Desde Nueva York, Lucas Player se presenta nuevamente ante el público con “More Than You”, una canción que marca su regreso después de varios años de silencio. A los 15 años, bajo el seudónimo de Kibishi, Player empezó a construir su camino en la música. Sin embargo, en medio de su ascenso, decidió retirarse, alejándose del foco mediático para reencontrarse con su arte y su identidad.
Ahora, a los 21 años, regresa con una propuesta musical que refleja el tiempo transcurrido y las emociones acumuladas. “More Than You” es un tema que muestra a un artista que se atreve a exponer su vulnerabilidad a través de una producción íntima y minimalista. La mezcla de una estética lo-fi y una interpretación vocal etérea ofrece un espacio sonoro envolvente que acompaña la carga confesional de sus letras.
Lucas Player, con este primer lanzamiento tras años de introspección, parece estar dispuesto a abrir un nuevo capítulo en su carrera. Su capacidad para transmitir emociones complejas sin adornos excesivos lo posiciona como una voz singular en la música alternativa actual. “More Than You” promete ser el punto de partida para una etapa llena de exploración y honestidad artística.
La música siempre ha tenido la capacidad de capturar emociones, y en su más reciente sencillo, “Al Atardecer”, el cantautor mexicano Jorge Lindan nos demuestra cómo las melodías pueden convertirse en el lenguaje del alma. Esta canción es una balada suave, con influencias de pop clásico y algunos tintes indie, que logra atrapar al oyente en una atmósfera de calma. La interpretación vocal de Jorge es cálida y cautivadora, transmitiendo una buena profundidad emocional.
Jorge Lindan, nacido en la Ciudad de México y criado en Querétaro, ha pasado años perfeccionando su estilo, fusionando géneros como el Latin Pop, Indie Folk y Soft Rock. Su capacidad para combinar lo nostálgico con lo moderno, creando una sensación de familiaridad y novedad a la vez, es lo que ha permitido que “Al Atardecer” conecte con audiencias en más de diez países. La calidad introspectiva de sus letras, unida a una melodía relajada, hace que esta canción sea perfecta para aquellos momentos en los que el oyente busca desconectar y sumergirse en sus propios pensamientos.
La carrera de Jorge Lindan ha sido un viaje continuo hacia la internacionalización de su música. Aunque comenzó a tocar la guitarra y a cantar desde muy joven, su talento ha cruzado fronteras, presentándose en países como Francia, Italia, Estados Unidos y Nueva Zelanda, entre otros. Esta mezcla de culturas y escenarios ha enriquecido su propuesta artística, haciendo que su música no solo se quede en lo local, sino que resuene con públicos diversos, que encuentran en sus canciones un refugio emocional.
Con “Al Atardecer”, Lindan no solo nos presenta una canción, sino una experiencia auditiva que invita a la reflexión. Es una pieza que, aunque tiene un ritmo tranquilo y relajado, también posee una profundidad que cautiva desde la primera escucha. La emotividad de su voz, sumada a su instrumentación, crea una sensación de intimidad que es difícil de lograr en estos tiempos de producciones sobrecargadas.
Bestfriend es un dúo de música pop alternativo formado por dos jóvenes artistas: Stacey Kim, una cantante y multiinstrumentista coreano-canadiense radicada en Vancouver, y Kaelan Geoffrey, productor y vocalista canadiense que vive en Toronto. A pesar de la distancia geográfica que los separa, el dúo ha logrado crear una conexión única a través de su música, que refleja las complejidades de la identidad, el crecimiento personal y las relaciones interpersonales.
Desde sus inicios, Bestfriend ha trabajado a distancia, una dinámica que ha marcado su proceso creativo. Stacey escribe las canciones y graba demos que luego Kaelan produce, intercambiando archivos y colaborando en cada aspecto del sonido de sus canciones. Esta colaboración remota ha permitido al dúo explorar su música de una manera única, combinando elementos de pop, synth-pop y alt-pop con letras profundas y emotivas.
El proyecto Bestfriend nació en 2018 a través de una mezcla de amistad y la posibilidad de conectarse en línea. Su primer sencillo, “Television ’99”, apareció en 2019, seguido de otros lanzamientos que capturaron la atención de los fans y de la crítica.
El sonido de Bestfriend se caracteriza por ser melódico, atmosférico y a menudo nostálgico, con letras que exploran las emociones y los dilemas del ser humano, particularmente en su proceso de maduración y la búsqueda de identidad. En sus canciones, Stacey y Kaelan reflexionan sobre lo que significa crecer, las influencias externas que nos moldean y cómo las relaciones interpersonales pueden definir quiénes somos.
Uno de los temas recurrentes en su música es la conexión humana, específicamente cómo nuestras identidades están inevitablemente entrelazadas con las de las personas a nuestro alrededor. Su último sencillo, “YOU LOOK JUST LIKE ME”, aborda precisamente esta idea. Con una producción que combina sintetizadores etéreos y un bajo pulsante, la canción explora la forma en que absorbemos las características y experiencias de las personas que amamos, y cómo esas influencias nos dan forma, incluso cuando no somos conscientes de ellas. La letra invita a reflexionar sobre la necesidad de los demás para entendernos a nosotros mismos, a veces de una manera que nos resulta incómoda pero, a la vez, profundamente humana.
Ahora, con su próximo EP programado para la primavera de 2025, Bestfriend está en un momento de transformación. El reciente sencillo “WHY DO WE DO THIS?”, lanzado en noviembre de 2024, da un adelanto del sonido que se espera para su nuevo proyecto, explorando temas de dudas existenciales y la lucha interna que todos enfrentamos al tratar de seguir adelante en medio de la incertidumbre.
Fermín Medy, cantautor argentino nacido en la Ciudad de Buenos Aires, es un artista que se niega a encasillarse. Con cada canción, busca una nueva dirección, una exploración distinta que, a su manera, refleja una conexión con lo intangible. “Salto Cuántico”, su más reciente lanzamiento, es un ejemplo perfecto de esa búsqueda continua. El tema, con un ritmo divertido y sintetizadores que recuerdan el sonido retro, ofrece una experiencia que fusiona el indie pop con una originalidad que cautiva desde el inicio.
El uso de los sintetizadores en “Salto Cuántico” crea una atmósfera que nos transporta a una época pasada, pero con un enfoque moderno y fresco. La voz de Fermín es lo que mantiene esta mezcla cohesiva, aportando una autenticidad que pocos logran. La canción, con su estructura ligera pero cuidadosamente trabajada, refleja el estilo único de Medy, quien ha hecho de su música una herramienta para huir de lo banal.
La trayectoria de Fermín no es menos interesante. Su primer álbum, “Vídet” (2021), fue una reflexión sobre la pandemia, usando la música como una fotografía analógica de esos días complejos. Este enfoque íntimo y honesto es algo que se mantiene en sus composiciones actuales, aunque ahora Medy parece disfrutar del formato de sencillos sueltos, como en su reciente “Alas” (2024), una clara señal de que su proceso creativo sigue adaptándose a los tiempos fugaces.
Además de su faceta como solista, Fermín ha participado como baterista y percusionista en bandas locales como Ra y el Cielo de Buenos Ayres y Fanáticos del Atardecer. Esta experiencia en la escena musical de Buenos Aires le ha permitido explorar diferentes sonidos y estilos, siempre con la premisa de evitar lo repetitivo y lo obvio.
“Salto Cuántico” es, en esencia, una muestra más de la versatilidad de Fermín Medy, quien sigue desafiando los límites del indie pop. Con influencias que van desde lo retro hasta lo experimental, Fermín se confirma como uno de los artistas más interesantes de la escena argentina, dispuesto siempre a sumergirse en lo desconocido para crear algo nuevo.
“Midnite Sun” es una colaboración entre el colectivo noruego Popkanon y la cantante y compositora estadounidense Emma Butterworth. Este tema, que fusiona elementos electrónicos con un toque acústico, crea un paisaje sonoro etéreo y envolvente que captura la esencia de la luz fugaz del sol de medianoche, una metáfora perfecta para la naturaleza efímera del amor y la introspección.
La canción se mueve entre la melancolía y la esperanza, explorando temas universales como la soledad, el anhelo, la conexión humana y el amor que arde con fuerza a pesar del paso del tiempo. Con sus suaves y delicadas voces, Butterworth logra transmitir una sensación de vulnerabilidad que resuena en el oyente, mientras que la producción de Popkanon se encarga de envolver todo en una atmósfera etérea que te invita a reflexionar sobre el destino de las relaciones pasadas y lo que el futuro pueda traer.
La letra de “Midnite Sun” habla de las complejidades del amor, la reflexión sobre las relaciones pasadas y el anhelo de encontrar algo más profundo. La voz de Emma Butterworth se siente tanto ligera como poderosa, equilibrando perfectamente la serenidad del tema con la fuerza emocional que transmite. La manera en que las armonías se entrelazan con las melodías electrónicas crea un contraste fascinante, que evoca una sensación de estar atrapado entre dos mundos: uno que ya se ha ido y otro que aún está por llegar.
En cuanto a la producción, Popkanon aporta su sello característico al incorporar elementos electrónicos y acústicos que enriquecen la melodía. La mezcla de sonidos modernos con influencias más clásicas crea una obra única, que no se limita a un solo género, sino que explora un espectro de estilos y sensaciones. Esto le otorga una frescura que convierte a “Midnite Sun” en una pieza atemporal.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Mad Drunken Americans – Playing That Piano | Estados Unidos
Comenzamos con Mad Drunken Americans, una banda de indie rock que nos trae su pegajosa canción “Playing That Piano”. El tema mezcla influencias del rock clásico con el indie pop, logrando un sonido fresco y envolvente. Lo más destacado es la divertida voz del cantante, que se fusiona perfectamente con el ritmo energético y las melodías ligeras. Este sencillo, parte de su primer álbum lanzado en 2023, nos anticipa lo que podemos esperar de su próximo trabajo planeado para 2025, donde sin duda seguirán compartiendo su inconfundible estilo.
Formada en Chicago, esta banda independiente es perfecta para los fans de Father John Misty, Wilco y Flaming Lips. Su música destaca por su autenticidad y la capacidad de transportarte a un mundo lleno de sonidos nostálgicos pero modernos a la vez. Mad Drunken Americans tiene claro su objetivo: seguir explorando nuevas canciones y conectando con su audiencia a través de melodías que saben cómo hacer vibrar cada nota.
Gio – Love Lost | Estados Unidos
Desde Worcester, Massachusetts, llega Gio con su tema “Love Lost”, una canción que captura la esencia del rock de los primeros años de los 2000. Lo que distingue a Gio es su versatilidad vocal, que le da un toque único a sus composiciones. Con un ritmo lleno de ganchos y una energía que no deja indiferente, este rapero y cantante mezcla rap y rock de una manera cautivadora.
Gio es conocido por su habilidad para adaptarse a diferentes géneros, moldeando su flujo vocal y letras en cada tema que produce. En “Love Lost”, demuestra una vez más por qué cada una de sus canciones se siente diferente y fresca. Su música es un testamento de su capacidad para innovar, manteniendo siempre esa esencia de rock alternativo que lo hace destacar entre otros artistas emergentes.
Roby Fayer – Broken Symphony | Isrrael
Finalmente, tenemos a Roby Fayer con su canción “Broken Symphony”, un tema que nos envuelve en una atmósfera moderna con influencias de rock alternativo y elementos electrónicos. La canción recuerda un poco al estilo de Twenty One Pilots, con una presencia vocal imponente que logra transmitir cada emoción. Roby Fayer, productor y compositor desde los 17 años, es conocido por su habilidad para combinar elementos melancólicos y agresivos, creando canciones que resuenan tanto emocional como musicalmente.
Con su estilo único, Roby Fayer ha conquistado millones de oyentes desde su éxito con “Ready to Fight”, tema que fue parte del tráiler del videojuego “Assassin’s Creed Unity”. En “Broken Symphony”, sigue mostrando su capacidad para crear canciones llenas de profundidad, transportando al oyente a un universo donde cada nota está cargada de sentimientos y cada palabra cuenta una historia.
Si estás buscando añadir algo nuevo y emocionante a tu lista de reproducción, no dudes en explorar estas tres propuestas. Desde el indie rock de Mad Drunken Americans, pasando por el estilo de Gio, hasta la frescura de Roby Fayer, hay un mundo de sonidos esperando ser descubierto.
Desde la primera nota, McKenna Kasowski nos sumerge en un ambiente musical cargado de sensibilidad y elegancia con su canción “Twist The Knife”. Con influencias que van desde el indie pop, el soul hasta toques sutiles de jazz, este tema ofrece un ritmo suave pero lleno de ganchos que te atrapan sin esfuerzo. La voz de McKenna fluye de manera casi etérea, fusionándose perfectamente con cada elemento de la instrumentación, creando una experiencia auditiva que se siente íntima y envolvente.
Lo que destaca en “Twist The Knife” es la habilidad de McKenna para equilibrar lo sutil con lo impactante. Cada acorde, cada línea vocal está cuidadosamente diseñada para provocar una conexión emocional sin necesidad de recurrir a excesos. El ritmo suave, pero dinámico, crea un flujo que permite que la canción respire, mientras los detalles en la producción, como las texturas de soul y jazz, aportan una profundidad que te invita a escucharla en repetición, descubriendo algo nuevo en cada ocasión.
McKenna Kasowski, además de ser una talentosa cantautora, ha demostrado ser una vocalista de estudio y multiinstrumentista versátil. Desde pequeña, la música ha sido su medio de expresión más puro, lo que se refleja en la autenticidad de sus composiciones. Desde su debut con el sencillo “The Keeper” en 2021, ha compartido escenarios con artistas como Jade Bird, The Thieving Birds y Silverada, lo que habla de su capacidad para brillar en cualquier contexto musical.
Su enfoque en la exploración de las conexiones humanas y los significados más profundos de la vida, queda reflejado en su estilo de composición. “Twist The Knife” no es solo una canción para escuchar de fondo, es un relato sonoro que te invita a sumergirte en la narrativa emocional que McKenna teje con tanta maestría. Sus letras, cargadas de honestidad y vulnerabilidad, encuentran el balance perfecto con su elegante forma de interpretar.
Para aquellos que buscan nuevos sonidos que rompan con las convenciones y exploren la libertad artística, Lucifers Beard nos trae su nueva canción “Outside My House”, una pieza que se siente como una conversación íntima entre el artista y el oyente. Con influencias del indie pop y pinceladas de rock, el tema nos envuelve en un ritmo tranquilo que permite que la voz del artista se convierta en el protagonista absoluto. Es una de esas canciones donde cada palabra y cada acorde parecen estar colocados con precisión, creando una atmósfera serena pero cautivadora.
Lo que destaca de “Outside My House” es cómo logra equilibrar simplicidad y profundidad. La voz de Lucifers Beard, sin adornos innecesarios, guía la experiencia auditiva de una manera honesta y cercana, mientras los instrumentos se suman de manera sutil para complementar esa narrativa. No hay sobrecarga de producción, lo que le otorga a la canción un carácter puro y auténtico, algo difícil de encontrar en el paisaje musical actual. Este enfoque minimalista pero efectivo permite al oyente conectar de manera más personal con el mensaje de la canción.
El hecho de que Lucifers Beard sea una banda de un solo hombre añade otra capa de interés a su música. Desde su propio estudio de grabación, ha creado un espacio donde la libertad creativa es la norma, permitiendo que sus ideas más auténticas tomen forma sin las restricciones de la industria o las modas pasajeras. Es aquí donde “Outside My House” cobra vida, una canción que nace de un lugar de honestidad y autenticidad, reflejando esa independencia creativa que tanto valora el artista.
Es fascinante cómo el mundo online ha sido el vehículo principal para que Lucifers Beard conecte con una audiencia global. Con más de 100,000 reproducciones acumuladas, es evidente que su música resuena con aquellos que buscan algo diferente, algo que no esté atado a las convenciones de la industria. Blogueros, periodistas y curadores de listas han sido esenciales en el crecimiento de este proyecto, ayudando a llevar su música a rincones inesperados y compartiendo ese amor común por lo auténtico.
La banda Two Passengers ha llegado con un tema que promete capturar corazones y trascender fronteras. Su nueva canción “Eternity” es una obra de arte meticulosamente construida, con una atmósfera rica en detalles donde cada instrumento tiene su momento exacto para brillar. Desde las primeras notas, te sumerges en un paisaje sonoro que combina influencias del indie pop, synthpop y baladas clásicas, creando una experiencia envolvente. La voz del cantante, limpia y perfectamente controlada, se fusiona con el resto de la producción, elevando aún más la belleza de la pieza.
Lo fascinante de “Eternity” es cómo los elementos musicales se entrelazan de manera armoniosa, logrando un equilibrio entre lo sutil y lo potente. El tema nos transporta a un lugar donde la música no solo se escucha, sino que se siente, creando una conexión emocional profunda. La atención al detalle en la producción es evidente, cada acorde y cada ritmo está diseñado para que la experiencia sea lo más completa y envolvente posible. En este sentido, Two Passengers ha logrado lo que pocos: una canción que se convierte en un viaje personal.
Two Passengers ha dedicado los últimos cuatro años a la creación de su álbum debut, y “Eternity” es solo una muestra del trabajo que han realizado en el legendario Mystery Train Studios de Markus. Este lugar, un paraíso para los amantes de la grabación analógica, fue el escenario donde la banda plasmó su esencia musical en cinta. La narrativa del álbum explora el amor en todas sus formas, desde las fiestas y las decepciones hasta los encuentros inesperados que marcan nuestra vida. Cada canción parece formar parte de una historia más grande, una que invita al oyente a reflexionar sobre sus propias experiencias.
La atención al detalle en la producción se complementa con el toque final de dos grandes de la industria: Peter Schmidt en la mezcla y Greg Calbi en la masterización. Esto ha elevado el sonido de “Eternity” a otro nivel, dándole una claridad y una presencia que la hacen destacar entre las canciones del mismo género. Se puede sentir la pasión y el esfuerzo que Two Passengers ha puesto en este proyecto, reflejando una dedicación a su arte que es difícil de encontrar en una industria dominada por la inmediatez.
Si hay algo que la música puede hacer es detener el tiempo, y justo eso han logrado YOGA BEAR y FRNCE con su nueva canción “Detener el Tiempo”. Este tema, una colaboración que fusiona lo mejor del indie pop y el synthpop moderno, nos sumerge en una atmósfera envolvente. La suavidad del ritmo, combinada con una línea vocal que se une de manera orgánica con el resto de la canción, crea una experiencia que atrapa desde el primer momento. La química entre ambos artistas es evidente, logrando que cada nota fluya con naturalidad.
YOGA BEAR, una banda electro/indie/pop formada en Monterrey en 2019, tiene una habilidad especial para crear melodías que conectan profundamente. Liderada por Mario Oliva en la guitarra y composición, junto a Chris Michaux en la voz. Esta canción no es solo una colaboración exitosa, sino un reflejo del sonido único que el dúo ha construido desde sus inicios, fusionando elementos electrónicos con influencias más tradicionales del indie.
Lo que destaca en “Detener el Tiempo” es cómo los elementos synthpop añaden un brillo especial al tema, mientras las voces, logran crear una narrativa emocional que resuena en cada escucha. El ritmo suave pero constante genera una atmósfera relajante sin perder el dinamismo que caracteriza a la banda. Cada componente de la canción se siente en su lugar, creando un equilibrio que invita al oyente a quedarse en ese espacio sonoro por un buen rato.
La historia de YOGA BEAR es también una de conexiones naturales. Mario y Chris comenzaron a trabajar juntos en 2019, cuando Mario le pidió a Chris que añadiera voces a algunas composiciones de un proyecto solista. Lo que empezó como una colaboración ocasional rápidamente se convirtió en un proyecto conjunto, con el baterista JuanRo sumándose poco después para darle solidez a las bases rítmicas.
