Año: 2026

atmos bloom explora el cambio, la aceptación y la identidad con “It’s Enough” y “Closer”

atmos bloom explora el cambio, la aceptación y la identidad con “It’s Enough” y “Closer”

El dúo londinense atmos bloom, formado por Tilda Gratton y Curtis Paterson, continúa desarrollando su propuesta musical con dos sencillos que adelantan la dirección de su próximo álbum Everythingness: “It’s Enough” y “Closer”. Ambos temas muestran una etapa más reflexiva del proyecto, donde el dream pop, el shoegaze y el indie alternativo sirven como vehículo para explorar emociones relacionadas con el crecimiento personal, las expectativas y la transformación.

La historia de atmos bloom comenzó en Manchester, cuando Tilda y Curtis se conocieron a través de la música durante sus años universitarios. Después de compartir proyectos y desarrollar una conexión creativa, el dúo evolucionó hacia una propuesta propia marcada por influencias del psych-rock, el shoegaze y el pop de guitarras. Con referencias que incluyen a bandas como DIIV, Alvvays, Deerhunter, Broadcast y Ulrika Spacek, su sonido combina atmósferas expansivas con melodías accesibles y una sensibilidad íntima.



En “Closer”, atmos bloom aborda la idea de encontrar paz interior mientras se reconoce que algunas versiones anteriores de uno mismo ya no forman parte del presente. La canción se sitúa en ese punto de transición donde crecer implica aceptar cambios inevitables, dejar atrás ciertas identidades y aprender a convivir con la evolución personal.

El tema construye una atmósfera difusa y envolvente, característica del universo del dúo. Las guitarras crean un paisaje sonoro cercano al shoegaze y al dream pop, generando una sensación entre lo real y lo onírico. La producción apuesta por texturas suaves y una energía contenida que acompaña la idea central de la canción: avanzar sin perder la conexión con aquello que alguna vez fuimos.

“Closer” refleja una mirada contemplativa sobre el paso del tiempo y la búsqueda de equilibrio. Más que presentar el cambio como una pérdida, la canción lo plantea como una parte natural del crecimiento y de la construcción de una nueva identidad.



Por su parte, “It’s Enough” explora una preocupación diferente pero relacionada: la dificultad de sentirse suficiente frente a las expectativas de otras personas. La canción gira alrededor de la tensión entre intentar responder a las imágenes que los demás tienen de nosotros y la necesidad de aceptar nuestra propia realidad.

Musicalmente, el tema combina guitarras cristalinas, una base rítmica dinámica y la voz serena de Tilda Gratton, creando un equilibrio entre energía y vulnerabilidad. La instrumentación mantiene influencias del indie pop atmosférico y el shoegaze, con capas sonoras que aportan profundidad sin perder claridad.

La composición no busca ofrecer una solución definitiva a esa sensación de insuficiencia, sino abrir un espacio para reflexionar sobre ella. atmos bloom transforma una experiencia personal en una emoción compartida: la búsqueda de aprobación, el cansancio de intentar encajar y el proceso de aprender a valorarse desde una perspectiva más propia.

Tanto “Closer” como “It’s Enough” presentan dos caras complementarias del universo de Everythingness. Mientras “Closer” se centra en aceptar las transformaciones internas y las etapas que dejamos atrás, “It’s Enough” aborda la presión externa y la necesidad de liberarse de expectativas imposibles.

A través de una combinación de guitarras atmosféricas, melodías delicadas y letras introspectivas, atmos bloom continúa construyendo una identidad basada en la exploración emocional y la experimentación sonora.


Steve Stout transforma la espera y la incertidumbre en una reflexión musical con “waitin on mine”

Steve Stout transforma la espera y la incertidumbre en una reflexión musical con “waitin on mine”

Steve Stout presenta una nueva etapa de su trayectoria artística con “waitin on mine”, una canción que combina indie folk, rock alternativo y matices psicodélicos para explorar una de las experiencias más universales: continuar avanzando sin saber cuándo llegará el momento esperado.

Con una carrera que abarca diferentes facetas dentro de la música, Stout ha participado en proyectos como ØZWALD, ha sido guitarrista de Lifehouse y ha colaborado con distintos artistas a lo largo de los años. En su trabajo como solista adopta una perspectiva más personal, apostando por composiciones donde las experiencias de vida, la introspección y la narrativa ocupan un papel central.



“waitin on mine” nace de una colaboración con M.C. Taylor, líder de Hiss Golden Messenger, un artista al que Stout admiraba y con quien encontró una conexión creativa inmediata. La canción refleja esa sensación de estar en movimiento constante, vinculada a la vida en carretera y a la búsqueda de un propósito, pero también aborda una inquietud común entre quienes persiguen una meta durante años: preguntarse cuándo llegará finalmente la oportunidad que se espera.

La composición no presenta la espera como un momento pasivo, sino como parte del propio recorrido. Sus letras exploran la mezcla de cansancio, esperanza y perseverancia que aparece cuando una persona continúa trabajando por aquello en lo que cree, incluso cuando los resultados no llegan al ritmo deseado.

“waitin on mine” se desarrolla dentro del indie folk, guitarras que aportan una textura ligeramente psicodélica, mientras el piano de Walker Igleheart añade una capa cálida y melódica al conjunto. La participación de M.C. Taylor, tanto en las voces de los coros como en la guitarra, amplía la dimensión emocional del tema y refuerza su carácter colaborativo.

El tema comienza con una instrumentación contenida y va incorporando nuevas capas sonoras hasta alcanzar un cierre donde las armonías vocales generan una sensación de amplitud y profundidad. Esta evolución acompaña la propia idea central del tema: un camino que se construye paso a paso, acumulando experiencias y aprendizajes.

En “waitin on mine”, Steve Stout no busca ofrecer una respuesta definitiva sobre cuándo llega el éxito o la recompensa personal. En cambio, propone una mirada honesta sobre la incertidumbre que forma parte de cualquier búsqueda significativa. La canción encuentra valor en el proceso, en la constancia y en la capacidad de seguir avanzando incluso cuando el destino todavía no está claro.


Unknown Caller convierte las noches de verano en nostalgia y melodía con “Every Night”

Unknown Caller convierte las noches de verano en nostalgia y melodía con “Every Night”

Desde Brooklyn, Unknown Caller el artista y productor llevaun sonido quecombina influencias del city pop japonés, el soft rock de los años 70 y 80, el indie R&B y la electrónica contemporánea, creando canciones que funcionan como recuerdos sonoros: cálidos, elegantes y llenos de emoción.

Su proceso creativo mantiene una esencia profundamente personal. Unknown Caller escribe, graba y produce su música desde su apartamento en Brooklyn, transformando su espacio cotidiano en un laboratorio donde las melodías, los sintetizadores y las texturas electrónicas encuentran un equilibrio entre lo clásico y lo actual. Esta visión le ha permitido construir una creciente audiencia internacional, superar millones de reproducciones y recibir el apoyo de plataformas y medios especializados que han reconocido su capacidad para crear canciones con una identidad atemporal.



Su nuevo sencillo “Every Night” nace como una exploración de esos pensamientos y emociones que aparecen cuando el ruido del día desaparece y la noche deja espacio para los recuerdos, las preguntas y los sentimientos más profundos. A través de una atmósfera íntima y envolvente, Unknown Caller transforma la reflexión personal en una experiencia con la que cualquier oyente puede sentirse identificado.

Lacanción combina una elegante línea de bajo con influencias funk, ritmos inspirados en el city pop y una producción llena de detalles electrónicos que aportan color sin perder naturalidad. El resultado es una canción que transmite la sensación de caminar por una ciudad iluminada durante una noche de verano, entre la calma de la madrugada y la energía de una última aventura antes de que termine el día.

La letra refleja la admiración y el anhelo hacia alguien que vive atrapado en el ritmo acelerado de sus responsabilidades, creando un retrato cercano de las relaciones modernas y de esos momentos en los que una persona permanece presente incluso cuando está lejos. Su voz cálida, ligeramente rasgada y llena de personalidad evita que la canción se convierta únicamente en un ejercicio de estilo, aportando cercanía y vulnerabilidad. Esa combinación entre una producción refinada y una interpretación honesta es una de las claves de su sonido.

Una canción que confirma el talento de un artista capaz de convertir una atmósfera en una historia y una sensación en una melodía, consolidando a Unknown Caller como una de las propuestas más interesantes dentro del pop alternativo contemporáneo.


Oscar Stembridge convierte la distancia y la nostalgia en energía indie pop con “Last Train Home”

Oscar Stembridge convierte la distancia y la nostalgia en energía indie pop con “Last Train Home”

Con apenas 18 años, Oscar Stembridge desde Malmö, Suecia, el joven cantautor y multiinstrumentista combina el espíritu del indie pop moderno con la fuerza del rock alternativo impulsado por guitarras, creando canciones donde las melodías memorables y la honestidad emocional ocupan un lugar central.

Su propuesta nace de una clara conexión con la música en directo. Tras acumular experiencia en escenarios de Suecia, Europa y Estados Unidos, tanto en formato solista como junto a su banda de cuatro integrantes, Stembridge ha desarrollado un sonido pensado para conectar con el público, manteniendo una esencia orgánica y cercana que apuesta por las emociones reales por encima de las tendencias pasajeras.



Su nuevo sencillo “Last Train Home” captura esa mezcla contradictoria de felicidad y melancolía que aparece después de compartir una noche especial con alguien por quien empiezas a sentir algo más profundo. Es ese instante en el que el momento termina, el tren avanza en medio de la oscuridad y, aunque acabas de despedirte, ya comienzas a extrañar a esa persona.

Inspirada en los propios viajes de Oscar entre Estocolmo y Malmö durante una relación a distancia, la canción nace de una experiencia íntima donde la cercanía y la separación convivían al mismo tiempo. Cada trayecto se convirtió en una oportunidad para reflexionar sobre el amor, la espera y la intensidad emocional que surge cuando dos personas intentan mantenerse conectadas a pesar de los kilómetros.

“Last Train Home” combina guitarras dinámicas, una producción indie pop/rock llena de energía y una atmósfera casi cinematográfica. El contraste entre la instrumentación luminosa y la temática más nostálgica crea una sensación única: una canción capaz de hacer sonreír mientras recuerda la tristeza de una despedida.

La interpretación vocal de Stembridge aporta cercanía y autenticidad, guiando al oyente por una historia sencilla pero universal. El viaje en tren se convierte en una metáfora de esos momentos de transición en los que todavía vivimos la emoción del encuentro, pero empezamos a sentir la ausencia de lo que dejamos atrás.


LA NUEVA OLA 2026 #444 | CabinTwelve, JOYFUL, Pandawolf

LA NUEVA OLA 2026 #444 | CabinTwelve, JOYFUL, Pandawolf

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


CabinTwelve – Reach | EstadosUnidos

CabinTwelve es un proyecto que combina el espíritu luminoso del surf rock con la energía del indie rock y el rock alternativo, creando canciones cargadas de frescura, emoción y optimismo. En “Reach”, la banda captura la sensación de regresar a casa después de haber cambiado y crecido lejos, transformando la nostalgia del verano en una melodía vibrante y llena de vida. Con guitarras contagiosas, ritmos dinámicos y una interpretación cercana, el tema celebra la amistad, la libertad y esos momentos de transición en los que el pasado y el futuro se encuentran bajo la luz del verano.


JOYFUL – WHISKY & BOOZE | Reino Unido

JOYFUL es un cantautor de Aberdeen, Escocia, que destaca por su voz única, su expresiva guitarra y una propuesta basada en la honestidad emocional. Sus canciones nacen de experiencias personales relacionadas con la salud mental, especialmente la depresión, convirtiendo sus momentos de lucha en mensajes de esperanza y conexión. En “WHISKY & BOOZE”, JOYFUL fusiona folk e indie con una energía dinámica y optimista, ofreciendo un tema lleno de carácter que equilibra vulnerabilidad y vitalidad. La canción refleja su capacidad para hablar de emociones profundas sin perder frescura, creando un espacio donde la autenticidad y la alegría encuentran un punto de encuentro.


Pandawolf – forehead | Reino Unido



LA NUEVA OLA 2026 #443 | Jonathon Penn, Bajune Tobeta, Univore

LA NUEVA OLA 2026 #443 | Jonathon Penn, Bajune Tobeta, Univore

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Jonathon Penn – Gold Rush | Estados Unidos

Jonathon Penn es un cantautor estadounidense que combina el indie rock y la americana para explorar las grandes transformaciones personales a través de una composición honesta y profundamente introspectiva. En “Gold Rush”, convierte el colapso de una etapa de su vida en una poderosa reflexión sobre el precio de perseguir el éxito y la validación externa. Con armonías vocales envolventes, una producción rica en texturas y una interpretación de gran carga emocional, la canción aborda temas como la identidad, el fracaso y la reconciliación, consolidando a Penn como un narrador sensible capaz de transformar la vulnerabilidad en arte.


Bajune Tobeta – After the Silence (feat. Christian Fennesz) | Japón

Bajune Tobeta es un compositor, productor e investigador acústico japonés que explora la intersección entre la música contemporánea, el ambient y la electrónica experimental. En “After the Silence (feat. Christian Fennesz)”, une fuerzas con el reconocido artista austríaco para crear una pieza de gran sensibilidad inspirada en el legado de Ryuichi Sakamoto. A través de un delicado diálogo entre piano, drones, cuerdas y texturas electrónicas, la composición construye un paisaje sonoro cinematográfico que convierte el silencio en un elemento expresivo, invitando a la contemplación, la calma y la reflexión. El tema, adelanto del EP Anechoic, consolida la propuesta de Tobeta como una de las voces más refinadas dentro del ambient y la música experimental contemporánea.


Univore – Turn the Power On | Estados Unidos

UNIVORE es el dúo formado por Nicholas Flandro y David Bachmann, una propuesta artística de Ohio que combina psicodelia, krautrock, rock experimental y elementos electrónicos dentro de un universo sonoro propio y lleno de imaginación. En “Turn the Power On”, extraído de su álbum Timelines, la banda explora la necesidad de recuperar la atención y reconectar con lo esencial en un mundo dominado por el exceso de estímulos. Con ritmos dinámicos, atmósferas envolventes, sintetizadores hipnóticos y una energía psicodélica contagiosa, la canción se convierte en una invitación a despertar, romper la rutina y volver a activar la curiosidad y la conexión personal.


LA NUEVA OLA 2026 #442 | Arina Phoenix, figuers, Andrew Mott

LA NUEVA OLA 2026 #442 | Arina Phoenix, figuers, Andrew Mott

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Arina Phoenix – Daisies | Alemania

Arina Phoenix es una cantautora y productora chuvash-rusa afincada en Berlín que fusiona el chamber pop alternativo con paisajes sonoros electrónicos de gran sensibilidad. Su sencillo debut, “Daisies”, marca el inicio de una nueva etapa artística y presenta un universo sonoro luminoso donde delicados arreglos electrónicos conviven con saxofones, clarinete bajo y armonías corales. Escrita entre Tel Aviv y Berlín, la canción habla de sanación, libertad, amor y resiliencia, transformando experiencias personales de violencia, migración y guerra en un mensaje esperanzador sobre el poder de la música para conectar, empoderar y encontrar paz incluso en los momentos más difíciles.


figuers – issues | Estados Unidos

Figuers es el proyecto musical de Kevin Embleton y Jacob Montague, un dúo que ha conquistado una amplia audiencia gracias a sus versiones chill folk de grandes canciones. Con “Issues”, su primer sencillo original, inauguran una nueva etapa artística en la que mantienen la calidez e intimidad que los caracteriza, combinando guitarras acústicas suaves, voces cercanas y una delicada producción indie rock. El resultado es una canción honesta y emotiva que consolida la identidad sonora de Figuers y marca el comienzo de su camino como compositores.


Andrew Mott – Waiting for the Rain

Andrew Mott es un cantautor que encuentra en el folk acústico, el indie folk y el bluegrass el vehículo perfecto para contar historias sencillas y profundamente humanas. En “Waiting for the Rain”, combina delicadas guitarras acústicas, una interpretación cálida y arreglos orgánicos para crear una atmósfera íntima y contemplativa. La canción evoca la paciencia, la esperanza y la conexión con la naturaleza, convirtiendo la espera de la lluvia en una metáfora del renacer y la transformación personal, al tiempo que consolida la identidad artística de Mott como un narrador sensible y auténtico.


La crudeza experimental de A Place To Bury Strangers florece en Losing Time

La crudeza experimental de A Place To Bury Strangers florece en Losing Time

El proyecto comandado por Oliver Ackermann inició una etapa de reconstrucción en su estudio de Queens tras el lanzamiento de su previo material en dos mil veintidós. Con la incorporación de sus amigos John y Sandra Fedowitz a la alineación, la banda experimentó una notable renovación interna. Este cambio de integrantes aportó una frescura inédita que motivó al líder a estructurar composiciones centradas en la interacción directa del conjunto.

Frente a una época dominada por la automatización tecnológica y la ausencia del trabajo manual en los estudios, el grupo reivindica el caos orgánico. Su séptimo álbum, concebido en torno a la fabricación de un instrumento físico singular, celebra los sonidos espontáneos nacidos de la colaboración comunitaria. La intención explícita radica en huir de la perfección digital para abrazar una imperfección plenamente humana y voluntariamente distorsionada.



En este contexto de transformación estilística se sitúa el lanzamiento de la pista titulada Losing Time, una propuesta firmada por A Place To Bury Strangers. El corte se define dentro de los márgenes del rock experimental, alejándose deliberadamente de las estructuras convencionales de la música comercial. La arquitectura del tema se desenvuelve sobre un ritmo tranquilo pero realmente adictivo que sostiene la tensión elemental de la obra.

El trayecto instrumental se complementa con una interpretación vocal que refuerza con acierto la capa oscura de la composición aportando mucha personalidad. A través de este recurso, la entrega adquiere un matiz romántico y colorido sin perder la naturaleza ruidosa que caracteriza al trío en escena. Con Losing Time, A Place To Bury Strangers desmantela su estética previa para entregar un sonido crudo, vital y firmemente arraigado.


LA NUEVA OLA 2026 #441 | seeTrees, Luis Picazo y distantiate

LA NUEVA OLA 2026 #441 | seeTrees, Luis Picazo y distantiate

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


seeTrees – Break in the Light | Estados Unidos

Iniciamos este recorrido de la mano de seeTrees, un proyecto que nos ofrece su tema Break in the Light, una interesante propuesta que destaca de inmediato por sus marcadas influencias retro y un indie rock bastante ligero envuelto en un aura clásica; la pista se apoya por completo en una sección vocal que se siente sumamente bien, logrando guiar al oyente de forma fluida a través de una instrumentación equilibrada que evoca un agradable sentimiento de renovación musical constante.

Formada en dos mil veinticuatro tras la unión entre el compositor Drew Lawrence y el productor Luke Adams, la agrupación se inspira en Tom Petty y Wilco para dar forma a un estilo que consolidaron en su debut de dos mil veinticinco titulado Greater Than the Past; tras ofrecer cincuenta conciertos por la costa oeste abriendo para actos como The White Buffalo, la banda ahora promociona su sencillo de febrero titulado Relivin’ It como antesala de su gira veraniega.


Luis Picazo – Revólver | México

Continuamos este trayecto junto a Luis Picazo, quien nos regala su sencillo titulado Revólver, una propuesta enmarcada en el alt-pop que se desarrolla sobre un ritmo lento y un estilo sumamente ligero; el corte destaca por construir una atmósfera detallada y provista de un marcado toque nostálgico, sirviendo como el escenario ideal para que una interpretación vocal con excelente cuerpo transmita una gran cantidad de emociones al público, siendo este cantante un amigo ya recurrente dentro de nuestro blog.

Abriendo las puertas de su universo con su característico saludo hacia los terrícolas que le siguen, este músico multinstrumentista y compositor reside en la populosa Ciudad de México y expande su propuesta independiente de forma directa; su base artística quedó de manifiesto en su álbum debut denominado RESPLANDOR., un compendio donde fusiona elementos de indie rock, rock alternativo e indie folk pensado para quienes disfrutan de las narrativas íntimas y envolventes.


distantiate – once in a lifetime| Canadá

Terminamos las recomendaciones de hoy con distantiate, proyecto musical que nos ofrece el tema once in a lifetime, una propuesta que abraza marcadas influencias del bedroom pop y un toque lo-fi sumamente bien definido; la canción se distingue por incorporar una parte vocal que le aporta una inmensa dosis de personalidad al desarrollo de la melodía, mientras que las líneas de guitarra añaden un ligero matiz de rock que complementa la entrega de manera ideal.

Originario de Canadá, este artista independiente utiliza la creación musical como un canal totalmente transparente para conectar con aquellas personas que atraviesan situaciones complejas similares a las suyas, traduciendo en acordes íntimos vivencias reales marcadas por el desamor o la traición; inspirando su propuesta en el trabajo de referentes como wifiskeleton, el creador entrega composiciones crudas y directas que buscan transformar las experiencias difíciles en sinceros relatos compartidos.


En conclusión, esta nueva entrega nos invita a explorar un abanico que viaja desde las guitarras reconfortantes de la costa estadounidense hasta la melancolía urbana mexicana y la intimidad acústica del panorama canadiense. Por este motivo, les invitamos cordialmente a darse una gran oportunidad para escuchar el trabajo de seeTrees, Luis Picazo y distantiate,允许 que sus respectivas propuestas musicales refresquen sus listas de reproducción con una dosis de profunda originalidad.


El pulso alternativo de Icarus Fell se impone en Mad World (Tears for Fears Cover)

El pulso alternativo de Icarus Fell se impone en Mad World (Tears for Fears Cover)

La banda Icarus Fell, surgida de la escena subterránea de Detroit, Míchigan, construye su trayecto musical entrelazando lo profundo con un espíritu indudablemente rebelde. El grupo busca consolidar un sonido propio mediante el uso de temáticas oscuras, riffs de guitarra potentes y marcadas armonías vocales. Todo este entramado se sostiene sobre la energía directa del rock alternativo, trazando de este modo un rumbo firme.

Frente a las tendencias comerciales efímeras de la industria, el ensamble se mantiene firme en su propósito de defender el carácter atemporal de la música. Su compromiso no radica en cambiar las reglas establecidas, sino en preservar la esencia primaria que originalmente los impulsó a convertirse en músicos profesionalmente. Esa fidelidad a sus raíces se percibe con total claridad en cada nota y lírica que estructuran.



Bajo esta línea de respeto por la herencia colectiva se inscribe su reciente entrega en el estudio titulada Mad World (Tears for Fears Cover). La propuesta conserva con acierto la identidad fundamental de la pieza original, pero añade una mayor dosis de fuerza y poder a la base instrumental. Los integrantes canalizan sus marcadas tendencias hacia el rock clásico para redefinir el contorno de la obra.

La arquitectura de la composición adquiere un ritmo dinámico que transforma la experiencia de escucha y eleva el vigor general de la pista. El apartado vocal se desenvuelve de manera más rápida y dinámica, permitiendo disfrutar de esta conocida creación desde una perspectiva completamente diferente. Con Mad World (Tears for Fears Cover), Icarus Fell ratifica su solvencia técnica para inyectar vitalidad a un repertorio ajeno.