Año: 2026

Ruby Waters presenta “GET A GRIP”, una explosiva mezcla de indie pop y espíritu alternativo

Ruby Waters presenta “GET A GRIP”, una explosiva mezcla de indie pop y espíritu alternativo

Ruby Waters regresa con “GET A GRIP” con una combinación de voces rasposas, ritmos envolventes y una actitud despreocupada, la cantante y compositora continúa construyendo un sonido propio que se mueve con naturalidad entre el indie pop, el rock alternativo, el dream pop y el R&B. Originaria de Ontario y actualmente establecida en las montañas de Columbia Británica, Waters ha desarrollado una identidad musical difícil de encasillar. Sus canciones se caracterizan por una interpretación vocal cargada de carácter y una sensibilidad que conecta diferentes géneros sin perder autenticidad. En “GET A GRIP”, esa versatilidad vuelve a ocupar el centro de la propuesta.

El sencillo combina la voz grave y rasposa de la artista con una instrumentación de indie pop marcada por el groove. La producción crea una atmósfera dinámica y accesible, mientras la interpretación mantiene ese toque imperfecto y espontáneo que distingue su estilo. El resultado es una canción que invita a dejarse llevar por el ritmo y confirma la capacidad de Ruby Waters para encontrar un equilibrio entre energía alternativa y melodías pegadizas.



Este lanzamiento llega después del buen recibimiento de “WET T-SHIRT”, tema que superó los 11 millones de reproducciones en Spotify y ayudó a mantener el impulso de su carrera. Con “GET A GRIP”, Waters continúa expandiendo su universo sonoro y explorando nuevas formas de expresión sin renunciar a la personalidad que la ha definido desde sus primeros trabajos.

El estreno del sencillo viene acompañado de un videoclip dirigido por Adit Dixit, en el que la artista muestra una faceta natural y desenfadada. Las imágenes la siguen mientras recorre las montañas en bicicleta y comparte una partida de billar con sus amigos en un bar local, construyendo un retrato cercano de su vida fuera del escenario. El video privilegia la espontaneidad y los pequeños momentos cotidianos. Los paisajes de Columbia Británica aportan un componente visual atractivo, mientras las escenas con sus amigos reflejan el espíritu relajado que acompaña a la canción.

La propia Waters describió el rodaje como una experiencia libre, en la que simplemente pudo hacer las cosas a su manera. También destacó el talento de Dixit para capturar la magia de esos instantes y compartió su agradecimiento por disfrutar de las montañas y pasar tiempo con las personas cercanas a ella.

Su propuesta combina la intensidad del rock con la sensibilidad del pop alternativo y los matices del soul, una mezcla que le permite moverse entre distintos ambientes sin perder una identidad reconocible. Esa libertad creativa vuelve a manifestarse en “GET A GRIP”, un lanzamiento que apuesta por el ritmo, la actitud y una interpretación vocal que resulta difícil de confundir.


Dina Summer enciende la pasión nocturna con “Burning Heart”, un himno de synthpop oscuro y seductor

Dina Summer enciende la pasión nocturna con “Burning Heart”, un himno de synthpop oscuro y seductor

Hay sentimientos que arden con una intensidad difícil de controlar, especialmente cuando el deseo no encuentra la misma respuesta en la persona que lo provoca. Sobre esa tensión emocional se construye “Burning Heart”, el nuevo sencillo de Dina Summer, un proyecto que convierte la incertidumbre amorosa en una experiencia sonora envolvente, marcada por sintetizadores luminosos, bajos profundos y una estética que mira hacia la esencia más cautivadora de la música electrónica de los años ochenta.

Con una propuesta que combina nostalgia, sensualidad y energía de club, Dina Summer vuelve a explorar ese territorio donde las emociones más vulnerables se encuentran con ritmos irresistibles. El resultado es una composición que invita tanto a perderse en la pista de baile como a reflexionar sobre las contradicciones de un amor intenso que no siempre encuentra reciprocidad.



En “Burning Heart”, la historia gira alrededor de una protagonista que anhela la atención y el afecto de alguien que permanece fuera de su alcance. La atracción es evidente, pero también lo es la incertidumbre que surge cuando los sentimientos no parecen avanzar en la misma dirección. Desde esa perspectiva, la canción aborda una experiencia profundamente humana: querer que otra persona cruce esa frontera emocional y se entregue con la misma intensidad con la que uno ya se encuentra involucrado.

La letra transmite una mezcla de deseo, vulnerabilidad y expectación. Existe una urgencia sentimental que atraviesa la interpretación, como si cada palabra intentara romper la distancia entre dos personas que todavía no consiguen encontrarse en el mismo punto. Esta tensión le aporta a la composición una dimensión melancólica que contrasta con su energía rítmica. “Burning Heart” se desarrolla sobre una base de synthpop nocturno que recupera elementos característicos de los años ochenta sin limitarse a reproducir su sonido. Los sintetizadores de órgano aportan destellos melódicos que evocan luces de neón en una ciudad dormida, mientras una línea de bajo oscura y persistente mantiene la tensión a lo largo del recorrido.


Una atmósfera inmersiva y el pulso pop de Euan Blackman en Piece of My Heart

Una atmósfera inmersiva y el pulso pop de Euan Blackman en Piece of My Heart

Desde la intimidad de su habitación de paredes tono azul pastel, el cantautor Euan Blackman elabora canciones introspectivas concebidas para trayectos bajo la lluvia y miradas melancólicas. Su propuesta evoca recuerdos compartidos y relatos de la condición humana abordados desde una perspectiva suave. En su proceso creativo conviven la sensibilidad contemporánea de Phoebe Bridgers con la sutileza impresionista de Claude Debussy, uniendo referencias de distintas épocas.

Aunque su trayectoria musical se encuentra en sus etapas iniciales, el sonido que proyecta transmite una familiaridad inmediata, como si se le conociera desde tiempo atrás. Sin recurrir a artificios estridentes, la fuerza de su obra reside en la sobriedad con la que traduce emociones universales en melodías accesibles. Esa capacidad para conectar mediante pasajes introspectivos le otorga un perfil claro dentro de la escena independiente.



Dentro de este enfoque compositivo se ubica Piece of My Heart, una entrega inscrita en el indie pop que destaca por un ritmo pulcro y delicioso. La canción logra construir una atmósfera inmersiva apoyada en un tono alegre que mantiene el interés durante todo su recorrido. A este equilibrio se suma una producción destacable que cuida la nitidez de cada instrumento sin recargar la estructura.

La pieza demuestra cómo la ligereza rítmica puede conjugarse con una estética cuidada para ofrecer una experiencia auditiva accesible y bien construida. La interacción entre la calidez de la base melódica y la atmósfera envolvente confirma la solidez de su propuesta. En conjunto, Piece of My Heart se posiciona como una entrega muy sólida de Euan Blackman que verdaderamente vale la pena escuchar.


LA NUEVA OLA 2026 #632 | The Labra Brothers, Sofie Demi y bs

LA NUEVA OLA 2026 #632 | The Labra Brothers, Sofie Demi y bs

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


The Labra Brothers – Mezcal | Estados Unidos

Iniciamos este recorrido con The Labra Brothers, quienes nos ofrecen Mezcal, una propuesta impregnada de un ritmo divertido y una clara esencia tropical; la composición destaca por su carácter alegre y bailable, donde un ensamble multiinstrumentista fusiona bases de groove, R&B, funk y soul con armonías vocales que invitan al movimiento continuo.

Originarios de la ciudad industrial de Youngstown en Ohio, los hermanos construyen su identidad a través de una herencia intergeneracional de trovadores latinos; esta mezcla de géneros les ha permitido conectar con audiencias diversas en todo tipo de escenarios, llevando sus presentaciones energéticas desde clubes nocturnos hasta festivales.


Sofie Demi – Unchain My Heart | Turquia

Continuamos la travesía junto a Sofie Demi, creadora que nos ofrece Unchain My Heart, una pieza guiada por un ritmo tranquilo dentro del indie pop; la estructura pausada de la canción permite que la voz de la intérprete brille con claridad, complementando la instrumentación para dar forma a un tema accesible que fluye de forma constante.

Joven cantautora apasionada por la composición, la artista desarrolla su propuesta creativa a la par de sus intereses personales en la literatura, la poesía, la astrofísica y el ajedrez; volcando esa curiosidad en sus canciones, la compositora construye piezas sencillas que buscan transmitir sensaciones cercanas al público a través de sus melodías.


bs – f1 | Estados Unidos

Terminamos las recomendaciones de hoy junto a bs, agrupación que nos entrega f1, un tema de rock provisto de una marcada presencia indie; la canción destaca por construir una atmósfera atrapante de corte moderno, sostenida por ejecuciones de guitarra dinámicas que reflejan la influencia de la escena de garage de su ciudad natal.

Formados en Austin, Texas, por Ishaq Fahim y Anthony Santa Maria como un proyecto fundado en la amistad, el grupo ha crecido sumando más integrantes e influencias de bandas como The Strokes, Deerhunter o Tame Impala; tras tocar en vivo desde dos mil dieciocho y realizar presentaciones en ciudades como Monterrey, la banda presenta este sencillo previo al lanzamiento de su nuevo EP.


En conclusión, esta entrega nos brinda un recorrido variado que conecta la fiesta tropical de The Labra Brothers, la calma melódica de Sofie Demi y la fuerza guitarrera de bs. Por esta razón, les invitamos cordialmente a darse una valiosa oportunidad para escuchar sus propuestas, agregando sus canciones a sus listas preferidas para seguir descubriendo increíbles talentos emergentes de la escena global.


Our-Fi explora los límites de la electrónica experimental con “Probably Pretty Improbable”

Our-Fi explora los límites de la electrónica experimental con “Probably Pretty Improbable”

El dúo independiente Our-Fi presenta “Probably Pretty Improbable”, un sencillo que desafía las estructuras convencionales de la música electrónica mediante una combinación de indietronica, glitch-pop y breakbeat experimental. Formado por Derek Peper y Alix Murdick, el proyecto continúa desarrollando una identidad sonora basada en la curiosidad, la libertad creativa y la exploración de nuevos territorios musicales. Desde Phoenix, Arizona, ambos artistas construyen una propuesta que combina producción electrónica contemporánea, instrumentación orgánica y ritmos impredecibles, demostrando que la experimentación puede convivir con una fuerte sensibilidad emocional.

“Probably Pretty Improbable” se caracteriza por una estructura dinámica que evoluciona progresivamente, sin recurrir a las fórmulas habituales de la música orientada a la pista de baile. La canción comienza en un espacio electrónico minimalista y, poco a poco, incorpora percusiones detalladas, sintetizadores deformados y variaciones rítmicas que mantienen al oyente en constante expectativa.



Our-Fi construye la composición a través de la tensión, la repetición y los cambios inesperados. Los silencios y los espacios entre los elementos musicales adquieren tanta importancia como los propios sonidos, creando una experiencia envolvente que invita a descubrir nuevos detalles con cada escucha. El resultado se mueve entre la indietronica, el glitch-pop y el breakbeat experimental, con una producción que equilibra precisión electrónica y espontaneidad. Aunque las máquinas y los sintetizadores desempeñan un papel fundamental, la canción conserva una sensación orgánica, como si los distintos elementos estuvieran interactuando en tiempo real dentro de una misma habitación.

La propuesta de Our-Fi puede encontrar puntos de conexión con artistas como Mount Kimbie, Jamie xx, Caribou, Four Tet y James Blake, especialmente por su interés en combinar texturas electrónicas con elementos expresivos y dinámicas propias de la interpretación humana. Sin embargo, el dúo utiliza estas influencias como punto de referencia para desarrollar un lenguaje musical propio, sin limitarse a reproducir una fórmula establecida.

Esta búsqueda también se refleja en el catálogo general del proyecto, que incorpora ritmos de hip-hop, guitarras expresivas, bajo, instrumentación en directo, dub y rock. Su música transita entre pasajes melódicos, atmósferas lo-fi y momentos de mayor intensidad rítmica, con un enfoque que privilegia el estado de ánimo y la evolución sonora por encima de las etiquetas de género.

En “Probably Pretty Improbable”, esa filosofía se manifiesta en una composición que avanza mediante pequeños desplazamientos y contrastes. Cada capa instrumental cumple una función dentro del conjunto, pero ninguna termina de dominar por completo el paisaje sonoro. La canción encuentra su fuerza precisamente en ese equilibrio inestable entre control y espontaneidad.


James Tonic presenta “Wherever You Are”, una canción sobre las historias de amor que nunca llegaron a suceder

James Tonic presenta “Wherever You Are”, una canción sobre las historias de amor que nunca llegaron a suceder

El artista de dream pop James Tonic presenta “Wherever You Are”, un sencillo que explora la nostalgia por una relación que nunca llegó a convertirse en realidad y las emociones que permanecen cuando una historia posible se queda únicamente en la imaginación.

Criado en Montreal y vinculado artísticamente a la escena de Nueva York, James Tonic ha construido una identidad sonora caracterizada por las melodías melancólicas, las atmósferas envolventes y las letras que profundizan en las complejidades de las relaciones humanas. Su propuesta combina elementos del dream pop y el pop alternativo con una sensibilidad cinematográfica que encuentra puntos de conexión con artistas como Lana Del Rey, Cigarettes After Sex y Beach House. A lo largo de siete álbumes, el músico ha desarrollado un lenguaje propio en el que la intimidad emocional ocupa un lugar central.



“Wherever You Are” parte de una idea tan sencilla como universal: imaginar cómo habría sido una relación que nunca llegó a suceder. Más que abordar una ruptura convencional, la canción se adentra en una forma de pérdida menos evidente, aquella que aparece cuando una posibilidad desaparece antes de convertirse en una experiencia compartida. Es el recuerdo de algo que nunca ocurrió, pero que aun así puede dejar una huella emocional profunda.

A través de su letra, James Tonic reflexiona sobre el deseo de ser importante para otra persona y la incertidumbre que acompaña a los vínculos que nunca terminan de materializarse. La canción gira alrededor de la necesidad de sentirse necesario, querido o protegido, incluso cuando esa conexión solo existe en la mente. De esta manera, el artista transforma una experiencia íntima en una historia con la que pueden identificarse quienes alguna vez imaginaron una vida alternativa junto a alguien.

“Wherever You Are” combina piano, cuerdas y sintetizadores en una producción atmosférica que deja espacio para que cada elemento contribuya a la carga emocional de la composición. La grabación, realizada con una banda en directo en lugar de depender exclusivamente de instrumentos programados, aporta una dimensión orgánica al sonido y permite que los arreglos respiren dentro de una estructura delicada y envolvente.

El resultado se mueve entre el alternative pop y el dream pop, con una instrumentación que acompaña la melancolía de la letra sin restarle protagonismo. Los sintetizadores construyen texturas etéreas, mientras el piano y las cuerdas refuerzan la sensación de intimidad y contemplación. La voz de Tonic guía la canción con un enfoque sensible, manteniendo el equilibrio entre la vulnerabilidad de la interpretación y la amplitud cinematográfica de la producción.


LA NUEVA OLA 2026 #631 | Ranvir, Sheffer Stephens, Patrick Manian

LA NUEVA OLA 2026 #631 | Ranvir, Sheffer Stephens, Patrick Manian

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Ranvir – Slow Down Slow | Singapur

Ranvir es un proyecto originario de Singapur, liderado por un multiinstrumentista y productor que fusiona indie rock, shoegaze, texturas experimentales y arreglos cinematográficos para crear una propuesta íntima y atmosférica. Su música explora temas como el dolor, la mortalidad y la fugacidad del tiempo, influenciada por sus experiencias personales y su convivencia con una enfermedad crónica desde temprana edad. En Slow Down Slow, presenta una reflexión sobre la necesidad de detenerse y vivir el presente en medio de un mundo que exige avanzar constantemente. La canción transita desde una intensidad inquietante hacia una atmósfera inspirada en la bossa nova, acompañando su evolución emocional con una invitación a reconectar con el momento presente y comprender que, al esperar siempre el instante adecuado para vivir, podemos dejar escapar aquello que realmente importa.


Sheffer Stephens – Flyboy | Estados Unidos

Sheffer Stephens es un cantautor radicado en Nashville que combina rock and roll, indie rock y Americana en una propuesta auténtica, marcada por melodías envolventes, arreglos inesperados y una actitud experimental que evita quedarse anclada en la nostalgia. En su sencillo Flyboy, producido por Kieran Kelly, se inspira en la historia real de Colton Harris-Moore, conocido como el «Barefoot Bandit», para construir un relato musical sobre la libertad, la rebeldía y el deseo de escapar. Con una instrumentación de espíritu orgánico, guitarras dinámicas y matices psicodélicos, la canción explora el contraste entre la búsqueda de independencia y los límites inevitables de la huida. A través de su narrativa cinematográfica y su sonido versátil, Stephens reafirma su identidad artística, fusionando la tradición del rock estadounidense con una sensibilidad contemporánea y una forma singular de contar historias.


Patrick Manian – Deal Me In | Estados Unidos

Patrick Manian es un músico, compositor y multiinstrumentista de Upstate New York, conocido por explorar una faceta más personal y experimental de su creatividad fuera de su trabajo en Mobile Steam Unit, la banda de indie rock y agencia de audio branding que cofundó. Junto a Samuel Huntington, forma parte de LARGE TEENZ, un proyecto que combina indie rock, country alternativo y humor satírico para abordar distintos aspectos de la cultura estadounidense. Su sencillo “Deal Me In” es una oda al estilo de vida de los casinos de Las Vegas, con una sonoridad de country alternativo y una actitud irreverente que captura la emoción del juego, el riesgo y la búsqueda de fortuna. La canción refleja la identidad desenfadada de LARGE TEENZ, que mezcla influencias musicales diversas con observaciones mordaces sobre la vida contemporánea.




LA NUEVA OLA 2026 #630 | Albastián, Azwel,

LA NUEVA OLA 2026 #630 | Albastián, Azwel,

Gus Ormo

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Albastián

Albastián es un proyecto musical costarricense-chileno de folk pop que explora la memoria, la identidad y las emociones a través de una combinación de instrumentación orgánica, elementos orquestales y texturas electrónicas. Con una propuesta íntima y una sensibilidad melódica particular, el artista transforma experiencias cotidianas en relatos sobre el amor, la pérdida y la transformación personal. En su sencillo -miel y sol-, Albastián reflexiona sobre cómo los recuerdos resignifican los pequeños momentos de la vida y nos permiten encontrar plenitud, aceptación y paz con el paso del tiempo. Inspirada en la imagen de una fotografía pegada con un imán en la refrigeradora, la canción convierte un objeto cotidiano en un símbolo de los vínculos y las experiencias que permanecen en la memoria.


Azwel

AZWEL es el proyecto musical del compositor y productor Jason Perrillo, quien durante más de 20 años ha desarrollado una trayectoria independiente desde su estudio en Nueva York, combinando indie rock, pop orquestal y narrativas cinematográficas. Como celebración de su recorrido musical, lanzó Nifty Fifty, una compilación de 50 canciones grabadas entre 2003 y 2021, que reúne temas frecuentemente interpretados en vivo por la banda y otros favoritos del artista. Concebida con el cuidado y la estructura de un álbum tradicional, esta colección recorre distintas etapas del proyecto y ofrece tanto a sus seguidores como a nuevos oyentes una oportunidad de descubrir la amplitud de su catálogo y la evolución de su identidad sonora.


Gus Ormo

Gus Ormo es un cantautor, pianista y poeta venezolano originario de Maracaibo, conocido como «El Príncipe de la Música». Con más de dos décadas de trayectoria, su propuesta artística combina romanticismo, sensibilidad poética y expresividad instrumental para explorar las emociones humanas desde una perspectiva íntima y personal. En sus composiciones Claroscuro y Latidos, el artista revela dos facetas de su universo musical: mientras Claroscuro invita a descubrir la sensibilidad interior que se esconde detrás de las apariencias mediante melodías evocadoras, Latidos fusiona elementos clásicos y contemporáneos en una experiencia instrumental envolvente, con el piano como protagonista. Ambas piezas reflejan su visión de la música como un lenguaje capaz de trascender las palabras, despertar sentimientos profundos y conectar el alma del artista con la de sus oyentes.



El estilo soul y el pulso en vivo de Kingsland en Rich Boys y Follow Me

El estilo soul y el pulso en vivo de Kingsland en Rich Boys y Follow Me

Formada a finales de 2024 en Brooklyn, la agrupación Kingsland se sostiene como una propuesta de ocho integrantes liderada por una voz femenina. Con una sección rítmica completa, vientos y armonías vocales múltiples, la banda comenzó a presentarse en directo por escenarios de Nueva York a principios de 2025. Aquella dinámica sobre las tablas les permitió moldear su repertorio directamente ante el público antes de ingresar al estudio de grabación.

Esa interacción en vivo define un sonido que fusiona ritmos disco, composición con aire blues y ganchos pop directos. Dentro de su primer EP, la canción Rich Boys abre la entrega mediante un ritmo dinámico y fluido. La voz principal despliega una sólida cadencia de estilo soul, aportando sabor y desenvoltura a una estructura instrumental muy bien calibrada.



En esa misma dirección musical se ubica Follow Me, otra propuesta destacada de este lanzamiento. La pieza conserva la riqueza del soul, pero desplaza el protagonismo hacia el diseño de las líneas de bajo y la presencia de la sección de viento. Esta combinación otorga un relieve particular a la pista, equilibrando la potencia con el detalle técnico.

Sin recurrir a artificios de estudio, ambos temas capturan la energía de la ejecución en conjunto de la banda. Kingsland demuestra una clara solidez para trasladar la frescura del escenario al disco con la sobriedad que requiere cada arreglo. Con estas dos entregas, el conjunto reafirma el valor de la disciplina rítmica y la precisión.


LA NUEVA OLA 2026 #629 | Re:Noir, Mayflower y Sam Bencomo

LA NUEVA OLA 2026 #629 | Re:Noir, Mayflower y Sam Bencomo

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Re:Noir – CARE ABOUT YOU | Alemania

Iniciamos este recorrido con Re:Noir, quien nos entrega CARE ABOUT YOU, una interesante propuesta que integra elementos de rock y música electrónica dentro de una atmósfera de matices industriales; la pista se sostiene sobre una voz medida y con técnica depurada que aporta expresión, vistiendo de personalidad un entorno donde los ritmos sintéticos fluyen con soltura.

Detrás de este proyecto se encuentra Enrico Antinori, productor de veintiséis años afincado en Turín que concibe sus canciones desde raíces italianas y alemanas; definiendo su propuesta como una vertiente de pop alternativo atmosférico, el creador escribe, arregla e interpreta casi la totalidad de su catálogo navegando libremente entre géneros.


Mayflower – Gravity | Reino Unido

Continuamos la travesía junto a Mayflower, agrupación que nos ofrece Gravity, una pieza construida sobre un ritmo lento que permite apreciar cada detalle instrumental; la canción se distingue por incorporar matices de shoegaze y pasajes lo-fi, combinando guitarras firmes con coros envolventes que logran consolidar una experiencia pausada pero llena de presencia.

Basado en Mánchester, este conjunto de rock independiente destaca por entrelazar melodías claras con marcadas armonías vocales y estribillos potentes; enriqueciendo su propuesta mediante texturas ambientales, el grupo se abre paso dentro del circuito alternativo británico ofreciendo un balance equilibrado entre la sutileza instrumental y la fuerza guitarrera.


Sam Bencomo – Tragos Amargos | Estados Unidos

Terminamos las recomendaciones de hoy junto a Sam Bencomo, artista que nos entrega Tragos Amargos, una canción caracterizada por un trasfondo melancólico; la composición entrelaza influencias de la música norteña mexicana con matices del folk estadounidense, acompañándose de una interpretación vocal cercana al estilo regional que otorga sencillez y calidez a la pista.

Original de Nogales, Sonora, y radicado en Tucson, el cantautor retomó su faceta creativa como un medio de desahogo tras formar parte del grupo Los Velvets; inspirado por referentes como El Trío Los Panchos o Él Mató a un Policía Motorizado, el músico prioriza la vulnerabilidad en composiciones personales que conectan de forma sincera con el público.


En conclusión, esta entrega nos brinda un recorrido diverso que conecta la experimentación de Re:Noir, la calma shoegaze de Mayflower y la melancolía nostálgica de Sam Bencomo. Por esta razón, les invitamos cordialmente a darse una valiosa oportunidad para escuchar sus propuestas, agregando sus canciones a sus listas preferidas para seguir descubriendo increíbles talentos emergentes de la escena global.