Año: 2026

“GLITCH BITCH”: caos digital, identidad fragmentada y poder sonoro

“GLITCH BITCH”: caos digital, identidad fragmentada y poder sonoro

La colaboración entre Stitched Up Heart, Conquer Divide y Judge & Jury da como resultado “GLITCH BITCH”, una canción que no busca comodidad ni concesiones. El tema se presenta como una descarga intensa que combina rap metal, hard rock y electronicore, utilizando el lenguaje digital como metáfora de una mente al borde del colapso.

Desde el primer segundo, GLITCH BITCH irrumpe con sintetizadores que simulan errores de sistema e interferencias electrónicas, creando una atmósfera de inestabilidad que marca el tono de toda la canción. El riff principal entra con agresividad inmediata, dejando claro que se trata de una experiencia diseñada para sacudir, no para acompañar pasivamente.



Uno de los mayores aciertos del tema es la forma en que la melodía y la letra funcionan como una sola entidad. Las voces se sienten internas, casi invasivas, como pensamientos que se repiten dentro de la cabeza de la protagonista. En los versos, la tensión se mantiene constante, mientras la interpretación vocal oscila entre contención emocional y una furia latente que amenaza con desbordarse.

El estribillo actúa como un punto de quiebre: screams desgarrados, beats electrónicos pulsantes y guitarras contundentes construyen un muro sonoro que representa el momento en que la mente pierde el control. Los cambios rítmicos no son aleatorios; funcionan como una representación directa de los estados de ánimo, deformando la identidad del personaje a medida que la canción avanza.

La producción, a cargo de Judge & Jury, es precisa, desde los efectos digitalizados hasta los silencios estratégicos. En el puente, un monólogo procesado electrónicamente evoca mensajes no respondidos y vínculos rotos, antes de desembocar en un breakdown de fuerza casi cinematográfica.

Más allá de su estética provocadora y su título incendiario, GLITCH BITCH es una canción que habla de desconexión emocional, colapso interno y reconstrucción personal en una era dominada por lo virtual. Es una propuesta arriesgada, pero justamente ahí reside su potencia: en convertir el caos mental y digital en una experiencia artística cruda, honesta y profundamente impactante.


Open Road Folk Music y la serenidad de Mountain Lullaby

Open Road Folk Music y la serenidad de Mountain Lullaby

Open Road Folk Music surge como una propuesta que apuesta por la pausa, la contemplación y la conexión con la naturaleza. El proyecto, liderado por el compositor y cantautor Tim Janis, encuentra en Mountain Lullaby una de sus expresiones más honestas y emotivas hasta la fecha.

Mountain Lullaby se desarrolla dentro del folk acústico, pero va más allá de las estructuras tradicionales del género. La canción se construye a partir de guitarras cálidas y delicadas, sobre las que se despliegan melodías suaves y una voz serena que guía al oyente a través de un paisaje sonoro íntimo y envolvente. Cada elemento está colocado con intención, permitiendo que el silencio y la sencillez también formen parte del discurso musical.



Uno de los aspectos destacados del tema es la incorporación de arreglos de cuerdas de inspiración clásica, que aportan una dimensión cinematográfica sin romper la atmósfera de calma. Estos elementos orquestales refuerzan la carga emocional de la canción y convierten la escucha en un viaje sensorial que evoca montañas, bosques abiertos y momentos de introspección profunda.

La inspiración detrás de Mountain Lullaby nace de la vida en contacto con la naturaleza y de la búsqueda de claridad interior. Según el propio Janis, la canción funciona como una invitación a admirar las Montañas Rocosas de Colorado y a reconectar con una forma de vida más consciente y pausada. Esta narrativa se traduce en una composición que transmite libertad, pertenencia y una sensación de refugio emocional.

Mountain Lullaby se presenta como una experiencia pensada para acompañar momentos de contemplación, caminatas al aire libre o instantes de calma personal. Es una pieza ideal para playlists de folk alternativo, música ambiental o sonidos para la reflexión.


Katie Tupper y “Safe Ground”: un refugio emocional antes de Greyhound

Katie Tupper y “Safe Ground”: un refugio emocional antes de Greyhound

Katie Tupper continúa construyendo su identidad artística con “Safe Ground”, el último sencillo previo al lanzamiento de su álbum debut Greyhound, programado para el 21 de enero de 2026. Tras un crecimiento notable impulsado por redes sociales y una serie de EPs que definieron su sonido, la cantautora canadiense presenta una canción que resume con delicadeza los valores emocionales y estéticos que atraviesan esta nueva etapa de su carrera.



“Safe Ground” es una canción de amor platónica, escrita como un homenaje a la amistad y al acto de permanecer cuando todo parece moverse. Con una producción amplia y atmosférica, el tema equilibra contrastes: baterías lejanas y coros etéreos conviven con una voz íntima y una guitarra cercana, creando un espacio sonoro cálido y envolvente. Cada elemento es sutil por sí mismo, pero en conjunto construyen una sensación de abrigo y compañía.

El sencillo también conecta con el universo conceptual de Greyhound, un álbum que reflexiona sobre la dualidad entre el deseo de alcanzar algo y la imposibilidad de hacerlo. En “Safe Ground”, esa tensión se transforma en refugio: la certeza de ser un lugar seguro para el otro, sin importar la distancia o el conflicto. La letra funciona como una promesa, una afirmación de apoyo incondicional frente a cualquier tormenta.

Originaria de Saskatoon, Saskatchewan, Katie Tupper retoma la imagen de las raíces y los paisajes abiertos de su infancia —praderas infinitas, cielos amplios— para dialogar con su presente urbano y emocional. Esa mezcla se traduce en un sonido que cruza soul, indie y R&B alternativo, con un delicado matiz folk que refuerza la honestidad de su propuesta.


LA NUEVA OLA 2026 #11 | Pierre Welsh and the Oaks, El día más perfecto que vi, chrscruz

LA NUEVA OLA 2026 #11 | Pierre Welsh and the Oaks, El día más perfecto que vi, chrscruz

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Pierre Welsh and the Oaks – Breathe | Francia

Pierre Welsh & the Oaks es un proyecto francés de fuerte vocación lírica que fusiona la poesía con el rock de autor, explorando emociones profundas y preguntas existenciales. “Breathe”, en colaboración con Ella de Loria, es una canción íntima y contemplativa que encuentra en el amor y en la voz del otro un refugio frente al dolor, la pérdida y la desconexión espiritual, construyendo un espacio sonoro cálido y atmosférico donde la palabra y la emoción respiran al mismo nivel.


Manuel Leandro x Julián Rossi – El día más perfecto que vi

Manuel Leandro, cantautor cubano, y el compositor argentino Julián Rossi unen sensibilidades en “El día más perfecto que vi”, una canción íntima de pop acústico indie que celebra el amor y la conexión a través de los pequeños gestos cotidianos. Con una lírica emotiva, arreglos sutiles y melodías cálidas, el tema invita a la introspección y a redescubrir la belleza de los momentos simples, marcando un encuentro artístico honesto y profundamente humano.


chrscruz – So Long | Estados Unidos

chrscruz presenta “So Long”, una canción íntima grabada en su habitación que retrata la soledad y la nostalgia por el pasado desde una perspectiva honesta y vulnerable. Con una sensibilidad minimalista inspirada en artistas como Clairo y Alex G, y contrastada por una instrumentación densa con bajos y sintetizadores contundentes, el tema construye un paisaje emocional profundo que equilibra sencillez, melancolía y una intensidad envolvente.








Oliver Zanders y “Ella dice que no”: una declaración de identidad y fuerza emocional

Oliver Zanders y “Ella dice que no”: una declaración de identidad y fuerza emocional

Oliver Zanders continúa consolidando su identidad artística con “Ella dice que no”, una canción que funciona tanto como manifiesto creativo como pieza clave dentro del camino hacia su primer álbum de estudio. El artista venezolano apuesta por una propuesta directa y melódica, donde la emoción inmediata y el gancho vocal se convierten en el eje central de su discurso musical, sin sacrificar el cuidado por la composición.



En este tema, Zanders combina con naturalidad la energía del rock con elementos pop de carácter sintetizado, construyendo una experiencia sonora intensa y accesible. La guitarra eléctrica tiene un rol protagónico, cargada de fuerza y expresividad, mientras la interpretación vocal transmite convicción y pasión. El resultado es una canción que conecta desde el primer momento y que invita al oyente a involucrarse emocionalmente.

“Ella dice que no” encierra una narrativa poderosa: la historia de una mujer que se niega a caer en falsas ilusiones y decide apostar únicamente por aquello que la hace sentirse valorada y especial. Lejos de ser una simple canción romántica, el tema se presenta como un homenaje a la autonomía emocional y a la claridad de sentimientos. Este mensaje se refuerza especialmente en el minuto 2:31, cuando un contundente riff de guitarra irrumpe para subrayar que las emociones verdaderas son el punto de partida para encontrar conexiones auténticas.

Con este lanzamiento, Oliver Zanders reafirma su intención de construir canciones que funcionen como cartas de presentación, cada una aportando una pieza al carácter de su proyecto debut. “Ella dice que no” sintetiza su momento creativo actual y un mensaje claro: decir no también es un acto de fuerza.


LA NUEVA OLA 2026 #10 | fob, Theoretic, Máximo Disfrute

LA NUEVA OLA 2026 #10 | fob, Theoretic, Máximo Disfrute

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


fob – Golden Days | México

fob es el alias del productor y músico electrónico Franco Olivares, un artista originario de la Ciudad de México cuya música busca crear una conexión emocional profunda a través de la nostalgia y los sentimientos encontrados, dentro de un sonido indietronica y future bass. “Golden Days” es una pieza íntima que refleja esa esencia: escrita en 2020 tras su primera ruptura, la canción evoca la felicidad y el apego emocional de una relación pasada, convirtiéndose en una expresión personal sobre el crecimiento, el desapego y el anhelo de volver a sentir esa conexión especial con alguien nuevo.


Theoretic – Battles | Estados Unidos

Theoretic es una banda de indie rock originaria de Denver, Colorado, formada por músicos con décadas de experiencia que han consolidado un sonido sensible y auténtico. “Battles” es una canción íntima y emocional que destaca por su delicadeza instrumental y su capacidad de llevar al oyente a un espacio de profunda introspección, combinando guitarras refinadas, una voz contenida y crescendos intensos que transmiten dolor, vulnerabilidad y conexión emocional.


Máximo Disfrute – Gema | Argentina

Máximo Disfrute es el proyecto musical de Máximo Sarrabayrouse, músico originario de la ciudad de Buenos Aires, Argentina. Sus canciones invitan a sumergirse en un universo luminoso donde el pop funciona como tierra fértil y la psicodelia como el impulso que permite despegar hacia un viaje espiritual. Su propuesta es una invitación a conectar con la energía de lo natural y con la inmensidad del universo.




LA NUEVA OLA 2026 #9 | Sierra Sonora, Eileen Carey y Beachdust

LA NUEVA OLA 2026 #9 | Sierra Sonora, Eileen Carey y Beachdust

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Sierra Sonora – Ahora Vez | México

El recorrido comienza con Sierra Sonora y su tema Ahora Ves, una canción que se mueve con calma y deja que la voz del artista tome protagonismo. Ese timbre con presencia y un matiz oscuro aporta un aire interesante que se mezcla con influencias de rock y folk. La pieza transmite un ambiente reflexivo y logra atrapar gracias a su sencillez y a la fuerza de la interpretación.

La propuesta de Sierra Sonora se basa en procesos de producción inspirados en los sonidos de los años 70. Como banda mexicana de rock alternativo, buscan rescatar esa esencia retro y darle un giro contemporáneo. Su estilo refleja una conexión con lo clásico pero con un enfoque actual, mostrando que la nostalgia puede convivir con nuevas formas de expresión musical.


Eileen Carey – “This Is Where” | Estados Unidos

La segunda parada nos lleva a Eileen Carey con This Is Where, una canción alegre que se sostiene en tonos dulces y un indie pop refrescante. El ritmo transmite optimismo y logra conectar con facilidad, convirtiéndose en una pieza que invita a disfrutar sin complicaciones. La voz aporta calidez y se integra con naturalidad en la atmósfera ligera de la canción

Radicada en Altadena, California, Eileen Carey ha construido una carrera reconocida dentro de la escena independiente. Su estilo mezcla country y pop con un enfoque versátil que le ha valido premios como Breakthrough Artist y Entertainer of the Year en 2025. Con esta propuesta reafirma su capacidad de transmitir energía positiva y de explorar distintos géneros sin perder autenticidad


Beachdust – F A C E L E S S | Estados Unidos

Finalmente encontramos a Beachdust con F A C E L E S S, una canción que apuesta por lo experimental y combina indie pop con punk y tintes retro. El resultado es una pieza con mucha personalidad que juega con texturas y ritmos poco convencionales. La propuesta transmite intensidad y se convierte en un espacio donde lo alternativo se siente fresco y atractivo

El proyecto Beachdust se define como una búsqueda constante hacia estados de plenitud musical. Su estilo refleja curiosidad y exploración, mostrando que lo experimental puede ser también un camino hacia lo emocional. Con esta canción, logran construir un espacio único que invita a escuchar con atención y dejarse llevar por su energía


En conclusión, Sierra Sonora, Eileen Carey y Beachdust nos presentan tres formas distintas de entender la música emergente. Desde la calma retro con tintes folk hasta la alegría del indie pop y la fuerza experimental del punk alternativo, cada propuesta abre un horizonte nuevo. Te invitamos a escucharlos y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical


LA NUEVA OLA 2026 #8 | Best Actress, Walt’s Frozen Head y Tears On Denim

LA NUEVA OLA 2026 #8 | Best Actress, Walt’s Frozen Head y Tears On Denim

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Best Actress – Bardo | Estados Unidos

El recorrido comienza con Best Actress y su tema Bardo, una canción atrapante que juega con giros en su estilo y se apoya en influencias pop y bedroom. El ritmo se siente cercano y envolvente, logrando que cada cambio dentro de la pieza mantenga al oyente atento. La propuesta transmite frescura y se convierte en un espacio donde lo íntimo y lo experimental se encuentran

Aunque la banda es relativamente nueva, Best Actress surge de un círculo creativo en Nueva York con años de experiencia en grabaciones y presentaciones. Su música nace de sesiones caseras y se inspira en proyectos como The Magnetic Fields y The Moldy Peaches. Con producción de Nate Mendelsohn, buscan conservar un aire artesanal y natural, mostrando que lo espontáneo puede convertirse en una propuesta sólida


Walt’s Frozen Head – Trump Card | Reino Unido

La segunda parada nos lleva a Walt’s Frozen Head con Trump Card, una canción de estilo penetrante que se sostiene en influencias rock. El ritmo pegajoso y la energía de la pieza logran dejar al oyente con ganas de más, mostrando un enfoque que apuesta por lo directo y lo contundente. La propuesta se siente única y se disfruta en cada detalle

Detrás de Walt’s Frozen Head está Alfie Enzo, quien tras pasar por varias bandas decidió crear un proyecto distinto desde Leeds. Con presentaciones en festivales y shows que incluyen proyecciones y elementos visuales, la banda busca ofrecer una experiencia completa. Su estilo refleja un interés por lo teatral y lo alternativo, logrando que cada presentación sea tan intensa como su música


Tears On Denim – Overboard | Estados Unidos

Finalmente encontramos a Tears On Denim con Overboard, una canción que se apoya en un ritmo simple pero efectivo. Su estilo recuerda al rock clásico y logra transmitir una energía que conecta con facilidad. La pieza se convierte en un viaje hacia lo retro, evocando imágenes de fiestas interminables y momentos de nostalgia

Formada por David Drouin, Aaron Zaroulis y Alice Austin, Tears On Denim nació en 2021 y desde entonces ha creado varios discos y sencillos. La unión de sus integrantes dio forma a un proyecto que mezcla lo festivo con lo melódico, construyendo un estilo que se siente tanto clásico como actual. Su propuesta refleja un interés por mantener viva la esencia del rock mientras la adaptan a nuevas generaciones


En conclusión, Best Actress, Walt’s Frozen Head y Tears On Denim nos muestran tres caminos distintos dentro de la música emergente. Desde lo íntimo y artesanal hasta lo teatral y lo clásico, cada propuesta abre un espacio único. Te invitamos a escucharlos y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical


LA NUEVA OLA 2026 #7 | Leo Herca, Damn Cisco, Ali Moore

LA NUEVA OLA 2026 #7 | Leo Herca, Damn Cisco, Ali Moore

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Leo Herca – What Is Love | México

Leo Herca es un cantautor originario de México, que desarrolla un proyecto de bedroom pop íntimo y emocional, fusionando influencias de jazz, pop e indie. Aunque el español es su lengua materna, compone principalmente en inglés como una forma de expresarse con mayor libertad emocional. Inspirado por artistas como Rex Orange County, Cuco, Los Retros, Clairo y Jakob Ogawa, su música se caracteriza por un enfoque introspectivo y melódico, donde conviven elementos de jazz, hip hop y soul dentro de una estética pop cercana y honesta.


Damn Cisco – I’m You | Potugal

Damn Cisco presenta “I’m You”, una canción nacida de una reflexión profunda sobre la identidad compartida y la ilusión de la separación. Escrita en una tarde nevada y gris en Estocolmo, el tema fluye de manera libre y honesta, con un ritmo poco convencional que refuerza su carácter íntimo. Aunque parte de la idea de una ruptura, la canción trasciende el desamor para explorar una desconexión espiritual, casi como el desgarro de una unión desinteresada. Dentro del proyecto más crudo y humano de Damn Cisco, “I’m You” funciona como una ofrenda sincera de gratitud por la vida, invitando a la empatía, la conexión y a reconocer al otro como un reflejo de uno mismo.


Ali Moore – Una Vez Más | Reino Unido

Ali Moore es un cantautor del Reino Unido que se aventura con honestidad y sensibilidad en el idioma español para presentar “Una Vez Más”, una canción íntima y profundamente emocional. El tema se mueve dentro de un pop-folk cálido y melancólico, guiado por una guitarra delicada y una voz que transmite vulnerabilidad y fuerza a la vez. La letra retrata el desgaste de amar a alguien perdido en su propia oscuridad, abordando la difícil decisión de soltar cuando el amor ya no alcanza para salvar al otro. Una Vez Más es un ejercicio de valentía artística y emocional, una despedida consciente que habla de límites, amor propio y la necesidad de sanar para poder seguir adelante.








LA NUEVA OLA 2026 #6 | Tonicamo, Canción para mis aportes, Russian Blue

LA NUEVA OLA 2026 #6 | Tonicamo, Canción para mis aportes, Russian Blue

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Tonicamo – ¡Qué Difícil! | Ecuador

Tonicamo es un proyecto ecuatoriano que apuesta por canciones emotivas y cercanas, combinando sensibilidad pop con una actitud fresca y directa. Su tema “¡Qué Difícil!” aborda el desamor desde un enfoque nostálgico pero descomplicado, mezclando melancolía y atrevimiento para transformar una experiencia dolorosa en una canción honesta, ligera y fácil de identificar.


Intentando pegarla x Tomás Canela – Canción para mis aportes | Argentina

Intentando pegarla x Tomás Canela presentan “Canción para mis aportes”, una pieza nacida entre la camaradería, el alcohol y el desencanto urbano tras el primer show del proyecto. Con un tono exagerado y burlón, contrastado por una música tierna y cercana, la canción construye un retrato profundamente porteño, poblado de referencias locales y humor ácido, donde el cansancio de la ciudad, la precariedad laboral y la llegada a los treinta se transforman en relato irónico y honesto.


Russian Blue – Leid | Estados Unidos

Russian Blue es una banda indie del noroeste del Pacífico formada por seis integrantes, cuyo sonido combina post-punk sintético y dance rock con una fuerte carga dramática. Con una propuesta energética y atmosférica a la vez, el grupo apuesta por ritmos bailables, texturas electrónicas y una identidad expresiva que los posiciona como un proyecto ecléctico y dinámico dentro de la escena independiente.