Hijo de inmigrantes cubanos y bolivianos, el músico establecido en Los Ángeles Ian Cobiella construyó su formación sobre la disciplina del piano clásico. Tras años de rigor técnico, el autor financió las grabaciones de su EP All I Have I Give trabajando en una granja de Agua Dulce. Para suplir el costo de una sección de cuerdas, alquiló un violonchelo y aprendió a tocarlo de forma autodidacta en solo cuatro semanas.
El artista registró la sesión en vivo de su proyecto dentro de un almacén en el este de Los Ángeles perteneciente al creador Enrique Martínez Celaya. Su propuesta navega entre arreglos académicos y pop alternativo, entrelazando ritmos cubanos, coros y cuerdas a lo largo de cinco canciones. Toda la producción responde a la búsqueda consciente de afrontar la incomodidad para convertir la tensión en un motor expresivo.
En este marco de rigor y exploración personal se sitúa la presentación de su corte de difusión titulado Should I Fight It. La lírica aborda una contemplación profunda sobre el amor, la pérdida y las complejidades inherentes a la intimidad humana. En el plano puramente musical, la pieza se consolida como una gran propuesta de indie pop impulsada por un ritmo tranquilo y una arquitectura instrumental detallada.
El desarrollo del tema sobresale por un gran trabajo vocal que demuestra habilidad y control técnico sin caer en artificios innecesarios. La instrumentación incorpora matices dulces que recuerdan a un dream pop bien hecho, otorgando calidez y cohesión al conjunto de la mezcla. Con Should I Fight It, Ian Cobiella confirma la solidez de un proyecto construido desde el esfuerzo, la técnica y la honestidad.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Tessa Marie – Dear Love | Estados Unidos
Iniciamos este recorrido junto a la cantautora Tessa Marie, quien nos entrega Dear Love, una propuesta inscrita en el pop con delicados tintes de estilo dream pop que se desenvuelve a través de un ritmo lento; esta pieza resalta de inmediato por incorporar una voz sumamente acorde al concepto que logra transmitir emociones profundas, ofreciendo una experiencia reflexiva que invita a conectar de manera directa con cada una de sus estrofas.
A sus dieciocho años de edad, esta artista comenzó su camino en la composición desde los diez años para procesar temas como el amor, la distancia, la esperanza y la pérdida; respaldada por el productor Hanan Rubinstein para dar vida a sus temas, la joven intérprete logra dar voz a aquellos sentimientos cotidianos que con frecuencia permanecen guardados en el tintero de las personas que han amado profundamente.
mirabelle. – Fuck No | Francia
Continuamos el trayecto con la propuesta de mirabelle., quien nos entrega Fuck No, una canción cargada de una energía explosiva que refleja un punk totalmente desenfrenado y dinámico con un matiz bastante moderno; la pista atrapa al público desde los primeros compases gracias a una estructura enérgica que se desliza sin pausas dentro del panorama alternativo actual, manteniendo una frescura constante en su ejecución.
Bajo una filosofía cien por ciento autogestiva y desde los barrios populares de París, este proyecto presenta su álbum WELCOME TO MY FUNERAL, combinando pop punk pesado con matices emo, toques de easycore y ritmos con hi-hats de trap; la agrupación retrata su particular vivencia urbana compartiendo momentos sinceros de amistad en medio del entorno de la capital francesa, ofreciendo una mirada desenfadada y honesta.
Dan Holcomb – We Love CNN | Estados Unidos
Terminamos las recomendaciones de hoy junto a Dan Holcomb, quien nos entrega We Love CNN, una propuesta de rock ligero enriquecida con ligeros matices country; el corte presume una estructura bien pensada sostenida sobre una instrumentación sencilla que permite relucir una sección vocal capaz de conectar fácilmente con los oyentes a través de su cercanía y calidez a lo largo de toda la pista.
Establecido en la ciudad de Atlanta, este guitarrista y compositor fusiona rock sureño, americana y pinceladas de reggae, empleando guitarras eléctricas cálidas y armonías de porche; tras haber tomado un descanso de la industria para regresar con una visión renovada de la composición, su catálogo se enfoca en relatar historias honestas sobre segundas oportunidades y momentos sencillos lejos de buscar la perfección formal.
En conclusión, la entrega de esta semana nos regala una variada travesía que transita entre la sensibilidad del pop soñador, la descarga enérgica del punk parisino y la calidez del rock sureño norteamericano. Por todo esto, les invitamos cordialmente a darse una valiosa oportunidad para escuchar el trabajo de Tessa Marie, mirabelle. y Dan Holcomb, incorporando sus variadas composiciones a sus reproducciones cotidianas para continuar expandiendo sus horizontes musicales.
La artista estadounidense Trinity Bliss presenta “Will They Won’t They”, un nuevo sencillo que formará parte de su próximo álbum, Forever Fool. La canción representa el quinto lanzamiento asociado al proyecto y aborda la incertidumbre emocional que rodea a los primeros sentimientos románticos.
En “Will They Won’t They”, Bliss explora la pregunta que surge cuando una atracción comienza a transformarse en algo más, pero todavía no existe una respuesta clara sobre si los sentimientos son correspondidos. El título funciona como una referencia directa a esa situación de duda y expectativa, mientras la canción sigue el desarrollo de una relación que todavía está en sus primeras etapas.
El tema se mueve dentro del pop con una producción marcada por guitarras de sonido cálido, ritmos constantes y armonías vocales suaves. Estos elementos contribuyen a una atmósfera luminosa y relajada, en línea con la estética asociada a la costa de California y a la ciudad de Malibu, que sirve como parte del contexto narrativo de la canción.
Bliss, quien también es conocida por interpretar a Tuk en la franquicia cinematográfica Avatar, ha desarrollado paralelamente una carrera musical en la que participa como cantante, compositora y coproductora. Su formación clásica y sus influencias dentro del pop contemporáneo y el rock-pop han contribuido a definir una propuesta centrada en experiencias personales y emociones propias de la adolescencia.
“Will They Won’t They” se incorpora así al recorrido previo hacia Forever Fool, un álbum que continúa explorando temas relacionados con el crecimiento, las relaciones y las emociones de una etapa marcada por los cambios personales. En este nuevo sencillo, Trinity Bliss centra la atención en un momento concreto: ese período en el que una amistad o un interés romántico puede convertirse en una relación, pero todavía permanece abierta la pregunta sobre qué ocurrirá después.
Tras alejarse de la música en dos mil diecisiete, Matthew Ellis reavivó su pasión en el otoño de dos mil veinte tras escuchar sus discos favoritos. Lo que inició como una simple idea para grabar un proyecto corto entre amigos terminó convirtiéndose en una banda formal. Con un par de guitarras y maquetas iniciales, el músico decidió dar forma a una alineación sólida para llevar la propuesta hasta sus últimas consecuencias.
El quinteto se completó al sumar a Tony Chaffin en la guitarra y a Mark Johnston en la batería, quien volvió a las baquetas tras veinte años. A ellos se unió Brandon Eldridge en el bajo tras acordar dejar atrás discusiones deportivas, junto al vocalista Ricky Gonzalez, reclutado tras un azaroso encuentro en un bar. Con el EP Don’t Mind Me listo, el conjunto alista su despliegue en el escenario.
Dentro de este contexto de reencuentro y trabajo colectivo destaca su reciente tema titulado Car Sick. La composición se presenta como una entrega de punk que inicia de manera tranquila y algo ligera, permitiendo al oyente asentarse en la melodía. Conforme avanzan los compases, la base instrumental incrementa su fuerza de forma progresiva hasta transformar por completo el pulso general.
Esa aceleración constante hace que el corte suba de intensidad, recordando con claridad las estructuras del punk clásico. El desarrollo técnico se sostiene sobre una voz de gran energía que le da un buen impulso a la canción de principio a fin. Con este lanzamiento, la agrupación Surrender the Ghost demuestra una solidez ejecutiva que justifica plenamente su regreso al circuito.
Desde la escena independiente de Seattle, el cuarteto Jupe Jupe ha construido una propuesta cinematográfica que entrelaza la atmósfera del darkwave con el post-punk melódico. Integrada por My Young, Bryan Manzo, Patrick Partington y Jarrod Arbini, la agrupación explora la condición humana en una era de disonancia. Su sonido combina sintetizadores sombríos, guitarras angulares y ritmos pulsantes con un oficio pulido en los escenarios.
Con un recorrido de ocho producciones que abarca títulos como Lonely Creatures y King of Sorrows, el grupo ha resonado con fuerza en la radio universitaria norteamericana. La banda ha compartido cartel con referentes como The Ocean Blue y ACTORS, participando en el festival Seattle Seagaze y respaldando causas sociales locales. Esta trayectoria demuestra la solidez de un proyecto comprometido tanto con la comunidad como con el desarrollo sónico.
Dentro de esa constante búsqueda estética se inscribe el lanzamiento de su reciente tema de difusión titulado Down with the Setting Sun. La composición se presenta como una propuesta de rock que integra toques wave, estableciendo una dinámica fluida desde el primer compás. La arquitectura instrumental añade una capa oscura que le da cierto cuerpo a la estructura general de la pista.
En el centro de la pieza, la voz del artista aporta un peso característico que complementa perfecto el desarrollo de la composición. Su presencia melódica dialoga con la base rítmica sin recargar los arreglos, permitiendo que la atmósfera mantenga su tensión dramática. Con Down with the Setting Sun, Jupe Jupe confirma su capacidad para transformar las ansiedades modernas en una experiencia musical firme.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
dxnger. – wanderer | Nepal
Iniciamos esta travesía de la mano de dxnger., proyecto que nos entrega wanderer, una propuesta caracterizada por un ritmo suave que incorpora sutiles detalles capaces de hacerla sentir bastante moderna; la pieza mantiene de forma constante sus marcadas influencias de shoegaze y rock, desplegando un ambiente sumamente envolvente donde cada capa instrumental guía al oyente con fluida soltura a lo largo del tema.
Detrás de este concepto se encuentra Anneesh Raigai, un creador dedicado a componer ritmos y piezas instrumentales diseñadas para dar forma a emociones complejas difíciles de expresar con palabras; tomando como punto de partida vivencias reales, recuerdos y momentos significativos, el músico construye pasajes con la intención directa de lograr que quien los escuche consiga sentirse comprendido.
Pearly Drops x ultra caro x 8485 – More Delusional | Finlandia
Continuamos el trayecto con Pearly Drops, quienes en colaboración con ultra caro y 8485 nos entregan More Delusional, una propuesta de pop con claras tendencias hacia el synthpop debido al uso de sintetizadores; esta entrega presume una llamativa aura moderna y en cierto modo divertida, entrelazando melodías dulces dentro de una estética vanguardista que engancha con gran facilidad.
El dúo finlandés radicado en Helsinki e integrado por Sandra Tervonen y Juuso Malin cuenta con antecedentes en producción y diseño de audio, habiendo ganado el prestigioso Premio Teosto; tras publicar sus álbumes Call For Help y A Little Disaster, la agrupación presenta su nuevo disco The Voices Are Coming Back bajo el sello neoyorquino Music Website, explorando historias con su estilo característico.
Raoul Melchoir – Omaha To Amsterdam | Países Bajos
Terminamos las recomendaciones de hoy junto a Raoul Melchoir, cantautor que nos entrega su sencillo Omaha To Amsterdam, una propuesta con un ritmo tranquilo enmarcada en el folk clásico; la canción destaca de forma inmediata por presentar una interpretación vocal que logra conectar fácilmente con el público, apoyándose en arreglos acústicos desnudados y una instrumentación cálida.
Establecido en La Haya, Países Bajos, este artista elabora composiciones cinematográficas que funcionan como un cuaderno de viajes para personas inquietas, inspirándose en referentes como Gregory Alan Isakov o Noah Kahan; tras lanzar sencillos como Catherine, su nuevo trabajo traza un viaje melancólico desde el medio oeste estadounidense hacia Europa explorando la búsqueda del hogar.
En conclusión, esta entrega nos ofrece un abanico fascinante que transita desde la intimidad instrumental del shoegaze hasta los sintetizadores nórdicos y la calidez del folk europeo. Les invitamos abiertamente a darse una valiosa oportunidad para escuchar las propuestas de dxnger., Pearly Drops (junto a ultra caro y 8485) y Raoul Melchoir, permitiendo que sus canciones renueven la energía de sus listas de reproducción cotidianas.
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Meg Lauren – R.P.O. | Estados Unidos
Iniciamos este recorrido junto a Meg Lauren, quien nos entrega R.P.O., una propuesta con un estilo bien definido que combina elementos de soft rock mediante un ritmo adictivo; la pista destaca por incorporar una voz bien trabajada que consigue atrapar al oyente con su destacada energía y técnica interpretativa que le aporta vitalidad al desarrollo de la composición.
Radicada en Austin, Texas, esta cantautora se trasladó desde un pequeño pueblo en las montañas del noreste de California para abrirse paso en la capital de la música en vivo; criada en una familia musical e inspirada en figuras de los años sesenta y setenta como Joni Mitchell o Bonnie Raitt, la artista fusiona el folk-n-roll retro con una voz potente para encontrar su lugar.
The Window Seat – Firework |
Continuamos el trayecto de la mano de The Window Seat, dúo que nos ofrece Firework, una propuesta apoyada en un pop tranquilo enriquecido con tintes folk bien construida; la pieza edifica una hermosa atmósfera donde destacan dos voces delicadas que se complementan entre sí, logrando que el público conecte fácilmente con la calidez del tema.
Integrado por una chica en la voz principal y un chico a cargo de la guitarra, este proyecto originario de Suecia se enfoca primordialmente en realizar versiones de distintas canciones; al tratarse de una iniciativa artística completamente nueva, la dupla apenas se encuentra comenzando a tomar sus primeras fotografías oficiales mientras prepara más material para el futuro.
Flywheel – Stop Looking at Her | Irlanda
Terminamos esta entrega junto a la agrupación Flywheel, quienes nos entregan Stop Looking at Her, una canción construida sobre fuertes influencias de shoegaze que se realzan con un rock que combina genial; la propuesta destaca por una sección vocal que encaja perfectamente con el resto del ensamble, logrando una textura envolvente que sostiene todo el tema.
Originaria de Cork, Irlanda, esta banda de pop psicodélico combina referencias que van desde Cocteau Twins hasta Yard Act, contando con un álbum debut grabado en Estocolmo; la alineación entrelaza guitarras en capas, un bajo dinámico y la batería junto a la voz etérea de Ann Marie Ryan, lanzando material de forma regular durante los últimos tres años.
En conclusión, el panorama independiente de esta semana nos invita a viajar desde la potencia vocal norteamericana hasta la delicadeza acústica escandinava y las profundas capas de distorsión irlandesas. Les invitamos abiertamente a darse una valiosa oportunidad para escuchar el talento de Meg Lauren, The Window Seat y Flywheel, sumando sus respectivas canciones a sus listas favoritas para refrescar sus rutinas diarias con nuevas propuestas creativas.
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Ojos Obsidiana – CHAPIS | México
Ojos Obsidiana es el proyecto musical de una artista mexicana radicada en Alemania que explora los territorios del art pop, dream pop y shimmer pop a través de atmósferas envolventes, texturas y una sensibilidad profundamente emocional. Su sencillo “Chapis”, nacido de la despedida de una gata que la acompañó desde la infancia, transforma una experiencia personal de duelo y ausencia en una canción sobre la memoria, la gratitud y los vínculos que permanecen más allá de la distancia y el tiempo. Con una propuesta íntima y envolvente, Ojos Obsidiana invita a escuchar, sentir y conectar con el mundo interior, creando un pequeño universo donde la imaginación y las emociones pueden habitar libremente.
Dip – Light | México
Dip es un proyecto de indie alternativo originario de Guadalajara, fundado en 2021 por Boanerges Buenrostro y Emilio Sánchez. Su propuesta se caracteriza por moverse con libertad entre melodías dreamy y nostálgicas y texturas sonoras llenas de energía. Con “Light”, la banda explora una faceta más atmosférica e introspectiva, construyendo un track de dream pop de producción limpia e inmersiva que invita a perderse en sus melodías y disfrutar de esos momentos tranquilos y contemplativos, especialmente durante una noche silenciosa o una caminata en solitario.
Sāde Frame – Ferraris | Estados Unidos
Sāde Frame es una cantante, compositora y multiinstrumentista radicada en Los Ángeles que combina pop, funk y una sensibilidad profundamente emocional con una propuesta auténtica y sin filtros. A través de sus canciones, explora temas como las relaciones, la identidad, el crecimiento personal y las presiones de convertirse en adulto. En “Ferraris”, su canción más personal hasta la fecha, reflexiona sobre el perfeccionismo, la comparación y la necesidad de alcanzar el éxito desde una edad temprana, cuestionando cómo medimos nuestro valor frente a los logros de los demás. Inspirada en su propia experiencia, la canción transforma la ambición y la inseguridad en una reflexión sobre soltar expectativas imposibles, dejar de mover constantemente la meta y aprender a quererse incluso cuando la vida no avanza al ritmo que imaginábamos.
El cantautor de folk del sur de California, Kaz Murphy, presenta su quinto álbum de estudio titulado Making Noise: Songs Of Rebellion & Redemption. La propuesta aborda los tiempos difíciles por los que atraviesa Estados Unidos desde un enfoque de Americana metafórico y político. Con antecedentes que incluyen compartir escenario con figuras como Pete Seeger y Allen Ginsberg, el músico sostiene una visión bien cimentada en las raíces populares.
Registrado en el estudio impulsado por energía solar Goat Mountain Recording en Landers, California, el disco contó con la coproducción de Pat Kearns. La grabación sumó el aporte de Jacque Grad en la mandolina y el acordeón, junto con Ben Shaw en la guitarra lap steel y Susan Kearns en el contrabajo. Esta labor técnica refuerza la trayectoria de un autor que ya alcanzó el primer lugar en las listas de música de raíces.
Dentro de esta cuidada entrega discográfica destaca con peso propio la canción titulada Iowa Ohio Arizona. El tema se revela como una hermosa composición caracterizada por una construcción muy bien elaborada en el estudio. La pieza equilibra marcadas influencias del folk tradicional con sutiles toques de blues, logrando conservar con precisión la esencia de la música estadounidense.
En el centro del desarrollo sonoro sobresale la voz del intérprete, apoyada en un timbre y una técnica única para transmitir cada línea. El autor complementa la entrega ejecutando la guitarra acústica, la armónica y el pandero, dando forma a una atmósfera limpia. Con el lanzamiento de Iowa Ohio Arizona, Kaz Murphy reafirma su habilidad para articular el paisaje cotidiano a través de una instrumentación sobria.
El actor y cantautor uruguayo Felipe Havranek construyó su oficio desde la infancia, interpretando repertorios variados en su habitación. En su adolescencia incorporó influencias del rock alternativo y comenzó a componer, pasando de actuar en la rambla a ganar en dos mil siete el premio de rock en los Equinoccio Latin Awards. Al año siguiente, abrió el show de Teen Angels ante veinte mil personas en el Estadio Centenario.
En dos mil diez se trasladó a Buenos Aires para estudiar cine y teatro musical, obteniendo becas de formación en Pittsburgh, Nueva York y Los Ángeles. Estas vivencias impulsaron la creación de su organización Livin’ Arts, permitiendo a decenas de jóvenes formarse con figuras de la industria. Posteriormente, en dos mil dieciséis, escribió y protagonizó el musical ‘Tan Lejos’, recibiendo una nominación a los Premios Florencio.
Toda esa experiencia actoral y escénica acumulada en su trayectoria nutre el carácter orgánico de su propuesta actual en el estudio. Su reciente entrega promocional se titula Tokyo, una composición que recupera la solidez de sus trabajos previos. La pieza logra estructurar una identidad definida que evita las fórmulas repetitivas, sosteniéndose sobre una instrumentación sumamente ágil dentro de la mezcla.
En el plano rítmico, Tokyo destaca por ser una canción moderna armada sobre un ritmo adictivo que engancha de inmediato. La pista se desenvuelve muy al estilo del rock latinoamericano tradicional, pero añade un sutil toque moderno que le otorga una marcada personalidad a la mezcla. Con este corte, Felipe Havranek reafirma su solvencia técnica para fusionar influencias con absoluta soltura.
