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Skintight Crazy: El Viaje Emocional de August Royals a Través del Amor y la Pérdida

Skintight Crazy: El Viaje Emocional de August Royals a Través del Amor y la Pérdida

August Royals con un sonido que equilibra la accesibilidad con la profundidad artística, el cantante y compositor mezcla sinceridad emocional con un enfoque musical sofisticado.

Su debut con RCA Records en 2021, con el lanzamiento de su sencillo “Blue Football”, captó la atención de la industria musical y sentó las bases para su carrera. Con una mezcla de pop sofisticado y líricas vulnerables, August se presentó como un creador dispuesto a explorar sus emociones más profundas, a la par que ofrecía un sonido pegajoso que podía conectar con una audiencia más amplia. El 2022 vio el lanzamiento de su primer EP, Inhaler, una obra de nueve canciones que presentó una mezcla de géneros que reflejaban tanto la variedad de influencias de August como su capacidad para explorar diferentes estilos musicales. A pesar de su éxito, August decidió alejarse de RCA Records para tomarse un tiempo para reflexionar sobre su rumbo como artista, alejándose de la presión de la industria para descubrir su verdadero sonido.



Con su retorno en 2025, August Royals regresa con una energía renovada y una visión más clara de su arte. Tras un período de silencio creativo, donde pasó tiempo desconectado del ruido exterior, ha vuelto con lo que él mismo considera sus canciones más auténticas y refinadas. Su sencillo “American Spirit” marcó su regreso triunfal, con una interpretación vocal única que conserva la accesibilidad del pop, mientras mantiene una conexión profunda con su propia identidad.

Sin embargo, su segundo sencillo independiente, Skintight Crazy, es el que verdaderamente ha dejado una marca en sus seguidores. En esta canción, August reflexiona sobre la complejidad emocional de una ruptura. Las letras exploran los efectos persistentes de una relación terminada, capturando el dolor de darse cuenta de que el amor que una vez sentimos ya no es con la persona que tenemos frente a nosotros, sino con la versión pasada de esa persona. Musicalmente, el tema destaca por su ritmo contagioso, uniendo guitarras suaves, sintetizadores pegajosos y una percusión dinámica que se mezcla perfectamente con su voz. La canción tiene una atmósfera vibrante, a pesar de la temática melancólica, invitando a la reflexión, pero también al disfrute.

Skintight Crazy representa la evolución de August Royals como artista, quien ha logrado transformar sus experiencias personales en canciones poderosas que resuenan con sus oyentes. Cada nueva publicación parece ser una exploración más profunda de sí mismo, desde sus luchas internas hasta sus victorias emocionales. Con su habilidad para crear música que es tanto introspectiva como accesible, no cabe duda de que August tiene mucho que ofrecer en los próximos años.


Entre Susurros y Melodías: El Viaje Musical de Jenny Kern

Entre Susurros y Melodías: El Viaje Musical de Jenny Kern

Jenny Kern es una cantante y compositora canadiense radicada en Brooklyn, con un estilo indie pop que fusiona emotividad, delicadeza y una fuerte presencia. Jenny inicio expandiendo su alcance musical al colaborar con el productor Andy Seltzer, quien ha trabajado con artistas como Maggie Rogers, Chelsea Cutler y Valley. Juntos, crearon dos sencillos, “Satellite” y “Now We Know”, que ayudaron a cimentar aún más su lugar en la escena musical.

En 2021, en el mismo año, lanzó su EP titulado I Never Thought That You Were Listening, una colección que resonó profundamente con sus seguidores. Este trabajo logró colocar dos de sus canciones en el top 40 de la radio, lo que consolidó a Jenny Kern como una artista con una propuesta sólida y un estilo único. Con más de un millón de reproducciones en Spotify, su popularidad sigue en ascenso, y la artista se prepara para seguir expandiendo su música a nuevos públicos.



El 2022 marcó el regreso de Jenny con el lanzamiento de su sencillo “Say It” la canción se aleja de la energía vibrante de sus primeros trabajos y ofrece una balada pop minimalista, llena de susurros, pausas y una introspectiva vulnerabilidad. La letra de la canción, que trata sobre las palabras no dichas y el dolor del silencio en una relación, muestra una vez más la habilidad de Kern para explorar temas personales y universales de manera honesta y conmovedora.

La colaboración de Jenny con el productor Ryder Stuart en este tema, conocido por su trabajo con artistas como Hayes Warner, CANNON y Young Rising Sons, ha resultado en una canción que muchos consideran una de sus mejores hasta la fecha. “Say It” no solo resalta la madurez de la cantante, sino que también marca un punto de inflexión en su carrera, mostrando una evolución tanto en su estilo como en su lírica.


La Fama y el Caos: Kai Bosch Desnuda la Realidad del Sueño Pop

La Fama y el Caos: Kai Bosch Desnuda la Realidad del Sueño Pop

Kai Bosch con una combinación perfecta de vulnerabilidad y atrevido espectáculo, el cantante y compositor británico está dejando una huella tras haber alcanzado un notable éxito con sencillos como Angel y Rodeo Romeo, Bosch está listo para su EP más ambicioso hasta la fecha, Popstar of Your Dreams.

El EP Popstar of Your Dreams es una declaración de principios, una reinvención y una terapia creativa. Tras un período de agotamiento emocional y dudas sobre su carrera, Kai Bosch decidió sumergirse en un proceso de creación donde lo más importante era la diversión y la autenticidad, dejando atrás las presiones externas. En sus propias palabras, este EP fue sobre “tomarse las cosas menos en serio” y “volver a hacer música para mi propio disfrute”.

Con la colaboración del productor Duncan Mills, Bosch compuso este proyecto durante un verano frenético. El resultado es un álbum lleno de pop maximalista, con influencias de grandes nombres como Gwen Stefani, Charli XCX, Marina y las Diamantes, y Girls Aloud, pero manteniendo la emocionalidad que siempre ha caracterizado su estilo. La canción que da título al EP es una verdadera oda a la fantasía pop, envuelta en brillo, caos y una honestidad brutal.



El tema central de Popstar of Your Dreams es su canción homónima, una pista energética y brillante que captura las luchas internas de un artista que aspira a la fama pero lucha con el peso de las expectativas, la imagen y el síndrome del impostor. Es un himno autocrítico sobre la búsqueda incansable de reconocimiento, y la canción da voz a la tensión entre lo que se espera de uno mismo y lo que realmente es.

Bosch se presenta en esta canción bajo el alter ego de un “Popstar de tus sueños”, un personaje idealizado y sin miedo a la vulnerabilidad. Con letras como “Ponme en tu lista de reproducción, ¿qué va a hacer falta para que me haga famoso?”, Kai captura esa esencia universal de todos aquellos que alguna vez soñaron con brillar bajo las luces del escenario.

Más allá de la superficie brillante y pegajosa de sus canciones, Popstar of Your Dreams es una exploración de la complejidad emocional de Bosch. “Todo es hermoso” es una de las canciones que destaca por su dulce y efervescente retrato del amor recién descubierto, mientras que Popstar ofrece una mirada honesta sobre el precio de la fama y la identidad personal.

Este enfoque sincero y directo se ve como un reflejo de su propio viaje artístico, donde las emociones se desnudan en medio de la estética glitter y los beats electrónicos. Al igual que otros artistas queer como Troye Sivan, Christine and the Queens o Dorian Electra, Kai Bosch está construyendo un espacio propio donde las barreras entre la identidad, el arte y la vida personal se desdibujan.


R&B, jazz y amor eterno: Austin Gatus y Sophia James en su emotiva colaboración

R&B, jazz y amor eterno: Austin Gatus y Sophia James en su emotiva colaboración

El cantautor californiano Austin Gatus y la cantante Sophia James (ex participante de American Idol) se han unido para crear una pieza musical que captura la esencia del amor joven y las dificultades de una relación a distancia. Su sencillo “Don’t Want This to Change” es una balada R&B con toques de jazz y un aire retro, que destaca por su suave fusión de guitarras, teclados sentimentales y una destacada sección de metales que complementa perfectamente sus voces cálidas y llenas de emoción.

La canción es una declaración de amor en tiempos complicados, donde la distancia se convierte en un desafío a superar. Austin Gatus, conocido por su talento como saxofonista, le da un toque especial al tema con un solo de saxofón que aparece en los momentos clave, evocando una sensación de intimidad y sensualidad. La letra expresa el deseo de mantener una relación sólida y profunda a pesar de los obstáculos que pueda traer la distancia.



La inspiración detrás de esta canción proviene de la experiencia personal de Gatus, quien estuvo involucrado en una relación a distancia durante más de cinco años. A través de esta canción, Austin comparte su vivencia de amor y crecimiento personal, un tema recurrente en el futuro EP “You’re My Muse”, que está previsto para finales de 2025. Este EP será una exploración musical sobre la evolución de una relación a distancia, sus altibajos y las lecciones aprendidas, fusionando géneros como el soul, el jazz y el indie-pop.

Una de las decisiones más destacadas en la creación de “Don’t Want This to Change” fue convertirla en un dueto entre Austin y Sophia, lo que permite reflejar ambos puntos de vista dentro de la historia de amor. Sophia James, quien ha trabajado con artistas como Jessica Sanchez, escribió su propia estrofa y puente para ofrecer un contraste perfecto con la voz de Gatus. La elección de las tonalidades en las que ambos cantan aporta una dinámica única al tema, resaltando las emociones de cada uno de los intérpretes.


Astrid Yan: Sanar Cantando desde la Herida más Profunda

Astrid Yan: Sanar Cantando desde la Herida más Profunda

Desde Pichucalco, Chiapas, emerge una voz nueva en el pop en español que no solo canta, sino que sana: Astrid Yan. Con su EP debut Quiero Gritar, esta cantautora nos abre el corazón y nos invita a mirar de frente nuestras heridas más profundas, esas que muchas veces preferimos callar. En su caso, el origen de todo fue una ruptura muy particular: la de su relación con su padre.

“Mis amigos me dicen As, y la primera persona que me rompió el corazón fue mi papá”, confiesa sin rodeos. Y es desde ahí, desde esa honestidad brutal, que nace su música.

El primer track del EP, titulado “Galaxia”, es también la primera canción que escribió en su vida. Tenía 14 años, un teclado Casio viejo, una guitarra y un mundo emocional que se acababa de derrumbar. Durante más de una década, esa canción permaneció incompleta, como una cicatriz abierta. No fue hasta 16 años después que Astrid decidió cerrarla simbólicamente con un outro, dándole un nuevo cuerpo sonoro y una nueva vida. Así, “Galaxia” se transforma en un tema de synth-pop y alt-pop, influenciado por artistas como Moenia, M83 y CHVRCHES, con sintetizadores envolventes y guitarras eléctricas que evocan la inmensidad del universo… y la soledad que a veces habita en él.



Para su promoción, Astrid apostó por visuales animados en 2D que representan a su versión adolescente: una niña que soñaba con huir a otra galaxia para escapar del dolor. Quiero Gritar es una bitácora emocional. A través de sus canciones, Astrid nos lleva por los caminos de la tristeza, el apego, el perdón y la esperanza. En temas como “Sin Temor”, habla de darle una segunda oportunidad al amor, esta vez desde una versión más consciente y vulnerable de sí misma.

“Este EP es el inicio de todo”, explica. “Antes de contar las historias de mis relaciones fallidas en el álbum que viene, necesitaba sacar esto. Porque Quiero Gritar es el grito que nunca lancé cuando era niña.”

Astrid Yan comenzó su relación con la música en la adolescencia, cantando y componiendo dentro del grupo de alabanza de su iglesia cristiana en Chiapas. Allí tocaba el teclado, cantaba y empezaba a ponerle nombre a lo que sentía. Sus influencias combinan lo íntimo y lo épico: desde Shania Twain hasta The Killers, pasando por el pop alternativo que hoy le da identidad a su sonido.


Connor McCutcheon: la nueva promesa del country-pop que debes conocer

Connor McCutcheon: la nueva promesa del country-pop que debes conocer

Desde Hendersonville, Tennessee, emerge una voz que combina la nostalgia del country tradicional con la frescura del pop moderno: Connor McCutcheon. Nacido el 28 de octubre, Connor creció rodeado de música. Desde pequeño, mostraba una afinidad natural por el canto y los instrumentos, alimentada por una familia que siempre valoró el arte. Connor no solo imitaba canciones, sino que comenzaba a construir un sonido propio, influenciado por géneros como el rock, el pop, el soul y, por supuesto, el country.

Mientras estudiaba en la Universidad de Tennessee en Chattanooga, Connor dio un gran salto profesional. En 2021, grabó sus primeros cuatro EPs junto al productor ganador del Grammy Julian Raymond en los legendarios estudios Blackbird de Nashville. El resultado fue una carta de presentación inolvidable. Raymond, impresionado por su voz, sus letras y su visión, llegó a declarar: “He visto y escuchado el futuro del country, y su nombre es Connor McCutcheon.”

El EP debut, I Want You (2021), dejó claro que Connor no venía a seguir fórmulas. Sus canciones ofrecen una mezcla de baladas íntimas y melodías poderosas, siempre con letras honestas que tocan fibras profundas. A lo largo de sus siguientes lanzamientos, su estilo ha seguido evolucionando, pero siempre conservando esa esencia emocional que lo conecta con el público de forma genuina.



Su más reciente EP, Two Beers, es un ejemplo brillante de cómo Connor McCutcheon combina lo clásico con lo contemporáneo. Con toques de pop rock y beats sutiles, la canción que da nombre al EP es una historia de fragilidad emocional, encuentros inesperados y promesas que penden de un hilo. Más que una canción sobre beber, es una canción sobre intentar arreglar lo roto con lo poco que queda… incluso si solo son dos cervezas.

Connor no solo brilla en el estudio: sus presentaciones en vivo están cargadas de emoción, carisma y una conexión real con su audiencia. Su voz, cálida y llena de matices, tiene la capacidad de contar historias que parecen sacadas del diario personal de cualquiera.


Miguel Guevara y la música como refugio: así suena Temporal, su nuevo EP acústico

Miguel Guevara y la música como refugio: así suena Temporal, su nuevo EP acústico

Miguel Guevara el cantautor, productor y multiinstrumentista bogotano lanza Temporal, un EP acústico que funciona como un acto de resistencia suave: volver a lo esencial, a la canción desnuda, a la emoción pura. Temporal es una pausa, un suspiro entre el ruido, una declaración artística hecha con las manos y el alma. A lo largo de cuatro canciones, Miguel revisita algunos de sus temas anteriores con una nueva sensibilidad: más íntima, más madura, más suya. Lo hace desde una mirada cálida y artesanal, buscando generar una conexión directa con quienes escuchan.

En el centro del EP brilla “Evidente”, la única canción inédita del proyecto. La letra es un desahogo emocional, un momento en que la verdad ya no se puede callar. Su interpretación, vulnerable, se apoya en una producción minimalista donde destacan las texturas acústicas y los matices folclóricos sutiles, esos que remiten a raíz, a tierra, a hogar.

“Las canciones se sienten como refugios, como lugares donde el tiempo se detiene y la emoción encuentra espacio para habitarse.” Así lo describe Miguel, y no hay mejor forma de resumir la experiencia de escuchar Temporal.



La historia musical de Miguel Guevara comenzó desde muy joven. A los seis años ya estudiaba violín con el maestro Miguel Ángel Guevara Díaz. Más adelante, profundizó sus conocimientos en piano y armonía con énfasis en jazz, llevandolo a formar parte de la Orquesta Nueva Filarmonía desde los 13 años, participando en producciones sinfónicas con artistas como Santiago Cruz, Andrés Cepeda, Fonseca, Kraken y Alcolirykoz.

Con Temporal, Miguel Guevara inaugura una nueva etapa en su carrera. Es un proyecto que se aleja de lo grandilocuente para abrazar lo íntimo. Grabado en casa, con un enfoque artesanal tanto en lo sonoro como en lo visual, el EP es también una extensión de lo que viene mostrando en vivo: un formato acústico donde la vulnerabilidad es protagonista y la cercanía con el público se vuelve más tangible que nunca.

Los comentarios no se han hecho esperar. Quienes lo han escuchado destacan la conexión emocional que genera, la sensación de que cada canción es un espacio seguro, un rincón de calma en medio del caos.

“Es música hecha desde el alma de un niño que todavía cree en la honestidad del arte”, dice Miguel. Y eso se siente. Se siente en cada acorde, en cada pausa, en cada palabra cantada sin artificio.


Mokita: La Luz en la Oscuridad de ‘Fortunately’

Mokita: La Luz en la Oscuridad de ‘Fortunately’

Mokita, el proyecto musical de John-Luke Carter, conocido por sus canciones introspectivas y cargadas de emoción a través de letras profundas que exploran la vulnerabilidad, la soledad y, más recientemente, la importancia del apoyo mutuo en tiempos de dificultad.

Su último sencillo, “Fortunately”, marca un giro significativo en la carrera de Mokita, alejándose de la angustia de la incertidumbre para centrarse en la fortaleza que se puede encontrar en los demás. Es un tema sobre tener a alguien en tu vida que siempre está dispuesto a brindarte apoyo, alguien en quien puedes confiar cuando las dificultades de la vida se vuelven más intensas.

La creación de “Fortunately” fue un proceso espontáneo y emocional. Escribiendo junto a Trent Dabbs y Jeremy Lutito, Mokita y su equipo comenzaron con una melodía de coro que Dabbs había traído, y a partir de ahí construyeron el resto de la canción. La grabación del tema fue realizada en un solo día, y con el paso de las horas, la canción fue tomando forma, con la adición de un toque especial de cuerdas que la hizo aún más emocionalmente rica.



“Fortunately” comienza con un piano suave y se ve acompañada por percusiones y cuerdas que aportan una capa emocional adicional. La armonía y la instrumentalización de la canción crean una atmósfera envolvente que refleja el mensaje central del tema: aunque la vida puede ser incierta y desafiante, siempre hay una luz en la oscuridad, y a menudo esa luz es una persona dispuesta a caminar junto a nosotros.

Con este sencillo, Mokita presenta un cambio en su sonido, asi como también ofrece una mirada más optimista a través de su música. Mientras que sus trabajos anteriores a menudo se centraban en la introspección y la lucha interna, “Fortunately” se erige como un homenaje a las personas que, sin pedir nada a cambio, nos acompañan y nos dan fuerzas cuando más lo necesitamos.

Este sencillo forma parte de lo que será el primer álbum de Mokita, el cual promete seguir explorando temas emocionales y personales, con un enfoque renovado y esperanzador. “Fortunately” es solo el comienzo de lo que parece ser una nueva etapa en la carrera del artista, una etapa que combina su energía creativa con una conexión emocional más profunda con su audiencia.


“Up Next Ash”: Landan Ash Nos Invita A Ser Nosotros Mismos

“Up Next Ash”: Landan Ash Nos Invita A Ser Nosotros Mismos

Landan Ash es un artista originario de una pequeña ciudad en Texas, Landan se mudó a Los Ángeles en busca de un espacio para desarrollar su música y su identidad artística. Su primer sencillo, Quicksand, lanzado en 2020, marcó el inicio de una carrera que continúa explorando su mundo interior, dándole voz a sus emociones más vulnerables y auténticas.

Con un estilo que combina el indie pop con la bedroom pop, sus canciones capturan una mezcla única de fragilidad emocional y exploración sonora. La atmósfera que crea es íntima, como si el oyente estuviera siendo invitado a un espacio seguro donde las emociones más crudas pueden ser expresadas sin temor al juicio.

Una de sus canciones más recientes, Up Next Ash, habla de la búsqueda de la identidad y la validación en un mundo que a menudo puede parecer indiferente. La letra refleja la lucha interna de un artista que siente que no es valorado en su vida cotidiana, pero que encuentra una forma de ser visto y apreciado en el escenario.



“Up Next Ash” no solo hace referencia al nombre artístico del cantante, sino también a la transformación que experimenta al subirse al escenario, donde puede ser quien quiera ser, dejando atrás la inseguridad y abrazando la posibilidad de reinventarse.

Desde el principio de su carrera, ha tenido claro que una de sus misiones es dar visibilidad a las voces queer en la música, algo que logra al compartir su propia experiencia de navegar por los altibajos de las relaciones y la autodefinición en un mundo que a veces no es del todo inclusivo. Influenciado por artistas como Gracie Abrams, Troye Sivan, Beach House y Cigarettes After Sex, Landan combina la melancolía con la experimentación sonora, creando un espacio donde sus emociones pueden ser procesadas y comprendidas.

En Up Next Ash, por ejemplo, la música transmite perfectamente la lucha interna del artista, con cambios de ritmo que reflejan su deseo de encontrarse y salir de la sombra, mientras enfrenta la contradicción de necesitar ser visto, pero al mismo tiempo, ser genuino consigo mismo.


Entre Universos Musicales: Descubre Another World (Reset Everything) de The Last Nation

Entre Universos Musicales: Descubre Another World (Reset Everything) de The Last Nation

Another World (Reset Everything) surge como una propuesta que fusiona lo mejor del pop contemporáneo con matices electrónicos, creando un paisaje sonoro lleno de carácter. La canción se destaca por unos sintetizadores bien trabajados que envuelven la pista en una atmósfera evocadora. La voz, con la que se le confiere personalidad, se funde en un ambiente que reta a los límites de la innovación musical. Se siente como una invitación a reinventar el mundo a través del sonido.

El proyecto The Last Nation, liderado por Fernando Torres Barradas en Veracruz, México, es fruto de la unión de creativos y productores que comparten sus instintos musicales. Con influencias que oscilan entre el lo-fi, chillhop y synthwave, la banda plasma en cada tema una historia de sentimientos y conexión. Su música se inspira en bandas sonoras de videojuegos y en artistas tan diversos como Björk o Billie Eilish, generando un enfoque único. La colaboración de estos talentos crea un relato musical que trasciende géneros.



En Another World (Reset Everything) se nota esa mezcla de influencias, donde los toques electrónicos se conjugan con una base pop que resulta atractiva para un público amplio. La calidad de la producción y los detalles en cada capa instrumental hacen que el tema se sienta pulido sin sacrificar la emoción inherente a la experiencia. Cada acorde y cada pausa parecen diseñados para conectar de forma sincera con el oyente, abriendo paso a nuevas formas de expresión.

En resumen, Another World (Reset Everything) de The Last Nation abre una ventana a un mundo musical en constante evolución, donde la fusión de pop y electrónica cobra vida de manera original. El proyecto se reafirma como un espacio de encuentro entre la innovación y la tradición musical, impulsado por un grupo de mentes creativas que buscan trascender fronteras.