Desde extremos opuestos de Canadá, Bestfriend continúa construyendo puentes musicales con una propuesta que escapa a los moldes tradicionales. Su nuevo sencillo, “UNTIL SUNDAY”, encapsula la esencia de un dúo que hace de la distancia una virtud. Lo que comenzó en 2018 como un intercambio digital entre Vancouver y Toronto, se consolida ahora en una canción que explora los límites del indie pop con una actitud moderna y sin pretensiones.
“UNTIL SUNDAY” se mueve con soltura en un terreno donde lo alternativo y lo experimental se rozan sin fricciones. La producción, marcada por sintetizadores y capas melódicas cuidadas, enmarca una voz que no intenta imponerse, sino acompañar. Hay en el tema una sensación de búsqueda, una tensión entre el ritmo casi lúdico y una atmósfera que no teme a lo introspectivo, lo que le otorga un carácter poco habitual dentro del pop convencional.
La dinámica creativa del dúo —Stacy Kim y Kaelan Geoffrey— sigue siendo una de sus particularidades más notables. La forma en que se envían pistas, ensamblan ideas y reconstruyen sonidos a través de la distancia no solo es parte de su identidad, sino que influye directamente en la textura de sus canciones. “UNTIL SUNDAY” no es ajena a ese proceso; más bien, lo refleja con claridad: cada elemento parece haber sido medido, quitado o añadido con paciencia compartida.
Tras su EP debut places i’ve lived, que ya les posicionó en el radar de plataformas y medios especializados, Bestfriend demuestra con esta entrega que aún tienen mucho que decir. Sin caer en exageraciones ni adornos innecesarios, “UNTIL SUNDAY” propone una experiencia distinta para quienes están dispuestos a explorar un pop que se atreve a sonar diferente.
Desde los rincones más inquietos de la escena experimental de Los Ángeles, HLLLYH —antes conocidos como Mae Shi— retoma el pulso con “Uru Buru”, un tema que condensa años de exploración musical bajo un envoltorio de distorsión, ritmo y actitud. Lejos de los escenarios alternativos que alguna vez compartieron con leyendas del DIY en The Smell, el grupo regresa con una pieza que no teme al caos, pero que sabe mantener la forma.
“Uru Buru” es una canción que se desliza entre capas de sonido con un dinamismo contagioso. El rock y el shoegaze se entrelazan en un ejercicio de control y desenfreno, donde cada golpe de batería y cada riff parecen dialogar un lado retro. Su energía no es gratuita, sino el resultado de una visión clara: mantenerse fiel al impulso creativo sin perder el hilo de lo que hace vibrar a un oyente.
Detrás del tema se percibe una banda que no ha olvidado su origen, pero que también entiende que la evolución no significa ruptura. Si bien este nuevo proyecto iba a ser inicialmente un disco de Mae Shi, el cambio de nombre a HLLLYH sugiere un deseo de abrir nuevos caminos sin borrar las huellas anteriores. La canción funciona como carta de presentación, pero también como declaración de principios.
Con el anuncio de un nuevo álbum bajo el mismo título que este sencillo, HLLLYH parece dispuesto a reconfigurar su legado sin nostalgia innecesaria. “Uru Buru” nos recuerda que el indie puede seguir siendo impredecible y visceral cuando se le da espacio para respirar y rugir.
En la escena alternativa actual, donde la nostalgia se funde con lo experimental, Harmless presenta una propuesta que se mantiene en equilibrio entre lo íntimo y lo ostentoso. Su más reciente canción, “future music”, es un ejercicio de contención emocional con una base de rock ligero que se filtra con la distorsión del shoegaze. La atmósfera que construye se siente ligera pero nunca superficial, con capas que, sin saturar, sugieren más de lo que muestran.
Detrás de Harmless se encuentra Nacho Cano, un compositor y productor originario de Ciudad de México, que encontró en San Diego y más tarde en Los Ángeles un territorio fértil para su evolución musical. Su historia personal atraviesa proyectos como Twin Cabins y Canito, etapas donde exploró desde la confesión sentimental hasta el juego con samplers y ritmos urbanos. Con Harmless, Cano parece haber encontrado un punto medio donde conviven emoción, síntesis y memoria.
“future music” se sostiene sobre un ritmo que no necesita de artificios para generar impacto. La voz, con un timbre particular , se convierte en guía dentro de un paisaje sonoro que respira cierta melancolía. Es una pieza que sugiere movimiento sin estridencia, evocando una sensación de tránsito entre épocas, donde el pasado se transforma en proyección.
El título no es casualidad: hay en esta canción una mirada hacia adelante, pero no desde la novedad técnica sino desde lo emocional. Harmless no busca innovar por el simple acto de romper esquemas, sino más bien condensar experiencias en sonidos que resuenan con quienes aún encuentran en la música una forma de permanecer.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Friends of our youth – Velvet Hand | Reino Unido
Abrimos esta edición con Friends of Our Youth y su canción “Velvet Hand”, un tema que destaca por su energía vibrante y un ritmo que atrapa desde el inicio. La mezcla de influencias rock con destellos de indie pop se siente natural, acompañada por una producción que resalta la fuerza de cada instrumento. La voz, cargada de vitalidad, se adapta al paisaje musical con soltura, generando un ambiente optimista y envolvente que te mantiene conectado durante toda la canción.
Originarios de Manchester, este cuarteto propone una visión creativa que apuesta por una estética que trasciende lo convencional, con guitarras brillantes y una base rítmica sólida que impulsa cada momento. Su música explora universos emocionales complejos sin caer en la exageración, dibujando un mapa sonoro donde conviven luces intensas y sombras introspectivas. Friends of Our Youth parece hablarnos desde otra constelación, pero lo hace con los pies firmes en la tierra.
Thad Wheeler – Scattered | Estados Unidos
Seguimos con Thad Wheeler y su pieza “Scattered – El Shaddai – Songs of the Book of Genesis”, una propuesta que fusiona tradición y modernidad de forma poco común. Aquí las percusiones no solo acompañan, sino que construyen la estructura principal de la canción, transmitiendo una sensación casi ritualistico que se ve enriquecida por efectos contemporáneos. Cada elemento parece responder a una intención narrativa que va más allá de lo musical.
Este proyecto forma parte de un conjunto de obras que ponen en música capítulos del Libro del Génesis, explorando su dimensión espiritual desde una mirada artística muy particular. Con una trayectoria que incluye estudios en escuelas como Juilliard y años de trabajo en la escena de Nueva York, Thad Wheeler aplica todo su conocimiento técnico en una composición que busca contar historias a través del ritmo. Una apuesta distinta, que se sostiene por la coherencia entre su concepto y ejecución.
Liam Finn – The Howl | Nueva Zelanda
Cerramos con Liam Finn y su canción “The Howl”, un tema que mezcla sensibilidad indie con ecos retro y una fuerte presencia nostálgica en la voz. El ritmo fluye con soltura, envuelto en capas que recuerdan al shoegaze sin perder la claridad de un enfoque melódico accesible. El resultado es una experiencia que invita a mirar hacia atrás sin dejar de avanzar, equilibrando emociones con arreglos cuidadosamente elaborados.
Con una trayectoria que abarca desde sus inicios con Betchadupa hasta su participación en Crowded House, Liam Finn ha sabido evolucionar sin dejar de ser fiel a su estilo. En “The Howl”, se siente esa experiencia acumulada, plasmada en un sonido que se permite jugar con el tiempo sin perder su identidad. Su capacidad para integrar lo íntimo y lo experimental ofrece una escucha enriquecedora y abierta a múltiples lecturas.
Tres nombres, tres formas distintas de interpretar el presente musical. Desde los paisajes emocionales de Friends of Our Youth, pasando por la espiritualidad rítmica de Thad Wheeler, hasta el viaje introspectivo de Liam Finn, cada propuesta ofrece un rincón nuevo para explorar. Si te animás a escucharlos, quizás encuentres en ellos ese impulso que transforma una simple canción en parte de tu historia personal.
En su EP debut More Than the Moments, Christopher Short nos presenta un trabajo que, sin recurrir a fuegos artificiales, logra capturar una sensibilidad nostálgica con pulso contemporáneo. La canción que da nombre al EP abre el viaje con una atmósfera acústica que evoca imágenes difusas y cálidas, como una vieja Polaroid en una tarde de playa. Con un ritmo pausado que se desliza sin apuro, los elementos folk y rock se entrelazan con matices pop en los coros, creando un paisaje sonoro envolvente. La voz de Short, cálida y cercana, acompaña con suavidad, haciendo de esta apertura una bienvenida discreta pero sincera.
It’s Only For a Little While se sitúa justo en el corazón del EP, funcionando como un respiro aún más íntimo dentro del conjunto. La instrumental se mantiene sencilla, dejando espacio para que la voz tome protagonismo, mientras un aura melancólica recorre la canción con la calma de quien recuerda algo importante. El uso de la armónica en el tramo final no solo aporta textura, sino que intensifica esa sensación de algo que fue y no volverá del mismo modo. Aquí, Short parece hablarnos al oído, sin pretensiones, con la serenidad de quien no necesita levantar la voz para ser escuchado.
La energía asciende ligeramente en Keep the World Outside, una de las piezas más accesibles del EP por su ritmo más animado. Aunque sigue manteniéndose dentro de la estética relajada del proyecto, su carácter pegajoso y su dinamismo inmediato la vuelven una entrada ideal para quienes se acercan por primera vez al trabajo del californiano. La canción funciona casi como una declaración: a veces es necesario cerrar la puerta al mundo y dejarse llevar por una melodía sencilla que acompañe sin invadir.
Christopher Short, ingeniero de profesión y músico de espíritu, logra en este primer esfuerzo solista unificar su herencia musical —desde The Beatles hasta sonidos hawaianos— con una estética de grabación casera que se siente honesta. Grabado en su propio garaje en 2024, More Than the Moments no busca deslumbrar, sino capturar momentos efímeros con naturalidad. Su música no grita, pero dice lo suficiente. Y quizá ahí reside parte de su encanto: en dejar que las canciones respiren por sí solas.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Finnlay K – Remedy | Reino Unido
Finnlay K abre este recorrido con “Remedy”, una canción que fluye con naturalidad entre el indie pop y el rock, envuelta en una estética retro bien cuidada. Su ritmo y su voz logran una conexión directa con quien escucha, evocando cierta nostalgia sin perder frescura. Todo se siente en equilibrio, logrando que el tema avance con ligereza y personalidad.
Originario del norte de Gales, Finnlay K comenzó su camino en la música desde muy pequeño, y con el paso del tiempo ha ido moldeando un estilo que encuentra inspiración en el britpop sin dejar de mirar hacia adelante. Sus primeras presentaciones en pubs locales le permitieron definir una propuesta que combina emoción y melodía de manera auténtica, abriéndose paso en la escena del Reino Unido.
pearly drops – “Mermaid” ft. Cub Sport | Finlandia
Por otro lado, el dúo pearly drops presenta “Mermaid” junto a Cub Sport, una colaboración que abraza lo lo-fi con toques electrónicos que le aportan una textura contemporánea. La voz, intervenida con efectos precisos, se adapta al ambiente de la canción como un elemento más, ayudando a crear una atmósfera envolvente y sugestiva.
Conformado por Sandra Tervonen y Juuso Malin, pearly drops ha ido construyendo un universo musical propio donde lo etéreo convive con lo moderno. Ambos músicos, con experiencia en producción y diseño sonoro, logran transmitir emociones a través de capas suaves y melodías que parecen flotar. En esta canción, su visión se mantiene firme: explorar sin perder sensibilidad.
Dark Optics – Love Like A Mirror | Reino Unido
La tercera propuesta llega de la mano de Dark Optics con “Love Like A Mirror”, una canción que se sumerge en una atmósfera cargada de misterio y contemplación. La fusión entre dream pop y elementos psicodélicos da como resultado una experiencia hipnótica, sostenida por una voz femenina que complementa esa vibra ensoñadora con mucha sutileza.
Detrás del proyecto está L. Davies, músico y productor que no se limita a un solo estilo, explorando desde el trip-hop hasta sonidos experimentales más pausados. En esta producción, destaca una atención especial al detalle, con arreglos que construyen un paisaje emocional que invita a detenerse y escuchar con calma, dejándose llevar por su carácter introspectivo.
Tres artistas, tres caminos distintos que convergen en el deseo de hacer música con identidad y propuesta. Desde los ecos del britpop hasta ambientes electrónicos o introspecciones psicodélicas, estas canciones nos recuerdan que la música independiente sigue creciendo en matices. Te invitamos a escucharlas con atención, abrir el oído y tal vez descubrir un nuevo favorito para tu playlist.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Nasty Neighbours – Walicho | Argentina
Nasty Neighbours llega con “Walicho”, una canción cargada de energía que trae de vuelta el espíritu rebelde del rock con una estética halloween y sin filtros. Aquí no se trata de buscar sentido en la letra, sino de dejarse llevar por la fuerza del ritmo y ese desenfado que tanto contagia, en una mezcla perfecta para agitar la cabeza y disfrutar sin culpa.
Con raíces que cruzan Argentina y Alemania, Nasty Neighbours encuentra en lo absurdo una forma de expresión divertida y caótica. Su propuesta Fun-Rock se apoya en guitarras punzantes, una batería incansable y una actitud descarada que se traslada tanto a su música como a su presencia escénica. Su segundo álbum ya tiene fecha y promete mantener ese espíritu irreverente.
How to Burn Witches – Stgo Mtro | Chile
Desde un enfoque mucho más íntimo, How to Burn Witches nos presenta “Stgo Mtro”, un tema de tempo pausado que deja espacio para que la guitarra y la voz dibujen paisajes emocionales. La atmósfera se siente introspectiva, como si la canción invitara a recorrer recuerdos antiguos, cargados de melancolía pero también de belleza.
Nacido como un proyecto solista en Chile y expandido con nuevos colaboradores, How to Burn Witches combina la simpleza de lo lo-fi con una mirada artística que no teme experimentar. Esta canción, en particular, logra conectar sin necesidad de artificios, permitiendo que cada elemento respire y se relacione con el oyente de forma directa y honesta.
MaxFinn – For You | Austria
El cierre viene con MaxFinn y su canción “For You”, una mezcla fresca entre el pop y el indie rock que sorprende por su fuerza emocional. La voz, joven pero segura, se adapta con naturalidad a una base rítmica vibrante que invita a moverse, logrando un equilibrio entre emoción y energía difícil de resistir.
A sus 16 años, MaxFinn demuestra un manejo instintivo de los elementos que hacen funcionar una canción. Con un estilo que combina intensidad y sensibilidad, esta propuesta se siente como el inicio de un camino que seguramente seguirá evolucionando, pero que ya tiene claro por dónde quiere ir.
Cada una de estas canciones ofrece una visión distinta del panorama indie actual, pero todas comparten algo en común: personalidad. Desde la irreverencia del rock más despreocupado hasta el recogimiento de la guitarra nostálgica o la potencia juvenil del pop moderno, te invitamos a darle play a estas propuestas y dejar que sus estilos te encuentren en el momento justo.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Nadine Finsterbusch – Why so Serious | Alemania
Nadine Finsterbusch nos sorprende con “Why so Serious”, una canción que rescata la esencia del pop retro y lo fusiona con una frescura indie que resulta difícil de ignorar. La presencia de su voz, dulce pero decidida, se despliega con soltura sobre un ritmo dinámico que invita al movimiento, sin perder esa vibra despreocupada que tanto caracteriza al estilo que representa.
Más allá del ritmo pegajoso, hay una actitud clara en esta propuesta: dejar atrás las dudas y abrazar las emociones intensas sin reservas. Nadine Finsterbusch proyecta juventud y libertad con naturalidad, y su manera de expresarlo en esta mezcla de pop vanguardista con tintes electrónicos deja entrever una identidad artística en construcción, pero con una dirección clara y atrevida.
Jason Nott – I’m Gonna Lose You One Day | Estados Unidos
Desde Los Ángeles, Jason Nott presenta “I’m Gonna Lose You One Day”, una canción de ritmo sereno que logra destacar gracias al equilibrio entre su suavidad instrumental y la fuerza emocional de su voz. La atmósfera que crea recuerda al dream pop en su versión más acogedora, con un toque melancólico que nunca cae en lo predecible.
La trayectoria de Jason Nott arrastra una energía que se refleja incluso en sus propuestas más tranquilas. Tras años de recorrer escenarios con una banda de punk, su evolución hacia un estilo más introspectivo no ha dejado de lado su capacidad para conectar con el oyente. Esta canción lo demuestra al envolvernos con sinceridad y un delicado pero firme sentido del ritmo.
Alyna Rose – Normal | Estados Unidos
Cerramos con Alyna Rose y su canción “Normal”, una composición que navega con suavidad entre las emociones cotidianas y un pop elegante, sin exageraciones. La instrumentación acompaña con sencillez, mientras su voz cálida, con cierto cuerpo y presencia da peso a una letra que se siente íntima, construyendo una atmósfera que invita a escuchar con atención.
Con una propuesta que valora los pequeños matices, Alyna Rose nos ofrece un viaje sereno pero lleno de detalles. Su experiencia como compositora y multiinstrumentista se filtra de forma orgánica en cada momento, dejando que su música hable de procesos personales sin caer en dramatismos, sólo con la verdad de quien ha aprendido a encontrar refugio en sus propias melodías.
Tres propuestas distintas que encuentran en el indie pop un lenguaje propio y sin pretensiones, donde la autenticidad se percibe desde el primer acorde. Si estás buscando nuevos artistas para renovar tu biblioteca musical, date la oportunidad de descubrir estos nombres y sumergirte en las historias que nos comparten a través de su música.
En un terreno donde la autosuficiencia suele presentarse como ideal, april june decide nadar contracorriente. Su canción “submissive” se mueve entre la pista de baile y de critica, combinando un ritmo adictivo con ecos del indie pop, todo envuelto en una atmósfera retro. No es una contradicción: es un recordatorio de que incluso lo vulnerable puede sostenerse con fuerza.
La voz femenina que guía la canción no pretende imponer, pero tampoco se desvanece. Tiene el tipo de presencia que se acomoda en el ritmo como si fuera parte de su arquitectura, dándole un matiz particular a una propuesta que equilibra suavidad y tensión. “submissive” no renuncia al deseo ni lo esconde: lo nombra, lo baila, y lo transforma en sonido.
Más allá del título, que puede sugerir sumisión literal, la canción explora una entrega emocional que resiste al desapego moderno. Hay una especie de ternura subversiva en cada verso, una devoción que no pide permiso pero tampoco exige. En este espacio, el anhelo de ser cuidado adquiere un lugar legítimo dentro de la narrativa musical.
april june se posiciona con esta entrega como una voz que no teme a lo contradictorio. “submissive” no busca grandes emociones, pero sí provoca una sensación que permanece. Es música para bailar con una lágrima contenida, para quienes siguen creyendo en lo que se queda cuando todo lo demás se apaga.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
ROTHCO – Coming In Hot | Reino Unido
Abrimos esta entrega con ROTHCO y su canción “Coming In Hot”, una pieza que no se anda con rodeos. Desde el primer instante, se impone con una energía contagiosa donde el garage rock se entrelaza con tintes punk, formando una mezcla cruda que no pierde el control. La voz del artista aporta un impulso extra, consiguiendo que el tema conserve su identidad indie sin dejar de sentirse visceral.
La propuesta de ROTHCO no se limita a lo musical, también explora el caos como recurso expresivo. En cada giro, se percibe la influencia de escenas oscuras y psicodélicas, sin dejar de lado el ritmo urgente que lo impulsa todo. El resultado es una pieza vibrante que se transforma constantemente sin romper su hilo narrativo, lo que le otorga un atractivo impredecible.
Jensc – The Pain Is There | Estados Unidos
Pasamos a Jensc con “The Pain Is There”, un tema de tono íntimo donde la voz se sitúa en primer plano. La base acústica sostiene una atmósfera tranquila y melancólica que permite respirar cada palabra, mientras las dos voces se complementan creando un diálogo emocional que fluye con naturalidad. La propuesta se siente cercana, como si nos compartieran una historia desde el rincón más cálido de casa.
La carga emocional de Jensc se percibe aún más si se toma en cuenta el contexto familiar que lo rodea. Las influencias de su entorno, así como el vínculo con su hija en la interpretación, aportan matices que enriquecen el carácter dream pop del tema. Es una canción que no necesita elevar el volumen para resonar, sino que lo hace apelando a lo sencillo y auténtico.
Clara Lars – Better | Estados Unidos
Cerramos con Clara Lars y su tema “Better”, una propuesta que combina un indie pop moderno con detalles oscuros y pinceladas industriales. El ritmo, aunque comedido, genera una atmósfera densa y envolvente que le da una identidad particular. La voz de Clara se mueve con suavidad entre capas musicales sutiles, añadiendo una presencia que equilibra perfectamente la canción.
Detrás de Clara Lars hay una historia marcada por los cambios y la introspección. La construcción de su música nace desde lo personal, y eso se percibe en la forma en que cada sonido parece elaborado desde una experiencia vivida. “Better” no busca impactar desde lo grandilocuente, sino desde lo íntimo, creando un espacio donde el desahogo emocional encuentra una forma musical coherente.
Estos tres artistas muestran distintas caras del indie actual, desde lo enérgico hasta lo introspectivo, con propuestas que exploran emociones y atmósferas sin perder autenticidad. Si buscas ampliar tu playlist con música que dice algo más allá de su ritmo, te invitamos a darles una escucha, tal vez descubras algo que se quede contigo por más tiempo del que esperas.
