Indie Rock

Una mirada al pasado desde la costa: el debut de Christopher Short

Una mirada al pasado desde la costa: el debut de Christopher Short

En su EP debut More Than the Moments, Christopher Short nos presenta un trabajo que, sin recurrir a fuegos artificiales, logra capturar una sensibilidad nostálgica con pulso contemporáneo. La canción que da nombre al EP abre el viaje con una atmósfera acústica que evoca imágenes difusas y cálidas, como una vieja Polaroid en una tarde de playa. Con un ritmo pausado que se desliza sin apuro, los elementos folk y rock se entrelazan con matices pop en los coros, creando un paisaje sonoro envolvente. La voz de Short, cálida y cercana, acompaña con suavidad, haciendo de esta apertura una bienvenida discreta pero sincera.

It’s Only For a Little While se sitúa justo en el corazón del EP, funcionando como un respiro aún más íntimo dentro del conjunto. La instrumental se mantiene sencilla, dejando espacio para que la voz tome protagonismo, mientras un aura melancólica recorre la canción con la calma de quien recuerda algo importante. El uso de la armónica en el tramo final no solo aporta textura, sino que intensifica esa sensación de algo que fue y no volverá del mismo modo. Aquí, Short parece hablarnos al oído, sin pretensiones, con la serenidad de quien no necesita levantar la voz para ser escuchado.



La energía asciende ligeramente en Keep the World Outside, una de las piezas más accesibles del EP por su ritmo más animado. Aunque sigue manteniéndose dentro de la estética relajada del proyecto, su carácter pegajoso y su dinamismo inmediato la vuelven una entrada ideal para quienes se acercan por primera vez al trabajo del californiano. La canción funciona casi como una declaración: a veces es necesario cerrar la puerta al mundo y dejarse llevar por una melodía sencilla que acompañe sin invadir.

Christopher Short, ingeniero de profesión y músico de espíritu, logra en este primer esfuerzo solista unificar su herencia musical —desde The Beatles hasta sonidos hawaianos— con una estética de grabación casera que se siente honesta. Grabado en su propio garaje en 2024, More Than the Moments no busca deslumbrar, sino capturar momentos efímeros con naturalidad. Su música no grita, pero dice lo suficiente. Y quizá ahí reside parte de su encanto: en dejar que las canciones respiren por sí solas.


Romanie Rompe Barreras con su Sonido Más Oscuro en ‘Uh Oh’

Romanie Rompe Barreras con su Sonido Más Oscuro en ‘Uh Oh’

Romanie, la artista nacida en Bélgica y radicada en Naarm/Melbourne, explora la complejidad de la vida con una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza. Tras su álbum debut Are We There Yet? (2023), Romanie regresa con un nuevo sencillo titulado “Uh Oh”, que marca una evolución hacia un sonido más oscuro y grunge, mientras mantiene su enfoque introspectivo y su característico sentido del humor.

Desde su mudanza a Naarm en 2019, Romanie ha logrado cautivar a una audiencia global con su música indie y alternativa, convirtiéndose en una de las artistas más prometedoras de la escena musical australiana. Su música, inicialmente influenciada por el indie-pop, ha evolucionado, reflejando sus experiencias personales y un cambio en su visión artística. “Uh Oh” es un claro ejemplo de esta evolución, con un sonido más áspero y visceral, donde la fusión de guitarras eléctricas, sintetizadores y sus poderosas vocales dan lugar a una canción que refleja el caos y la turbulencia de la vida, todo ello envuelto en una atmósfera de autoconocimiento.



El nuevo sencillo de Romanie, “Uh Oh”, es el primer lanzamiento desde su debut en 2023. En él, la artista aborda las dificultades personales que atravesó en un periodo complicado de su vida, entre las que se incluyen problemas de salud y la nostalgia por su Bélgica natal. Sin embargo, como es característico en su estilo, la canción no se limita a la oscuridad; también está impregnada de un toque de humor irónico, lo que permite a la audiencia encontrar ligereza incluso en medio del dolor.

La letra de “Uh Oh” es una reflexión sincera sobre la lucha interna, con frases como “One of these days I will replace this version of myself / the bedside manners soothing up the bad side of my health”, que capturan perfectamente ese sentimiento de transformación y superación. La combinación de un riff de guitarra suave pero presente, junto con un sintetizador glitchy y la poderosa interpretación vocal de Romanie, lleva al oyente en un viaje emocional, que culmina con un grito catártico al final de la canción.

El video musical que acompaña a “Uh Oh” tiene un estilo nostálgico, evocando los primeros años de los 2000, con un toque visual de los videos musicales de esa época. Dirigido por Young Ha Kim (Mdou Moctar, Kaiit, Press Club), el video fue filmado en dos desguaces de autos en Cranbourne, Victoria, lo que refuerza la conexión de Romanie con su sonido más crudo y directo, además de rendir homenaje al coche pastel que aparecía en el video de su sencillo anterior “Are We There Yet?”. Esta estética visual representa la transición de Romanie de su antiguo sonido a este nuevo enfoque más experimental y audaz.


The Drive: La gasolina emocional del nuevo pop-rock californiano

The Drive: La gasolina emocional del nuevo pop-rock californiano

Desde un pequeño escenario en el sótano del pub familiar hasta festivales, The Drive ha recorrido un camino impulsado por la pasión, la disciplina y el deseo de dejar huella. Formado por los hermanos Danny (voz, teclados, guitarra) e Isaac (batería, teclados), este dúo de Los Ángeles ha convertido su vínculo fraternal y amor por la música en una propuesta propia dentro del pop-rock alternativo.

El nombre de la banda: The Drive representa ese motor interno que empuja a seguir adelante, incluso cuando las circunstancias son difíciles. Su lema podría extraerse directamente de su canción “Feeling”: “What’s the point of getting older, if you got nothing to show?” (“¿Cuál es el sentido de envejecer si no tienes nada que mostrar?”).

Criados entre mesas, clientes y música en vivo, los hermanos comenzaron a escribir y tocar sus propias canciones en los ratos libres entre el colegio y el trabajo. El escenario del pub se convirtió en su primer hogar artístico, donde aprendieron a desenvolverse con naturalidad y autenticidad frente al público.



Su último sencillo, “drugs”, explora la intensidad del enamoramiento como una forma de adicción emocional. Con letras que capturan esa euforia, ansiedad y deseo de no soltar el “subidón” del amor, la canción se convierte en una experiencia sensorial que no deja indiferente. Con cada nueva canción, con cada show en vivo, estos hermanos demuestran que el camino del esfuerzo, la constancia y la autenticidad puede llevar muy lejos. Y ellos apenas están comenzando.


Bajo el Manto Retro: “Under the Weather” de THYMIAN

Bajo el Manto Retro: “Under the Weather” de THYMIAN

En “Under the Weather”, THYMIAN recupera con soltura el pulso del rock clásico y lo viste de una estética retro muy marcada. El tema arranca con un efecto lo-fi que sumerge al oyente en una atmósfera casi nostálgica. El ritmo se mantiene constante y permite que la canción fluya con naturalidad, atrapando desde el primer momento.

La voz de THYMIAN, en su registro de barítono con cuerpo, aporta un matiz de rudeza capaz de contrarrestar la suavidad de la producción. Ese contraste la hace especialmente atractiva: el sonido cuidado y la capa de imperfección lo-fi se equilibran con una interpretación vocal que no teme rasgarse. De esta manera, la pieza adquiere una personalidad distintiva y un aire de autenticidad poco común.



Conocido como el Sad-Dancy-Boy, THYMIAN fusiona el new wave ochentero con el synth-pop moderno como parte de su terapia personal. Temas como la duda, el cambio y el miedo atraviesan su obra, y en “Under the Weather” esas inseguridades se insinúan entre líneas. La canción se convierte en un ejercicio de autoexploración, donde la sonoridad vintage sirve de guía para un viaje interior que desafía los prejuicios.

En definitiva, “Under the Weather” es una inmersión en un universo sonoro que honra el pasado sin quedarse atrapado en él. Con una producción envolvente y una voz que destila carácter, THYMIAN ofrece una pieza que conecta con quienes buscan música con identidad y mensaje.


Chico Jorge: El Nuevo Proyecto de Jordi Bastida que Fusiona Indie Pop, Noise y Emociones Universales

Chico Jorge: El Nuevo Proyecto de Jordi Bastida que Fusiona Indie Pop, Noise y Emociones Universales

Jordi Bastida, conocido por su trabajo como guitarrista en bandas como Sidonie y Alizzz, ha decidido recuperar su proyecto personal Chico Jorge para dar un nuevo paso en su carrera musical. Tras años de compartir escenario con grandes artistas y de aportar su talento en diversas producciones, Bastida presenta su álbum debut bajo el nombre de Chico Jorge, un trabajo que estará disponible a través del sello Magic in the Air Records tras el verano de 2025.

El primer adelanto del álbum, titulado “cupido enamorado”, es una muestra de lo que será el sonido de Chico Jorge. Con un estilo que fusiona el indie pop con el noise, el tema destaca por su energía frenética, con guitarras rotas y baterías intensas que reflejan la fuerza destructiva del amor en sus primeras fases de enamoramiento. La instrumentación nerviosa y acelerada se combina con una lírica que reflexiona sobre cómo el amor puede ser a la vez hermoso y devastador. La canción nos transporta a un lugar donde la pasión y el caos se entrelazan, pero al final, como siempre en las canciones de Chico Jorge, hay una luz al final del túnel.



Este tema sigue la línea de su EP debut Chico Jorge i (2021), que lo introdujo como un artista con una visión clara y una propuesta musical sólida. Al igual que el EP, “cupido enamorado” se inspira en bandas como Deerhunter, Wilco, The Strokes, y otros referentes de la escena indie. Sin embargo, la influencia de Alizzz, con quien Bastida comparte una estrecha relación profesional, también se siente en los arreglos y la atmósfera sonora, destacándose el pop-rock de ascendencia británica que caracteriza tanto a la música de Alizzz como a la de Bastida.

En “cupido enamorado”, Bastida captura la esencia de enamorarse, no solo de una persona, sino de la idea misma del amor. La letra nos lleva por un recorrido de deseos no correspondidos, promesas que se desvanecen con el tiempo y la eterna búsqueda de la conexión emocional. Los versos evocan imágenes de momentos fugaces, como esos mensajes de texto nunca enviados que, aunque no llegan a ser leídos, permanecen en la memoria.

Las capas sonoras y las texturas electrónicas añaden profundidad a la canción, creando un ambiente en el que el oyente se siente envuelto por la atmósfera melancólica y nostálgica que se desprende de cada acorde.


Entre Astros y Acordes: La Cosmología Sonora de Vinyl Williams

Entre Astros y Acordes: La Cosmología Sonora de Vinyl Williams

Vinyl Williams, nombre artístico de Lionel Williams, es mucho más que un músico: es un creador de universos. Radicado en Los Ángeles, este artista multidisciplinario ha desarrollado una de las propuestas más singulares y expansivas del panorama psicodélico contemporáneo.

Su obra combina lo-fi y hi-fi, filosofía, geometría sagrada y espiritualidad cósmica, todo envuelto en un sonido que remite a la psicodelia de los años 70 pero con una visión futurista. Con influencias que van desde Van Dyke Parks y Todd Rundgren hasta Cindy Lee y Iasos, Vinyl Williams crea una alquimia sonora que resulta tan cerebral como emocional. Su música se mueve entre el pop cósmico, el ambient, el dream pop y el rock experimental, siempre con una estética que recuerda a un sueño lúcido o una utopía interestelar.

El próximo 13 de junio de 2025, lanzará Polyhaven / Portasymphony, un doble LP que reúne dos caras opuestas de su creatividad: una producción lo-fi e instrumental, y otra hi-fi más melódica y detallada. Ambos lados se presentarán en un vinilo doble tipo “gatefold”, con un holograma lenticular que cambia de imagen al moverlo, reflejando su pasión por lo sensorial y lo interactivo.



Dentro del álbum, destacan sencillos como “Find the Hidden” —acompañado por un video interactivo donde el espectador puede buscar objetos ocultos— y “Sunlight”, una pieza instrumental cálida y envolvente que evoca la sensación de quedarse dormido bajo el sol. Este tema demuestra que Vinyl Williams puede contar historias profundas sin necesidad de letras, usando únicamente la textura de sus sonidos y la riqueza de sus arreglos.

Más allá de la música, Lionel ha creado un concepto llamado “astrología musical”, una aplicación que convierte fechas y posiciones planetarias en notas musicales, reafirmando su obsesión por encontrar la armonía entre ciencia, arte y espiritualidad. Su obra invita a imaginar un futuro donde la música, la imagen y la conciencia convergen en una misma frecuencia.



Soot Sprite: Shoegaze, esperanza y catarsis desde Exeter

Soot Sprite: Shoegaze, esperanza y catarsis desde Exeter

Desde los confines introspectivos de un proyecto solista lo-fi hasta convertirse en una de las nuevas propuestas más interesantes del alt-indie británico, Soot Sprite ha sabido evolucionar sin perder su esencia. Liderado por la cantante, guitarrista y compositora Elise Cook, el trío oriundo de Exeter se prepara para el lanzamiento de su álbum debut, Wield Your Hope Like A Weapon a través del sello Specialist Subject Records.

Soot Sprite nació en 2018 como un proyecto íntimo y casero de Elise Cook, en un momento en el que la nostalgia y la vulnerabilidad se canalizaban a través de grabaciones DIY. Con el paso de los años, y la incorporación de Sean Mariner (bajo, coros) y Sam Cother (batería, coros), la banda encontró su identidad definitiva: una poderosa mezcla de shoegaze, indie rock y rock alternativo, en la línea de referentes como Soccer Mommy, Wednesday, Ovlov o Sweet Pill.



El título del álbum debut —Wield Your Hope Like A Weapon— no es casual. Inspirado por el libro Hope in the Dark de la escritora y activista Rebecca Solnit, el disco es una defensa radical de la empatía como forma de resistencia en un mundo que constantemente empuja hacia la apatía y el desencanto.

“El poder no quiere que nos importe, quiere que estemos anestesiados. Pero si tenemos esperanza, entonces aún es posible el cambio”, explica Cook. La frase de Solnit, “La esperanza no es un billete de lotería que sostienes en el sofá… es un hacha que usas para romper puertas en una emergencia”, sirve como manifiesto para todo el proyecto.

Musicalmente, el álbum atraviesa paisajes que van desde la distorsión más visceral hasta la calma introspectiva. Canciones como “Vicious Cycles”, el último sencillo publicado, combinan guitarras envolventes con una interpretación vocal que transmite una catarsis emocional sincera. En palabras de Cook:

“‘Vicious Cycles’ trata sobre abordar tus patrones de comportamiento y el daño causado en relaciones anteriores. El miedo a las represalias por el más mínimo contratiempo que persiste mucho después de que la relación impactante haya terminado. La idea de que nunca podrás quitártelo del todo.”

Otros temas como “All My Friends Are Depressed” abordan la crisis de salud mental desde una mirada colectiva, mientras que canciones como “Days After Days” reivindican los pequeños triunfos frente al agotamiento social.

El álbum fue grabado en The Bookhouse (Londres) con producción de Tom Hill, y contó con la colaboración de la exguitarrista Abi Crisp, consolidando así una propuesta sonora tan íntima como expansiva.


Black Moth Super Rainbow: Dos Décadas de Psicodelia y Experimentación Sonora

Black Moth Super Rainbow: Dos Décadas de Psicodelia y Experimentación Sonora

Black Moth Super Rainbow (BMSR) es una de las bandas más emblemáticas de la psicodelia contemporánea, y su propuesta sonora sigue siendo tan única como en sus primeros días. Originarios de Pennsylvania, esta banda lleva más de dos décadas creando música que desafía las convenciones del indie electrónico y el psychedelic rock, con una mezcla inconfundible de sintetizadores melancólicos, texturas saturadas de nostalgia y una producción experimental que se convierte en su sello distintivo.

Desde su formación a principios de los 2000, la banda ha mantenido una estética muy particular, con sonidos que evocan un sentido de surrealismo y extrañeza. A través de los años, han logrado un equilibrio perfecto entre la psicodelia más abstracta y el pop experimental, creando una experiencia auditiva inmersiva y única. Aunque su estilo ha evolucionado, la esencia de la banda sigue intacta: un universo sonoro lleno de caos organizado, melancolía y una energía vibrante que se siente en cada una de sus composiciones.

Tras un largo período de siete años desde el lanzamiento de Panic Blooms en 2018, Black Moth Super Rainbow regresa con un nuevo álbum titulado Soft New Magic Dream.



El primer adelanto del álbum, “Unknown Potion”, ya está disponible para escuchar y muestra una faceta más suave de la banda, sin perder la esencia experimental y psicodélica que los caracteriza. El tema, como es de esperar, está lleno de capas sonoras densas, pero al mismo tiempo tiene una cierta suavidad que lo hace más accesible y evocador. La producción sigue el estilo único de BMSR, con una mezcla de sintetizadores vintage, ritmos quebrados y un vocoder característico que crea una atmósfera misteriosa, casi hipnótica.

Con su estilo característico de melodías melancólicas y producciones saturadas, BMSR ha sabido mantener su atractivo durante más de 20 años, ganándose un lugar especial en el corazón de los fanáticos de la música experimental y la psicodelia. Con Soft New Magic Dream, la banda promete seguir llevando a los oyentes a un viaje sonoro lleno de texturas complejas, emocionalidad a flor de piel y una creatividad que sigue sorprendiendo.


Entre Susurros y Melodías: El Viaje Musical de Jenny Kern

Entre Susurros y Melodías: El Viaje Musical de Jenny Kern

Jenny Kern es una cantante y compositora canadiense radicada en Brooklyn, con un estilo indie pop que fusiona emotividad, delicadeza y una fuerte presencia. Jenny inicio expandiendo su alcance musical al colaborar con el productor Andy Seltzer, quien ha trabajado con artistas como Maggie Rogers, Chelsea Cutler y Valley. Juntos, crearon dos sencillos, “Satellite” y “Now We Know”, que ayudaron a cimentar aún más su lugar en la escena musical.

En 2021, en el mismo año, lanzó su EP titulado I Never Thought That You Were Listening, una colección que resonó profundamente con sus seguidores. Este trabajo logró colocar dos de sus canciones en el top 40 de la radio, lo que consolidó a Jenny Kern como una artista con una propuesta sólida y un estilo único. Con más de un millón de reproducciones en Spotify, su popularidad sigue en ascenso, y la artista se prepara para seguir expandiendo su música a nuevos públicos.



El 2022 marcó el regreso de Jenny con el lanzamiento de su sencillo “Say It” la canción se aleja de la energía vibrante de sus primeros trabajos y ofrece una balada pop minimalista, llena de susurros, pausas y una introspectiva vulnerabilidad. La letra de la canción, que trata sobre las palabras no dichas y el dolor del silencio en una relación, muestra una vez más la habilidad de Kern para explorar temas personales y universales de manera honesta y conmovedora.

La colaboración de Jenny con el productor Ryder Stuart en este tema, conocido por su trabajo con artistas como Hayes Warner, CANNON y Young Rising Sons, ha resultado en una canción que muchos consideran una de sus mejores hasta la fecha. “Say It” no solo resalta la madurez de la cantante, sino que también marca un punto de inflexión en su carrera, mostrando una evolución tanto en su estilo como en su lírica.


Desde Cork al Mundo: “Higher Place”, la nueva apuesta de Fintan McKahey

Desde Cork al Mundo: “Higher Place”, la nueva apuesta de Fintan McKahey

En el horizonte de 2025 asoma Fintan McKahey con “Higher Place”, una canción que rescata lo mejor del rock con tintes soul. El tema se mueve con un ritmo delicioso, donde cada compás construye una base firme sin abandonar la ligereza. La producción, íntima y sugerente, convierte el sencillo en una invitación a dejarse llevar por su energía controlada.

“Higher Place” destaca por el cuerpo de la voz que se despliega con confianza, aportando una profundidad que envuelve al oyente. Entre guitarras cálidas y matices de piano o sintetizador, el tema conserva esa atmósfera espacial y psicodélica que caracteriza al artista. Los toques soul se escuchan en los pequeños adornos y en la cadencia de las notas, equilibrando lo crudo del rock con una suavidad bien medida.



Originario de Cork, Irlanda, Fintan McKahey ha forjado su carrera como cantante, multiinstrumentista y productor dentro del ámbito lo-fi indie. Tras obtener reconocimiento en la radio nacional y encabezar salas importantes, decidió alejarse de los escenarios para abrazar la paternidad. En su refugio de West Cork, donde reubicó el estudio Ivy Hill, encontró en la soledad creativa y en las rutinas nocturnas la inspiración para renovar su sonido.

Con “Higher Place”, el regreso de Fintan McKahey se siente renovado y con nuevos matices. El tema anticipa una etapa en la que su pasión por la producción desplegará horizontes más amplios, gracias a la perspectiva que le aportó la vida familiar. Este sencillo no solo presenta un ritmo adictivo, sino que también muestra a un artista cómodo en su propia piel, listo para llevarnos a un plano superior de escucha.