Desde Toronto, Canadá, llega Upwood Avenue con su canción “The One Good Thing”, una propuesta que combina influencias retro y rock en un ritmo tranquilo pero lleno de carácter. La voz del artista guía la melodía con naturalidad, creando una atmósfera que evoca nostalgia. Es una canción que respira autenticidad y demuestra por qué este conjunto es una fuerza emergente en la escena musical.
Upwood Avenue no teme explorar temas profundos y provocativos, como lo demostró en su lanzamiento anterior, If I Was God, un ataque mordaz a la hipocresía religiosa y la codicia del poder. Sin embargo, en “The One Good Thing”, el enfoque cambia hacia algo más introspectivo y esperanzador.
El sonido de Upwood Avenue es una mezcla única de rock, folk y pop, influenciado por una amplia gama de estilos que van desde lo clásico hasta lo contemporáneo. En “The One Good Thing”, esta diversidad se hace evidente, con arreglos cuidadosamente elaborados que resaltan la habilidad del grupo para fusionar varios géneros.
Lo que distingue a Upwood Avenue es su capacidad para transmitir emociones crudas a través de su música. Cada nota en “The One Good Thing” está cargada de intención, reflejando un compromiso con la excelencia artística. La banda no solo busca entretener, sino también inspirar y provocar pensamientos, algo que logra en esta pista.
En el vasto mundo del indie rock, pocas bandas logran capturar la esencia de la crudeza y el ritmo atrapante como lo hace Nurse. Con su nueva canción, Heaven Won’t Help You, nos presentan una mezcla de influencias shoegaze e indie que resulta ser fresca. Desde el primer minuto, la producción destaca por un ritmo vibrante, mientras la voz del vocalista eleva cada línea, creando una atmósfera envolvente.
Formados por cinco músicos veteranos de la escena sueca, Nurse es el resultado de años de experiencia tocando con grandes artistas, pero ahora con su propio sonido, sin compromisos. Cada miembro de la banda ha recorrido diferentes caminos, y su habilidad para fusionar esos trayectos queda clara en Heaven Won’t Help You. La canción no solo destaca por su crudeza, sino también por una producción que logra capturar la energía en bruto del indie rock clásico, con un toque moderno que la hace irresistible.
La banda fue formada en los 90s, pero su debut oficial llegó mucho más tarde. Los miembros originales de Nurse, incluyendo a Pär Edwardson y Stefan Sporsén, junto con las recientes incorporaciones, han encontrado en este proyecto una manera de explorar su creatividad sin límites.
Lo que hace que esta canción sea especial no es solo su estructura sólida, sino la pasión que cada miembro de Nurse pone en su ejecución. Influenciados por gigantes como Steely Dan o Yes, han logrado rendir homenaje al sonido de los 70s y 80s, mientras traen algo fresco al panorama actual.
Desde Hamburgo, el dúo Roller Derby nos presenta su nueva canción, “Last Night”, una propuesta que combina influencias rock con un toque retro gracias a su efecto lo-fi. La atmósfera nostálgica de la pista se mezcla con una producción cuidadosa, donde la voz de Philine Meyer flota sobre los cálidos sonidos de guitarra de Manuel Romero Soria. Es una canción que evoca los 80s sin perder la frescura del indie pop moderno.
Roller Derby no es nuevo en la escena musical. Desde su formación en 2020, el dúo ha logrado hitos importantes, como agotar entradas en ciudades como Hamburgo, Berlín y Londres, y presentarse en festivales de renombre como el Reeperbahn Festival y el SXSW en Austin, Texas.
La inspiración de Roller Derby es tan diversa como su sonido. Desde los 60s y 80s hasta artistas contemporáneos como Angel Olsen, Alvvays y Beach House, el dúo ha sabido fusionar estas influencias en algo único. “Last Night” es un ejemplo perfecto de cómo pueden tomar elementos clásicos y darles un giro moderno, creando una experiencia auditiva que es a la vez familiar y fresca.
La voz de Philine Meyer es uno de los pilares de “Last Night”. Su tono etéreo y emotivo encaja perfectamente con la instrumentación, añadiendo profundidad a la canción. Junto con los arreglos de Manuel Romero Soria, la pista logra un equilibrio entre lo melancólico y lo energético, atrapando al oyente desde el primer momento. Es una muestra más de por qué Roller Derby sigue ganando reconocimiento en la escena indie.
Con “Last Night”, Roller Derby confirma su lugar como uno de los proyectos más interesantes del dream pop actual. Su capacidad para mezclar lo retro con lo moderno, junto con una producción impecable, los convierte en una banda a seguir. Si buscas una canción que te transporte a otra época sin perder el ritmo del presente, esta es tu opción.
Gaia Rollo es una cantante, músico y compositora italiana,. nacida en Puglia, Gaia ha recorrido un camino musical que combina estudios académicos con una destacada carrera artística. Tras completar su licenciatura en Canto Jazz en el Conservatorio de Música “Nino Rota” en 2023, Gaia se ha sumergido en el mundo del jazz y más allá, participando en festivales de renombre y colaborando con artistas influyentes del panorama musical.
Su formación académica en canto jazz le permitió profundizar en las complejidades de este género, pero su inquietud artística la llevó a expandir sus horizontes hacia otros sonidos. Un ejemplo claro de su versatilidad es su colaboración en discos de destacados artistas italianos como Giorgio Tuma en We Love Gilberto y Giancarlo Del Vitto en Wink at Me, donde aportó su talento vocal y compositivo, enriqueciendo las producciones con su estilo único.
En enero de 2024, Gaia lanzó su primer sencillo como solista, titulado “Mountains”, una canción que marca el comienzo de un nuevo ciclo artístico. Es una pieza profundamente personal, escrita durante un periodo de transformación en su vida, cuando se mudó a una nueva casa. En la canción, Gaia reflexiona sobre el proceso de reorganizar su vida, tanto física como emocionalmente, mientras trata de dejar atrás lo negativo y encontrar un equilibrio. La canción se caracteriza por una sonoridad alt-pop refinada, influenciada por artistas como St. Vincent y Cate Le Bon, y se perfila como una de las propuestas más interesantes de la música independiente italiana.
El tema fue producido por Matilde Davoli en SudEst Studio, uno de los estudios más importantes del sur de Italia, y cuenta con un videoclip visualmente cautivador dirigido por Balto, que complementa perfectamente la atmósfera introspectiva de la canción.
En un año de grandes cambios, “Mountains” no solo refleja el final de una etapa para Gaia, sino también el inicio de un nuevo viaje artístico que seguramente nos deparará muchas sorpresas.
Reuben Torrey, mejor conocido como Ginger Bug, ha sabido capturar en su nueva canción un enfoque inusual y sincero de las emociones. Con una fusión interesante de country y rock, If I Let You In My Heart, Would You Get Out of My Head? no solo presenta un ritmo tranquilo y pegajoso, sino que además se enriquece con un estilo crudo en su producción que aporta una autenticidad cautivadora. Desde los primeros acordes, el oyente es llevado a un espacio íntimo donde la voz desenfadada de Torrey le da una buena frescura a la canción.
Lo que destaca de este tema no es solo la instrumentación minimalista, sino la capacidad de Ginger Bug para combinar una estética lo-fi con letras que resuenan profundamente en el terreno emocional de quien escucha. La canción logra proyectar una sencillez que esconde una complejidad emocional sutil. La producción cruda parece un reflejo de esa misma desnudez emocional, lo que deja al descubierto una honestidad que resulta, en muchos casos, lo más difícil de encontrar en la música.
El proyecto Ginger Bug nació en un sótano en Connecticut, como una iniciativa solista en 2017. Reuben Torrey había pasado una década escribiendo canciones en silencio, hasta que decidió compartir su música con el mundo desde un estudio casero improvisado. Con una laptop, un micrófono USB y una guitarra acústica, Torrey construyó el sonido de una banda completa desde cero. El nombre del proyecto, inspirado en los microorganismos que fermentaban cerveza de jengibre en su hogar, refleja la misma esencia DIY que caracteriza su música: natural, sin pretensiones y directa.
En este sentido, If I Let You In My Heart, Would You Get Out of My Head? es un paso más en la evolución de su sonido. Ginger Bug sigue explorando los límites entre lo poético y lo cotidiano, utilizando imágenes vívidas y metáforas que conectan con las emociones más humanas.
Glass Caves, el dúo de rock indie originario de York, sigue demostrando que el esfuerzo y la dedicación pueden llevarte lejos. Con un comienzo modesto pero lleno de pasión, desde sus días de buskers en las calles de su ciudad natal, hasta llegar a colocar su álbum debut en el Top 40 del Reino Unido, Glass Caves han capturado la atención de críticos y fanáticos por igual.
La historia de Glass Caves comenzó en 2014, cuando los miembros del dúo decidieron tomar el camino menos convencional para financiar su primer álbum. Durante tres meses, viajaron por todo el país, tocando en las calles y buscando el apoyo de sus seguidores. Su esfuerzo rindió frutos cuando su álbum debut alcanzó el Top 40 del Reino Unido, lo que les abrió puertas para tocar en radios de gran renombre como BBC Radio 1 y Radio X, y ganar el reconocimiento de medios como GQ y Atwood Magazine.
En enero de 2025, Glass Caves volvió a hacer ruido con su nuevo sencillo Making Waves, la canción mezcla la melancolía de su letra con una sonoridad vibrante y moderna, que caracteriza el estilo de la banda. El sencillo habla sobre el poder del apoyo incondicional y la importancia de estar al lado de esa persona especial, incluso en los momentos más difíciles. La letra refleja la conexión profunda entre dos personas que, sin importar las adversidades, se mantienen juntas y se apoyan mutuamente.
Este tema forma parte de su esperado segundo álbum, Back to Earth, que verá la luz el 2 de mayo de 2025. Con el lanzamiento de este álbum, Glass Caves promete seguir sorprendiendo con su sonido fresco y emocionante, y ofrecer a sus fans una nueva dosis de su energía inconfundible.
Con solo 22 años, Yahtzee Brown se perfila como uno de los artistas prometedores de la nueva ola de músicos,originario de Austin, Texas, su música fusiona con destreza géneros como el indie folk, el lo-fi rock y el alt-country, creando un sonido que se siente fresco, maduro y emocionalmente resonante. Su primer álbum homónimo You Got This atraerá la atención de los fanáticos del indie rock y más allá.
Uno de los sencillos que destaca de este debut es Big Friday, con una base rítmica sólida, un bajo pulsante y una guitarra eléctrica que brilla con tonos ricos y suaves, Big Friday tiene la energía característica de una canción de estadio, pero al mismo tiempo mantiene una sensación íntima y personal. La canción transmite una vibra relajada, como si fuera un día soleado y cálido, pero con una profunda reflexión en su lírica.
En este tema, Brown explora un tema doloroso pero universal: perder amigos debido a sus malos hábitos. La letra habla de cómo lo que comienza como diversión ligera puede volverse peligroso, y la difícil lección de aprender a dejar que las personas cometan sus propios errores. A través de su interpretación vocal, que flota suavemente sobre la instrumentación, Brown transmite la melancolía y la sabiduría adquirida a través de la experiencia. Su voz tiene una calidad etérea, que se desliza sobre las melodías con una confianza casual, pero cada nota está cargada de significado.
En cuanto a la instrumentación, el sonido de Big Friday recuerda a las producciones de bandas como Wilco, Dr. Dog y los Old 97s, pero con un toque personal que es distintivo de Yahtzee Brown. La canción parece un crisol donde se mezclan las influencias de la música americana clásica con el indie más contemporáneo. La guitarra tiene la misma sutileza y complejidad de un Johnny Marr, pero con un enfoque más relajado y sin pretensiones. Este equilibrio entre lo clásico y lo moderno es una de las características más atractivas del álbum You Got This.
El estilo de Yahtzee Brown también es una expresión de la generacionalidad en la que creció. Al igual que muchos músicos jóvenes de hoy, Brown fue influenciado por la música de los años 60 y 70, pero su sonido también refleja las particularidades de una época marcada por la incertidumbre, la pandemia y el cambio social. Esto le permite crear un álbum que es tanto nostálgico como contemporáneo, una exploración sonora que evoca recuerdos del pasado mientras reflexiona sobre los desafíos del presente.
Desde las calles de Birmingham, el dúo británico PHWOAR emerge con un sonido lleno de energía, sensibilidad DIY y melodías pegajosas, la banda está compuesto por Helena, quien domina la batería con potencia, y Paul, que imprime carácter con su guitarra, mientras ambos comparten las labores vocales. Su música es un reflejo de su esencia: una mezcla de humor brummie y la resistencia característica del norte de Inglaterra, todo forjado en “el caldero de la vida”, como ellos mismos lo describen.
PHWOAR ha iniciado 2025 con fuerza su EP, titulado “Flowers Through the Concrete”, verá la luz en abril, pero antes de su lanzamiento, el dúo ha preparado tres sencillos que marcarán el camino. El EP ha sido producido y escrito por la propia banda, con el apoyo de Adrian Hall, un reconocido productor que ha trabajado con artistas como Tori Amos, Nova Twins y Depeche Mode, quien también se encargó de la mezcla y la masterización.
El primer sencillo, “Waiting for the Sun”, lanzado el 20 de enero combina letras profundas con un sonido crudo y envolvente. La canción explora temas universales como la resiliencia, la esperanza y la fuerza que se encuentra en los momentos más difíciles. PHWOAR explica:
“Esta canción habla de la resiliencia. Explora la esperanza como una forma de rebeldía y el aprendizaje de la fortaleza en momentos de debilidad.”
El día de su lanzamiento, conocido como Blue Monday en el Reino Unido, añade un significado especial. PHWOAR critica la instrumentalización de la salud mental como herramienta de marketing:
“Blue Monday fue inventado para vender cosas, utilizando la salud mental de las personas como excusa para hacerlo.”
Con un mensaje poderoso, el dúo recuerda que incluso en los momentos más oscuros siempre hay luz al final del túnel:
“El punto más bajo nunca es una constante. Siempre hay luz después de la oscuridad. A veces, solo estamos obligados a esperar el sol.”
PHWOAR no solo es música; es una experiencia que busca conectar profundamente con su audiencia. Su estilo, que recuerda a bandas como Manic Street Preachers y Placebo, logra un equilibrio entre el rock alternativo y la cercanía de canciones para ser cantadas y disfrutadas colectivamente.
La artista canadiense Housewife, cuyo nombre real es Brighid Fry, ha irrumpido en la escena musical con una propuesta fresca y personal. A tan solo 20 años, Fry ha logrado consolidarse como una de las voces más prometedoras del indie-pop. Su proyecto solista, Housewife, ha sido el vehículo perfecto para explorar su identidad, su queerness y sus luchas personales, todo dentro de un sonido que combina lo lo-fi, lo melancólico y lo experimental.
Antes de emprender su carrera en solitario, Fry fue parte del dúo Moscow Apartment, con el que ganó un premio en los Canadian Folk Music Awards gracias a su EP debut. Sin embargo, fue en 2022 cuando Housewife se consolidó como un proyecto propio, dejando atrás su etapa en grupo y tomando el control de su carrera de forma completamente individual.
Su música abarca desde sonidos alternativos hasta el indie-pop más contagioso, siempre con un enfoque en letras honestas y vulnerables. A lo largo de sus primeros trabajos como Housewife, Fry ha tratado temas como la identidad queer, la autocrítica, las expectativas sociales y la búsqueda de pertenencia, todo desde una perspectiva profundamente introspectiva.
Su reciente sencillo, “Work Song”, es el reflejo perfecto de todo lo que Housewife representa: una combinación de energía, vulnerabilidad y autoconocimiento. El tema, parte de su próximo EP Girl of the Hour (que saldrá el 7 de marzo), aborda la tensión entre la ambición y el agotamiento. La canción ofrece una mirada honesta (y a veces cómica) sobre las expectativas personales, el burnout y la lucha interna que muchos enfrentan al intentar equilibrar el trabajo y la vida personal.
En palabras de Housewife, “Work Song” es sobre sentirse insatisfecho con uno mismo y con el rumbo que toma la vida:
“Tengo expectativas muy altas de mí misma, pero también hábitos muy poco saludables, así que oscilamos entre ser una workaholic y estar completamente quemada. Quería hacer una burla de mí misma, pero también procesar el hecho de que esto es un problema válido en mi vida. Esta canción es para todos los que tienen dificultades para organizarse y, a veces, se sienten como un desastre.”
El sencillo se caracteriza por una melodía pegajosa, guitarras crujientes y una producción que juega con el contraste entre lo caótico y lo melódico, lo que le da un toque único a la propuesta de Housewife.
Housewife no es solo una de las promesas del indie-pop, sino también una voz importante dentro de la comunidad queer. Su música refleja su proceso de autodescubrimiento y su activismo, especialmente en temas como los derechos reproductivos, la libertad LGBTQ+ y la justicia social. La artista se ha involucrado activamente en iniciativas como Music Declares Emergency, un colectivo que lucha por la acción urgente frente a las crisis climáticas, algo que también se ve reflejado en su trabajo
Darker Lighter es el proyecto sonoro de Salar Rajabnik, un músico, compositor y productor multiinstrumentista originario de Los Ángeles, cuya vida entrelazada entre dos culturas tan disímiles como la de Teherán y Kansas City. Con una estética que remite al post-punk, indie rock y alt-rock, su propuesta surge de una vida a caballo entre continentes.
Desde joven, Rajabnik se autodenominó músico autodidacta, dominando varios instrumentos como el bajo, la guitarra, la batería y, por supuesto, la producción musical. Su incursión en el mundo de la música profesional lo llevó a colaborar con algunas bandas emblemáticas del rock alternativo contemporáneo. Durante años, fue el técnico de guitarra de gigantes como Foo Fighters, Queens Of The Stone Age y Kim Gordon, lo que le permitió aprender de cerca los secretos del oficio y compartir el escenario con algunas de las figuras más relevantes de la escena internacional.
Con el nombre de Darker Lighter, Rajabnik finalmente presenta su música al mundo con un sonido que abarca toda la riqueza de sus influencias personales y musicales. El tercer sencillo de su álbum, “Someday Soon” guía al oyente a través de un viaje sonoro que combina la energía del rock alternativo con la melancolía y la esperanza propias de la transición personal. El tema toca fibras profundas, con letras como “Someday soon” y “In your garden in the rain”, que nos evocan la necesidad de cambio y la sanación tras una relación rota, mientras las guitarras distorsionadas y crudas le dan una fuerza dinámica a la narrativa.
El tema se completa con una atmósfera llena de nostalgia y tensión emocional, que mantiene a los oyentes atrapados de principio a fin, mientras se sumergen en un paisaje sonoro en el que lo indie y lo alternativo se encuentran con una rica carga de emoción.
Este sencillo es un adelanto de lo que será el álbum completo de Darker Lighter, grabado en el icónico Studio 606 de Foo Fighters, bajo la producción de Robert Adam Stevenson (quien ha trabajado con artistas como Paul McCartney, Queens Of The Stone Age, The Kills y Jeff Beck), el disco está siendo esperado con ansias por los fanáticos del rock y el indie.
