El músico, cantante y multiinstrumentista Quinn Oulton regresa con su nuevo sencillo Comfort Food, una pieza que combina sofisticación musical y profundidad emocional. La canción ofrece una mirada íntima a la adicción, tratándola como una relación compleja y casi espiritual: un refugio que escucha, acompaña y perdona cuando todo lo demás falla.
Musicalmente, Comfort Food navega entre Neo-Soul, Alternative/Indie R&B, Nu Jazz y Jazztronica, mezclando raíces jazzísticas con texturas contemporáneas y un groove envolvente. La interpretación de Quinn transmite cercanía y calidez, invitando al oyente a sumergirse en un paisaje sonoro que se siente introspectivo y reconfortante al mismo tiempo.
Con esta propuesta, Quinn Oulton reafirma su capacidad de fusionar jazz, indie y funk con sensibilidad moderna, creando canciones que no solo se escuchan, sino que se sienten. Comfort Food es un viaje musical que acompaña, observa y refleja emociones complejas, consolidando al artista como una de las voces más singulares del neo-soul y jazz alternativo británico.
La trayectoria de Eve Maret, artista experimental radicada en Nashville, se ha caracterizado por una exploración constante de los medios electrónicos y sus posibilidades expresivas. Su trabajo, reconocido por publicaciones como WIRE Magazine y Chicago Tribune, se mueve entre lo sonoro y lo visual, integrando disciplinas como el videoarte, la danza y el ritual. Con una paleta que incluye sintetizadores digitales y modulares, vocoder, clarinete y grabaciones de campo, Maret ha construido un lenguaje propio que dialoga con la tradición y la innovación.
En ese contexto aparece “Break the Chain”, una canción que destaca por su carácter experimental y por un sonido único. La pieza combina la electrónica con un toque industrial, generando una escena sonora que atrapa desde el inicio. Su ritmo se siente sólido y envolvente, mientras la voz de Maret añade un matiz emocional que refuerza la propuesta. Es un tema que se sostiene en la tensión entre lo mecánico y lo humano, logrando un equilibrio particular.
La música de Eve Maret siempre ha estado inspirada por referencias diversas, desde la música coral del siglo XIX hasta el movimiento Fluxus y la Kosmische Musik. En “Break the Chain”, esa amplitud de influencias se traduce en una composición que no se limita a un solo género, sino que se abre hacia un espacio híbrido. El resultado es una canción que se siente contemporánea, pero que al mismo tiempo conserva un aire atemporal gracias a su construcción ambiental.
Al escuchar “Break the Chain”, se percibe una propuesta que busca expandir los límites del rock alternativo y la electrónica experimental. La canción funciona como un ejemplo de cómo Eve Maret utiliza la tecnología y la voz para crear un espacio sonoro distinto, capaz de destacar dentro de su género. En esa mezcla de industrial y electrónico, la artista reafirma su lugar como una creadora que entiende la música como un proceso de exploración y conexión.
Hablar de The Notwist siempre implica reconocer una trayectoria marcada por la exploración y la reinvención. La banda alemana, con sede en Múnich, ha sabido moverse entre la melancolía y la energía positiva, construyendo un lenguaje musical que se adapta a los tiempos sin perder identidad. Su regreso con News from Planet Zombie confirma esa capacidad de responder a un mundo caótico con canciones que, más allá de lo inmediato, buscan un espacio de reflexión y conexión.
En ese marco aparece “How the Story Ends”, una propuesta que aparenta sencillez pero que está llena de ingenio. El tema se sostiene en un ritmo muy inteligente, capaz de atrapar desde el primer instante. La manera en que la banda maneja el rock con un toque experimental le da un carácter distintivo, mostrando que la innovación puede convivir con estructuras accesibles. Es una canción que se abre paso con naturalidad dentro del repertorio del grupo.
La dinámica de The Notwist en este nuevo trabajo se apoya en la colaboración de su formación ampliada, con músicos que aportan matices diversos. En “How the Story Ends”, esa pluralidad se traduce en un sonido que fluye con frescura, sin perder la coherencia que caracteriza al trío central de Markus y Micha Acher junto a Cico Beck. La canción refleja la intención de la banda de seguir expandiendo su lenguaje, manteniendo siempre un pie en lo experimental.
Al escuchar “How the Story Ends”, se percibe un equilibrio entre lo reflexivo y lo vibrante. La pieza no busca imponerse con estridencia, sino con la inteligencia de su construcción rítmica y ambiental. En esa mezcla de rock y experimentación, The Notwist reafirma su lugar como una banda que entiende la música como un proceso vivo, capaz de sorprender incluso en su aparente sencillez.
La artista independiente madrileña Fitasha continúa con su propuesta musical con el lanzamiento de Colocón, un single que combina hip-hop psicodélico con toques de neo-soul y atmosféricas texturas etéreas. Más que una celebración de un año sin fumar marihuana, la canción habla de un “high” emocional y natural, esa energía que solo ciertas personas pueden provocar, transformando la química y la conexión en música.
Producido por Fitasha, Colocón destaca por su minimalismo y profundidad sonora, con beats flotantes, delays expansivos y una lírica envolvente que invita a vivir una experiencia honesta e inmersiva. El tema explora la sensualidad, la intimidad y la introspección, consolidando la identidad artística de Fitasha como compositora, productora y directora creativa de su propio proyecto.
Este single funciona además como la introducción a su próximo álbum, que promete expandir aún más su exploración de géneros y sonidos, ofreciendo a su comunidad FUNGI GANG una propuesta musical que conecta cuerpo y mente a través de emociones genuinas y paisajes sonoros envolventes. Con Colocón, Fitasha demuestra nuevamente por qué es una de las voces más originales y versátiles de la escena independiente española.
El dúo de Los Ángeles conocido como Livingmore surgió en 2014, cuando Alex y Spencer conectaron gracias a su química musical. Desde el principio, su propuesta ha buscado equilibrar las sensibilidades del indie rock moderno con un toque de encanto pop vintage. Esta combinación les ha permitido desarrollar una experiencia sónica que resulta a la vez refrescante y accesible.
Su tema Resident Psycho es una muestra de su enfoque. La canción se enmarca en el indie rock, pero se permite explorar tintes experimentales y de shoegaze. El sonido se alimenta de una guitarra que se siente rústica y rebelde, marcando la pauta. Sobre esta base, la parte vocal se integra de manera adecuada, encajando con el estilo general de la pieza.
El grupo no es ajeno a la escena; su álbum debut, “OK To Land”, generó un interés considerable y recibió buena acogida. Previamente, ya habían ganado atención con sus primeros sencillos y EPs. Su presencia en línea se vio impulsada notablemente cuando una interpretación en vivo de “Little Bird”, grabada en un estacionamiento, se volvió viral.
Resident Psycho parece ser una continuación de esa trayectoria. Livingmore utiliza su química compositiva para presentar canciones que mantienen esa frescura. La textura de la guitarra en este tema es un buen ejemplo de cómo la banda utiliza elementos distintivos para definir su sonido dentro del panorama indie actual.
La artista belga Tsar B (Justine Bourgeus) continúa llamando la atención como una de las voces nuevas de la escena internacional, fusionando su formación clásica como violinista con sensibilidad indie, electrónica experimental y matices cinematográficos. Su nuevo single, “Mrs. Impatience”, adelanta su próximo álbum The Writer, una obra profundamente autobiográfica que explora amor, obsesión y pasión a través de once pistas cuidadosamente construidas.
“Mrs. Impatience” nace de un momento de intensa emoción durante una discusión amorosa, capturando la energía explosiva y la sensibilidad que caracterizan a Tsar B. Los beats R&B oscuros, los matices glitchy y la instrumentación hipnótica reflejan su estilo único: un híbrido entre precisión técnica y expresión emocional intensa. La canción funciona como una carta musical dirigida a un amor que surgió primero a través de la literatura, un hilo conductor de todo el álbum, en el que la artista convierte experiencias personales en composiciones emocionalmente resonantes y sofisticadas.
Con una carrera que abarca desde su EP debut en 2016 hasta su LP The Games I Play (2020) y el EP to the stars (2023), Tsar B ha construido una discografía marcada por la exploración y la experimentación. Ha colaborado con artistas como Alexander Chung, Oscar and The Wolf y Nova Twins, y su música ha sido protagonista de coreografías de danza internacionales, incluyendo apariciones en So You Think You Can Dance USA. Además, se ha consolidado como compositora de cine y ópera, llevando su talento más allá de los escenarios tradicionales.
The Writer se presenta como un proyecto conceptual donde cada canción funciona como una carta: Tsar B responde a un escritor que la inspiró, mezclando narrativa íntima con atmósferas sonoras que combinan lo electrónico, lo cinematográfico y lo barroco. La artista logra así un sonido que es, a la vez, introspectivo y expansivo, capaz de emocionar tanto al oyente indie como al aficionado a la música electrónica experimental.
Para 2026, Tsar B tiene programada una gira internacional que incluirá fechas en Londres, París, Bruselas, Berlín, Hamburgo y Ámsterdam, prometiendo presentaciones donde la intensidad instrumental y la sensibilidad emocional convergen en directo. Con Mrs. Impatience y el próximo lanzamiento de The Writer, Tsar B reafirma su lugar como dentro del pop electrónico contemporáneo, equilibrando virtuosismo técnico y pasión artística en cada nota, y ofreciendo una propuesta sonora que sigue sorprendiendo y emocionando a nivel global.
Color Theory es el proyecto del compositor y productor californiano Brian Hazard, una propuesta que desde 1993 se ha mantenido como un referente del synth-pop y, más recientemente, del synthwave melancólico. Con una carrera de más de 30 años, Hazard combina su formación como pianista clásico con la experimentación electrónica para crear paisajes sonoros introspectivos, nostálgicos y profundamente humanos.
Su último álbum, The Bright Circumstance, es un reflejo de su experiencia personal con la ansiedad, el insomnio y los ataques de pánico, transformando estas vivencias en un manual musical para la calma y la reflexión. Compuesto íntegramente en su sofá con la groovebox híbrida Elektron Syntakt, el disco ofrece una mezcla de texturas sintéticas envolventes, ritmos pulsantes y arpegios melódicos que acompañan a letras introspectivas y llenas de sinceridad.
El Track x Track de “This Bright Circumstance”
This Bright Circumstance surge de la experiencia personal de Hazard con la ansiedad, el insomnio y los ataques de pánico, transformando estos desafíos en un “manual musical” para mantener la mente en calma y encontrar equilibrio emocional. Todo el álbum fue producido desde su sofá usando únicamente la groovebox híbrida Elektron Syntakt, lo que le da un carácter artesanal y cohesivo a la propuesta sonora.
Where Tigers Are Said to Roam La apertura del álbum sumerge al oyente en un paisaje de sintetizadores brillantes y arpegios coloridos, la canción reflexiona sobre la importancia de experimentar por uno mismo, en lugar de confiar únicamente en relatos ajenos. Brian Hazard utiliza su voz para narrar imágenes poéticas de exploración y asombro, mientras la instrumentación electrónica crea un equilibrio entre calidez y claridad.
The Rehearsal Combinando sintetizadores juguetones con una producción que recuerda al pop electrónico de los 80, similar a Erasure o Depeche Mode pero de una manera colorida. La letra explora la preparación mental y emocional para interacciones sociales, la autoobservación y la práctica de la comunicación como un arte consciente. Con este segundo track, nos vamos sumergiendo mas en la paleta de sonido super synth pop del artista.
Thoughts Can’t Hurt You En este tema, las texturas sintetizadas, un ambiente reverberado y un groove mas agresivo y distorsionado generan un ambiente para reflexionar sobre pensamientos intrusivos, enseñando a observarlos sin juzgarlos ni dejarse arrastrar por ellos mientras nos dan un groove intenso.
The Ambulance Despues de un rush intenso en “Thoughts Can’t Hurt You”, The Ambulance nos permite reposar en la introducción, con un ambiente mas etereo y tranquilo que poco a poco va introducineodnos a esta ritmo ochentero y movido con las cajas de ritmo, con un tono mas inocente los sintetizadores logran darnos melodias dulces y nostalgicas.
The Art of Anger
Con todos los elementos que nos ha mostrado Color Theory, The Art of Anger juega con los elementos minimalistas de las cajas de ritmos y sintetizadores super retro, donde el groove y las melodías se llevan el protagonismo completamente. A esto se suma una producción que equilibra texturas electrónicas densas con espacios más etéreos, creando un contraste entre tensión y calma que mantiene al oyente inmerso de principio a fin.
Flavor
Esta mitad del disco sigue siendo muy consistente con Flavor: la paleta de sonidos destaca por este enfoque retro, los sintetizadores y las texturas digitales son un elemento distintivo del artista. Quizás la voz pueda llegar a sentirse repetitiva en algunos momentos, pero dentro de todo el contexto, esta sensación electrónica tan pulida le otorga un aire robótico al disco, que puede ser intencional o fortuito. Además, los ritmos refuerzan esta atmósfera futurista, creando un paisaje sonoro coherente.
Undone
Undone inicia con un arreglo destacado a nivel rítmico, synth bass y melodías mucho más propositivas que en canciones anteriores. Hasta ahora es nuestra canción favorita del disco: con un aire misterioso y ligeramente oscuro, el track logra sentirse muy fresco dentro del conjunto y marca una clara evolución del sonido del artista. Además, su inesperada sección de solos de sintetizadores y sonidos futuristas añade un elemento de sorpresa que mantiene al oyente atento, mientras las texturas electrónicas y los efectos espaciales refuerzan la sensación de un viaje sonoro. La combinación de ritmo, melodía y experimentación convierte a Undone en un punto culminante del álbum, mostrando el dominio de Color Theory sobre su paleta electrónica y su capacidad para renovar su propuesta sin perder coherencia.
Disappear
Siguiendo el camino del álbum Disappear, llega con bajos potentes y ese toque oscuro que marcó Undone, acompañado de una voz reverberante que logra ambientar la canción dejando mucho protagonismo a las líneas de los sintetizadores, con un tono divertido y retro. La producción juega con capas de texturas electrónicas y arpegios que se entrelazan de manera fluida, creando una atmósfera envolvente que equilibra nostalgia y modernidad. Los ritmos se sienten tanto juguetones como precisos, mientras los sintetizadores exploran melodías inesperadas que aportan dinamismo y mantienen el interés del oyente a lo largo del track.
Stop Breathing Iniciando con sintetizadores misterios “Stop Breathing” funciona como un ejercicio musical para gestionar la ansiedad, la canción simula la práctica de detener y controlar la respiración durante momentos de pánico. La voz de Hazard actúa como guía en esta ocasión con mas reverb y eterea que veces anteriores, lo cual le da un sonido mas integrado e interesante, proporcionando instrucciones suaves, mientras la instrumentación crea un aura de tensión que se libera en momentos de alivio sonoro, a traves de ostinatos ritmicos muy marcados.
When I Can’t Remember You Atrapandonos con un arpegiador, el silencio y una voz sutil, este track nos hipnotiza entre capas de sintetizadores que van de menos a mas y realmente no pierde la atención del oyente, poco a poco el track se vuelve mas ritmico con pequeños sonidos de caja de ritmos pero siempre dandole todo el protagonismo a la melodia, en esta ocasión esta sensación menos groovy hace que nos atrape mas ya que es un respiro dentro de todo el disco.
Near the End En este tema, Hazard aborda la musica con un enfoque más oscuro y atmosférico. Los sintetizadores crean una sensación de movimiento constante y fugaz, mientras la percusión sutil imita el latido de un reloj interno. La letra refleja la tensión entre aceptación y resistencia, capturando la ansiedad de ver el tiempo escaparse mientras se lucha por permanecer presente. La combinación de textura sonora y temática existencial hace de esta canción un momento de introspección profunda dentro del álbum.
The Last Time Cerrando el álbum, “The Last Time” combina la melancolía con un impulso de urgencia, recordando al oyente que cada instante puede ser único y que la vida rara vez nos permite reconocer sus finales mientras ocurren. La instrumentación es expansiva, con sintetizadores espaciales y arpegios que generan un sentimiento de cierre épico y contemplativo. La voz de Hazard transmite tanto fragilidad como determinación, y la producción logra equilibrar la reflexión sobre la finitud con un sentimiento de belleza y celebración de la vida, concluyendo el álbum de manera emotiva y resonante.
This Bright Circumstance de Color Theory se presenta como un ejercicio sólido de synthpop contemporáneo que combina introspección lírica con texturas electrónicas cuidadosamente trabajadas. A lo largo de sus siete pistas, Brian Hazard logra mantener una cohesión sonora que permite al oyente transitar entre momentos de reflexión, melancolía y serenidad sin perder la claridad compositiva.
Desde San José, Costa Rica, Súper Ficción emerge como una propuesta que combina rock alternativo con matices progresivos. La banda está integrada por Andrés Salazar, Adrián Salas, Johan Brenes y Luis Rodríguez, cuatro músicos que provienen de diferentes trayectorias pero que confluyen en un mismo punto: la necesidad de explorar sonidos que se mueven entre la energía y la introspección. Su más reciente lanzamiento, Ultra Ligero, muestra con claridad esa dualidad.
El sencillo, publicado el 8 de agosto de 2025, forma parte de una serie de cuatro entregas que abrirán camino a su álbum debut previsto para inicios de 2026. Con una estructura que privilegia tanto la tensión como los respiros, Ultra Ligero se plantea como un tema que no busca solo el impacto inmediato, sino la construcción de un estado emocional en constante contraste.
La canción gira alrededor de un sentimiento ambivalente: el anhelo de ligereza interior frente al peso inevitable del caos cotidiano. Los pasajes instrumentales, cargados de guitarras y teclados que dialogan entre sí, sostienen una atmósfera que oscila entre lo calmado y lo inquietante. Esa mezcla genera un pulso particular, donde la calma nunca es absoluta y la inestabilidad siempre está al acecho.
Más allá de ser un corte aislado, este lanzamiento adelanta el camino que Súper Ficción pretende recorrer en su primer álbum. El grupo apunta hacia una obra de largo aliento, en la que cada sencillo funciona como pieza de un rompecabezas mayor. En ese sentido, Ultra Ligero no se presenta como un cierre, sino como una invitación a seguir atentos a lo que viene: un proyecto que promete expandir su sonido y su alcance en los próximos meses.
En 2014, Jake Newton y Steven Solomon coincidieron en una sesión de escritura a ciegas y dieron forma a lo que más tarde sería Sleeping Wolf. Ambos transitaban caminos distintos en la música: uno detrás de una barra mientras desarrollaba su carrera como solista y el otro buscando consolidarse como productor. Ese encuentro derivó en amistad, colaboración y, finalmente, en un proyecto que mezcla la intensidad del rock con la experimentación sonora.
Con influencias que van desde Nine Inch Nails hasta Jimmy Eat World, el dúo ha sabido moldear un estilo propio que conecta con distintos públicos. Tras su primer EP en 2015, sumaron millones de reproducciones y lograron colocar su música en series, películas y hasta eventos deportivos. En ese contexto aparece The Burden, una canción de metal y rock alternativo que se apoya en guitarras densas y una voz agresiva, proyectando la crudeza y energía propias del género.
El tema no busca suavizar su propuesta: es directo, con riffs marcados que sostienen un peso rítmico inconfundible. La voz, áspera y potente, se entrelaza con la instrumentación para generar una atmósfera de confrontación. En The Burden, se percibe la decisión de Sleeping Wolf de adentrarse en un sonido más pesado, sin perder la carga emocional que siempre ha caracterizado a sus composiciones.
El recorrido de la banda demuestra que la versatilidad no está peleada con la contundencia. Lo mismo pueden crear piezas melódicas como Sippin’ on a Summer Wave que sumergirse en terrenos más oscuros y agresivos como en The Burden. Con este lanzamiento, Sleeping Wolf reafirma su lugar dentro del panorama del rock alternativo, mostrando que aún queda espacio para canciones que golpean con fuerza y transmiten sin rodeos.
Carpetman es un artista estadounidense que ha destacado por escribir, producir y dar voz a sus propias canciones, construyendo un estilo que combina electrónica, alternativas y toques de R&B con una sensibilidad única. Su música no persigue tendencias; más bien crea un universo sonoro introspectivo donde la emoción y el control conviven en perfecta armonía.
Su más reciente sencillo, “You Will Never Know It” despliega una narrativa íntima y confesional, explorando la autonomía emocional, los deseos y las complejidades del amor. Con una base minimalista de guitarra, ritmos electrónicos y una voz profunda y envolvente, Carpetman logra transmitir vulnerabilidad y sofisticación a la vez, construyendo una experiencia musical que atrapa al oyente desde el primer instante.
Lo que distingue a Carpetman es su capacidad para fusionar distintas influencias musicales sin perder identidad. Sus canciones muestran una madurez que combina la frescura de la música alternativa con la calidez y la profundidad del soul y el R&B. Cada tema se siente personal, casi como una conversación directa con el oyente, en la que las emociones se presentan sin artificios, pero con una producción meticulosa que resalta su estilo moderno.
Su universo musical es íntimo, emocionante y cautivador, y “You Will Never Know It” es una muestra del talento y la visión que lo convierten en una de las voces interesantes de la escena contemporánea.
