La banda barcelonesa MONTESCO nos sorprende con su versión en español de “Tainted Love”, un cover que respeta la esencia del clásico de Soft Cell mientras le imprime un toque moderno. Con una voz femenina que añade una nueva capa, la canción se convierte en una propuesta que combina lo nostálgico con un toque moderno, logrando un equilibrio perfecto entre el pop alternativo y la electrónica.
MONTESCO no es nueva en la escena musical. Desde su debut en 2022 con el EP Gardenias, la banda ha demostrado su habilidad para mezclar géneros como el pop, la electrónica y la psicodelia. Su álbum debut, Sol de Medianoche, lanzado en 2024 bajo el sello Music Bus, explora las complejidades de las relaciones posmodernas en las grandes ciudades, consolidando su lugar en el panorama indie español e internacional.
El cover de “Tainted Love” es un ejemplo más de la versatilidad de MONTESCO. La banda logra mantener la atmósfera pegajosa como la versión original, pero añade su sello característico con arreglos modernos y una producción cuidada. La voz de Helena Moreno, líder de la banda, aporta una sensibilidad única que hace que esta versión se sienta familiar.
Con más de 200 mil reproducciones en Spotify y presencia en listas editoriales tanto nacionales como internacionales, MONTESCO ha logrado captar la atención de un público diverso. Su propuesta en vivo, que combina instrumentos orgánicos con sintetizadores y bases electrónicas, ha sido aplaudida en festivales como Viva Sounds en Suecia y Waves Vienna en Austria, demostrando que su música trasciende fronteras.
Zoë Kilgren emerge como una artista genuina que desafía las expectativas del indie rock. Como líder y compositora principal de la Zoë Kilgren Band (ZKB), su voz cruda y sus letras profundas han cautivado a una audiencia en crecimiento. Formada en Los Ángeles, ZKB es un cuarteto que fusiona rock, indie, folk, blues, punk y pop en una mezcla poderosa y emotiva. Junto a Kilgren, la banda está compuesta por Richard Follin (guitarra líder), James Wenz (bajo) y Nick Ferrucci (batería), músicos que aportan su propia esencia a cada canción.
Desde el lanzamiento de su EP debut “The Phoenix” en agosto de 2023, la banda ha sido una presencia constante en la escena musical de Los Ángeles, ofreciendo presentaciones en vivo cargadas de energía y emoción. Su música se siente como una conversación sincera con el oyente, explorando temas de amor, pérdida y autodescubrimiento.
En enero de 2025, ZKB lanzará su nuevo sencillo, “Magician”, una canción que marca una evolución en su sonido. Con una estructura poco convencional, la canción explora la tensión entre la fe ciega y la traición, utilizando una mezcla de versos íntimos y un clímax instrumental épico acompañado de un poema hablado.
“Esta canción rompió los límites que me había impuesto”, confiesa Zoë Kilgren. “Habla de la desesperación y la ingenuidad de amar a alguien que nunca logrará cambiar. Es esa persona que bebe demasiado, que coquetea con otras personas y te deja cargando con las consecuencias.”
El título de la canción está inspirado en El Mago del tarot, una figura que representa tanto la manipulación como la creación, el final y el comienzo, aportando una capa adicional de significado a la canción.
Sam Koster es un artista multifacético de Australia, originario de Canberra, que ha forjado su propio camino en los mundos de la música, las artes visuales y el cine. Como músico autodidacta, productor y artista, Koster es conocido por abrazar la libertad en su trabajo.
El talento de Sam abarca múltiples disciplinas. Como multiinstrumentista y productor, canaliza su pasión por la música a través de una variedad de instrumentos, desde guitarras hasta herramientas de producción electrónica. Además de sus proyectos musicales, Sam también es un hábil artista visual y cineasta, creando proyectos que resuenan emocionalmente y exploran temas más profundos.
Bloom: Un EP Nacido en Laos
En su más reciente EP, Bloom. Sam nos comenta que el proyecto fue escrito, grabado y producido durante sus viajes por Laos, un período que influyó profundamente en el sonido y los temas del EP. Bloom es un reflejo de las experiencias, vistas y sonidos que Sam encontró durante su tiempo en el sudeste asiático. Su travesía por Laos le dio el espacio para reflexionar, innovar y crear un álbum que es tanto profundamente personal como universalmente resonante.
El EP transmite una sensación de libertad, con cada pista explorando la compleja danza entre la vulnerabilidad y la fortaleza. Es un viaje de transformación, como el proceso mismo de florecer. Los sonidos de Bloom son una mezcla de lo tradicional y lo moderno, fusionando instrumentación acústica con elementos electrónicos, lo que refleja la disposición de Sam a experimentar y su creencia en dejar que la música lo lleve a donde quiera.
El Track x Track
Midnight
Abriendo el EP, “Midnight” nos lleva a un viaje de texturas, donde principalmente resaltan capas de sonido que nos sumergen en el ruido de la naturaleza y la noche, un piano a manera de ostinato y una voz que juega dentro del Pop que a la vez sabe utilizar recursos como pitchs vocales y sensaciones que bien podrian venir de la psicodelia.
Realmente es dificil encacillar la canción en un genero ya que toma recursos de diferentes lados, desde la caja de ritmos del hip-hop hasta una sensación mas experimental, siempre manteniendo melodias y texturas interesantes.
the love
Como si estuvieran interconectado llega “the love”, a manera de continuación del track anterior, la canción retoma elementos como texturas de ruido, cajas de ritmo, un epiano muy nostalgico y una voz que pasa de melodias pop a secciones que podrian provenir de influencias de artistas mas del lado del hip-hop.
En esta ocasión me gusta como construye hooks mas largos en el coro y logra manterner un estilo consiso y propio a pesar de las multiples referencias que toma. La producción se siente minimalista, sin embargo el juego de texturas como voces procesadas, sonidos noise, bajos, pianos e inclusive cajas de ritmos y baterias hacen que esta sensación minimalista sea muy dificil de lograr y que Sam logra construir tanto en the love como en Midnight.
living inside a dream
Apenas terminando el track anterior, Sam logra conectar un nuevo track a la vez que presentandonos como portagonista una guitarra acustica brillante y resonante, que bien nos podria recordar a música del medio oriente, en esta ocasión su amor por la psicodelia se ve mas presente desde el nombre del track “living inside a dream” y esto se ve reflejado en un track que funciona como un puente etereo de voces y cuerdas brillantes.
YOU ARE LOVED
Como habiamos comentado anteriormente la psicodelia y experimentación es un lugar donde Sam le gusta explorar sonoramente y “YOU ARE LOVED” lo demuestra, jugando con arpegiadores, distorsiones vocales y creando una enorme tensión, el track encargo de cerrar el disco es una canción en esteeroides, donde la sutilidad de elementos como respiraciones y explosiones nos hacen entrar al mundo de SAm Koster.
Lo que realmente distingue a Sam es su compromiso de mantenerse auténtico y libre de las limitaciones de cualquier género o expectativa. Su trabajo, ya sea musical, visual o cinematográfico, proviene de un lugar de honestidad pura y exploración personal. Para Sam. Su capacidad para combinar diversas formas de arte, mezclar géneros libremente y explorar nuevos territorios habla de su compromiso con la autoexpresión.
A medida que Sam continúa evolucionando como artista, está claro que su futuro está lleno de emocionantes posibilidades. Con Bloom ya captando la atención de oyentes y críticos.
Desde Toronto, Canadá, llega Upwood Avenue con su canción “The One Good Thing”, una propuesta que combina influencias retro y rock en un ritmo tranquilo pero lleno de carácter. La voz del artista guía la melodía con naturalidad, creando una atmósfera que evoca nostalgia. Es una canción que respira autenticidad y demuestra por qué este conjunto es una fuerza emergente en la escena musical.
Upwood Avenue no teme explorar temas profundos y provocativos, como lo demostró en su lanzamiento anterior, If I Was God, un ataque mordaz a la hipocresía religiosa y la codicia del poder. Sin embargo, en “The One Good Thing”, el enfoque cambia hacia algo más introspectivo y esperanzador.
El sonido de Upwood Avenue es una mezcla única de rock, folk y pop, influenciado por una amplia gama de estilos que van desde lo clásico hasta lo contemporáneo. En “The One Good Thing”, esta diversidad se hace evidente, con arreglos cuidadosamente elaborados que resaltan la habilidad del grupo para fusionar varios géneros.
Lo que distingue a Upwood Avenue es su capacidad para transmitir emociones crudas a través de su música. Cada nota en “The One Good Thing” está cargada de intención, reflejando un compromiso con la excelencia artística. La banda no solo busca entretener, sino también inspirar y provocar pensamientos, algo que logra en esta pista.
En el vasto mundo del indie rock, pocas bandas logran capturar la esencia de la crudeza y el ritmo atrapante como lo hace Nurse. Con su nueva canción, Heaven Won’t Help You, nos presentan una mezcla de influencias shoegaze e indie que resulta ser fresca. Desde el primer minuto, la producción destaca por un ritmo vibrante, mientras la voz del vocalista eleva cada línea, creando una atmósfera envolvente.
Formados por cinco músicos veteranos de la escena sueca, Nurse es el resultado de años de experiencia tocando con grandes artistas, pero ahora con su propio sonido, sin compromisos. Cada miembro de la banda ha recorrido diferentes caminos, y su habilidad para fusionar esos trayectos queda clara en Heaven Won’t Help You. La canción no solo destaca por su crudeza, sino también por una producción que logra capturar la energía en bruto del indie rock clásico, con un toque moderno que la hace irresistible.
La banda fue formada en los 90s, pero su debut oficial llegó mucho más tarde. Los miembros originales de Nurse, incluyendo a Pär Edwardson y Stefan Sporsén, junto con las recientes incorporaciones, han encontrado en este proyecto una manera de explorar su creatividad sin límites.
Lo que hace que esta canción sea especial no es solo su estructura sólida, sino la pasión que cada miembro de Nurse pone en su ejecución. Influenciados por gigantes como Steely Dan o Yes, han logrado rendir homenaje al sonido de los 70s y 80s, mientras traen algo fresco al panorama actual.
Desde Hamburgo, el dúo Roller Derby nos presenta su nueva canción, “Last Night”, una propuesta que combina influencias rock con un toque retro gracias a su efecto lo-fi. La atmósfera nostálgica de la pista se mezcla con una producción cuidadosa, donde la voz de Philine Meyer flota sobre los cálidos sonidos de guitarra de Manuel Romero Soria. Es una canción que evoca los 80s sin perder la frescura del indie pop moderno.
Roller Derby no es nuevo en la escena musical. Desde su formación en 2020, el dúo ha logrado hitos importantes, como agotar entradas en ciudades como Hamburgo, Berlín y Londres, y presentarse en festivales de renombre como el Reeperbahn Festival y el SXSW en Austin, Texas.
La inspiración de Roller Derby es tan diversa como su sonido. Desde los 60s y 80s hasta artistas contemporáneos como Angel Olsen, Alvvays y Beach House, el dúo ha sabido fusionar estas influencias en algo único. “Last Night” es un ejemplo perfecto de cómo pueden tomar elementos clásicos y darles un giro moderno, creando una experiencia auditiva que es a la vez familiar y fresca.
La voz de Philine Meyer es uno de los pilares de “Last Night”. Su tono etéreo y emotivo encaja perfectamente con la instrumentación, añadiendo profundidad a la canción. Junto con los arreglos de Manuel Romero Soria, la pista logra un equilibrio entre lo melancólico y lo energético, atrapando al oyente desde el primer momento. Es una muestra más de por qué Roller Derby sigue ganando reconocimiento en la escena indie.
Con “Last Night”, Roller Derby confirma su lugar como uno de los proyectos más interesantes del dream pop actual. Su capacidad para mezclar lo retro con lo moderno, junto con una producción impecable, los convierte en una banda a seguir. Si buscas una canción que te transporte a otra época sin perder el ritmo del presente, esta es tu opción.
Gaia Rollo es una cantante, músico y compositora italiana,. nacida en Puglia, Gaia ha recorrido un camino musical que combina estudios académicos con una destacada carrera artística. Tras completar su licenciatura en Canto Jazz en el Conservatorio de Música “Nino Rota” en 2023, Gaia se ha sumergido en el mundo del jazz y más allá, participando en festivales de renombre y colaborando con artistas influyentes del panorama musical.
Su formación académica en canto jazz le permitió profundizar en las complejidades de este género, pero su inquietud artística la llevó a expandir sus horizontes hacia otros sonidos. Un ejemplo claro de su versatilidad es su colaboración en discos de destacados artistas italianos como Giorgio Tuma en We Love Gilberto y Giancarlo Del Vitto en Wink at Me, donde aportó su talento vocal y compositivo, enriqueciendo las producciones con su estilo único.
En enero de 2024, Gaia lanzó su primer sencillo como solista, titulado “Mountains”, una canción que marca el comienzo de un nuevo ciclo artístico. Es una pieza profundamente personal, escrita durante un periodo de transformación en su vida, cuando se mudó a una nueva casa. En la canción, Gaia reflexiona sobre el proceso de reorganizar su vida, tanto física como emocionalmente, mientras trata de dejar atrás lo negativo y encontrar un equilibrio. La canción se caracteriza por una sonoridad alt-pop refinada, influenciada por artistas como St. Vincent y Cate Le Bon, y se perfila como una de las propuestas más interesantes de la música independiente italiana.
El tema fue producido por Matilde Davoli en SudEst Studio, uno de los estudios más importantes del sur de Italia, y cuenta con un videoclip visualmente cautivador dirigido por Balto, que complementa perfectamente la atmósfera introspectiva de la canción.
En un año de grandes cambios, “Mountains” no solo refleja el final de una etapa para Gaia, sino también el inicio de un nuevo viaje artístico que seguramente nos deparará muchas sorpresas.
Reuben Torrey, mejor conocido como Ginger Bug, ha sabido capturar en su nueva canción un enfoque inusual y sincero de las emociones. Con una fusión interesante de country y rock, If I Let You In My Heart, Would You Get Out of My Head? no solo presenta un ritmo tranquilo y pegajoso, sino que además se enriquece con un estilo crudo en su producción que aporta una autenticidad cautivadora. Desde los primeros acordes, el oyente es llevado a un espacio íntimo donde la voz desenfadada de Torrey le da una buena frescura a la canción.
Lo que destaca de este tema no es solo la instrumentación minimalista, sino la capacidad de Ginger Bug para combinar una estética lo-fi con letras que resuenan profundamente en el terreno emocional de quien escucha. La canción logra proyectar una sencillez que esconde una complejidad emocional sutil. La producción cruda parece un reflejo de esa misma desnudez emocional, lo que deja al descubierto una honestidad que resulta, en muchos casos, lo más difícil de encontrar en la música.
El proyecto Ginger Bug nació en un sótano en Connecticut, como una iniciativa solista en 2017. Reuben Torrey había pasado una década escribiendo canciones en silencio, hasta que decidió compartir su música con el mundo desde un estudio casero improvisado. Con una laptop, un micrófono USB y una guitarra acústica, Torrey construyó el sonido de una banda completa desde cero. El nombre del proyecto, inspirado en los microorganismos que fermentaban cerveza de jengibre en su hogar, refleja la misma esencia DIY que caracteriza su música: natural, sin pretensiones y directa.
En este sentido, If I Let You In My Heart, Would You Get Out of My Head? es un paso más en la evolución de su sonido. Ginger Bug sigue explorando los límites entre lo poético y lo cotidiano, utilizando imágenes vívidas y metáforas que conectan con las emociones más humanas.
Glass Caves, el dúo de rock indie originario de York, sigue demostrando que el esfuerzo y la dedicación pueden llevarte lejos. Con un comienzo modesto pero lleno de pasión, desde sus días de buskers en las calles de su ciudad natal, hasta llegar a colocar su álbum debut en el Top 40 del Reino Unido, Glass Caves han capturado la atención de críticos y fanáticos por igual.
La historia de Glass Caves comenzó en 2014, cuando los miembros del dúo decidieron tomar el camino menos convencional para financiar su primer álbum. Durante tres meses, viajaron por todo el país, tocando en las calles y buscando el apoyo de sus seguidores. Su esfuerzo rindió frutos cuando su álbum debut alcanzó el Top 40 del Reino Unido, lo que les abrió puertas para tocar en radios de gran renombre como BBC Radio 1 y Radio X, y ganar el reconocimiento de medios como GQ y Atwood Magazine.
En enero de 2025, Glass Caves volvió a hacer ruido con su nuevo sencillo Making Waves, la canción mezcla la melancolía de su letra con una sonoridad vibrante y moderna, que caracteriza el estilo de la banda. El sencillo habla sobre el poder del apoyo incondicional y la importancia de estar al lado de esa persona especial, incluso en los momentos más difíciles. La letra refleja la conexión profunda entre dos personas que, sin importar las adversidades, se mantienen juntas y se apoyan mutuamente.
Este tema forma parte de su esperado segundo álbum, Back to Earth, que verá la luz el 2 de mayo de 2025. Con el lanzamiento de este álbum, Glass Caves promete seguir sorprendiendo con su sonido fresco y emocionante, y ofrecer a sus fans una nueva dosis de su energía inconfundible.
Con solo 22 años, Yahtzee Brown se perfila como uno de los artistas prometedores de la nueva ola de músicos,originario de Austin, Texas, su música fusiona con destreza géneros como el indie folk, el lo-fi rock y el alt-country, creando un sonido que se siente fresco, maduro y emocionalmente resonante. Su primer álbum homónimo You Got This atraerá la atención de los fanáticos del indie rock y más allá.
Uno de los sencillos que destaca de este debut es Big Friday, con una base rítmica sólida, un bajo pulsante y una guitarra eléctrica que brilla con tonos ricos y suaves, Big Friday tiene la energía característica de una canción de estadio, pero al mismo tiempo mantiene una sensación íntima y personal. La canción transmite una vibra relajada, como si fuera un día soleado y cálido, pero con una profunda reflexión en su lírica.
En este tema, Brown explora un tema doloroso pero universal: perder amigos debido a sus malos hábitos. La letra habla de cómo lo que comienza como diversión ligera puede volverse peligroso, y la difícil lección de aprender a dejar que las personas cometan sus propios errores. A través de su interpretación vocal, que flota suavemente sobre la instrumentación, Brown transmite la melancolía y la sabiduría adquirida a través de la experiencia. Su voz tiene una calidad etérea, que se desliza sobre las melodías con una confianza casual, pero cada nota está cargada de significado.
En cuanto a la instrumentación, el sonido de Big Friday recuerda a las producciones de bandas como Wilco, Dr. Dog y los Old 97s, pero con un toque personal que es distintivo de Yahtzee Brown. La canción parece un crisol donde se mezclan las influencias de la música americana clásica con el indie más contemporáneo. La guitarra tiene la misma sutileza y complejidad de un Johnny Marr, pero con un enfoque más relajado y sin pretensiones. Este equilibrio entre lo clásico y lo moderno es una de las características más atractivas del álbum You Got This.
El estilo de Yahtzee Brown también es una expresión de la generacionalidad en la que creció. Al igual que muchos músicos jóvenes de hoy, Brown fue influenciado por la música de los años 60 y 70, pero su sonido también refleja las particularidades de una época marcada por la incertidumbre, la pandemia y el cambio social. Esto le permite crear un álbum que es tanto nostálgico como contemporáneo, una exploración sonora que evoca recuerdos del pasado mientras reflexiona sobre los desafíos del presente.