La cantautora y productora Penelope Robin presenta Ansiedad, una canción que marca una nueva etapa en su carrera. A sus 18 años, la artista nacida en Miami y radicada en Colombia demuestra una madurez interpretativa notable al transformar la esencia de un bolero cubano clásico en una balada contemporánea cargada de sensibilidad.
Coescrita junto a C-Rod y el reconocido cantautor colombiano Andrés Cabas, Ansiedad equilibra con elegancia el pulso vintage del bolero —con guitarras delicadas y percusión sutil— y una producción pop moderna de acabado pulido. Esta fusión sonora crea un puente entre tradición y actualidad, permitiendo que la voz de Penelope sea el eje emocional de la pieza.
En lo lírico, la canción explora el miedo a perder aquello que más se ama y las tensiones que surgen cuando el apego se vuelve tan profundo que comienza a doler. Con una interpretación íntima y contenida, Penelope transmite vulnerabilidad sin excesos, dejando que cada frase respire y conecte. Para ella, ese amor puede representar la música misma; para el oyente, puede convertirse en una relación, un sueño o cualquier vínculo esencial. Esa ambigüedad emocional convierte a Ansiedad en una experiencia tan personal como universal.
En este lanzamiento Ansiedad confirma que Penelope Robin no solo honra las raíces de la música latina, sino que también sabe reinterpretarlas con identidad propia. Es una balada de combustión lenta que permanece en la memoria y reafirma su lugar como una de las voces jóvenes con mayor proyección dentro del pop latino actual.
El cantautor, productor y multiinstrumentista neoyorquino Dylan Dunlap llega con el lanzamiento de I Dare You, el tercer sencillo de su próximo álbum. Fiel a su estilo honesto y emocional, Dunlap firma la composición y producción del tema, reafirmando su compromiso con una música profundamente humana y artesanal.
Desde los primeros acordes, I Dare You se presenta como una pieza de indie pop luminosa y envolvente. Las guitarras acústicas suaves sostienen una melodía delicada que sirve de marco perfecto para la voz cálida y cercana del artista. La canción funciona como una declaración de amor íntima, en la que Dunlap describe con imágenes poéticas como “el cielo en sus ojos” o “tatuajes en acuarela” a la mujer que inspira la letra. Sin embargo, el mensaje va más allá del romance: el título mismo plantea un reto directo al oyente.
“I Dare You” es una confesión sentimental, asi como una invitación a abrir el corazón. A lo largo del tema, Dunlap desafía a quien escucha a experimentar un amor profundo y consciente, a reconocer esa luz en otra persona y, más importante aún, a descubrirla dentro de sí mismo. La sencillez lírica se convierte en fortaleza, permitiendo que la emoción fluya sin artificios.
El ambiente sonoro, relajado y optimista, convierte la canción en la banda sonora ideal para una mañana tranquila o una caminata reflexiva. Esa misma sensación se traslada al videoclip, filmado y editado por Garrett Weinholtz, donde el artista recorre espacios cotidianos con naturalidad, reforzando el carácter introspectivo del tema.
El dúo Kewl Haze, originario de Filadelfia, ha construido su identidad a partir de una mezcla de psicodelia, humor y reflexión. Formado por Dan Scott Forreal y Derek Sheehan, el proyecto se gestó entre estudios caseros y sesiones profesionales, siempre con una actitud abierta a experimentar. Su debut Suburban Sherpa reflejó esa filosofía: un viaje sonoro que combina décadas de influencias y que se sostiene en la idea de probar cualquier recurso que aporte frescura.
En ese contexto aparece “Stereo Junkie”, una canción que se distingue por su ritmo divertido y dinámico. El tema se mueve entre el rock y el indie, con un ligero toque shoegaze que aporta densidad a la atmósfera. La voz, directa y envolvente, se convierte en el elemento que da cohesión a la propuesta, logrando que la canción atrape desde los primeros segundos. Es una pieza que refleja la capacidad del dúo para integrar estilos sin perder identidad.
La música de Kewl Haze siempre ha estado marcada por la experimentación y la mezcla de géneros. En “Stereo Junkie”, esa intención se traduce en un tema que combina lo accesible con lo introspectivo, ofreciendo un sonido que se siente fresco y al mismo tiempo cargado de matices. La canción refleja la manera en que el dúo entiende la música como un espacio abierto, donde lo psicodélico y lo urbano pueden convivir.
Al escuchar “Stereo Junkie”, se percibe una propuesta que invita a dejarse llevar por su energía y su carácter expansivo. La canción funciona como un ejemplo de cómo Kewl Haze logra equilibrar diversión y experimentación, ofreciendo música que conecta con distintas sensibilidades. En esa mezcla de rock, indie y shoegaze, el dúo reafirma su lugar dentro de una escena que valora la autenticidad y la búsqueda constante de nuevos sonidos.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
David Bollmann – The Fisherman’s Offer | Estados Unidos
David Bollmann es un compositor que centra su propuesta musical en la espiritualidad y la narrativa emocional, combinando sensibilidad lírica con una producción accesible y contemporánea. En su sencillo The Fisherman’s Offer, presenta una canción de alabanza indie con matices cinematográficos inspirada en la invitación de Jesús a “seguirle”. A través de guitarras dinámicas, un ritmo envolvente y un coro de carácter himno, Bollmann desarrolla una reflexión sobre el amor sacrificial, la entrega y la decisión personal de responder a ese llamado, construyendo una pieza que conecta desde la honestidad y la introspección.
Benny Bronco – Goldilocks Standard | Austria
Benny Bronco es un productor enfocado en crear beats de alta calidad con identidad propia, combinando sensibilidad musical y una estética cuidada. En su sencillo Goldilocks Standard, realizado junto a Simon Handle, presenta un instrumental que fusiona jazz, lo-fi y soul en una atmósfera cálida y envolvente. Con guitarras sutiles, texturas de Rhodes, bajos con groove y delicados arreglos de saxofón, la pieza fluye con naturalidad entre el chill y el jazzhop, ofreciendo una experiencia sonora equilibrada, orgánica y perfecta para momentos de concentración o escucha relajada.
Thalassa – Rainy Day in Springtime | Tailandia
Thalassa, cantautora radicada en Bangkok con formación clásica y sensibilidad alt-pop, continúa consolidando su identidad sonora con Rainy Day in Springtime, una balada íntima que mezcla indie pop y sutiles matices jazz. Inspirada en un viaje lluvioso a San Francisco, la canción celebra la belleza de los pequeños momentos cotidianos y cómo estos nos transforman silenciosamente. Con guitarra cálida, arreglos delicados y una interpretación vocal envolvente, Thalassa construye una atmósfera nostálgica y serena que convierte lo simple en profundamente significativo.
La trayectoria de Molly Mogul se ha definido por una constante exploración entre el pop contemporáneo y los paisajes sonoros experimentales. Originaria de Inning am Ammersee, cerca de Múnich, y posteriormente inmersa en la escena underground de Bristol, Molly ha construido una identidad artística que combina música, artes visuales y performance. Su trabajo bilingüe y su participación en colectivos como Dirty Spread Collective reflejan un compromiso con la diversidad y la autenticidad en cada propuesta.
En ese marco aparece “100 Things (That I’ve Been Meaning To Say)”, una canción que se sostiene en un ritmo lento pero con giros rítmicos interesantes. La pieza se abre paso con una producción cuidada, donde cada detalle aporta a la atmósfera general. La voz de Molly, fresca y única, se convierte en el elemento que eleva la canción, logrando que la propuesta se mantenga firme y cercana al oyente.
La música de Molly Mogul siempre ha buscado difuminar las fronteras entre géneros y disciplinas. En “100 Things (That I’ve Been Meaning To Say)”, esa intención se traduce en un tema que combina lo íntimo con lo experimental, ofreciendo un espacio sonoro que invita a la introspección. La canción refleja la capacidad de la artista para transformar experiencias personales en narrativas musicales que resuenan más allá de lo individual.
Al escuchar “100 Things (That I’ve Been Meaning To Say)”, se percibe una propuesta que apuesta por la sutileza y la innovación. La canción funciona como un ejemplo de cómo Molly Mogul logra equilibrar producción detallada con una interpretación vocal que transmite cercanía. En esa mezcla de ritmo pausado y frescura vocal, la artista reafirma su lugar dentro de una escena alternativa que valora la autenticidad y la experimentación.
Para algunos artistas, componer no significa cerrar heridas, sino retratar el momento exacto en el que todavía duelen. Con “Temporary Tragedy”, la cantautora neoyorquina ROREY entrega una pieza que no busca redención ni moraleja, sino capturar el estado emocional posterior a una ruptura cuando nada está resuelto y todo permanece suspendido.
Figura destacada dentro del bedroom pop/rock alternativo, ROREY ha construido su propuesta artística a partir de la vulnerabilidad sin filtros. En este nuevo sencillo —publicado junto a un videoclip cinematográfico— la artista se adentra en el desgaste interno que produce permanecer en una relación emocionalmente desigual. Más que hablar de desamor en términos explosivos, la canción explora el desgaste silencioso que ocurre cuando una persona sigue invirtiendo mientras la otra ya se ha retirado afectivamente.
Líneas como “I’m losing sleep / I can’t breathe / And I can’t eat / And I’m losing me” reflejan el impacto físico y mental de ese desequilibrio. El foco no está en señalar culpables, sino en el costo de la espera emocional: la pérdida gradual de identidad en el intento de sostener algo que ya no se sostiene. ROREY convierte esa experiencia en una confesión íntima, donde el dolor no grita, pero permanece constante.
En el plano sonoro, “Temporary Tragedy” se mueve entre el bedroom pop y el pop alternativo, con guitarras en capas, arreglos sutiles y una interpretación vocal contenida que refuerza la sensación de fragilidad. La producción, minimalista y atmosférica, acompaña la idea de repetición y rumiación, evocando esos bucles mentales que suelen aparecer tras una ruptura.
El videoclip amplifica este concepto mediante la imagen de un tablero con hilos rojos, símbolo de la necesidad de conectar recuerdos y buscar explicaciones donde quizás no las hay. Aunque la historia se inspira en la primera relación queer de la artista, el enfoque es universal: la dificultad de aceptar que el amor no siempre basta cuando no existe reciprocidad emocional.
Con “Temporary Tragedy”, ROREY no ofrece soluciones ni cierres definitivos. Ofrece la validación de un proceso. En su capacidad para nombrar lo que muchos sienten pero pocos expresan, confirma que su música no solo acompaña el dolor, sino que lo transforma en un espacio de reconocimiento compartido.
El productor y cantautor inglés Miller Blue continúa su ascenso dentro de la escena alternativa británica con el lanzamiento de su sencillo, “suicide doors”. Conocido por su fusión etérea de soul, R&B y electrónica inspirada en artistas como Frank Ocean, James Blake y Chet Faker Miller vuelve a demostrar su capacidad para equilibrar vulnerabilidad emocional y sofisticación sonora.
“Suicide doors” es una canción construida sobre el contraste. Mientras la letra aborda un mensaje introspectivo y de gran peso emocional, la producción ofrece un acompañamiento luminoso y esperanzador. Esta dualidad crea una atmósfera envolvente donde la fragilidad convive con la belleza, recordándonos que incluso en los momentos más oscuros puede surgir algo profundamente humano y artístico.
La delicadeza de los arreglos y la interpretación contenida de Miller potencian ese sentimiento de honestidad cruda que se ha convertido en una de sus señas de identidad. El sencillo cuenta con la coproducción y mezcla de Christian Ellery (Posh Chocolates), mientras que la masterización estuvo a cargo de Andy “Hippy” Baldwin, aportando un acabado pulido que realza la profundidad y el espacio de la instrumentación.
“Suicide doors” formará parte del próximo álbum debut de Miller Blue, un proyecto muy esperado que promete ampliar su universo sonoro y reafirmarlo como una de las voces emergentes más interesantes del R&B alternativo en el Reino Unido. Con cada lanzamiento, el artista demuestra que su propuesta no solo conecta desde la sensibilidad, sino también desde una producción cuidada y contemporánea que lo posiciona firmemente dentro del panorama actual.
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Celina Savag – Baby Names | Estados Unidos
Celina Savage es una cantante y compositora de 19 años, estudiante de Berklee College of Music, que se abre camino en la escena indie y folk-pop con una propuesta íntima y honesta. Su sencillo y álbum debut Baby Names (2025) reflejan su sensibilidad narrativa y su capacidad para transformar emociones juveniles en melodías memorables. La canción «Baby Names» destaca por su calidez y ternura, explorando la ilusión de imaginar un futuro compartido con alguien especial, consolidando a Celina como una artista emergente con una voz auténtica y prometedora.
Checco Curci – Non si torna indietro | Italia
Checco Curci, cantautore pugliese e milanese d’adozione, torna sulla scena a tre anni dal suo esordio con “Non si torna indietro”, un brano intenso e introspettivo che anticipa il nuovo album L’amore non ha cuore. La canzone racconta uno scontro lucido tra passione e ragione, osservando la fine di un amore ancora prima del suo inizio e scegliendo la consapevolezza al posto dell’illusione. Con un arrangiamento essenziale costruito su pianoforte preparato, ritmo sincopato e una vocalità calda e profonda, Curci firma una riflessione matura sull’impossibilità di tornare indietro e sulla necessità di attraversare i sentimenti con coscienza e verità.
Kruvenvrag – Gun and the Flag | Bulgaria
Kruvenvrag es un dúo de Sofía, Bulgaria, formado por Nikola Panayotov y Sava Stoilov, que explora un sonido íntimo y atmosférico entre el shoegaze y el folk. Su sencillo debut, “Gun and the Flag”, presenta una propuesta envolvente que comienza con una energía rítmica y se transforma en una escena nocturna cargada de tensión y sensibilidad. Con un equilibrio entre suavidad y densidad sonora, la canción introduce el universo emocional del dúo y anticipa su primer EP, fruit vegetable.
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Robot Dinosaurs – Kept Your Distance | Estados Unidos
El recorrido inicia con Robot Dinosaurs y su tema Kept Your Distance, una canción que se sostiene en un ritmo lento y una atmósfera ligera. La mezcla entre indie rock y un indie pop más suave crea un espacio agradable, mientras la voz aporta un timbre trabajado que acompaña con naturalidad. La propuesta transmite calma y se convierte en una pieza que invita a escuchar con atención.
El proyecto Robot Dinosaurs surge como una aventura en solitario, con la intención de compartir música desde la experiencia personal. Tras un tiempo de pausa, regresa con energía renovada y con la idea de publicar nuevas canciones de manera constante. Su estilo refleja autenticidad y un interés por conectar directamente con quienes buscan música íntima y cercana.
Martha Elizabeth Miller – What Lies Within | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Martha Elizabeth Miller con What Lies Within, una canción que se apoya en lo acústico y en la fuerza de su voz. La atmósfera que genera es amplia y envolvente, logrando transmitir calidez y profundidad. La calidad de la grabación refuerza la propuesta y convierte la pieza en una experiencia que se disfruta con calma.
El álbum de Martha Elizabeth Miller se inspira en reflexiones personales y en la obra de Carl Jung, construyendo un viaje psicoespiritual. Con influencias que van desde lo coral hasta el folk y el pop progresivo, logra un estilo diverso y contemplativo. La colaboración con Daune Campbell y Marguerite Witvoet en las armonías vocales aporta riqueza y refuerza la intención de crear un espacio musical reflexivo.
Beau Morgan – When She Looked at Him | Estados Unidos
Finalmente encontramos a Beau Morgan con When She Looked at Him, una canción que combina indie rock y country con frescura. El ritmo se mueve con naturalidad y logra transmitir cercanía, convirtiéndose en una pieza que atrapa desde el inicio. La propuesta refleja un estilo directo y accesible, pensado para conectar con quienes buscan música honesta.
Originario de Virginia, Beau Morgan escribe canciones inspiradas en experiencias reales, desde relaciones tensas hasta momentos de cambio inesperado. Su estilo se apoya en la narrativa del country y en la crudeza del indie rock, logrando un equilibrio entre vulnerabilidad y fuerza. Con influencias de artistas como Zach Bryan y Tyler Childers, su música se centra en la autenticidad y en la capacidad de contar historias sin adornos.
En conclusión, Robot Dinosaurs, Martha Elizabeth Miller y Beau Morgan nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo íntimo y ligero hasta lo contemplativo y lo confesional, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Groove 2 Affair – anything about you | Japón
El recorrido inicia con Groove 2 Affair y su tema anything about you, una canción que se mueve con un ritmo rápido que recuerda al downtempo pero con un aire pop. La atmósfera japonesa que envuelve la pieza le da un carácter especial, logrando atrapar al oyente desde el inicio. La propuesta transmite frescura y se convierte en un espacio donde lo experimental y lo accesible se encuentran.
El proyecto Groove 2 Affair está formado por George Kano y tasogareMG, quienes han trabajado en música para videojuegos, comerciales y distintos proyectos musicales. Su estilo se inspira en el city pop y en la capacidad de regrabar y remezclar sus propios materiales en vivo. El resultado es un sonido lleno de matices, con voces distintivas y melodías que se sienten modernas pero con un aire clásico.
Bobo Dos Blotos – Before You Save Me | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Bobo Dos Blotos con Before You Save Me, una canción que se sostiene en un ritmo dinámico con influencias indie pop. Los toques electrónicos aportan frescura y generan una atmósfera experimental que se siente envolvente. La pieza transmite energía y logra conectar con facilidad gracias a su estilo directo.
Desde Los Ángeles, Bobo Dos Blotos se presenta como compositor y productor que apuesta por un sonido alternativo con tintes modernos. Su propuesta refleja curiosidad y exploración, mostrando cómo lo electrónico puede integrarse con lo indie pop para crear un espacio nuevo. Con esta canción reafirma su interés por construir escenas musicales que se sientan frescas y diferentes.
YALANA – GOOD GIRL | Estados Unidos
Finalmente encontramos a YALANA con GOOD GIRL, una canción que se apoya en influencias indie rock y un ritmo sencillo pero efectivo. La pieza logra crear una atmósfera atractiva que se sostiene en la fuerza de la voz y en la energía de la interpretación. Su estilo transmite intensidad y se convierte en una propuesta que atrapa desde el inicio.
Originaria de Rusia y actualmente radicada en Estados Unidos, YALANA comenzó a escribir letras desde muy joven y a los dieciséis ya lideraba su propia banda. Con influencias que van desde Scorpions hasta Evanescence y Linkin Park, su música refleja un interés por el rock y lo alternativo. Hoy utiliza sus canciones como un medio de expresión emocional y narrativa, mostrando autenticidad en cada tema.
En conclusión, Groove 2 Affair, Bobo Dos Blotos y YALANA nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde la frescura del city pop japonés hasta la energía indie y el rock alternativo, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical
