Everything Goes se despliega como una pieza cautivadora marcada por un ritmo lento y una instrumental sencilla, en la que predomina la esencia del rock. La canción se distingue por la naturalidad con la que se suceden sus cambios de ritmo, permitiendo que cada transición se sienta orgánica y fluida. La producción es impecable, resaltando la voz del artista, que se eleva con una cadencia íntima y auténtica.
El tema se caracteriza por su sencillez instrumental, donde cada acorde se ejecuta con precisión y moderación. La voz, como protagonista indiscutible, añade profundidad y emoción a cada verso, permitiendo que el mensaje de la canción se transmita de forma directa. Los matices del indie pop se asoman sutilmente, aportando un toque de ligereza que equilibra la intensidad del rock predominante. En conjunto, la composición ofrece una experiencia auditiva disfrutable, en la que la calidad de la producción se hace evidente en cada detalle.
Mike Legere, originario de Nova Scotia y radicado en Toronto, se ha forjado un camino sólido como compositor y productor. Con dos álbumes de larga duración en su haber —Ourselves in Public (2018) y Memory Forming Clouds (2022)—, ha explorado diversas facetas de la creación musical, experimentando con arreglos y procesos de grabación. Su paso por el mundo del estudio, primero como ingeniero y luego como líder en proyectos propios, le ha permitido desarrollar un estilo propio lleno de honestidad y sensibilidad. Las vivencias personales, marcadas por desafíos y transformaciones, se reflejan en la profundidad emocional de su música.
En definitiva, Everything Goes se erige como una muestra del talento multifacético de Mike Legere, donde la sencillez instrumental y la expresividad vocal se conjugan para crear un relato sonoro lleno de matices. La canción no solo destaca por su impecable producción, sino también por la autenticidad que impregna cada nota, convirtiéndola en una propuesta envolvente y atemporal. A través de este tema, el artista invita a explorar un paisaje musical que equilibra la introspección con influencias clásicas, reafirmando su capacidad para transformar experiencias personales en arte.
Text From Your Ex se presenta como una propuesta sonora que combina una producción pulida con influencias marcadas de indie pop y toques de rock. La canción deslumbra por su ritmo dinámico, en el que cada transición se siente orgánica y natural. Con una base musical que resulta divertida y fácil de conectar para el oyente, el tema invita a disfrutar de cada acorde sin artificios. La cuidada elaboración de sus arreglos permite que la esencia del género se exprese de forma auténtica y accesible.
El sonido de Text From Your Ex se destaca por su capacidad para balancear la energía del rock con la suavidad del indie pop. Cada instrumento encuentra su tiempo y lugar, logrando un conjunto armónico que fluye de principio a fin. La voz de la artista añade un toque de originalidad, mostrando un control impecable que enriquece la experiencia auditiva. Esta integración de elementos crea una atmósfera que resulta tanto vibrante como reconfortante, estableciendo una conexión inmediata con quienes la escuchan.
Lydia Maddix se ha impuesto como una figura en el panorama indie-pop y comedy, recibiendo elogios de medios como BBC Radio 1 y siendo reconocida por su originalidad en un concurso que superó a más de 1,500 concursantes. Su carrera, que abarca desde colaboraciones televisivas hasta actuaciones en festivales destacados, evidencia un compromiso firme con su estilo personal. Con millones de visualizaciones y un creciente apoyo en plataformas y radios, su trayectoria se ve marcada por logros que resaltan tanto su versatilidad como su carisma. Además, su debut con el EP ’93’, producido por Adam Marc, ha sido aclamado por su capacidad para abrazar la esencia del pop de forma dinámica.
En conclusión, Text From Your Ex es una muestra del talento emergente de Lydia Maddix, donde la calidad de la producción y la mezcla de influencias crean un ambiente musical fresco y auténtico. La canción se erige como un puente entre lo divertido y lo accesible, destacándose sin recurrir a exageraciones, pero dejando claro su sello distintivo. Con una ejecución que resalta tanto la habilidad vocal como el dominio de los arreglos, este tema invita a redescubrir el potencial del indie pop en una era en la que la originalidad es clave.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
The Remainders – Feel Something New | Estados Unidos
The Remainders es una banda de rock con más de 20 años. Su misión es ofrecer una mezcla de rock clásico y moderno, con letras que inspiran y motivan a sus oyentes. Han compartido escenario con leyendas del rock como Styx, Foreigner, Heart y Lynyrd Skynyrd, entre otros. Su reciente álbum, Feel Something New, refleja su estilo único, lleno de energía, melodías envolventes y letras que invitan a la reflexión.
Lily Marange – Tu-Du | Alemania
Lily Marange es una artista de pop originaria de Alemania, lista para dejar huella en la escena musical de EE. UU. en 2025. Con su sencillo debut comercial, “Tu-Du”, influenciada por íconos del rock-pop femenino como Tate McRae y Kelly Clarkson, Lily logra fusionar profundidad emocional con pegajosos ganchos y una energía desbordante.
Sunnyland – Starry | Estados Unidos
Sunnyland es el proyecto paralelo de Rob Joynes-Paulson, miembro de la banda de Seattle Fell Off, y su hermano Will Paulson. Su más reciente trabajo, EP2, refleja su colaboración musical, fusionando sus estilos y experiencias en un sonido único.
YUDI nos invita a sumergirnos en su EP I like What I Like, un viaje musical que destila la transparencia y la emotividad del indie dream folk. Entre las seis canciones que lo componen, hemos seleccionado tres propuestas que destacan por su originalidad y sensibilidad: Cam, Tumbleweed y Ships. Este recorrido revela un enfoque íntimo y original.
Con Cam como puerta de entrada al EP, se presenta una canción de sonido atrevido que fusiona los matices del indie pop con tintes de tango y música folclórica. La producción, cuidadosamente elaborada, logra que cada ritmo y acorde se fundan de manera orgánica, mientras una voz suave y sensual acaricia la melodía con naturalidad. Esta propuesta no solo destaca por su audacia en la mezcla de géneros, sino también por la precisión que imprime en cada transición, invitando al oyente a abrirse a nuevas sensaciones.
En contraste, Tumbleweed nos ofrece un ritmo sencillo pero atrapante, capaz de inducir al movimiento y la danza. Con claras influencias del pop, la canción se apoya en una interpretación vocal delicada que se integra perfectamente con su estructura minimalista. El resultado es una pieza que, a través de su simplicidad, genera una energía contagiosa y un ambiente lúdico que se siente genuino y refrescante.
Finalmente, Ships cierra este trío de selecciones con un ritmo pausado y una instrumentación sobria que permiten resaltar la belleza de la voz de YUDI. La atmósfera creada es a la vez íntima y envolvente, logrando que la canción se convierta en un refugio de calma y reflexión. En conjunto, estas propuestas confirman la capacidad de YUDI para tejer paisajes sonoros que son a la vez personales y universales, consolidando su identidad única dentro del panorama indie.
En conclusión, el EP I like What I Like de YUDI se revela como un viaje sonoro lleno de matices y emociones que trasciende lo convencional. Las canciones analizadas, Cam, Tumbleweed y Ships, ofrecen ventanas únicas a un universo musical que fusiona audacia, sencillez y delicadeza, respectivamente. Cada tema se destaca por su producción y la capacidad de la artista para transmitir sentimientos de forma genuina y sin artificios. Esta propuesta no solo invita a redescubrir el encanto del indie dream folk, sino que también reafirma la autenticidad y originalidad de YUDI en cada canción.
Con un gran ritmo que se despliega de manera natural, Way Through nos sumerge en un universo musical lleno de influencias clásicas e indie pop. La pieza se caracteriza por cambios fluidos que permiten a cada instrumento ocupar su espacio, logrando una producción de calidad innegable. La voz, siempre en control, aporta elegancia y precisión en cada nota, complementando la atmósfera del tema. Es una propuesta musical que equilibra lo clásico con lo contemporáneo, ofreciendo un recorrido envolvente.
La canción destaca por su estructura meticulosa, en la que los matices sutiles se funden de forma orgánica con toques tradicionales. Los arreglos musicales permiten que cada transición se sienta natural, sin forzar el ritmo, generando una experiencia amena para el oyente. Los elementos acústicos se integran armoniosamente con la base del indie pop, reforzando la sensación de intimidad y detalle. Así, Way Through se revela como un espacio sonoro donde la calidad de la producción es evidente en cada compás.
El nombre Cici Arthur evoca la sensación de transitar por un territorio familiar que, de repente, se transforma en un descubrimiento sorprendente. La narrativa detrás del título nos recuerda esos momentos de revelación al explorar rincones insospechados de un vecindario conocido. Es como pasear por una ciudad en la que cada esquina esconde historias, haciendo que lo habitual se perciba con nuevos ojos. Esta dualidad entre lo familiar y lo inexplorado se plasma en la esencia misma de la propuesta musical.
Con una propuesta que fusiona elegancia, ritmo y una cuidada producción, el lanzamiento es una gran propuesta para quienes aprecian la fusión de lo clásico y lo contemporáneo. Sin duda, Way Through se presenta como una invitación a redescubrir el entorno musical desde una perspectiva única.
En Winter se aprecia una producción de alta calidad que invita a adentrarse en una atmósfera grandiosa. La pieza despliega influencias del indie pop y el pop tradicional, resaltadas por detalles brillantes que enriquecen su textura. Con sutiles tintes rock, la canción aporta una fuerza peculiar que equilibra suavidad y dinamismo. La voz, llena de sentimiento y control, acompaña cada nota de manera precisa y envolvente.
La propuesta sonora de Winter se caracteriza por un cuidadoso equilibrio entre modernidad y reminiscencia. Cada elemento instrumental se integra para ofrecer una experiencia que se mantiene fiel a sus raíces sin renunciar a la innovación. Los arreglos permiten que los matices acústicos se fundan armoniosamente con una base sólida, creando un ambiente tanto introspectivo como vibrante. La canción se presenta como una propuesta amena y accesible que invita al oyente a sumergirse en su universo musical.
Por su parte, Daniel Nolet se destaca como un cantautor que explora temas profundos a través de ángulos líricos sorprendentes. Su capacidad para combinar talentos melódicos con letras cargadas de emociones se refleja en cada una de sus composiciones. Habiendo transitado un camino inusual desde sus días en el fútbol profesional hasta la consolidación en la música, su historia resulta tan interesante como su obra. La formación en el conservatorio de Rotterdam y el éxito de su primer sencillo evidencian un compromiso artístico sólido y auténtico.
En definitiva, Winter se erige como una manifestación del estilo único de Daniel Nolet, fusionando la delicadeza del pop con tintes rock. La canción invita a una reflexión sensible sobre temas universales mediante una producción pulida y cuidadosa. Con un enfoque que evita exageraciones, se presenta como un relato musical equilibrado y honesto. Así, Winter consolida una visión artística que combina emoción, técnica y narrativa en cada acorde.
La propuesta musical de Only Clover se despliega como una invitación a un universo musical tranquilo y ameno. La pieza atrapa al oyente desde sus primeros compases, estableciendo un ambiente sereno y agradable. Con claras influencias del indie pop, la canción se distingue por su ritmo pausado y envolvente. La atmósfera se construye de forma sutil, permitiendo que cada detalle resuene con naturalidad.
La producción de Only Clover se evidencia en el cuidado con el que se han integrado los elementos musicales. Los arreglos destacan por su simplicidad y por el modo en que se armonizan los componentes sonoros, sin recurrir a artificios excesivos. La voz, que se desliza con estilo, muestra un control técnico que añade personalidad a la pieza. Cada elemento, desde la base instrumental hasta la interpretación vocal, contribuye a crear una experiencia equilibrada.
Hugh F se ha consolidado como uno de los cantautores más destacados de Melbourne, forjando su carrera a través de recorridos que lo han llevado a escenarios en Australia y Estados Unidos. Tras haber compartido cartel con Darren Hanlon y Chastity Belt, su estilo se nutre de una sinceridad que conecta temas como la vida rural, la familia y el sentimiento de desplazamiento. Sus presentaciones en vivo reflejan una combinación de carisma y arreglos variados que evidencian su versatilidad. Con tan solo 26 años, ha logrado producir tres álbumes de manera independiente, lo que resalta su compromiso con su propuesta artística.
El reciente lanzamiento de Only Clover se suma a una discografía en constante evolución, mostrando la capacidad de Hugh F para transmitir calma y buena vibra a través de su música. La canción se ofrece como un espacio sonoro que equilibra la introspección con influencias contemporáneas, sin buscar excesos en su expresión. Esta pieza se enmarca en un recorrido musical que invita a la reflexión y al disfrute sin pretensiones grandilocuentes. Así, Only Clover se presenta como una muestra fiel del estilo único y sincero del artista.
Big Society es una banda con un sonido que mezcla la energía del rock, la experimentación sonora y la emoción cruda de sus letras. En su último sencillo, Foolish, Big Society nos muestra una faceta más introspectiva y vulnerable.
La historia de Big Society comenzó en el Royal Northern College of Music, donde Thomas Fripp (guitarrista), Harry Gumery (bajista) y Will Jaquet (baterista) se conocieron y formaron la banda. Al principio, sus sesiones se centraban en cubrir canciones de The Beatles y The Killers, pero pronto Will introdujo su propia composición, lo que dio paso a la creación de un sonido único que ha capturado la atención de una creciente base de seguidores.
La banda ha sido comparada con artistas como MGMT, War On Drugs y Alabama Shakes, pero su estilo tiene una frescura que los hace destacar. Con riffs sedosos y llenos de distorsión que se mezclan con momentos más suaves y melódicos, Big Society ha creado un equilibrio perfecto entre lo crudo y lo delicado. Su música es una montaña rusa emocional, pasando de la explosión de energía a momentos de introspección profunda, todo dentro de un mismo tema.
Foolish, el segundo sencillo de su esperado álbum debut, es un tema que refleja una lucha interna: la evasión, la negación y el enfrentamiento con la realidad en las relaciones. La canción, como describe su compositor Will Jaquet, es una reflexión sobre la dificultad de asumir responsabilidades y el deseo de encontrar apoyo en momentos de caos emocional.
La melodía se construye gradualmente, desde un inicio suave y particular hasta una explosión de energía que invita a moverse, a bailar y a empezar el día con una actitud positiva. Foolish fue grabada en su estudio improvisado en un contenedor de carga en Ancoats, Manchester, donde se han dedicado a crear música auténtica y sin restricciones. La producción se ve complementada por el trabajo de Matt Wiggins, conocido por su trabajo con artistas como Villagers, Lorde y Florence and the Machine, quien mezcló todas las canciones del álbum.
La banda también ha tenido el honor de compartir escenario con íconos de la música como Bob Dylan y Neil Young en un concierto en Hyde Park, lo que demuestra que Big Society no solo es una promesa, sino una realidad que está haciendo su marca en la música.
El lanzamiento de Aways It Goes marca una interesante incursión en el mundo del indie pop, salpicado de vibras dream pop y toques retro. La canción se destaca por su producción cuidada, que logra construir una atmósfera detallada y amena para el oyente. Su voz se desliza con un control y técnica que le otorgan una personalidad inconfundible, como resultado nos entrega una propuesta sonora que fusiona modernidad y nostalgia sin caer en excesos.
La pieza se caracteriza por un estilo único donde los ganchos melódicos se combinan con un ritmo divertido. Cada elemento instrumental se integra para resaltar esa voz versátil y enérgica, dándole un toque distintivo al tema. Los arreglos logran equilibrar el ambiente etéreo del dream pop con la fuerza del indie pop, creando un contraste atractivo. Así, Aways It Goes se presenta como un tema que invita a una experiencia auditiva envolvente y refrescante.
La banda Nature TV es un cuarteto radicado en Brighton, compuesto por Guy (guitarra y voz), Josh (bajo), Zal (batería) y Jimmy (guitarra principal y coros). Su sonido, que transita entre indie pop y psych rock, ha sido comparado con el de Peach Pit, Real Estate y Beach Fossils. Desde su firma con Heist or Hit en septiembre de 2019, han lanzado singles y EP que han captado la atención de blogs y emisoras como BBC Radio One. Su trayectoria se ve reforzada por una serie de lanzamientos que han generado apoyo global y presencia en playlists reconocidas.
Con el éxito de sus proyectos anteriores, Nature TV se prepara para salir de gira como cabeza de cartel en el Reino Unido este octubre. Este nuevo paso refuerza su compromiso por ofrecer un sonido auténtico y en constante evolución. Aways It Goes se erige como una muestra del carácter distintivo del grupo, combinando influencias diversas en una sola propuesta coherente. La canción invita a descubrir un viaje musical que equilibra energía y sutileza sin recurrir a elogios innecesarios.
