Indie Pop

Explosión Musical: La Energía Desbordada en Our Year

Explosión Musical: La Energía Desbordada en Our Year

En un escenario musical donde la fusión de géneros cobra un significado especial, la pieza Our Year de Sean Skyler irrumpe con fuerza. Con un ritmo explosivo que no deja indiferente, la canción destaca por honrar sus raíces rock sin perder la frescura del indie pop. Cada nota parece diseñada para provocar una respuesta visceral en el oyente.

La fuerza de Our Year radica en su capacidad para combinar un dinamismo vibrante con matices melódicos. La voz versátil y energética de Sean Skyler se despliega a lo largo de la composición, acentuando la personalidad de sus solos de guitarra. Este enfoque otorga a la canción un equilibrio entre potencia y sutileza, donde cada elemento encuentra su espacio. El resultado es una propuesta sonora que invita a disfrutar de cada detalle sin caer en excesos.



Originario de Chicago, Sean Skyler ha dedicado más de una década a perfeccionar su oficio como cantautor y actor. Su trayectoria le ha permitido compartir escenario con destacados artistas nacionales, ganándose el reconocimiento de diversos públicos a lo largo de Estados Unidos. Con participaciones en programas y shows de renombre, su presencia en el mundo musical se consolida a base de talento y perseverancia. Esta experiencia se plasma en cada compás de Our Year, aportándole una autenticidad innegable.

Con Our Year, Sean Skyler invita a los oyentes a sumergirse en un viaje musical donde el rock y el indie pop dialogan en perfecta sintonía. La canción se distingue por su energía y la cuidadosa integración de elementos instrumentales y vocales. En un panorama repleto de propuestas, este tema destaca sin recurrir a elogios superfluos, ofreciendo una experiencia fresca y equilibrada. Así, Our Year se posiciona como una muestra del compromiso del artista con la innovación y la autenticidad musical.


Bienvenido a la Nueva Ola #473 | phyllzx, The Myriad, pulpa

Bienvenido a la Nueva Ola #473 | phyllzx, The Myriad, pulpa

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


phyllzx – mama please | Singapure

phyllzx es un artista cuyo sonido y letras son profundamente vulnerables y honestos. A través de sus canciones, como “mama please”, aborda temas difíciles como el rechazo parental y social, la lucha interna por la aceptación y los sentimientos de soledad y depresión. Su música refleja la experiencia de ser silenciado o no encajar, mientras lucha por encontrar un sentido de pertenencia. Con una mezcla de emociones crudas y sinceras, phyllzx se presenta como una voz para aquellos que enfrentan la adversidad de ser diferentes en una sociedad que exige conformidad, convirtiendo su dolor en una forma de conexión y comprensión para quienes comparten experiencias similares.


The Myriad – Something’s In The Water | Estados Unidos



The Myriad es una banda de rock alternativo originaria de Seattle, formada en 2001 por Jeremy Edwardson y John Roger Schofield. Tras varios cambios en la alineación y lanzamientos de EPs, la banda alcanzó reconocimiento con su primer álbum You Can’t Trust a Ladder en 2005 y el éxito de su segundo disco With Arrows, With Poise en 2008. Después de una serie de giras, la banda se tomó un descanso debido al diagnóstico de cáncer de su baterista Randy Miller, quien falleció en 2010. Tras una pausa de diez años, The Myriad regresó en 2023 con la re-lanzamiento de sus EPs y el lanzamiento de nuevos sencillos como “Signs” y “We Are.” Con una renovada formación, la banda continúa su camino con un sonido fresco y una nueva etapa creativa.


pulpa – Acto de fe | España

Pulpa es una banda reciente originaria de Narón, A Coruña, que se adentra en el terreno del rock alternativo con un sonido oscuro, denso y expansivo, marcado por reminiscencias postpunk y una base rítmica contundente. Sus canciones combinan momentos de decadencia visceral con explosiones luminosas, acompañadas de letras combativas y humanas. Su primer sencillo, Acto de Fe, fusiona psicodelia con guitarras llenas de rabia, marcando el inicio de su carrera con un mensaje de libertad personal y rebeldía. Actualmente, la banda se encuentra trabajando en su primer LP en los estudios Álamo Shock de Madrid, de la mano del productor Guille Mostaza.











‘Why Wouldn’t You Say So?’: La Canción que Transmite la Tensión de los Sentimientos No Dichos

‘Why Wouldn’t You Say So?’: La Canción que Transmite la Tensión de los Sentimientos No Dichos

Tora Luna es mucho más que una banda: es un colectivo compuesto por compositores, artistas, intérpretes y arreglistas, que se han unido para explorar nuevos horizontes dentro de la música indie. Nacido en el corazón de la campiña de Wiltshire, este colectivo ha logrado atraer la atención por su estilo único, que fusiona elementos del soul clásico con la energía cruda del indie contemporáneo. Con miembros clave como Alex Broadgate, Dominic Johnson, Joshua Kime y Ellie Parker, Tora Luna se distingue por su enfoque colaborativo, permitiendo que cada músico aporte su propio sello en cada proyecto.

El segundo sencillo de Tora Luna, Why Wouldn’t You Say So?, lanzado el 14 de febrero de 2025, es un claro reflejo de su enfoque innovador. Esta canción marca una nueva etapa en su carrera, mostrando una evolución en su sonido y explorando dinámicas emocionales profundas a través de la música. En ella, el dúo principal formado por Broadgate y Johnson se une a la talentosa vocalista invitada Deslynn Smith para dar vida a una pieza cargada de tensión emocional y arreglos musicales cuidadosamente elaborados.



El tema se caracteriza por un intercambio vocal entre Smith y Johnson, que representa la lucha interna de las relaciones no expresadas. Con una clara influencia de las armonías soul de Motown, pero sin perder la frescura y modernidad del indie, Why Wouldn’t You Say So? captura el momento exacto de esa frustración que surge cuando las palabras no se dicen, pero el sentimiento está presente. La canción se grabó en un estudio convertido en granero en la campiña, lo que aportó un toque íntimo y auténtico al proceso de grabación, destacando la atmósfera natural y la interacción en vivo entre los músicos.

El proceso de grabación, además, se aleja de las técnicas convencionales. En lugar de utilizar un “click-track” para seguir el ritmo, el grupo optó por grabar de manera más orgánica, lo que permitió que la canción tuviera una fluidez y una sensación más natural. Como explica Ellie Parker, “jugar sin un click-track hizo que el ambiente fuera mucho más relajado y, al final, el tema adquirió un tono más conversacional.”

La canción también cuenta con la participación de músicos invitados como Chloë Meade, cuyo violín aporta una melodía melancólica que se entrelaza con la vocalización poderosa de Smith y Johnson, además del saxofón de Edward Cross y la batería intuitiva de Gus White. Este enfoque multidimensional crea una rica capa sonora que transporta al oyente a una experiencia emocional completa.


“Cute”: La Cumbia Experimental que Rompe Esquemas de F.A.V. y Tino Amor

“Cute”: La Cumbia Experimental que Rompe Esquemas de F.A.V. y Tino Amor

La cumbia, un género musical profundamente arraigado en las tradiciones latinoamericanas, ha sido objeto de varias fusiones y reinvenciones a lo largo de los años. Sin embargo, pocos logran hacerla tan fresca y audaz como lo hacen F.A.V. y Tino Amor en su más reciente sencillo, “Cute”. Este tema, lanzado el 14 de febrero de 2025, no es solo una canción de amor; es un manifiesto sonoro cargado de ritmo, actitud y una energía que invita a moverse sin descanso.

Desde su colaboración en 2023, F.A.V. y Tino Amor han destacado por su enfoque experimental y su capacidad para romper los límites musicales tradicionales. En “Cute”, fusionan cumbia con influencias del hip-hop, punk, pop y electrónica, creando una atmósfera única y vibrante. La producción contemporánea de la canción se entrelaza perfectamente con la esencia de la cumbia, una mezcla que no solo resulta innovadora, sino también increíblemente adictiva.



El tema destila seducción y juego, con una letra que captura la esencia del amor irracional y la emoción de un romance a flor de piel. La canción juega con el coqueteo y la atracción de una manera ligera y desenfadada, como un baile de palabras y ritmos que refleja la intensidad y la frescura de la juventud. “Todo parece bueno, todo se siente mejor”, cantan, y es precisamente esa vibra de gozo y entusiasmo la que el oyente experimenta al escuchar la canción.

La verdadera magia de “Cute” está en la química entre los dos artistas. F.A.V. y Tino Amor tienen una energía incomparable, tanto en sus voces como en su presencia. La fusión de sus estilos y talentos genera una dinámica envolvente que da vida a la canción. Con una propuesta que se aleja de los convencionalismos, “Cute” demuestra que F.A.V. y Tino Amor están aquí para quedarse. No solo están revolucionando la cumbia, sino también redefiniendo lo que significa ser un artista contemporáneo: audaz, experimental y comprometido con causas sociales.


Kai Bosch: La nueva estrella del pop queer que conquista la pista de baile

Kai Bosch: La nueva estrella del pop queer que conquista la pista de baile

El artista británico Kai Bosch continúa consolidándose como una de las promesas del pop alternativo con su esperado EP Popstar of Your Dreams, que verá la luz el 16 de abril. Con una propuesta que fusiona la euforia de la música de baile con letras cargadas de emoción y vulnerabilidad, Bosch se perfila como un referente dentro de la escena pop queer.

Inspirado en la dualidad de la melancolía y el desenfreno, su sonido es un reflejo de su propio viaje personal: desde su infancia en la tranquila Polzeath, Cornwall, hasta la intensidad de la vida nocturna en Berlín y su consolidación artística en Londres. Esta mezcla de influencias se plasma en su estilo, que combina la estética del synth-pop de los 80 con la sofisticación de la electrónica contemporánea.



Su más reciente sencillo, Angel, es una pieza que encapsula perfectamente su esencia artística. Se trata de un tema impregnado de la esencia del disco-pop, con sintetizadores vibrantes, una base rítmica irresistible y una interpretación vocal que transmite emoción pura. Bosch ha descrito la canción como su “intento de crear un himno de desamor en clave disco”, y sin duda lo ha logrado.

La letra de Angel aborda la complejidad de los sentimientos posteriores a una ruptura. En palabras del propio artista: “Es una canción sobre pensar en alguien más mientras estás con otra persona. Pasé por una relación de rebote después de mi primera ruptura, y aunque mi nueva pareja era maravillosa, no podía dejar de añorar el pasado”.

Con su carisma y autenticidad, se ha propuesto convertirse en “la mayor estrella gay del pop en el universo”, y su crecimiento constante demuestra que está en camino de lograrlo. Temas anteriores como Everything Is Beautiful y Rodeo Romeo ya han mostrado su versatilidad y su capacidad para crear música pegadiza con una carga emocional intensa. Además, su reciente colaboración con Litany en Hello, Anxiety reafirma su habilidad para conectar con el público a través de relatos personales y honestos.

Con Popstar of Your Dreams, Kai Bosch ofrece una colección de canciones que encapsulan su evolución artística, mezclando euforia, desamor y autenticidad en una producción que promete ser un hito en su carrera. La fusión entre la introspección y la euforia de la música dance sigue siendo su sello distintivo, y su EP se perfila como un viaje emocional que resonará con todos sus oyentes.


Entre Sombras y Recuerdos: El Enigmático Viaje Musical en Dorian Gray (feat. Ora Cogan)

Entre Sombras y Recuerdos: El Enigmático Viaje Musical en Dorian Gray (feat. Ora Cogan)

El lanzamiento de Dorian Gray (feat. Ora Cogan) se presenta como una propuesta que invita a explorar paisajes sutiles y evocadores. La canción fusiona elementos del dream pop con matices del indie pop, generando un ambiente impregnado de nostalgia. La cuidada producción permite que cada detalle se perciba con claridad, creando una atmósfera que invita a la reflexión. Este nuevo tema marca un paso interesante en el recorrido musical propuesto por su autor.

La composición se distingue por un ritmo envolvente que se funde de manera armoniosa con la presencia de una voz femenina dulce y suave. Este recurso vocal complementa la base musical, añadiendo una capa de sensibilidad que perfuma la canción de forma equilibrada. La mezcla de sonidos logra evocar recuerdos y emociones a la vez que invita a sumergirse en un universo introspectivo.



Robert Ascroft se destaca por su visión artística, que trasciende la simple producción musical. Su formación como guitarrista clásico y su carrera en la fotografía le han permitido desarrollar un estilo narrativo que se plasma en cada proyecto. A lo largo de su trayectoria, ha trabajado con diversos artistas, lo que enriquece su enfoque creativo y le confiere una perspectiva única. Su capacidad para fusionar imágenes y sonidos se traduce en composiciones que despiertan la imaginación sin caer en excesos.

El resultado es un viaje sonoro que equilibra la intimidad de las emociones con la amplitud de una narrativa casi cinematográfica. Dorian Gray (feat. Ora Cogan) invita al oyente a transitar por paisajes musicales que oscilan entre lo etéreo y lo tangible, manteniendo siempre una coherencia en su atmósfera. La propuesta se ofrece como una experiencia sensible y refinada, en la que cada elemento cumple un rol esencial. Así, se abre una ventana hacia un universo musical donde la evocación y la sutileza se convierten en protagonistas.


La Tirada: El viaje mágico de Fernando del Rosario

La Tirada: El viaje mágico de Fernando del Rosario

La música tiene el poder de transportarnos a otros mundos, de hacernos revivir emociones y conectar con nuestra esencia. La Tirada, el nuevo álbum de Fernando del Rosario, fusiona arte, emociones y misticismo, en el cual nos sumerge en un viaje inspirado en el Tarot, el disco entrelaza nueve “arcanos” con nueve canciones, creando una experiencia espiritual.

Desde su infancia, Fernando ha encontrado en el arte un refugio y una forma de traducir sus emociones. La Tirada refleja esa sensibilidad a través de un recorrido introspectivo por la juventud: sus miedos, errores, amores y aprendizajes. Con una narrativa que recuerda la clásica historia del héroe, el álbum nos invita a una búsqueda de autoconocimiento, donde cada canción representa un capítulo de este viaje.



Fernando del Rosario rescata la esencia de la música romántica y la fusiona con un estilo alternativo y teatral. Influenciado por leyendas como José José y Jeff Buckley, La Tirada juega con sonidos clásicos y modernos, reviviendo el mito del showman. La combinación de letras poéticas y melodías envolventes convierte este disco en una obra que trasciende géneros y generaciones.

Uno de los puntos más altos es el sencillo homónimo, “La Tirada”. Esta canción, interpretada a dueto con Maya Tonatzin, revive el mito de las almas separadas al nacer. Con una atmósfera íntima y melancólica, la combinación de guitarras suaves y sintetizadores crea un ambiente nostálgico y etéreo. Las voces de Fernando y Maya se entrelazan con una emotividad palpable, transportando al oyente a esos amores que, aunque distantes, nunca se olvidan.

Antes de lanzar La Tirada, Fernando del Rosario se dio a conocer en el mundo del teatro musical con la adaptación y musicalización de Shangri-La, donde también participó como actor. Su paso por la televisión y la radio le permitió expandir su audiencia y afianzar su identidad artística. Este nuevo proyecto consolida su evolución como músico y narrador de historias, reafirmando su talento para plasmar sentimientos universales en canciones.


Entre el Rock Suave y el Pop Sutil: Descubriendo vacía de Jorge Lindan

Entre el Rock Suave y el Pop Sutil: Descubriendo vacía de Jorge Lindan

La propuesta musical de Jorge Lindan se hace presente en su sencillo vacía, una pieza que combina un ritmo muy rico con matices de rock suave y pop. La canción despliega una atmósfera en la que se percibe el contraste entre los distintos elementos de la canción. Una voz principal, con cuerpo y presencia, lidera la melodía mientras una voz femenina de fondo complementa la textura sonora.

En vacía se observa una fusión intencionada de estilos, donde elementos del rock mexicano se mezclan con influencias del folk pop. La amalgama de ritmos y melodías resulta en una propuesta equilibrada y rica. La combinación de instrumentos y voces aporta una sensación de introspección sin caer en exageraciones.



El cantautor Jorge Lindan se caracteriza por su capacidad para narrar historias personales a través de letras envolventes y melodías de aire retro-nostálgico. Nacido en la Ciudad de México y criado en Querétaro, su inclinación musical se forjó desde temprana edad con la guitarra y la voz. Su carrera se ha expandido internacionalmente, presentándose ante audiencias de diversos países. Con influencias que van desde el Latin Pop hasta el Indie Folk, su música crea una conexión íntima con el público.

El sencillo vacía se suma a una discografía que ha comenzado a dejar huella con su debut, “Al Atardecer”, y se integra en el próximo EP titulado Duelo, programado para finales de 2025. La canción destaca por su ritmo y la cuidada integración de elementos musicales que invitan a una escucha atenta. Sin recurrir a elogios excesivos, se percibe una composición que equilibra la técnica con la emoción. Así, vacía se presenta como una propuesta que invita a apreciar la sutileza y la complejidad de la nueva etapa musical de Jorge Lindan.


Mar Colina y su Isola Mare: Un Mar de Sentimientos Sonoros

Mar Colina y su Isola Mare: Un Mar de Sentimientos Sonoros

Detrás de Isola Mare se encuentra la actriz, compositora y cantante español-mexicana Mar Colina, quien transforma sus vivencias personales en paisajes sonoros envolventes.

Con una mezcla seductora de pop alternativo y melodías pegadizas, Isola Mare invita a sumergirse en la intensidad de las emociones amorosas, con influencias que van desde el minimalismo etéreo de Lana Del Rey, pasando por la fuerza interpretativa de Mon Laferte, hasta la profundidad lírica de Zahara.

Desde su adolescencia, Mar Colina ha encontrado en la música una vía de expresión auténtica. Sus primeras composiciones nacieron en forma de poesía y más tarde, acompañadas de un piano, se convirtieron en canciones que reflejan su universo emocional. La esencia de Isola Mare radica en su capacidad para plasmar sentimientos complejos con gran sensibilidad, permitiendo que cada canción se convierta en un reflejo de experiencias tanto personales como universales.



En 2019, Mar Colina debutó con su EP autoeditado Tangled Up In Love, compuesto por seis temas en inglés que mostraban su habilidad para componer e interpretar. Sin embargo, con Isola Mare, inicia una nueva etapa en la que profundiza en su identidad musical, explorando emociones y contando nuevas historias con un enfoque aún más personal y maduro.

El primer adelanto de este proyecto es Adiós, una canción que encapsula la esencia de Isola Mare. Con una producción y atmósfera cautivadora, este sencillo marca el comienzo de un recorrido musical en el que las emociones son las protagonistas. La canción invita al oyente a dejarse llevar por su melodía hipnótica y su letra introspectiva, convirtiéndose en una experiencia sensorial que resuena en lo más profundo.


El Amor Inalcanzable de Francesca Tarantino en ‘Hold On To Me’

El Amor Inalcanzable de Francesca Tarantino en ‘Hold On To Me’

Francesca Tarantino, es una cantautora estadounidense, en su último lanzamiento, Hold On To Me, Francesca se adentra en el universo de géneros como el Indie Rock, Indie Pop y Alternative Rock. La canción refleja una vulnerabilidad palpable, caracterizada por una interpretación vocal poderosa y un uso expresivo de la guitarra. A lo largo de la pieza, Francesca explora el deseo de que una relación siga adelante a pesar de los signos evidentes de distanciamiento. La letra describe la lucha interna entre el amor y la inevitabilidad del adiós, creando una atmósfera llena de introspección y emoción.



“Hold On To Me” es una canción escrita desde la perspectiva de mirar hacia atrás en una relación que ya estaba en terreno inestable, pero sin querer dejar ir a esa persona. El tema central de la canción es la desesperación por aferrarse a alguien, a pesar de que las señales indican que el otro ya se está alejando. Francesca describe cómo, a veces, el amor por sí solo no es suficiente para mantener viva una relación. Esta reflexión se ve intensificada por la producción y los toques delicados de guitarra, que acompañan las palabras cargadas de sentimiento.

A lo largo de su carrera, Francesca ha sido reconocida no solo por su voz, sino también por su habilidad para conectar con el público a través de sus composiciones. En 2024, dio 100 conciertos en 20 ciudades diferentes, reafirmando su dedicación al directo y su deseo de compartir su música con el mundo.