Tras una pausa de seis años, la cantautora radicada en Los Ángeles Adjenai retoma su proyecto musical desde una perspectiva íntima. Las composiciones nacieron como ejercicios de desahogo mientras cuidaba a un familiar con demencia en Florida. Tras esparcir las cenizas de su tía en Alaska y realizar una residencia en la isla Whidbey, la autora transformó el duelo en el eje de su regreso discográfico.
En el estudio, la creadora asumió la totalidad de la instrumentación y producción en colaboración directa con su esposa, la ingeniera Marina Paiz. Su propuesta entrelaza recursos del indie, el emo pop-rock y el R&B contemporáneo, creando un contraste entre letras densas y bases rítmicas ágiles. Esta dinámica permite utilizar la pérdida como un punto de partida para la autorreflexión y el cambio.
Dentro de esta búsqueda de ligereza frente a la adversidad destaca la presentación de su sencillo titulado Early Mourning. La pieza se edifica como una canción indie pop ligera con tintes rock que logra mantener un equilibrio sonoro muy claro. La pista cuenta con una buena producción donde los arreglos instrumentales fluyen con soltura, dando forma a una propuesta encantadora y accesible.
En el apartado de la interpretación, el tema destaca por una voz suave y tierna que logra empatizar fácilmente con el público desde el inicio. Esta aproximación vocal sostiene la carga emotiva de la letra sin recargar la atmósfera, permitiendo que la melancolía se transforme en empatía directa. Con la entrega de Early Mourning, Adjenai confirma la madurez de un sonido honesto e inteligente.
EWAH llega como una de las voces más inquietas de la música independiente australiana. Su obra transita con naturalidad entre el art pop, el post-punk, el folk experimental, la electrónica y el rock noir, siempre guiada por una búsqueda constante de nuevas formas de composición. Músico, cineasta y creadora multidisciplinar, EWAH entiende cada proyecto como una exploración donde el azar, el espacio y la intuición tienen tanto peso como la melodía.
SPIRITUAL DANCE, el nuevo trabajo de EWAH, comenzó como una residencia artística en el estudio de danza Assembly 197, en Launceston (Lutruwita/Tasmania), con la intención de escribir la banda sonora de una película imaginaria, terminó convirtiéndose en una obra profundamente autobiográfica: un álbum que dialoga, quince años después, con GOSPEL DANCE (2011).
Durante su residencia en 2023, EWAH se impuso un reto sencillo y radical: escribir una canción cada día. Lejos de buscar la perfección, abrazó la inmediatez y permitió que el propio espacio guiara el proceso creativo. El estudio de danza se convirtió en un instrumento más. Las luces fluorescentes, el zumbido de un calefactor, las sirenas de las ambulancias, la música filtrándose desde los ensayos de jóvenes bailarines y el estruendo de los coches haciendo “blockies” quedaron registrados como parte esencial de la composición.
El resultado es un álbum que escucha el lugar tanto como lo habita. Más que una colección de canciones, SPIRITUAL DANCE es un diario sonoro donde los recuerdos de la adolescencia de EWAH en Launceston emergen sin nostalgia, transformados en una exploración del movimiento, la memoria y la identidad.
EL TRACK X TRACK DE SPIRITUAL DANCE
1. Prelude – Sun Beats
El álbum comienza como si el amanecer respirara a través de los altavoces. Prelude – Sun Beats no busca establecer una melodía convencional, sino abrir un espacio sensorial donde el cuerpo despierta antes que la mente. Las texturas ambientales parecen capturar el silencio del estudio antes de que llegue el movimiento, mientras pequeños pulsos rítmicos anticipan el viaje emocional que está por comenzar. Es la primera inhalación de un disco que entiende la danza como una forma de conciencia.
2. G Boogie
Con un ritmo a basae de caja de ritmo y una energía que se siente como un mantra que cruza la oscurida, G Boogie introduce el primer impulso del álbum. Entre ecos de voces distorsionadas y un sintetizador ostinato que transforma la canción en una sensación de pánico ambiental constante.
3. Do Wop Bop
Do Wop Bop transforma la nostalgia del doo-wop en una experimentación sonora, como en canciones anteriores “la tensión” es un elemento principal de la canción, con una ajeo que oscila durante toda la canción junto a un ritmo constante, jugando principalmente en la parte de texturas en sintetizadores y la parte vocal, utilizando falsetes y una voz despreocupada que poco a poco nos sumerge en un mundo atmosferico
4. Sirens
Las sirenas dejan de ser una simple señal de emergencia para convertirse en parte del paisaje emocional. Inspirada en los sonidos que rodeaban el estudio durante la residencia, la canción transforma el ruido urbano en una experiencia cinematográfica. Lo cotidiano adquiere un carácter hipnótico, mientras la tensión entre belleza y amenaza atraviesa cada compás como un recordatorio de que incluso el caos posee su propia armonía, con un ajo agresivo y lineas melodicas que hacen que el track se sienta mágico.
5. Run
Run llega para cambiar este tono meramente atmosférico a un rush dirigido por el bajo, transmitiendo la sensación de avanzar sin mirar atrás. La instrumentación acelera y desacelera como una respiración agitada, evocando el vértigo de crecer, abandonar viejas certezas y descubrir que el movimiento, por sí mismo, también puede ser una forma de libertad.
6. Hallelujah
Con un guitarra acustica y una voz sumergida en la atmosfera, eterea, magica y reverberada del alum, Hallelujah encuentra en los pequeños gestos cotidianos, en la repetición de los movimientos, en el sonido de una habitación compartida y en la capacidad del arte para transformar lo ordinario en extraordinario. Es una pausa luminosa dentro del recorrido del álbum.
7. Holy Trinity
La luz no se acaba en Hallelujah, Holy Trinity juega con ostinatos de guitarra y destellos de sintetizadores, que sirven como rafagas de luz atmosfericas mientras le bajo juega con una figura que nos va llevando por este camino sin necesidad de una voz, sintiendose como un interludio mientras buscas tu lugar en el disco, las distintas capas musicales dialogan como tres voces que buscan un punto de encuentro sin imponerse unas sobre otras. El resultado es una composición que invita a escuchar con paciencia, descubriendo nuevas conexiones en cada repetición.
8. Where I Hear the Music Play
Regresando de un puente emocional lleno de luz, Where I Hear the Music Play nos lelva por voces susurradas que convierten la memoria en un espacio físico donde la adolescencia, las calles y el presente conviven en perfecta sincronía.
9. Spiritual Dance
Con una caja de ritmo super ochentera, la pieza central del disco toma esta sensación atmosférica y minimalista de canciones anteriores, agregándole esta sensación bailable y futurista-ochentera. La pista de baile deja de ser un lugar de entretenimiento para convertirse en un espacio de transformación personal. Influencias de la disco, el post-punk y el art-pop confluyen en una celebración del movimiento como acto de resistencia, comunión y libertad, manteniendo este toque oscuro y de tensión que nos presento la artista desde inicios del disco. Inspirado por Blue Monday de New Order y por la tradición de la disco italiana que influyó en aquel clásico, combina bajos post-punk, guitarras metálicas y una energía espontánea que la propia artista describe como la de alguien descubriendo la música de baile por primera vez. Esa falta de cálculo es precisamente uno de sus mayores aciertos.
10. Fever Switch
Despues de la pista mas bailable del disco Fever Switch nos cambia completamente el mood con una instrumentación minimalista, especios reverberados y una descarga de energía nerviosa. Con voces procesadas que sirven para seguir creando una atmosfera llena de caos donde la caja de ritmo va marcando este tik tok del reloj para atravesar una neblina llena de arreglos inesperados.
11. Sunday
Después del minimalismo ambiental anterior, Sunday ofrece un espacio de contemplación., dirigido por un sonido de guitarra nuevo en el disco, mas melodico y con sensaciones de R&B, es una canción que parece suspendida entre el descanso y la anticipación, donde cada nota encuentra el espacio suficiente para respirar. La espiritualidad cotidiana vuelve a hacerse presente con una delicadeza casi doméstica. En este track la parte vocal es de lo mas llamativo, ya que tiene melodias memorables en los coros mientras en los versos se siente una intesión vocal mas percusiva.
12. Climb to the Sky
Construida como un ascenso lento pero decidido entre tambores, la canción convierte la idea de elevarse en una metáfora de la transformación . Con una sensación mas orgánica que juega con lo percusivo y voces limpias, cada nueva capa parece ampliar el horizonte, mientras la voz mantiene los pies en la tierra. La canción va transformando esta sensación de tensión en luz mientras la pieza va avanzando, la voz es la protagonista de este track, dándonos secciones de voz hablada, mientras poco a poco van apareciendo guitarras cristalinas, cuerdas y una paisaje celestial.
13. Find Your Faith
Find Your Faith continua esta sensación celestial, con apenas una guitarra acústica y una voz que habla de la fe, es uno de los momentos más introspectivos del álbum, donde la vulnerabilidad se convierte en una forma de fortaleza. Poco a poco la parte vocal va cruzando esta sensación etérea, mientras va integrando mas elementos de una manera orquestal para un crechendo que va dando paso al cierre del álbum.
14. Electricity
El cierre del disco posee una resonancia casi circular, marcándonos este tono característico de tensión como en los primeros tracks del disco, una pieza casi instrumental, marcando un mantra vocal mientras lentamente desaparece a los pocos minutos.
Musicalmente, el disco se desplaza con absoluta libertad entre la psicodelia, la raga india, el soul pantanoso, la música disco italiana y el nervio del post-punk. Esa diversidad nunca se siente arbitraria. Cada influencia aparece al servicio de una narrativa emocional que evita las etiquetas y reivindica la curiosidad como motor creativo.
Uno de los episodios más singulares de la grabación fue la aparición de una arritmia cardíaca durante la residencia. En lugar de ocultarla, EWAH decidió incorporarla al lenguaje del álbum utilizando un metrónomo averiado para reproducir ese pulso irregular. Cuando grabó la canción de cierre, Electricity, su ritmo cardíaco volvió inesperadamente a la normalidad, cerrando el disco con una resonancia casi simbólica.
La filosofía de crear rápido y comprometerse con la primera intuición también define el universo visual del proyecto. En 2026, EWAH regresó a Assembly 197 para filmar el videoclip de SPIRITUAL DANCE (SINGLE VERSION) junto al colectivo juvenil Stompin. Rodado en una sola jornada, bajo la dirección de Ursula Woods y con coreografía de Izzy Lockett, el vídeo alterna imágenes en película de 16 mm con una videocámara sostenida literalmente por pinzas de cocodrilo. El resultado es una estética imperfecta, urgente y vibrante, fiel al espíritu del álbum.
Con una trayectoria que abarca el rock noir, el folk, el electro, el art pop y la experimentación, EWAH continúa desafiando cualquier intento de clasificación. Su práctica artística atraviesa la música, el cine, la escritura y la colaboración interdisciplinar, consolidándola como una de las creadoras más singulares de la escena australiana contemporánea.
Tras superar un periodo marcado por las adicciones que amenazó con descarrilar su carrera entre Los Ángeles y Austin, el cantautor J. Killen ha logrado reencauzar su trayectoria. Enfocado hoy en construir un legado personal a través de la constante creación discográfica, el autor transforma las vivencias de pérdida y aislamiento en un ejercicio continuo de honestidad. Su presente lo encuentra girando y trabajando junto a antiguos colaboradores con una constancia notable.
Criado entre guitarras vintage y la influencia del country tradicional transmitida por su padre, el músico nutrió su lenguaje sonoro con el blues y el alt-country de finales del siglo pasado. Tras el lanzamiento de su debut Goin’ It Alone, el artista dio forma a su segundo material titulado Depression Dollars. Esta producción consolida una línea donde las raíces americanas sirven de marco para procesar emociones complejas sin perder la esperanza.
En medio de este camino de exploración personal destaca la publicación de su sencillo Oak Tree. La pieza se presenta como una propuesta de indie pop con ligeros toques de un rock ligero, sosteniendo un ritmo tranquilo de principio a fin. Sus arreglos instrumentales recuerdan un poco a los éxitos retro, otorgando un marco melódico atinado que equilibra el pulso de la composición.
La ejecución del corte se sostiene sobre una voz limpia y con buena textura que combina perfecto con el resto de la canción. Sin recurrir a adornos excesivos ni a efectismos de producción, la interpretación vocal guía el desarrollo del tema con una sobriedad adecuada para el formato. Con la entrega de Oak Tree, J. Killen afirma la madurez de su oficio actual, entregando un trabajo firme y bien integrado.
El productor y compositor Brendan Angelides, conocido previamente bajo el seudónimo ESKMO en sellos como Ninja Tune y Warp, ha construido un perfil versátil en la música contemporánea. Nominado al BAFTA por videojuegos y creador de bandas sonoras para series como Billions, el autor equilibra el lenguaje orquestal con la electrónica. Además, ha impulsado iniciativas como FeelHarmonic para la comunidad sorda, demostrando un constante rigor creativo en sus proyectos.
En la antesala del lanzamiento de su disco Can You Feel The End Begin? mediante el sello Ancestor, el músico presenta una versión del clásico de David Bowie. Esta entrega cuenta con la participación de Serj Tankian en la voz principal, sumando las voces de Eliza Bagg y de los propios hijos del productor. Todos estos elementos se articulan sobre una base de texturas electrónicas diseñadas para dar un soporte firme al conjunto de la composición.
El resultado de este cruce de colaboraciones se materializa en I’m Afraid Of Americans (feat Serj Tankian), una canción dotada de un carácter fuerte con marcadas influencias industriales. La composición logra construir un sonido de electrónica industrial atrapante que sostiene la atención del oyente a lo largo de su marcha. El desarrollo técnico evita los adornos innecesarios para concentrar su energía en la solidez estructural del ritmo.
El valor de la propuesta se afirma en el equilibrio alcanzado dentro del estudio de grabación durante el montaje de la pista. Su producción está muy bien hecha, pues tanto la parte vocal como la musical se funden como una sola dentro del espacio sonoro. Con esta interpretación, Brendan Angelides expone una lectura sobria que confirma su dominio técnico y la precisión de su lenguaje expresivo actual.
La cantautora radicada en Miami, Grace Frances, cimentó su vocación desde una infancia cercana a la poesía y a influencias diversas como Depeche Mode o Kanye West. Tras retomar el piano a los diecinueve años y recibir formación vocal, la artista registró su álbum debut Clothed With Dignity en cinco semanas junto al productor Eddy Beethoven, abordando la fe y las vivencias cotidianas sin forzar un positivismo artificial.
Inspirada en los valores bíblicos del proverbio treinta y uno, su visión del empoderamiento femenino se distancia de las tendencias actuales para centrarse en la sabiduría, la fe y la familia. La autora reconoce que la existencia transita entre la plenitud y la dificultad, ofreciendo composiciones honestas que sirven como una guía abierta frente a las incertidumbres del camino.
Dentro de esta propuesta lírica y conceptual se presenta su sencillo titulado Again. La composición se revela como una canción hermosa articulada sobre un ritmo lento con un claro enfoque en el piano. Su arquitectura instrumental crea una atmósfera serena que permite un desarrollo fluido, otorgando el espacio necesario para que la estructura melódica respire con total naturalidad.
En el apartado de la interpretación, en el tema brilla la delicada y airosa voz de la artista, la cual despliega matices cargados de vulnerabilidad y anhelo. La combinación de sus sutiles elementos orquestales con esa ejecución técnica convierte al corte en una propuesta pop con alma que atrapa a cualquiera. Con Again, Grace Frances entrega un trabajo sincero y bien construido.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Summer Wiley – All In My Heart | Estados Unidos
Iniciamos este recorrido junto a la artista independiente Summer Wiley, quien nos regala su sencillo titulado All In My Heart, una canción enmarcada en el alt-pop con matices de rock que presenta un ritmo cambiante; esta estructura permite que luzca plenamente la interpretación vocal de la cantante, caracterizada por un cuerpo notable y una versatilidad que conduce al oyente a través de texturas cinemáticas envueltas en nostalgia y anhelo.
Graduada de la Manhattan School of Music con formación clásica, esta compositora y productora crea sus temas dentro del universo ficticio WLY Channel 9, una estación donde noticias y reportes del clima difuminan la realidad; con este enfoque narrativo que suma transmisiones cortas y videos interactivos, la creadora une la técnica académica con la autogestión actual para invitar al público a adentrarse en su propuesta.
Woliver – Wild | Estados Unidos
Continuamos la travesía de la mano de Woliver, proyecto musical que nos ofrece Wild, una propuesta orientada hacia el rock que mantiene un ritmo tranquilo donde destaca con fuerza la voz principal; la interpretación vocal se despliega mediante una técnica depurada que, combinada con los arreglos generales, logra conmover fácilmente a la audiencia mientras sostiene un tono íntimo y envolvente a lo largo de toda la pista.
Detrás de esta iniciativa se encuentra el artista e ingeniero Jason Chacon, quien desarrolla sus producciones de manera independiente y autoproducida desde Boise, Idaho; a través de esta plataforma, el creador edifica un estilo de rock alternativo de corte cinemático que equilibra vivencias profundamente personales con paisajes conceptuales de gran escala, permitiendo que la composición se perciba cercana pero expansiva.
Icarus Fell – Icarus Fell | Estados Unidos
Terminamos las recomendaciones de hoy junto a la agrupación Icarus Fell, quienes nos entregan Another Storm, una canción de rock con un ritmo relativamente pausado que evoca la esencia clásica de la década de los noventa; la pieza resalta por integrar unos riffs de guitarra muy llamativos que se acoplan sin contratiempos con una voz que encaja a la perfección dentro del ensamble general de la banda.
Surgidos de la escena subterránea de Detroit, Míchigan, este conjunto combina temáticas oscuras, potentes guitarras y armonías vocales para mantenerse al margen de las modas efímeras; reafirmando su compromiso con la preservación de las raíces más puras del rock alternativo, el grupo busca transmitir una energía visceral basada en el principio explícito de mantener viva la verdadera llama del género.
En conclusión, la entrega de este volumen nos permite explorar un abanico creativo que conecta los universos conceptuales del alt-pop, la expresividad íntima del rock alternativo y la solidez clásica de las guitarras noventeras. Por este motivo, les invitamos cordialmente a darse una valiosa oportunidad para escuchar el trabajo de Summer Wiley, Woliver e Icarus Fell, integrando sus respectivas composiciones a sus listas de reproducción para continuar descubriendo nuevos talentos.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Malachi Whitson – This Feeling | Estados Unidos
Iniciamos esta travesía de la mano de Malachi Whitson, quien nos regala This Feeling, una propuesta con influencias de rock alternativo y tintes funk; el corte destaca por construir una estética con un efecto espacial acompañada de voces suaves que complementan la estructura, dando como resultado una experiencia verdaderamente amena para el oyente.
Originario de Richmond, California, este baterista, vocalista y compositor creció en una comunidad eclesiástica antes de colaborar con figuras como Herbie Hancock o Joshua Redman y liderar la agrupación Black Market the Band; al frente del ensamble Something with Soul, el artista fusiona shoegaze, indie rock y pop para explorar temas de desamor y memoria a través de narrativas honestas.
Jake Herring – Hollow Man | Estados Unidos
Continuamos con Jake Herring, quien nos entrega Hollow Man, una canción tranquila con claras influencias folk y un marcado enfoque acústico; esta pieza se acopla de manera impecable con la voz del intérprete, logrando conectar directamente con la audiencia mediante una interpretación cercana que cautiva la atención a lo largo de toda su duración.
Conocido anteriormente bajo el pseudónimo de BabyJake, este cantautor decidió iniciar una nueva etapa dentro de la escena alternativa; tras acumular participaciones en festivales como Lollapalooza, colaboraciones con artistas como Sofi Tukker o Lizzy McAlpine y apariciones en videojuegos como FIFA o Fortnite, el creador combina su trasfondo de autor con su gusto por el rock.
Norrá Hill – Black Car | Alemania
Terminamos las recomendaciones de esta entrega junto a Norrá Hill, proyecto que nos entrega Black Car, una pieza provista de una estética retro muy marcada; la canción combina influencias de indie pop con una voz relajada y sutiles toques dulces de dream pop que la hacen sentir especial, envolviendo al público en un ambiente placentero.
Esta iniciativa de pop independiente conecta a Frank Lechtenberg a cargo de guitarras, bajo, sintetizadores y producción en Alemania con Kari Ehli en la voz y letras desde Washington; inspirándose en la tradición de guitarras del circuito C86, el catálogo de Sarah Records y el dream pop ochentero, sus lanzamientos cuentan con masterización profesional en alta resolución realizada en Reino Unido.
En conclusión, la selección de esta semana nos permite transitar desde la profundidad espacial del rock alternativo californiano hasta la intimidad acústica del folk y las guitarras retro transatlánticas. Les invitamos abiertamente a darse una valiosa oportunidad para escuchar el trabajo de Malachi Whitson, Jake Herring y Norrá Hill, integrando sus canciones a sus listas de reproducción cotidianas para seguir descubriendo nuevas fronteras creativas.
Conocido como el abogado cantor de folk de Bushwick, Jason Matu ha recorrido una ruta vital singular desde las Montañas Encantadas del oeste de Nueva York. Nieto del líder de los Polish Cowboys de Ellicottville, su entorno rural inicial dio paso a un trayecto que cruzó Kentucky hasta afincarse en Brooklyn. Su inclinación musical se despertó formalmente durante sus años de derecho, donde comenzó a componer y tocar el bajo en la agrupación Candidate.
En esa etapa en Lexington, el autor inició una colaboración sostenida con el productor Justin Craig, nominado al Grammy. Tras ese periodo en el rock de ensueño, el músico sumó esfuerzos junto a Adam Kruckenberg en la banda Shapes on Tape. Toda esa experiencia acumulada en distintas alineaciones le ha permitido consolidar una mirada propia sobre la canción, articulando influencias folclóricas y alternativas sin recargar la estructura de sus composiciones.
Dentro de este catálogo de trayectorias cruzadas se presenta la canción titulada The Returning of the Leaves. La pieza se configura como una propuesta de rock ligero con tintes pop, sosteniendo una marcha clara y accesible. La producción de la pista incorpora tonos dulces y un atinado toque retro que le otorga un cuerpo sonoro muy limpio, evitando los adornos innecesarios para centrar la atención en la calidez de su arquitectura instrumental.
El aspecto central en la ejecución reside en una voz aguda y brillante que le da mucha alegría a la canción en todo momento. Esta interpretación vocal se ensambla con fluidez sobre la base rítmica, ofreciendo una experiencia en general muy amena. Con el lanzamiento de The Returning of the Leaves, Jason Matu demuestra su habilidad para transformar sus diversas vivencias en un formato musical sobrio, fresco y dotado de una personalidad bien definida.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Noonzy – Yeah (I’m In) | Belgica
Despues de su EP debut Puppies, el cantautor Noonzy regresa con “Yeah (I’m In)”, un sencillo editado a través de Play It Again Sam. El tema transita con frescura por el delicado umbral entre el miedo y el deseo. Combinando arreglos vocales de gran elegancia y una ligereza emocional que invita a la rendición absoluta ante el momento, la canción confirma la consolidación de un proyecto tan sofisticado como magnético en la escena actual.
tonioschi – My Name | Estados Unidos
“My Name” de tonioschi es una canción de pop de producción contagiosa y melodías divertidas que contrasta con una letra agridulce y cercana sobre una relación que no funcionó, todo ello enmarcado por una cuidada estética de inspiración ochentera.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Caro Martinez – MIRAHAE | México
La cantautora mexicana Caro Martínez presenta “MIRAHAE”, un sencillo emotivo que nacio como un obsequio íntimo para su hermana inspirado en la lealtad entre BTS y su comunidad ARMY durante el servicio militar del grupo, el tema evolucionó hasta convertirse en un himno a la permanencia del cariño y la esperanza. Con influencias de Selena Quintanilla y Karol G, esta obra representa para su autora el punto de retorno definitivo a una vocación postergada, consolidando una propuesta honesta sobre el valor de apostar por los sueños.
Fragment Soul – Eternal Night in Death | Grecia
Con una propuesta que fusiona la densidad opresiva del doom con la complejidad técnica del metal progresivo y matices de djent, la agrupación griega Fragment Soul presenta “Eternal Night in Death”. Editado como parte de su obra Galois Paradox y respaldado por una formación sólida que incluye a las voces de Marc Durkee y Tamara Filipovic, el sencillo se sumerge sin concesiones en las profundidades de la muerte, la pérdida y la búsqueda de redención. A través de una atmósfera oscura e hipnótica, guitarras vibrantes y una producción pulida que equilibra pasajes melancólicos con una contundencia visceral, la banda reafirma el pulso atmosférico que ya la había llevado a compartir escenarios con referentes europeos como Paradise Lost y Moonspell.
Forever Overhead – Stone Balance | Suiza
Con una sensibilidad etérea que une la precisión compositiva con la exploración orgánica, el dúo suizo de art-pop Forever Overhead consolida su prometedor universo sonoro en “Stone Balance”. Gestado durante una residencia artística en los valles de Ticino y segundo adelanto de su anticipado EP debut An Introduction to Mirages, el sencillo despliega un pulso rítmico hipnótico y ricas armonías que transitan de la quietud minimalista a la amplitud maximalista. Evocando la paciencia de la naturaleza y el frágil equilibrio de su título, la pieza confirma la madurez creativa de los hermanos Julien y Lorraine Dinkel, quienes tras el destello internacional de su debut continúan trazando un camino tan meditativo como vibrante.
