, una producción que convierte la irreverencia y la energía de la cultura rave en una experiencia sonora intensa, diseñada para llevar la pista de baile al límite. El dúo belga apuesta por una combinación explosiva de grooves contundentes, sintetizadores ácidos y voces distorsionadas que atrapan desde los primeros segundos.
La canción abre con una frase hablada y procesada electrónicamente que plantea una pregunta provocadora: ¿sabes dónde está tu adolescente? Este recurso introduce un toque de humor y misterio antes de dar paso a una base techno implacable. La advertencia parental contrasta con la energía hedonista de la composición, creando un juego entre el control y la libertad que encaja perfectamente con el espíritu rebelde de la noche.
A medida que avanza el track, los ritmos insistentes y las texturas electrónicas toman protagonismo. Los grooves crudos se combinan con líneas de sintetizador acid que aportan un carácter hipnótico y mantienen la tensión en constante evolución. Cada elemento está pensado para generar movimiento, convirtiendo la producción en una propuesta ideal para clubes y grandes escenarios donde la música se siente tanto como se escucha.
Uno de los mayores aciertos de “Do You Know (Where Your Teenager Is)?” es su capacidad para construir una identidad reconocible a partir de pocos elementos. La voz distorsionada funciona como un gancho memorable, mientras la contundencia instrumental mantiene la energía en alto. En lugar de depender de una estructura excesivamente compleja, D’Angello & Francis aprovechan el contraste, la repetición y la fuerza del ritmo para conseguir un resultado directo y efectivo.
El tema también refleja la orientación del dúo hacia los sonidos de alto impacto que dominan las pistas de baile contemporáneas. Con una trayectoria vinculada a la escena festivalera y al sello Smash The House, los productores han desarrollado una propuesta que combina intensidad, melodías potentes y una actitud pensada para conectar con el público en directo. En este lanzamiento, esa energía se expresa a través de una estética más cruda, con el techno y los sonidos acid como protagonistas.
Desde las zonas rurales de Illinois, cerca de St. Louis, Starwolf lleva casi una década construyendo un universo musical propio en el que el funk, el pop y las texturas electrónicas conviven con una sensibilidad decididamente cósmica. Formado en 2016 por Tim Moore, Max Sauer y Chris Rhein, el trío ha desarrollado una propuesta que combina groove, experimentación y una estética de otro mundo. Después de publicar los EPs Ti Amo, Stargazer (2018) y Astro Lobo (2020), la banda continúa expandiendo ese imaginario con Copacabana, un nuevo proyecto que tiene en “Back It Up” uno de sus adelantos más destacados.
“Back It Up” funciona desde los primeros compases como una invitación a entrar en el particular universo sonoro de Starwolf. La canción se apoya en una combinación de funk y pop que prioriza el groove, con un bajo especialmente protagonista y beats pegadizos que aportan movimiento y una ligera sensación tropical.
Uno de los elementos más interesantes de la producción aparece en la mezcla de instrumentos y texturas. Las guitarras y baterías de inspiración bossa nova se encuentran con capas de sintetizadores que amplían el espacio sonoro, creando un contraste entre lo orgánico y lo electrónico. El resultado es una pieza relajada pero dinámica, capaz de mantener un pulso constante mientras incorpora diferentes matices a lo largo de su recorrido.
La canción también encuentra parte de su personalidad en la interpretación vocal de Chris Rhein. Su voz limpia, luminosa y serena adquiere un carácter casi etéreo, con un efecto que parece prolongarse sobre la instrumentación y reforzar la sensación envolvente del tema. La identidad de Starwolf siempre ha estado ligada a una idea de exploración. Desde su nacimiento, el trío ha construido una mezcla de funk y pop que evita quedarse en los límites convencionales de ambos géneros. “Back It Up” continúa esa búsqueda mediante una producción que combina ritmos bailables, elementos acústicos y sintetizadores.
El tema encuentra así un equilibrio entre relajación y movimiento. Hay espacio para dejarse llevar por el groove, pero también una atención especial a los detalles de la producción. Hacia el tramo final, alrededor del minuto 2:42, la voz desaparece y el instrumental adquiere un protagonismo especial, ofreciendo uno de los momentos más atractivos de la canción.
“Back It Up” es el quinto single de Copacabana, el EP que Starwolf prepara para el 5 de noviembre. El lanzamiento representa un nuevo capítulo para un grupo que ha mantenido una trayectoria marcada por la constancia y por el deseo de desarrollar una identidad sonora reconocible. El nuevo material parece continuar con esa combinación de ritmos, texturas y atmósferas que caracteriza al proyecto. En “Back It Up”, la bossa nova aporta un nuevo color a la fórmula de Starwolf, mientras el funk y el pop mantienen el centro de gravedad en el groove.
The Next Movement vuelve a demostrar por qué se ha consolidado como una de las propuestas más enérgicas del funk europeo con “MOJO”, un nuevo single en el que el trío suizo une funk, neo-soul, jazz-funk y elementos de Afrobeat para convertir la recuperación personal en una experiencia colectiva. Acompañados por The SoulVision Allstars Horns, colaboradores habituales de otros proyectos, J.J. Flueck, Pascal “P” Kaeser y Sam Siegenthaler amplían su característico sonido con una sección de metales que aporta fuerza, movimiento y una dimensión especialmente expansiva.
The Next Movement ha construido una identidad marcada por el groove, el virtuosismo y una poderosa conexión con el público. Su formación de tres músicos Flueck en batería, samples y voz principal; Kaeser en bajo, sintetizadores y coros; y Siegenthaler en guitarra y coros consigue generar el impacto de una banda mucho más grande, combinando precisión instrumental, humor y una energía contagiosa.
En “MOJO”, esa capacidad para convertir el groove en una experiencia física encuentra un nuevo punto de expresión. El bajo, la guitarra, la batería y los sintetizadores establecen una base dinámica sobre la que los metales de The SoulVision Allstars Horns amplían el espectro de la canción. El resultado es un tema vibrante en el que el funk y el neo-soul se encuentran con influencias de jazz y ritmos afrobeat, manteniendo el movimiento constante de principio a fin.
En el centro de la canción aparece una frase sencilla que funciona como declaración y como mantra: “I got my mojo back”. El “mojo” representa esa energía, seguridad y confianza personal que en determinados momentos puede desaparecer bajo el peso de la duda o el desgaste, pero que también puede recuperarse. La canción convierte ese proceso interior en una celebración. No se trata simplemente de volver al punto de partida, sino de atravesar una etapa difícil y emerger de ella con una perspectiva diferente. La imagen del ave fénix refuerza precisamente esa idea de transformación: renacer no significa ser exactamente quien eras antes, sino reconstruirte y recuperar tu espacio desde un lugar nuevo.
Los arreglos de metales aportan una dimensión adicional al formato de trío y convierten el groove en una celebración sonora de mayor escala. Cada elemento trabaja para mantener el impulso: la base rítmica sostiene el movimiento, la guitarra aporta textura y carácter, los sintetizadores expanden el paisaje y los metales elevan los momentos clave.
“MOJO” llega en una etapa especialmente importante para The Next Movement. Después de su etapa More Cowbell y de lanzamientos como Never Coming Down, Funk Love Ecstasy e Is it Real?, el grupo prepara una nueva gira durante 2026/2027 y el lanzamiento de su cuarto álbum de larga duración en octubre de 2026.
Hay artistas que comienzan buscando una voz y otros que comienzan buscando una respuesta. En el caso de Jeynu Núñez, escritor y rapero de Juana Díaz, Puerto Rico, ambas búsquedas parecen ocurrir al mismo tiempo. Desde 2020, Núñez ha utilizado la música como un espacio para explorar aquello que lo compone: la memoria, la identidad, las relaciones, las experiencias cotidianas y también esas emociones que, a primera vista, podrían parecer demasiado pequeñas como para convertirse en una canción. Su propuesta parte de una intención sencilla, aunque no necesariamente fácil: hablar desde la sensibilidad sin perder el calor humano.
Ese recorrido desemboca en NOSTALGIA, su primer álbum de estudio, un proyecto de siete canciones que funciona como una mirada hacia distintas etapas de su vida. No se trata únicamente de recordar. En el álbum, recordar parece ser también una forma de ordenar, entender y finalmente soltar.
NOSTALGIA no busca presentar una narrativa explicada de principio a fin. En lugar de construir un discurso explícito, Núñez parece confiar en los detalles.
El proyecto también reúne una serie de colaboraciones que amplían ese ejercicio de memoria hacia otras geografías. En sus créditos aparecen artistas de Puerto Rico y de distintos lugares del mundo, entre ellos Yuyang Lu, Migui, Ivan Bervin, LAPERRERA, Melina Alegria, brrrravo, Annie, Jon Limon, Acidd y Siete.
El Track x Track de “Nostalgia”
1. El intro que le debía a Shanice — con Yuyang Lu
El álbum comienza casual y relax, con un lenguaje casual que logra darnos contexto del artista El intro que le debía a Shanice funciona como una puerta de entrada a NOSTALGIA: una canción que parte de una persona específica para abrir un espacio mucho más amplio de recuerdos. Hay algo íntimo en la idea de “deberle” una canción a alguien, como si hacerla fuera finalmente cumplir una promesa pendiente. Con Yuyang Lu, el tema nos da un “Solo quedara seguir pa lante” como mantra de la canción, fuera de la legra la música es muy interesante, con sensaciones de hip hop, R&B y soul, la canción logra transmitirnos desde pensamientos relax, hasta un contexto social que tienes que escuchar.
2. JiNCHA BORiCUA — con Migui y Ivan Bervin
JiNCHA BORiCUA parece surgir desde un lugar más cotidiano y orgullosamente puertorriqueño. El propio título juega con una identidad reconocible, pero presentada desde una sensibilidad personal y posiblemente irreverente. La presencia de Migui e Ivan Bervin amplía esa identidad hacia afuera, convirtiendo una experiencia local en un punto de encuentro entre distintas partes del mundo. Dentro de NOSTALGIA, representa la memoria de un lugar y de una forma de ser: aquello que uno carga consigo incluso cuando se encuentra lejos. La canción nos presenta memorias, lugares, personas y emociones como un pequeño momento entre amigos donde pueden platicar sobre esos días que valoran, pero que han quedado atrás. El track no solo funciona como remembranzas del pasado sino como una propuesta romántica con la integración del featuring.
3. Maldita Esperanza — con LAPERRERA y Melina Alegria
Hay algo contradictorio en llamar Maldita Esperanza a una canción: la esperanza suele ser aquello que nos sostiene, pero también puede ser precisamente lo que nos impide aceptar que algo terminó. El título encapsula esa tensión entre querer seguir creyendo y saber que quizá deberíamos dejar ir. Con LAPERRERA y Melina Alegria, la canción se convierte en uno de los momentos donde la nostalgia puede sentirse menos como recuerdo y más como una emoción todavía presente.
4. Una lofi pa’ Nati — con brrrravo y Annie
Con una voz en off de introducción,Una lofi pa’ Nati tiene desde el título una intimidad distinta. No intenta sonar como una gran declaración; parece más bien un gesto sencillo: hacerle una canción a alguien. El “pa’ Nati” hace que el proyecto vuelva a lo cotidiano y recuerda que la memoria también está hecha de pequeños detalles, nombres propios y momentos que quizás nunca fueron importantes para nadie más. Su carácter lo-fi encaja naturalmente con esa sensación de mirar una fotografía vieja, quedarse pensando y dejar que el recuerdo haga el resto, su carácter instrumental nos da un respiro dentro del disco pero a la vez la voice note del principio de la canción nos deja recordando esas conversaciones que tuvimos con esa persona de nuestro pasado.
5. Lafourcade — con Acidd
Lafourcade introduce la memoria desde otro lugar: el de las referencias que terminan convirtiéndose en parte de nuestra propia identidad. Con Acidd, la canción funciona como una conversación al pasado, una persona y muchos recuerdos, dándole aún mas valor al titulo del álbum. La canción logra sorprendernos con un final que fusiona elementos de la electrónica y rap con un groove inesperado que nos encantó.
6. Algo así pa’l outro de David — con Siete
Si El intro que le debía a Shanice abre el álbum desde una deuda, Algo así pa’l outro de David parece cerrarlo desde otro lado, un instrumental acústico a voz y guitarra con una naturalidad casi improvisada, como si la canción hubiera nacido de una conversación, una referencia interna o una idea que simplemente había que convertir en música. Esa espontaneidad encaja con la esencia de NOSTALGIA: no todo recuerdo necesita una explicación solemne. A veces basta con dedicar algo, nombrarlo y dejarlo existir. La colaboración con Siete convierte ese momento en otro encuentro dentro del álbum.
7. La tinta no miente — con marciano, el joven
El álbum termina con una declaración que podría resumir todo su concepto: La tinta no miente. Después de recorrer recuerdos, personas, lugares y distintas versiones de sí mismo, queda la escritura como testigo. La tinta conserva aquello que la memoria puede distorsionar, esconder o intentar olvidar. Que esta sea la última canción hace que NOSTALGIA termine regresando a una de las raíces de Jeynu: el escritor. Si todo el álbum es un ejercicio de recordar para entenderse, aquí la escritura aparece como evidencia de ese proceso. Lo que quedó escrito, quedó.
Vistas juntas, las siete canciones pueden leerse como siete formas diferentes de recordar: una deuda, una identidad, una esperanza, una persona, una influencia, una despedida y finalmente la escritura.
Y eso conecta muy bien con la idea que planteaste desde el principio: NOSTALGIA no intenta contarle al oyente exactamente qué debe sentir. Le enseña fragmentos de la memoria de Jeynu y lo deja completar los espacios vacíos. Para Jeynu, la nostalgia no parece significar únicamente extrañar el pasado. Es, más bien, una materia con la que puede trabajar.
Su música parte de experiencias que pueden ser banales o profundamente introspectivas, pero intenta acercarse a ambas con el mismo nivel de honestidad. Esa disposición a encontrar significado incluso en aquello que aparentemente no lo merece es una de las características que atraviesa su propuesta.
En NOSTALGIA, esa mirada adquiere una dimensión especialmente personal. Una ruptura amorosa terminó convirtiéndose en parte importante del proceso creativo y llevó a Núñez a confrontar sensibilidades que quizá permanecían en segundo plano.
Lo que comenzó como una inquietud artística terminó funcionando también como una forma de terapia: un espacio para mirar hacia adentro cuando mirar hacia afuera ya no parecía suficiente. Pero el álbum no parece querer quedarse atrapado en el dolor. Hay humor, referencias personales, colaboraciones, buenas vibras y una voluntad evidente de mantener la humanidad en el centro. La introspección no tiene que convertirse necesariamente en solemnidad.
Dax, el artista de 26 años originario de Canadá, continúa consolidando su estilo personal con “Diary Of A Trying Man”, uno de sus lanzamientos más introspectivos hasta la fecha. La canción, incluida en su álbum From A Man’s Perspective, se presenta como un diario sonoro donde el rapero transforma una ruptura amorosa en una reflexión íntima sobre esfuerzo, vulnerabilidad y crecimiento personal.
Desde los primeros compases, la producción minimalista de LexNour Beats crea un ambiente melancólico que deja espacio para que la voz de Dax se muestre desnuda y sincera. Cada línea transmite la lucha interna del artista por superar recuerdos dolorosos y la sensación de no haber sido “suficiente”, mientras recuerda noches de desvelo y momentos de confusión emocional. La narrativa de la canción refleja un proceso de autoconfrontación y aceptación, donde se reconoce la importancia del intento, incluso cuando los resultados no son los esperados.
El estribillo, repetido a lo largo de la canción con la frase “I tried”, funciona como un mantra de resiliencia. Más que un lamento, es un reconocimiento del valor del esfuerzo y de la perseverancia frente a las dificultades. Vocalmente, Dax se mantiene contenido, evitando la exageración, lo que potencia la autenticidad de la pieza y permite que los oyentes conecten profundamente con la emoción cruda del relato.
“Diary Of A Trying Man” no es solo una canción sobre ruptura, sino un ejercicio de introspección y reconstrucción personal. Con este lanzamiento, Dax reafirma su capacidad de transformar lo íntimo en universal, mostrando un lado humano y vulnerable que resuena con quienes han enfrentado decepciones, aprendizajes y la constante búsqueda de ser mejores.
Si quieres experimentar la honestidad emocional de Dax, este sencillo se convierte en una escucha imprescindible para adentrarse en su mundo y comprender la fuerza que puede surgir del intento constante.
J. Santonio originario de Washington D.C., es un cantante, rapero y compositor ha construido su identidad combinando una sensibilidad emocional con influencias que van desde Bruno Mars y Michael Jackson hasta la elegancia contenida de Ne-Yo. Con Tonight, su nuevo lanzamiento, Santonio revela una faceta más íntima, cinematográfica y estimulante de su sonido.
Desde los primeros segundos, Tonight establece un clima seductor. Una base nu-disco moderna, líneas de bajo serpenteantes y un groove que fluye sin esfuerzo dibujan un escenario nocturno teñido de luces pastel. Es música para los sentidos: se mueve con sutileza, respira entre golpes de batería y deja espacio para que cada elemento encuentre su propio brillo. La producción destaca por su claridad, por su precisión sin frialdad, logrando ese equilibrio raro entre lo pulido y lo cálido.
La voz de J. Santonio es sutilmente rasposa, suave, aterciopelada, se desliza entre los acordes con una mezcla de control y vulnerabilidad. Sin recurrir a excesos vocales, su interpretación apuesta por la contención y la sugestión, generando una tensión que recorre todo el track. Es esa manera de insinuar más que de exponer lo que convierte la escucha en una experiencia íntima y envolvente.
Tonight aborda un tema aparentemente sencillo: la atracción, el deseo femenino, el magnetismo de un encuentro que no necesita ataduras. Pero en manos de Santonio, esa simplicidad se transforma en un manifiesto de libertad y respeto. Más que un relato romántico, es una observación elegante del instante, un reconocimiento a la autonomía de la mujer y a la belleza de un momento que no pretende ser eterno para poder ser auténtico.
Los detalles elevan la canción: silencios bien colocados, respiraciones que se sienten casi coreografiadas, giros melódicos que aparecen justo cuando el oído los desea. Todo está construido para crear sensación de cercanía, como si el oyente caminara junto al artista bajo un cielo urbano, compartiendo una conversación que, aunque breve, deja una huella cálida.
Con Tonight, J. Santonio demuestra que no necesita reinventar el R&B para hacerlo vibrar desde otro lugar. Su propuesta tiene un pulso íntimo, sofisticado y honesto que lo coloca como una de las voces emergentes más prometedoras del género. En apenas unos minutos, logra capturar un fragmento de noche y convertirlo en un recuerdo sonoro: elegante, ligero y profundamente humano.
El grupo de Latin Pop y Hip Hop 2MX2, una de las propuestas más disruptivas surgidas desde Colorado en los últimos años, presenta su nuevo sencillo “Escándalo”, un tema que combina fuerza política, ritmo contagioso y una afirmación clara de identidad. La banda, reconocida por su fusión de sonoridades urbanas con raíces latinas y por su compromiso social, continúa ampliando su impacto con una canción que se siente tan urgente como necesaria.
“Escándalo” nace del choque diario entre la realidad latinx en Estados Unidos y las narrativas estigmatizantes que persisten en torno a la inmigración. Lejos de rehuir estos temas, 2MX2 los enfrenta con frontalidad: el tema denuncia los prejuicios que rodean a la comunidad mexicana e inmigrante, al mismo tiempo que celebra su fortaleza, su ética de trabajo y su identidad multicultural. Con un equilibrio entre versos rápidos en inglés y declaraciones viscerales en español, la canción refleja una vivencia bilingüe que muchos estadounidenses latinos reconocen como propia.
En el centro de la pieza se encuentra Owen Trujillo (O1), rapero nacido en Zacatecas, México, quien reivindica sus raíces mientras confronta los estereotipos que lo han marcado. Su mensaje es contundente: aprender el idioma dominante no es un gesto de sumisión, sino una herramienta para cuestionar, educar y desafiar estructuras opresivas. Este empoderamiento se convierte en una fuerza que impulsa toda la narrativa del sencillo.
2MX2 lo invierte y lo transforma en una declaración de orgullo. “Si nos consideran un escándalo por ser quienes somos, entonces seremos un escándalo con propósito”, parece decir la banda con cada compás. Musicalmente, el track combina percusiones marcadas, un beat moderno y un flujo vocal que transita entre lo combativo y lo emotivo.
La diversidad dentro de 2MX2 —con integrantes de raíces mexicanas, cubanas, peruanas y estadounidenses— potencia el carácter comunitario del proyecto. Su misión artística siempre ha sido clara: crear música que eduque, que una y que ofrezca representatividad sin perder su esencia festiva y accesible. En este sentido, “Escándalo” no solo suma a su discografía, sino que también reafirma su compromiso con una narrativa cultural más justa e inclusiva.
Desde San Francisco, Analog Dog ha emergido compuesta por músicos provenientes de distintos rincones de Estados Unidos, la banda se formó en torno al mítico Golden Gate Park, con la intención de mantener viva la esencia musical de la ciudad. Con influencias que van desde lo psicodélico de los años 60 hasta los grooves disco de los 70, sumando los paisajes sonoros del indie pop moderno, Analog Dog ha construido un sonido propio que desafía las etiquetas y celebra la improvisación y la composición sin fronteras de género.
El año pasado marcaron un hito con su LP debut “Color TV”, sus presentaciones recientes incluyen abrir para The Script en el Fox Theater de Oakland, una gira de dos semanas en Ciudad de México, y festivales propios en Golden Gate Park y el Jerry Garcia Amphitheater, demostrando su capacidad de conectar con miles de fans en experiencias memorables.
Recientemente, la banda estrenó el sencillo “Cántame”, adelanto de su próximo álbum ‘IT’S NOT THE MONEY WE’LL REMEMBER’, que se lanzará en enero de 2026. El tema fusiona ritmos latinos y dance con guitarras psicodélicas, inspirado por la gira de la banda en México y por la obra de Joseph Campbell The Hero With a Thousand Faces, explorando el poder de los mitos y las historias para conectar con la emoción humana. Con un coro grupal contagioso y un sonido vibrante, “Cántame” confirma la capacidad de Analog Dog para crear música que une culturas, emociones y generaciones.
Analog Dog sigue comprometido con crear vibraciones que recuerden la magia que existe dentro de todos nosotros, consolidándose como una banda que no solo honra la tradición musical de San Francisco, sino que la reinventa con cada nota, ritmo y acorde.
Nacidos en la escena skate de mediados de los 2000s en Nueva York, The Jack Moves, el dúo formado por Zee Desmondes y Teddy Powell, se ha consolidado como una de las propuestas más originales del neo-R&B y soul contemporáneo. Tras explorar el MPC y dar sus primeros pasos en la música, el dúo trasladó su creatividad a Newark, Nueva Jersey, donde desarrolló un sonido único que combina la emoción cruda del soul de los 70, la sofisticación de los hooks de R&B de los 80 y la energía de los beats urbanos de los 90.
A lo largo de sus tres álbumes —The Jack Moves (2015), Free Money (2018) y Cruiserweight (2022)— Desmondes y Powell han creado una narrativa musical cinematográfica, donde cada canción funciona como un pequeño relato lleno de texturas, falsettos seductores y grooves envolventes. Han compartido escenarios con artistas como Erykah Badu, Ben Harper, King Krule, The Internet y Madlib, demostrando la diversidad y amplitud de su sonido.
Su más reciente proyecto, Love Machine, producido junto a Adan Jodorowsky en Ciudad de México y mezclado en Francia por Jack Lahana, representa un paso más allá en su exploración sonora. Con este álbum, el dúo mezcla funky soul, elementos de indie pop y R&B futurista, entregando pistas como “Biggest Creep in America” y “Digital Whisper”, que combinan introspección, crítica social y emociones universales.
The Jack Moves no solo recrea la nostalgia de épocas pasadas, sino que la reinventa, ofreciendo un soul innovador, cinematográfico y profundamente humano. Su capacidad de fusionar tradición y modernidad los posiciona como una de las voces más fascinantes del panorama musical actual, un viaje sonoro que va desde Newark hasta México, y que sigue conquistando oyentes alrededor del mundo.
