Rock

LYLVC presenta “Barely Human”: un himno post-apocalíptico de metal moderno

LYLVC presenta “Barely Human”: un himno post-apocalíptico de metal moderno

LYLVC (pronunciado “Lilac”), la banda de Raleigh, Carolina del Norte, sigue consolidando su propuesta híbrida que fusiona rock, metal, hip-hop y electrónica con su nuevo sencillo Barely Human. La canción, lanzada bajo Judge & Jury Records, crea un mundo posapocalíptico devastado por un virus que deja solo vacío, dolor y miedo. Los sobrevivientes se ven obligados a reemplazar partes de su cuerpo con prótesis robóticas, convirtiéndose en “apenas humanos” y enfrentando la elección entre desconectarse emocionalmente o mantener su última chispa de humanidad.



Musicalmente, Barely Human combina metalcore, djent y progresivo con melodías precisas y poderosas. Los vocales femeninos de Alyse Zavala y los segmentos rapeados de Oscar Romero Lemus se entrelazan para crear un contraste dramático, mientras la producción de Howard Benson junto a Mike Plotnikoff y Joe Rickard garantiza una potencia instrumental y una narrativa sonora de alto impacto. La colaboración con Judge & Jury refuerza la intensidad y la atmósfera cinematográfica del tema.

El videoclip amplifica la historia, mostrando paisajes desolados, enfrentamientos dramáticos y la presencia de Indio Falconer Downey con armamento futurista, llevando la metáfora de supervivencia y humanidad al terreno visual. Tras giras internacionales exitosas, LYLVC continúa su expansión con próximas presentaciones por Estados Unidos y Europa, consolidándose como un referente de la experimentación sonora y narrativa en el metal moderno.


Native Sun: Punk, Garage y Arte en Cada Acorde de Concrete Language

Native Sun: Punk, Garage y Arte en Cada Acorde de Concrete Language

La banda neoyorquina Native Sun acaba de lanzar su nuevo sencillo “Adam”, el cuarto adelanto de su esperado álbum debut Concrete Language. Con un sonido que combina garage rock, art rock y punk, la banda ofrece una propuesta intensa, visceral y cargada de energía, con guitarras crudas, ritmos contundentes y melodías que capturan la urgencia y vitalidad de la ciudad que los inspira.

Danny Gomez, vocalista y guitarrista de la banda, describe la canción: “‘Adam’ es una canción sobre la amistad en una ciudad que nunca se detiene. La gente va y viene, pero los recuerdos permanecen. Se inspiró en una noche surreal recorriendo Nueva York, persiguiendo algo que no podíamos nombrar”. La canción transmite esa sensación de movimiento constante, reflejando la vida urbana con un toque de nostalgia y melancolía.



El sencillo fue producido, mezclado y grabado por Jonathan Schenke (Parquet Courts, Snail Mail, Bodega, The Drums) y masterizado por Joe LaPorta (David Bowie, IDLES, Vampire Weekend, Run the Jewels) en Sterling Sound, logrando un sonido potente y definido que resalta la fuerza de Native Sun.

Native Sun está formada por Danny Gomez (voz/guitarra), Justin Barry (bajo/voz), Jack Hiltabidle (guitarra) y Nicolas Espinosa (batería). La banda es conocida por sus presentaciones en vivo intensas y por las letras sociales de Gomez, que documentan la vida de los marginados y transforman la desilusión en acción. Con Concrete Language y el sencillo “Adam”, Native Sun promete establecer un nuevo estándar de energía y autenticidad en el rock independiente de Nueva York.


Un último baile con sabor a California

Un último baile con sabor a California

Desde Los Ángeles surge Strawflower, una banda que apuesta por un sonido que mezcla lo retro con lo actual. Su propuesta busca conectar con quienes disfrutan de la nostalgia sin dejar de lado la frescura que trae consigo una nueva generación musical. En su reciente lanzamiento, Last Slow Dance, se percibe esa intención de mantener vivo un estilo clásico mientras lo atraviesan con matices modernos.

El tema se mueve entre atmósferas de space rock y tintes psicodélicos, construyendo un ambiente sonoro que transporta a escenarios playeros y atardeceres californianos. La banda describe esta pieza como un recorrido cargado de vibra surf, con un ritmo que invita a escucharlo sin prisas. En Last Slow Dance, no buscan reinventar el género, sino darle un giro personal y mantenerlo vigente.



Lo interesante de esta canción es cómo Strawflower logra que la nostalgia no suene a repetición. Al contrario, integran influencias que enriquecen la experiencia auditiva y dan espacio a un sonido que respira autenticidad. No se trata de imitar, sino de aportar un matiz propio dentro de un estilo muy trabajado en la escena musical.

Con este lanzamiento, Strawflower no solo comparte una canción, sino también una invitación a dejarse llevar por un ritmo pausado y envolvente. Last Slow Dance puede entenderse como una mirada hacia el pasado desde un presente creativo, donde la influencia californiana sigue marcando el pulso de su propuesta musical.


William Hinson y la magia de la conexión humana en cada canción

William Hinson y la magia de la conexión humana en cada canción

William Hinson, originario de Winston-Salem, Carolina del Norte, es una voz fresca y honesta dentro del indie pop contemporáneo. Su música, cargada de sensibilidad y autenticidad, navega entre influencias de leyendas como The Beatles, John Mayer y la energía moderna de The 1975, creando un sonido que es a la vez familiar y propio.

Su último álbum, Everything Will Be Okay, es un reflejo de su trayectoria personal y musical. Inspirado en las experiencias vividas durante años de gira por Estados Unidos, el disco recoge momentos de reflexión, crecimiento y conexión humana. William lo define como una encapsulación de su carrera hasta la fecha, donde cada canción representa una etapa de evolución tanto lírica como sonora.



Temas como “You’re Upset”, su más reciente sencillo, muestran esa combinación entre melodías brillantes, ritmos pegajosos y letras sinceras que exploran la complejidad de las relaciones y las emociones. Con una voz cálida y cercana, Hinson invita al oyente a sumergirse en historias que resultan tan personales como universales, convirtiendo cada canción en un refugio de empatía y comprensión.

Lo más notable de Everything Will Be Okay es cómo cada pista se entrelaza para formar un cuerpo de trabajo coherente y emotivo, desafiando las convenciones tanto sonoras como visuales. En un mundo lleno de incertidumbres, la música de William Hinson se presenta como un recordatorio esperanzador de que, mientras mantengamos nuestras conexiones y apoyos mutuos, todo estará bien.


El encierro que se convirtió en música

El encierro que se convirtió en música

Nothing Feels Right es el tercer sencillo de Sleepers Club, una pieza que camina entre el dreamy y el indie rock con una melodía de guitarra que respira calma. No busca estridencias, sino sumergir al oyente en un estado suspendido, casi como si el tiempo se estirara en cada compás. Es un tema que sugiere movimiento sin prisa, un viaje interno más que externo.

La historia de su creación se remonta a abril de 2020, cuando Sydney Ward y Damon Moon se encontraron encerrados por el inicio de la pandemia. Lo que iba a ser una simple sesión de grabación se transformó en semanas de escritura improvisada, donde el estudio fue refugio y laboratorio sonoro. Allí, entre micrófonos desinfectados y amplificadores encendidos, nacieron decenas de canciones.



Después de ese periodo, llegó un cierre abrupto. Sin plan definido, decidieron guardar el material en un disco duro, dejándolo reposar sin prisa. El tiempo pasó, y la vida siguió su curso, hasta que la sensación de incertidumbre que motivó aquellas grabaciones regresó. Fue entonces cuando decidieron volver a abrir esas carpetas.

Nothing Feels Right es parte de ese reencuentro. No es una pieza que busque respuestas claras, sino una que comparte el mismo aire del que nació: el de dejar que la música hable por sí misma, incluso cuando las palabras no alcanzan para describir el momento.


El reflejo inquietante de HAPPY FACE

El reflejo inquietante de HAPPY FACE

En HAPPY FACE, Moon Walker despliega un rock que no teme mezclarse con destellos de psicodelia, algo que el videoclip acentúa. Harry Springer, mente detrás del proyecto, compone, produce y graba toda su música desde su habitación, pero el resultado transmite la energía de un escenario mucho más grande. No es casual que, desde sus primeros lanzamientos, haya logrado llamar la atención de figuras consolidadas del rock.

El proyecto nació en pleno confinamiento, cuando Springer buscaba vender canciones a bibliotecas musicales para ganar algo de dinero. Sin embargo, hubo piezas que se resistió a entregar, y esas terminaron dando forma a su primer álbum, Truth to Power, que le abrió paso rápidamente en la escena gracias a su impacto en redes como TikTok y el respaldo de artistas como Justin Hawkins, de The Darkness. Con ese impulso, Moon Walker no tardó en consolidar un estilo que, aunque gestado en soledad, suena expansivo.



Menos de un año después, Springer regresó con su segundo trabajo, The Attack of Mirrors, un álbum que refuerza la idea de que su propuesta no se limita a un molde. HAPPY FACE se inserta dentro de este universo, llevando su sonido hacia un territorio que mezcla riffs firmes, secciones hipnóticas y una estética visual que dialoga con la música. El resultado es una pieza que, más que contar una historia lineal, propone sensaciones que se mueven entre lo enérgico y lo enigmático.

En esta etapa, Moon Walker parece más interesado en construir atmósferas que en repetir fórmulas. HAPPY FACE se siente como un reflejo distorsionado, una invitación a mirar de cerca aquello que normalmente pasamos por alto. Con cada nueva entrega, Springer muestra que el confinamiento no limitó su creatividad, sino que se convirtió en el laboratorio desde el cual sigue moldeando un rock con identidad propia.


Entre Ganchos y Nostalgia: La Energía Inagotable de Neutral Snap

Entre Ganchos y Nostalgia: La Energía Inagotable de Neutral Snap

Desde la vibrante escena musical de Nueva Orleans, Luisiana, surge Neutral Snap, una banda potente del pop punk del sureste de Estados Unidos. Con una energía explosiva que recuerda a la intensidad de los mejores años del género, Neutral Snap fusiona ganchos, riffs contundentes y breakdowns cargados de nostalgia, creando un sonido que conecta tanto con los fans clásicos como con las nuevas generaciones.

Su más reciente proyecto, el EP “I Hardly Know Her”, representa una refrescante mirada al pop punk que marcó a toda una generación. Este trabajo no solo captura la esencia nostálgica del género, sino que la impulsa con una producción vibrante y colaboraciones destacadas. Tom Denney (A Day to Remember) y Fred Mascherino (Taking Back Sunday, Say Anything, The Color Fred) se sumaron al proceso creativo, aportando frescura y profundidad a las canciones.



Entre los temas más destacados del EP se encuentra “Pat Your Own Back”, un himno que lleva al oyente en una montaña rusa emocional. Coescrito con Rob Freeman, la canción explora las complejidades y secuelas de un conflicto en una relación a largo plazo, transitando desde versos introspectivos y melódicos hasta un clímax explosivo que refleja la catarsis emocional.

Neutral Snap es un claro ejemplo de cómo el pop punk puede reinventarse sin perder su esencia. Su sonido recuerda la energía vibrante y cruda que dominaba a mediados de los 2000, pero con una sensibilidad y madurez que los posiciona como referentes en la escena actual. Con cada lanzamiento, la banda no solo rinde homenaje a sus influencias, sino que también impulsa un resurgimiento del género con autenticidad y pasión.


Felipe Havranek enciende “Hollywood”: una vuelta al rock con energía

Felipe Havranek enciende “Hollywood”: una vuelta al rock con energía

A veces, el rock necesita un impulso desde lugares inesperados. Felipe Havranek, actor, cantante y compositor uruguayo, reaparece con Hollywood, una canción que no busca sutilezas, sino fuerza. El tema se apoya en guitarras firmes y una batería que empuja sin descanso, creando una atmósfera que recuerda a la energía cruda de los escenarios adolescentes donde Felipe dio sus primeros pasos.

Desde los días en que hacía conciertos en su cuarto con covers de Limp Bizkit y Backstreet Boys, hasta su paso por el Estadio Centenario y los Latin Awards, Havranek ha transitado un camino entre la actuación, el teatro musical y el pop/rock. Su formación en cine y teatro musical, con escalas en Nueva York y Los Ángeles, le ha dado herramientas que ahora canaliza en su música con más claridad.



Hollywood no se siente como un intento de encajar en una fórmula. Es directa, sin pretensiones, pero con actitud. La canción lleva una vibra noventera, influenciada quizás por Bon Jovi o Blink 182, pero con una identidad en español que le da un giro distinto. Es un tema que pide ser escuchado a buen volumen, no tanto para analizarlo, sino para dejar que te sacuda.

Luego de años dedicados a la formación de jóvenes artistas con Livin’ Arts, esta nueva etapa musical de Felipe Havranek parece estar marcada por el deseo de reconectar con su voz más visceral. Con presentaciones recientes en Montevideo y Madrid, Hollywood deja claro que el impulso del rock sigue latiendo en su propuesta, ahora con una madurez distinta, pero sin perder la chispa.


¿Sabe él lo que siente Stewart Gatsi?

¿Sabe él lo que siente Stewart Gatsi?

En un mundo sonoro saturado de beats sintéticos, Stewart Gatsi irrumpe con un susurro acústico que pide ser escuchado. Desde Harare, Zimbabwe, hasta los escenarios del sudeste asiático, la voz de este cantante y compositor ha viajado cargada de emociones y matices. Su propuesta musical, que él llama New Age Alternative, desafía etiquetas y se apoya en una combinación sutil de soul, pop clásico y rock alternativo.

Su más reciente tema, Does He Know, es una muestra contenida pero poderosa de su sensibilidad artística. Acompañado únicamente por una guitarra acústica, Gatsi ofrece una interpretación íntima y reflexiva, guiada por su timbre de tenor cálido y claro. La canción no busca adornos innecesarios; su fuerza radica en la forma en que la voz y la melodía se abrazan, con una cadencia que parece hablar más de lo que dice.



Lo interesante de Stewart Gatsi es su capacidad para transmitir sin forzar. Sus letras, aunque directas, dejan espacio para la interpretación personal, como si sus canciones fueran espejos en los que cada oyente encuentra algo distinto. En Does He Know, la incertidumbre y el deseo se sienten en cada frase, sin dramatismos, solo con una honestidad cruda que se vuelve familiar.

Gatsi no es nuevo en esto. Ya había lanzado dos álbumes —The Telling Truth (2010) y Songs On My Bike (2019)—, consolidando un estilo propio que sigue expandiéndose con cada nueva entrega. Does He Know se suma a esa ruta personal, más cercana a una conversación en voz baja que a una declaración pública. Y quizás ahí está su atractivo: en su sencillez bien cuidada, que invita a quedarse un poco más.


Apocalypse y Otros Suspiros: La Evolución Emocional de Amelie Jat

Apocalypse y Otros Suspiros: La Evolución Emocional de Amelie Jat

Amelie Jat es una cantante, compositora y bailarina originaria de Hong Kong, desde muy pequeña, Amelie mostró su amor por la música al descubrir su pasión por la batería a los tres años, y desde entonces ha dedicado su vida a desarrollar su arte. Actualmente, en sus veintes y radicada principalmente en Londres, Amelie Jat ha recorrido un camino que abarca desde el bedroom pop y el pop punk hasta un sonido más onírico que define su música en 2024.

Su álbum for the plot, lanzado en 2023, le abrió las puertas a nuevas audiencias y consolidó su crecimiento como compositora y performer en vivo.



En su más reciente sencillo, “apocalypse”, Amelie muestra una faceta más suave y vulnerable. La canción habla del dolor de un amor que nunca terminó de concretarse, de esas emociones a medio camino que permanecen y marcan, incluso cuando la relación no llega a ser lo que pudo haber sido. Con letras sinceras como “dime que me veo bonita cuando lloro / ¿no sabes que tú eres la razón?”, la artista explora el desamor desde un lugar íntimo y muy cercano, perfecto para quienes atraviesan ese “sad girl summer” en el que los sentimientos están presentes pero las cosas no funcionan.

“Apocalypse” representa un giro hacia un pop más desnudo y reflexivo, en contraste con temas más animados como “BUTTER”, esta versatilidad demuestra la evolución constante de Amelie y su valentía para experimentar con distintos sonidos y emociones. Además, con temas como “rollercoaster” y “steal your shirt”, que han tenido gran acogida y posicionamiento en las listas, Amelie Jat continúa preparando su 2025.