Desde la escena subterránea de Nueva York emerge Consumables, un cuarteto de art punk con una propuesta tan feroz como filosófica. Su álbum debut, Infinite Games, lanzado el 7 de marzo a través de We Are Time Records (América) y Fierce Panda Records (resto del mundo), es una exploración audaz de la alienación contemporánea, la adicción digital y las relaciones humanas a través del lente de un concepto provocador: jugar sin la intención de ganar.
El disco fue coescrito y producido por Ben Hozie (de BODEGA) y mezclado por Adam Sachs (Wives, Diary), y toma inspiración directa del libro Finite and Infinite Games de James P. Carse, que plantea una dicotomía fundamental: los juegos finitos tienen reglas, ganadores y un final; los infinitos no tienen límites, y su objetivo es simplemente continuar el juego.
El álbum abre con Keys to the Cell, una poderosa reflexión sobre los seis meses de cárcel que Kyle Crew pasó por posesión de marihuana. Le sigue Dry Rot, un tema cargado de una angustia existencial palpable. Más adelante, el álbum presenta un díptico psicodélico en Messages / Lost in Translation, donde el colapso de la comunicación es protagonista, y Ten Toes Down, una balada que defiende la permanencia en una relación a pesar de las dificultades.
Entre los cortes más destacados se encuentra Emotional Speedball, un himno synth pop que navega los altibajos del deseo y la pasión. Pero es en la canción que da título al disco, Infinite Games, donde la banda alcanza su clímax emocional. “Lo que antes era conocido, ahora se siente”, canta el grupo en un estallido eufórico que evoca la cúspide de una experiencia psicodélica. Con líneas como “I feel limitless / this is what freedom is”, Consumables invita al oyente a rendirse a la infinitud del juego emocional.
El sencillo principal, Great Design, es un tema mordaz que lanza dardos contra la obsesión con la visibilidad en redes sociales. “Es sobre la adicción a las redes y esa compulsión de forzar tu presencia al público”, explica Miles Fox. “Te expones para que te critiquen y te destruyan”.
Este enfoque mordaz, mezclado con un fondo filosófico denso y sonidos que van desde el post-punk desgarrado hasta pasajes de synth pop envolventes, convierte a Consumables en una propuesta que va más allá de la música: es un manifiesto emocional para una generación atrapada entre la hiperconectividad y la incomunicación.
Con un arranque vibrante y una energía que no se disipa, Electromagnetismo es la más reciente entrega de Daglio, una propuesta que condensa la esencia del rock latino con toques funk y una producción pulida. El tema arrastra consigo una carga energética poderosa, impulsada por guitarras explosivas y una base rítmica que no da tregua. Es un tema que invita al movimiento, sin dejar de lado el control y la intención en cada elemento.
Daglio, liderado por el salvadoreño-estadounidense Alberto Daglio, ha sabido construir un sonido que rinde homenaje al legado del rock en español, pero sin quedarse anclado en el pasado. Con influencias que van desde Soda Stereo hasta Café Tacvba, su propuesta es amplia y bien nutrida. En Electromagnetismo, esa mezcla de referentes se traduce en una canción que, aunque familiar, consigue sonar actual y con identidad propia.
La voz de Daglio es uno de los ejes que sostiene la canción: firme, expresiva y con un timbre que aporta carácter a cada verso. Este elemento se complementa con una producción que cuida los detalles sin sofocar la crudeza del rock. La canción transmite buena vibra sin caer en lo superficial, y deja ver un trabajo consciente de cómo conectar con quien escucha desde el primer acorde.
El recorrido de Alberto Daglio, desde su papel en Ultravioleta hasta sus colaboraciones en campañas publicitarias y causas sociales, revela un artista comprometido con algo más que la música. En Electromagnetismo, esa trayectoria se percibe como una declaración de intenciones: crear canciones que no sólo suenen bien, sino que tengan algo que decir. Aquí no hay fórmulas recicladas, sino una invitación honesta a dejarse llevar por la música.
Tras trece años de ausencia, la banda china de post-rock Summer Fades Away vuelve con su tercer álbum, Endless, una obra que fusiona su característico sonido atmosférico con nuevas exploraciones musicales. Publicado bajo el sello 1724 Records, este esperado regreso promete mucho dentro del género.
Desde su fundación en 2008 en Changsha, China, Summer Fades Away combina melodías hipnóticas con intensas explosiones sonoras. Con Endless, la banda profundiza en temas como el crecimiento personal, la transformación urbana y los cambios sociopolíticos que han marcado la última década en su país.
El álbum, grabado meticulosamente durante dos años, está compuesto por siete pistas que se presentan en formatos digital, CD de edición limitada y vinilo, cada uno con una masterización única y sutiles variaciones en las pistas. Esta atención al detalle reafirma el compromiso de la banda con la calidad y la autenticidad sonora.
Si bien Endless conserva la esencia de Summer Fades Away—melancólica, intensa y evocadora—tambien introduce nuevos matices en su paleta sonora. Las guitarras etéreas, los motivos de teclado hipnóticos y las estructuras rítmicas precisas crean paisajes auditivos que invitan a la reflexión y la catarsis.
Con elementos melódicos que evocan el sonido de instrumentos como el guzheng, reinterpretados a través de las texturas expansivas del post-rock moderno. Esta fusión dota a la banda de una identidad sonora única dentro de la escena internacional.
El Track x Track de “Endless”
June Yui: La apertura del álbum es un viaje entre ritmos militares de tarolas, donde las guitarras etéreas y un crescendo hipnótico preparan el terreno para la narrativa emocional de Endless. Las guitarras juegan un papel principal en el track creando una atmosfera nostalgica, que se siente como una musicalización de recuerdos del pasado.
Guansha Ridge: El track comienza explosivamente, con guitarra distorsionadas y un ritmo agresivo, la canción crea una atmosfera que podria llevarnos a un momento de guerra, la sensación crece intensamente y tiene un tono nastalgico dentro de todo este caos, los arreglos de guitarra especialmente la guitarra melodica le da ese toque oriental que carecteriza a la banda.
At Last, It Fades: Con un piano ligero y lleno de texturas el tercer track del disco nos introduce a una calma que poco a poco se llena de tensión y resoluciones, llevandonos a una atmosfera que sirve como un descanso esperanzador dentro del disco.
The Withering We Knew: A manera de continuación este track surge de una atmosfera calmada y nostalgica, lleno de guitarras brillantes, armonizaciones y contramelodias el grupo crea una tridimensionalidad muy interesante, poco a poco elementos como la bateria y una guitarra veloz entran a escenario haciendo crecer enormemente al track, haciendolo sentir heroico, sin perder este tono de esperanza.
The Last Movement: Casi llegando al final del disco, The Last Movement nos presenta una primera sección que se siente como la duda antes de la esperanza, contrastando con una segunda sección mas eterea y nostaglicamente esperanzadora, hsta ahora uno de los tracks mas minimalistas de la obra pero que cautiva con una melodia muy memorable que evoluciona en un siguiente acto a modo de pasaje. Llegando a la mitad de la canción, esta se transforma para darnos una sensasion grandilocuente, con toms invitando a unirnos al movimiento, mientras el juego de guitarras va de lo noisy a lo melodico, un final lleno de coros armonizados a manera de victoria o final epico, la canción termina en una nota muy arriba.
Make An Appointment: Despues del momento mas algido del disco, viene la calma, Make an Appointment juega principalmente con las guiatrras y una atmosfera suave donde se siente como si los isntrumentos estuvieran conversando entre ellos. La canción poco a poco va creciendo y entra un aura de tristeza reforzada con un ligero piano.
Shall I Compare Thee To A Summer’s Day: El cierre de Endless es una canción atmosferica llena de piano y sonidos ligeros que nos transportan al mundo de la banda, sorpresivamente aparece una voz que narra un dialogo para concluir el album, poco a poco la canción evoluciona en un energetico track mnostalgico, donde la bateria toma protagonismo, con fills tremendamente efusivos, asi como la explosion de guitarras y piano le da cierre al disco.
Para celebrar el lanzamiento de Endless, Summer Fades Away se embarcará en una gira nacional que recorrerá 21 ciudades de China en 2025. Con una puesta en escena envolvente y emotiva, el grupo promete transportar a su público a través de un viaje sonoro inolvidable, lleno de crescendos majestuosos y momentos de introspección.
La influencia de Summer Fades Away en la escena post-rock no puede subestimarse, y su regreso con Endless marca un nuevo capítulo en su trayectoria. Con una combinación de nostalgia e innovación, para los amantes del post-rock, Endless es una experiencia que confirma por qué el nombre Summer Fades Away sigue resonando en la escena musical.
La nueva etapa musical de Violet Jane se despliega en su EP Divine, una propuesta que encierra emociones intensas y experiencias de vida. En particular, destacan dos canciones que han logrado captar la atención del oyente. La primera, Rehabilitation, se sumerge en influencias rock con un toque indie, evidenciando un ritmo constante en el que las guitarras ocupan un papel central. La propuesta resulta interesante en el mundo indie, pues fusiona energía y textura de forma sobria.
Por otro lado, Time of Our Lives nos invita a un viaje musical con un ritmo lento y lleno de matices oscuros. La canción combina la fuerza del rock con una delicadeza que se manifiesta en una voz aérea y controlada. Con un toque sensual, el tema se siente lleno de personalidad sin perder su esencia intimista. Esta dualidad permite que la propuesta sea tanto reflexiva como accesible, invitando al oyente a explorar sus propias emociones.
Originaria de Florida y con una trayectoria que comenzó en el mundo del modelaje, Violet Jane decidió en enero trasladarse a Los Ángeles para dedicarse plenamente a su pasión por la música. Su obra es profundamente personal y se nutre de vivencias marcadas por desafíos como el trauma infantil, la enfermedad mental y el abuso. La música se convirtió en su refugio, un espacio en el que pudo transformar el dolor en arte y conexión, compartiendo su historia con sinceridad.
Con Divine, Violet Jane fusiona influencias eclécticas que van desde el indie y el pop oscuro hasta el blues y el alternativo, creando un sonido que resuena en quienes buscan empatía en la música. Tanto Rehabilitation como Time of Our Lives reflejan esta búsqueda de autenticidad y resiliencia, ofreciendo propuestas que invitan a la reflexión sin pretensiones excesivas. La honestidad en su narrativa y la solidez de sus arreglos musicales hacen de este EP una experiencia que, sin exageraciones, conecta con quienes se atreven a escuchar el eco de un alma que no teme mostrarse vulnerable.
El dúo británico Seafret, compuesto por los amigos de toda la vida Jack Sedman y Harry Draper, ha experimentado una evolución impresionante a lo largo de su carrera. Desde su debut con el sencillo “Atlantis” en 2015 hasta su reciente lanzamiento “River of Tears”, Seafret ha recorrido un camino lleno de emociones intensas y exploraciones sonoras profundas. A lo largo de los años, han logrado ganarse el corazón de sus seguidores, y su capacidad para combinar melodías emotivas con letras poderosas ha sido la base de su éxito.
Ahora, después de una década, Seafret se encuentra en un punto de inflexión creativo. “River of Tears” no solo marca el regreso del dúo, sino también una evolución significativa en su estilo musical. Lejos de sus raíces acústicas, esta nueva canción fusiona el pop rock con el indie pop, incorporando una producción más oscura y cinematográfica que crea una atmósfera única y envolvente. El tema explora la angustia de una relación condenada a terminar, capturando la lucha interna de aceptar su inevitable final. La canción comienza con una delicadeza que luego se transforma en una explosión de emociones, gracias a los arreglos cuidadosamente construidos y las potentes batidas que marcan el ritmo de la pieza.
La canción fue inicialmente escrita al piano, pero la producción final presenta un enfoque más oscuro, que se adapta perfectamente a la emotividad de la letra. Este cambio en su enfoque sonoro no solo demuestra el crecimiento de Seafret como músicos, sino también su disposición a experimentar con nuevas direcciones sin perder su esencia. La banda ha logrado mantener la profundidad emocional que caracteriza sus canciones, mientras se atreve a explorar nuevas dimensiones sonoras que enriquecen su propuesta musical.
Además, su gira por el Reino Unido, que comenzará en mayo, promete ser una oportunidad para que el público experimente la energía renovada de la banda en el escenario, llevando la atmósfera única de la canción a una experiencia en vivo inolvidable.
Rosie Darling, cantautora originaria de Boston y actualmente radicada en Los Ángeles, a lo largo de los años, Rosie ha ido consolidando su lugar en la escena musical, con un enfoque que combina vulnerabilidad, fuerza y honestidad. Su música, influenciada por artistas como Taylor Swift, Lizzy McAlpine y Gracie Abrams, habla directamente a quienes han experimentado la búsqueda constante de la aprobación de los demás, el desamor y la lucha interna por sentirse suficientes.
“Smoke & Mirrors”, se destaca por ser una pieza delicada, en la que Rosie aborda el dolor de no ser vista por alguien importante, a pesar de todo el esfuerzo puesto en hacerle saber su valía. El tema refleja la lucha interna de quienes buscan la aceptación de alguien que, a pesar de los esfuerzos, no logra ver el verdadero potencial de la otra persona. A través de su voz clara y melancólica, la canción transmite un mensaje de empoderamiento personal, recordando a los oyentes que la validación externa nunca debe ser la medida de su autoestima.
“‘Smoke & Mirrors’ es la canción que me ayudó a procesar esa experiencia a mi manera. Me mostró que buscar la aprobación de alguien solo te hace sentir más pequeña”, explica Rosie sobre el significado detrás del tema.
El sonido de “Smoke & Mirrors” destaca por su producción minimalista y arreglos suaves, que permiten que la voz de Rosie se luzca y emocione. Con una estructura simple de versos y coros, la canción se convierte en un himno de introspección, mientras las letras son profundamente reflejadas en cada acorde y cambio de ritmo.
Su álbum debut Lanterns (2023) y su próximo EP, Roomful of People, que se lanzará el 25 de abril, prometen seguir explorando temas de crecimiento personal, resiliencia emocional y el poder de la autoaceptación.
Dylan Paul Ware, el alma detrás de The Infinity Chamber, ha recorrido un camino único, tanto en la vida como en la música. Criado en Nueva Zelanda y ahora residente en Estambul, Dylan ha viajado por el mundo, durmiendo en lugares tan inusuales como cementerios y edificios abandonados, siempre acompañado de su guitarra. Esta experiencia de vida nómada se refleja en la intensidad y autenticidad de sus composiciones, impregnadas de influencias alt-rock y folk oscuro, un estilo que continúa desarrollando con su nueva canción, “Moonfrog”.
“Moonfrog” es una propuesta con un enfoque crudo y experimental. La voz de Dylan aporta una cualidad intrigante, sin suavizar ni pulir excesivamente los matices, lo que le otorga a la canción una personalidad propia. En lo instrumental, sus fuertes influencias rock se entrelazan con una estructura menos convencional, desafiando las expectativas típicas del género, pero logrando mantener la cohesión dentro de su atmósfera áspera y directa.
Lo que destaca en “Moonfrog” es esa capacidad de The Infinity Chamber para mantener una conexión entre la crudeza y lo energico. Es una canción que, sin miedo a las imperfecciones, encuentra en ellas una fuerza expresiva particular. Las influencias de Dylan, como Bob Dylan y Leonard Cohen, se perciben en la profundidad lírica, mientras que las reminiscencias de Peter Green y Jimmy Page aportan un toque más afilado en las guitarras.
A lo largo de su carrera, Dylan ha lanzado múltiples álbumes y EPs, pero con “Moonfrog”, se reafirma su deseo de explorar nuevos territorios musicales. Esta pieza no es simplemente una canción más, es una ventana a su experiencia como artista y viajero, donde las fronteras entre lo musical y lo personal se desdibujan.
Ocean Pleasant, una cantante y compositora de 28 años originaria de Texas, esta marcada por una mezcla de vulnerabilidad, agudeza y una pizca de ironía, nos invita a sumergirnos en un mundo lleno de emociones crudas, introspectivas y, a la vez, cálidas.
Desde sus primeras composiciones, Ocean ha mostrado una capacidad única para convertir las luchas internas en melodías cautivadoras. Criada bajo la influencia de leyendas como Joni Mitchell, Alanis Morissette y Beck, su música refleja una clara admiración por los artistas que, a través de sus letras, logran no solo contar historias, sino desentrañar las complejidades del alma humana.
Su último sencillo, Upstream, con un toque de folk y una producción minimalista, la canción nos lleva a través de un viaje emocional de autodescubrimiento. La letra habla de ese momento de la vida en el que decidimos salir de nuestra zona de confort y enfrentarnos a nuestras propias inseguridades, como el síndrome del impostor y la tendencia a evitar el compromiso emocional. A través de suaves vocales y una guitarra
Fake Dad, el dúo formado por Andrea de Varona y Josh Ford, nos trae una nueva pieza llena de energía con su canción WANTO. La mezcla de influencias de rock y pop en este tema crea un ritmo divertido y dinámico, con constantes cambios que, a pesar de su complejidad, se sienten totalmente naturales. La voz de Andrea, bien ejecutada y cargada de emoción, se integra de manera perfecta con el conjunto, transmitiendo una vibra que conecta de inmediato con el oyente.
El sonido de WANTO destaca por su frescura y por la manera en que combina ganchos pegajosos con guitarras inspiradas en los años 90 y una base rítmica groovy. La producción, realizada desde su propio apartamento, mantiene ese toque expansivo que caracteriza a Fake Dad, logrando momentos musicales amplios y coloridos que nunca pierden su esencia íntima. Las transiciones fluidas entre los diferentes elementos sonoros hacen que la canción fluya con naturalidad, manteniendo siempre al oyente interesado.
Fake Dad, nacidos de la escena de Nueva York y actualmente radicados en Los Ángeles, han creado un sonido que refleja su unión de visiones artísticas únicas. A pesar de provenir de diferentes fondos musicales, Andrea y Josh comparten el objetivo de crear música que entienda al oyente. Y con WANTO, logran exactamente eso: una pieza que no sólo entretiene, sino que también invita a un viaje emocional y sonoro que resuena con autenticidad.
Desde su formación en 2020, Fake Dad ha demostrado ser una propuesta interesante dentro de la escena indie rock y dream pop. Con WANTO, continúan explorando y desafiando las expectativas, manteniendo su estilo único y esa capacidad de sorprender, sin forzar la complejidad. La canción es una clara muestra de cómo se puede crear algo genuino y accesible sin perder el toque personal, y nos recuerda que el arte, cuando es auténtico, conecta de manera profunda.
En el dinámico panorama musical, Back To Yesterday se erige como una propuesta que nos transporta a épocas pasadas sin renunciar a la frescura del presente. La canción destaca por su ritmo atrapante, donde una esencia retro se fusiona de manera natural con influencias indie pop. La producción pulida permite que cada elemento se sienta en su justo lugar, ofreciendo una experiencia sonora que invita a bailar y recordar.
El sonido de Back To Yesterday se caracteriza por la perfecta integración de unas guitarras brillantes, creando un ambiente que remite a clásicos del pop retro. La voz del vocalista, llena de carisma, añade una dosis de personalidad única a la canción, haciendo que cada nota se sienta auténtica y memorable. Este delicado equilibrio entre lo retro y lo actual consigue que la melodía resulte accesible y fácil de conectar para el oyente.
Formada a principios de 2022, la banda TRAITS emerge desde Liverpool con una propuesta fresca y decidida. Integrada por Kieran McCarthy en la voz, Steven Holmes en teclados, Matty Campbell en la guitarra líder, Adam Bridge en el bajo y Ben McLaughlin en la batería, la agrupación ha sabido labrar su espacio en la escena local. Su colaboración con el productor Rob Whiteley, reconocido por su trabajo con The Night Café y The Wombats, les ha permitido pulir un sonido que respira autenticidad. Momentos destacados como su interpretación de “Love Me Do” en el antiguo hogar de Paul McCartney subrayan la conexión de la banda con la tradición pop.
En definitiva, Back To Yesterday se presenta como un viaje musical que conjuga reminiscencias del pasado con la vitalidad del indie pop moderno. La canción, enmarcada en una producción cuidada y una ejecución llena de energía, es testimonio del compromiso de TRAITS por explorar nuevos horizontes sonoros sin perder la esencia de lo que los ha impulsado. Su propuesta resulta refrescante para quienes buscan conectar con ritmos que invitan tanto a bailar como a recordar. Así, la canción se posiciona como una muestra sincera de un talento emergente dispuesto a romper moldes sin sacrificar su identidad.
