Amy Stroup es una cantautora originaria de Nashville cuya música ha logrado llegar a innumerables producciones televisivas, comerciales y películas. Con una sensibilidad especial para escribir letras emotivas y melodías pegajosas, Stroup se ha convertido en una de las compositoras más licenciadas en la industria del entretenimiento.
Desde el inicio de su carrera, Amy Stroup se ha caracterizado por crear canciones que transportan a los oyentes con letras simples pero profundamente emocionales. Su música ha sido incluida en exitosas series como This Is Us, Grey’s Anatomy, The Good Doctor y The Walking Dead, además de formar parte de importantes campañas publicitarias para marcas como Calvin Klein y Lexus.
Su estilo combina elementos del indie pop con una lírica introspectiva, lo que le ha permitido conectar con una audiencia diversa y consolidarse como una de las voces más destacadas de la música independiente.
En 2023, Amy Stroup lanzó su álbum Since Frank, seguido en 2025 por el sencillo Til The Stars Come Back To Us. Este último tema muestra su capacidad para evolucionar musicalmente, comenzando con una base acústica y transformándose en una explosión de sonidos electrónicos y emotivos al final.
Además de su faceta como cantante y compositora, Stroup es cofundadora de Milkglass Creative, una empresa de branding y diseño que ha trabajado con grandes artistas como Chris Stapleton, Little Big Town y Thomas Rhett.
Con una carrera en crecimiento y un talento innegable, Amy Stroup sigue demostrando que su música es capaz de emocionar y conectar con el público en cualquier formato.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
YUDI nos invita a sumergirnos en su EP I like What I Like, un viaje musical que destila la transparencia y la emotividad del indie dream folk. Entre las seis canciones que lo componen, hemos seleccionado tres propuestas que destacan por su originalidad y sensibilidad: Cam, Tumbleweed y Ships. Este recorrido revela un enfoque íntimo y original.
Con Cam como puerta de entrada al EP, se presenta una canción de sonido atrevido que fusiona los matices del indie pop con tintes de tango y música folclórica. La producción, cuidadosamente elaborada, logra que cada ritmo y acorde se fundan de manera orgánica, mientras una voz suave y sensual acaricia la melodía con naturalidad. Esta propuesta no solo destaca por su audacia en la mezcla de géneros, sino también por la precisión que imprime en cada transición, invitando al oyente a abrirse a nuevas sensaciones.
En contraste, Tumbleweed nos ofrece un ritmo sencillo pero atrapante, capaz de inducir al movimiento y la danza. Con claras influencias del pop, la canción se apoya en una interpretación vocal delicada que se integra perfectamente con su estructura minimalista. El resultado es una pieza que, a través de su simplicidad, genera una energía contagiosa y un ambiente lúdico que se siente genuino y refrescante.
Finalmente, Ships cierra este trío de selecciones con un ritmo pausado y una instrumentación sobria que permiten resaltar la belleza de la voz de YUDI. La atmósfera creada es a la vez íntima y envolvente, logrando que la canción se convierta en un refugio de calma y reflexión. En conjunto, estas propuestas confirman la capacidad de YUDI para tejer paisajes sonoros que son a la vez personales y universales, consolidando su identidad única dentro del panorama indie.
En conclusión, el EP I like What I Like de YUDI se revela como un viaje sonoro lleno de matices y emociones que trasciende lo convencional. Las canciones analizadas, Cam, Tumbleweed y Ships, ofrecen ventanas únicas a un universo musical que fusiona audacia, sencillez y delicadeza, respectivamente. Cada tema se destaca por su producción y la capacidad de la artista para transmitir sentimientos de forma genuina y sin artificios. Esta propuesta no solo invita a redescubrir el encanto del indie dream folk, sino que también reafirma la autenticidad y originalidad de YUDI en cada canción.
La música tiene el poder de transportarnos a otros mundos, de hacernos revivir emociones y conectar con nuestra esencia. La Tirada, el nuevo álbum de Fernando del Rosario, fusiona arte, emociones y misticismo, en el cual nos sumerge en un viaje inspirado en el Tarot, el disco entrelaza nueve “arcanos” con nueve canciones, creando una experiencia espiritual.
Desde su infancia, Fernando ha encontrado en el arte un refugio y una forma de traducir sus emociones. La Tirada refleja esa sensibilidad a través de un recorrido introspectivo por la juventud: sus miedos, errores, amores y aprendizajes. Con una narrativa que recuerda la clásica historia del héroe, el álbum nos invita a una búsqueda de autoconocimiento, donde cada canción representa un capítulo de este viaje.
Fernando del Rosario rescata la esencia de la música romántica y la fusiona con un estilo alternativo y teatral. Influenciado por leyendas como José José y Jeff Buckley, La Tirada juega con sonidos clásicos y modernos, reviviendo el mito del showman. La combinación de letras poéticas y melodías envolventes convierte este disco en una obra que trasciende géneros y generaciones.
Uno de los puntos más altos es el sencillo homónimo, “La Tirada”. Esta canción, interpretada a dueto con Maya Tonatzin, revive el mito de las almas separadas al nacer. Con una atmósfera íntima y melancólica, la combinación de guitarras suaves y sintetizadores crea un ambiente nostálgico y etéreo. Las voces de Fernando y Maya se entrelazan con una emotividad palpable, transportando al oyente a esos amores que, aunque distantes, nunca se olvidan.
Antes de lanzar La Tirada, Fernando del Rosario se dio a conocer en el mundo del teatro musical con la adaptación y musicalización de Shangri-La, donde también participó como actor. Su paso por la televisión y la radio le permitió expandir su audiencia y afianzar su identidad artística. Este nuevo proyecto consolida su evolución como músico y narrador de historias, reafirmando su talento para plasmar sentimientos universales en canciones.
En el universo de la música alternativa, Infinite Error es un proyecto enigmático que con el lanzamiento de su nuevo álbum, Plagued by Meaning continúa explorando los límites entre lo real y lo abstracto, entregando una experiencia inmersiva y perturbadora.
Si bien el sonido de Infinite Error podría situarse dentro del rock alternativo y la electrónica experimental, su verdadera esencia radica en su capacidad de trascender etiquetas. Con reminiscencias de bandas como Radiohead, Nine Inch Nails y la obra más cinematográfica de compositores como Jonny Greenwood, el álbum se convierte en una experiencia auditiva que desafía los convencionalismos del género.
Plagued By Meaning
El álbum se construye sobre la reputación de Infinite Error de generar paisajes sonoros que oscilan entre la belleza etérea y la incomodidad visceral. A través de una combinación de elementos orquestales, guitarras atmosféricas y texturas industriales, Plagued by Meaning lleva al oyente a una travesía emocional única. Canciones como “In Lust” y “King Eater” destacan por sus cambios dinámicos y una tensión latente que mantiene en vilo a quien escucha.
Sin biografía ni referencias visuales, el proyecto invita a su público a sumergirse en un diálogo subjetivo con la música, donde cada interpretación es válida y única. Esta aproximación genera una conexión profunda a quienes encuentran en Infinite Error un refugio de introspección y exploración.
El Track x Track de Plagued By Meaning
Plagued by Meaning – La canción que da nombre al álbum establece el tono con una mezcla de cuerdas sombrías y sintetizadores inquietantes. La atmósfera oscila entre lo melancólico y lo apocalíptico, creando un telón de fondo sonoro cargado de tensión y emoción. Una pista completamente instrumental que funciona como una apartura hacia un disco cargado de emociones que oscila entre los sombrio y macabro.
In Lust – Comienza con una percusión hipnótica y capas de sonidos industriales, que nos llevan de lo monumental a a un espacio etéreo donde las voces fantasmales emergen para guiar una narrativa de deseo y pérdida, con texturas metalizadas que pasan por lo industrial y el noise. La canción poco a poco utiliza elementos que le van dando una estructura cada mas grande y que nos logra meter a este mundo creado por Infinite Error lleno de terror y angustia.
King Eater – Despues de un a una canción llena de cuerdas dignas de una pelicula de terror, el tercer track del disco opta por sumergirnos en unos ritmos hipnoticos de guitarras y percusiones, una de las canciones más dinámicas del álbum. Su estructura va en constante evolución mientras mantiene una sensación de anticipación, misterio y energia.
Birds Calling It Quits – Con un tono más contemplativo, esta pieza fusiona el folk con arreglos orquestales. Con un piano como isntrumento base para la canción, el titulo refleja esa sutileza de la canción para poder sumergirnos en un mundo donde poco a poco los destellos de luz se van acercando en este mundo lleno de sombras y terror. La canción es un respiro dentro del álbum, ofreciendo un momento de calma antes de volver a la intensidad.
Belatedness- La siguiente canción nos regresa a ritmos mas dinamicos, con una inquietante guitarra que marca la pauta para una sensación energica pero que se ve calamada por las voces fantasmagoricas antes de llegar a explotar en un coro lleno de texturas y riffs inquietantes.
Puerile – Llegando al sexto track del disco “Puerile” nos sorprende con una nueva faseta del albúm, tomando elementos recurrentes como cuerdas inquietantes y riffs perturbadores, logran combinarlo de una manera muy organica con un ritmo mas dance que funciona increiblemente bien, una composición inquietante que juega con la disonancia y ritmos mecánicos. La sensación de paranoia y urgencia se refuerza con letras evocadoras y capas de sintetizadores angustiantes.
Derealizing – Explorando la fragmentación de la identidad y la percepción de la realidad. Con una instrumentación minimalista y un clímax envolvente, esta canción va preparando el cierre del disco.
Little Evils – Adentrandonos en el track, el uso de los riffs como ostinanto para generar tensión asi como el uso de sintetizadores y arpas le dan una energia y suspenso increible a “Little Evils” que va creciendo y surmergiendonos en una especie de dance sombrio y cautivador.
Causing You Worry – Como cierre del albúm, el track final del disco es una pieza ligera que fusiona la tranquilidad de un piano con una overtura llena de sonidos etereos, cuerdas, noise y ritmica perturbante, finalmente el disco cierra una ventana que nos lleva al inquietante mundo de Infinite Error.
Plagued by Meaning es una invitación a perderse en la vastedad de su sonido, a desafiar las convenciones del género y explorar las profundidades emocionales que Infinite Error ha logrado construir. Con diferentes referencias sonoras, desde generos como la poliritmia y viajes etereos hasta quizas referencias mas masivas como el sonido de propio de Thom Yorke en Radiohead.
Izabella Lily, la cantante y compositora sueco-finlandesa originaria de la costa de Gotemburgo, está conquistando corazones con su música cálida. Nacida en 1995, en un hogar donde la música y la creatividad siempre fueron elementos fundamentales, Izabella encontró su primera conexión con el arte musical a una edad temprana. Fue en los pies de su padre, donde la escuchaba interpretar canciones originales con la guitarra acústica que pertenecía a su abuelo, donde la semilla de su pasión por la música comenzó a germinar.
A medida que fue creciendo, su amor por las historias sinceras y las melodías espontáneas, cargadas de alma, la llevaron a componer sus propias canciones. Fue en 2022 cuando Izabella decidió comprometerse de lleno con su carrera como compositora, y ese mismo año grabó sus primeras canciones originales. A lo largo de 2023, su repertorio se expandió, y con él, su capacidad para conectarse profundamente con su audiencia.
En sus composiciones, se puede notar la influencia de sonidos retro, pero con un toque moderno que da frescura y vida a sus canciones. Su habilidad para fusionar lo clásico con lo contemporáneo convierte su música en una experiencia única que transmite una calidez especial, que no solo se escucha, sino que también se siente.
La voz de Izabella Lily, dulce pero poderosa, se ha ganado el reconocimiento de quienes buscan música que no solo entretenga, sino que también conmueva. A través de sus canciones, ella transmite un mensaje claro de esperanza, resiliencia y amor, temas universales que llegan al corazón. Con cada acorde, con cada palabra, Izabella invita a los oyentes a un viaje emocional, un espacio donde la vulnerabilidad y la fortaleza se encuentran, creando una atmósfera de autenticidad que es difícil de ignorar.
Su reciente lanzamiento, “Fields of Green”, marca un nuevo capítulo en su evolución musical. Este tema, con una mezcla de pop rock suave y emotivo, refleja su capacidad para capturar la esencia de la vida a través de sonidos que nos invitan a reflexionar, a sentir y, sobre todo, a creer en el poder de la esperanza.
Noah Derksen es un artista con una carrera marcada por su talento como compositor, reconocido como Emerging Artist of the Year en los Canadian Folk Music Awards, Noah ha ganado rápidamente una reputación como “el compositor de los compositores”.
Originario de las vastas praderas de Canadá, Noah creció rodeado de la tranquilidad y belleza de la naturaleza, lo que, sin duda, influyó en su música introspectiva. Desde joven, mostró un interés por las letras y la poesía, y fue a los 19 años, después de presenciar el último concierto de Leonard Cohen en Winnipeg, cuando su vida dio un giro significativo. Aquel evento despertó en él la idea de cómo las palabras pueden tener un poder trascendental, sin importar el timbre de la voz, lo que lo impulsó a empezar a escribir sus propias canciones.
A lo largo de los años, Noah ha perfeccionado su arte a base de experiencia y reflexión, su estilo musical combina influencias del folk clásico con elementos modernos del indie y el rock, lo que le permite crear una sonoridad que, aunque contemporánea, mantiene una esencia atemporal.
Uno de sus trabajos más destacados es Sanctity of Silence (2023), un álbum que le valió una nominación como Songwriter of the Year en los Canadian Folk Music Awards. Este disco explora temas como el amor, la introspección y la conexión humana.
Ahora, Noah regresa con Stolen Serenades (febrero 2025), un álbum de versiones que rinde homenaje a aquellos artistas y canciones que han dejado una huella imborrable en su vida y su carrera. En Stolen Serenades, Derksen interpreta una selección de canciones que han marcado su camino como compositor, llevando al oyente a un viaje lleno de nostalgia y reflexión. Cada tema es una carta de amor a aquellos que lo inspiraron, una muestra de respeto y admiración por las figuras que han dado forma a la música de todos los tiempos.
En sus temas más recientes, como “If It Be Your Will”, una versión delicada y conmovedora de la famosa canción de Leonard Cohen, Noah logra transmitir una vulnerabilidad conmovedora. La instrumentación suave, combinada con su interpretación vocal apasionada, crea un ambiente casi mágico, invitando a la reflexión y la introspección.
Con su sensibilidad poética, su voz conmovedora y su habilidad para contar historias a través de la música, ha logrado ganarse un lugar en el corazón de muchos.
La cantante y compositora Edie Yvonne, con 16 años, llega como una de las voces emergentes más prometedoras de la escena musical en Los Ángeles.
Desde sus inicios, Edie ha demostrado una gran madurez artística, reflejada en su EP “Girl Code”, este trabajo, compuesto por seis temas, explora diversas facetas de la adolescencia con un sonido que recuerda a figuras como Avril Lavigne y Olivia Rodrigo, pero con un sello propio.
Este año, Edie Yvonne ha comenzado con el lanzamiento de su nuevo sencillo “I Might”, el primero de 2025. Esta canción forma parte de una trilogía junto a “Burn” y “Epitome”, explorando temas de honestidad brutal y amores complejos. Con “I Might”, la joven artista ofrece una reflexión sobre el desapego y la liberación emocional, consolidando su capacidad de contar historias a través de la música.
Además de su reciente lanzamiento, Edie se prepara para un evento especial el próximo 1 de marzo en el icónico Whisky A Go Go de Los Ángeles. Este concierto benéfico apoyará a la organización Heart Beats, dedicada a ayudar a los jóvenes a través de la música. Sin duda, una gran oportunidad para disfrutar de su talento en vivo y contribuir a una buena causa.
Morningsiders es una banda de folk-pop indie originaria de la ciudad de Nueva York, que fusiona momentos musicales íntimos con una producción de estudio atmosférica y sofisticada. La banda fue fundada en la Universidad de Columbia por Magnus Ferguson (voz y guitarra), Reid Jenkins (violín y voz) y Robert Frech (piano). Desde sus inicios como un colectivo de Americana con miembros rotativos e interpretaciones improvisadas, han evolucionado hasta convertirse en un trío sólido, enfocado en la composición y producción de canciones.
Morningsiders saltó a la fama en 2015 cuando su canción “Empress” se convirtió en un fenómeno viral, alcanzando la cima del ranking Viral 50 de Spotify. El tema también apareció en un comercial de Starbucks protagonizado por Oprah Winfrey, lo que amplificó su exposición a nivel nacional e internacional. A partir de ahí, la banda se consolidó como una de las propuestas más frescas dentro de la escena indie folk.
En 2018 y 2019, la banda lanzó una canción nueva cada mes, compilándolas posteriormente en su álbum debut A Little Lift. Con este trabajo, Morningsiders ofreció un sonido más pulido, sin perder la esencia cálida y orgánica que los caracteriza.
En 2020, la banda dio un giro hacia el folk-rock con su segundo álbum, Pollen, explorando nuevas texturas y una instrumentación más robusta. Su búsqueda constante de innovación los llevó a trabajar con el renombrado productor Peter Katis en su EP Easy Does It, donde expanden su sonido sin perder los momentos de brillantez musical y experimentación sónica que los han hecho destacar.
Oddfellows: Un tributo a la tradición folk
Uno de sus proyectos más recientes, el EP Oddfellows, representa un homenaje a la tradición del folk. Grabado en solo cuatro días durante el verano, el disco incluye interpretaciones de baladas tradicionales con más de dos siglos de historia. A diferencia de simples versiones, estas canciones han sido reimaginadas, reflejando la rica evolución que han tenido a lo largo de generaciones y su tránsito por distintas culturas, desde Francia y el Reino Unido hasta Nueva Inglaterra y los Apalaches.
El enfoque de Oddfellows es completamente orgánico y enraizado en la tradición: fue grabado en vivo, con las voces principales capturadas junto con los demás instrumentos, logrando así una sensación de inmediatez y autenticidad. Este EP muestra el respeto de Morningsiders por la historia del folk mientras lo traen a un contexto contemporáneo.
El Track x Track
Two Sisters
El disco comienza con Two Sisters, donde la agrupación nos presentara elemenrtos recurrentes en el disco junto con un estilo propio cargado de armonias y una sensación de bienestar a traves de la música. Con una base de instrumentos acusticos, cuerdas y voces armonizadas el trio nos presenta una canción calida que toma elementos del folk y los rejuvenece a traves de una interpretación tranquila y una isntrumentación que poco a poco va creciendo en fuerza sin perder la sensación nostalgica de la letra.
What Will We Do?
Con un arpegio que entra dentro lo nostalgico, que poco a poco se va llenando de esperanza “What Will Do?” nos va haciendo preguntas que nos ponen en un mood contemplativo, mientras las voces, cuerdas y una sensación atmosferica llenan el espacio sonoro a traves de melodias atmosfericas, realmente el disco viene cargado de estos momentos crecientes atmosfericos que se conbinan con interpretaciones vocales e instrumentales que hacen temblar el corazon.
Con un desgarrador final en un pequño solo de lo que parece ser un instrumento de cuerda frotada la canción logra transmitir una belleza muy interesante, a la vez que ttriste y nostalgica, eso si siempre insinuendo pequeños destellos de esperanza.
Jubilee
Justo en medio del EP , el trio explora un sonido muy clasico del folk y country, con una melodia super pegajoza la canción “Jubilee” nos llena de esperanza y felicidad, que nos recordara a esos momentos super divertidos que podemos pasar junto a alguien, y poder estar agradecidos de todo el jubilo que nos brinda la vida, realmente creo que son temas dificiles de manajer y que la agrupación aborda con genuina autenticidad y los hacen sonar super natural, asi como logran transmitir esa sensación a su audicencia.
Mary´s Dream
Manteniendo una estetica sonora muy bien definida durante todo el disco, Mary´s Dream nos lleva a un vieje etereo de cuerdas y melodias, que pueden cosniderarse mas experimentales y atmosfericas. La canción va creciendo entre pequeñas percusiones y sonidos ligeros de campañas, que nos llevan en un viaje del heroe muy interesante.
Never Had But One True Love
Cerrando el EP, Never Had But One True Love, nos lleva a una historia llena de amor, que combina todos los elementos de este compilado en un estilo mas anecdotico y pop que nos encanta. La canción tiene una vibra un poco diferente ya que no es tan eterea, es una canción mas bien para oir y cantar entre amigos a la vez que la nostalgia de instrumentos como las cuerdas le dan un sello propio.
Morningsiders continúa expandiendo los límites del folk-pop, demostrando que la tradición y la innovación pueden coexistir armoniosamente. Desde sus días como un colectivo universitario hasta su actual estatus como una de las bandas más emocionantes del género.
Con Oddfellows, Morningsiders reafirman su identidad, ofreciendo tanto experimentación sónica como un tributo a las raíces del folk. Su capacidad para reinventarse sin perder su esencia asegura que seguirán siendo una fuerza relevante en la escena musical durante muchos años más.
Con solo 22 años, Yahtzee Brown se perfila como uno de los artistas prometedores de la nueva ola de músicos,originario de Austin, Texas, su música fusiona con destreza géneros como el indie folk, el lo-fi rock y el alt-country, creando un sonido que se siente fresco, maduro y emocionalmente resonante. Su primer álbum homónimo You Got This atraerá la atención de los fanáticos del indie rock y más allá.
Uno de los sencillos que destaca de este debut es Big Friday, con una base rítmica sólida, un bajo pulsante y una guitarra eléctrica que brilla con tonos ricos y suaves, Big Friday tiene la energía característica de una canción de estadio, pero al mismo tiempo mantiene una sensación íntima y personal. La canción transmite una vibra relajada, como si fuera un día soleado y cálido, pero con una profunda reflexión en su lírica.
En este tema, Brown explora un tema doloroso pero universal: perder amigos debido a sus malos hábitos. La letra habla de cómo lo que comienza como diversión ligera puede volverse peligroso, y la difícil lección de aprender a dejar que las personas cometan sus propios errores. A través de su interpretación vocal, que flota suavemente sobre la instrumentación, Brown transmite la melancolía y la sabiduría adquirida a través de la experiencia. Su voz tiene una calidad etérea, que se desliza sobre las melodías con una confianza casual, pero cada nota está cargada de significado.
En cuanto a la instrumentación, el sonido de Big Friday recuerda a las producciones de bandas como Wilco, Dr. Dog y los Old 97s, pero con un toque personal que es distintivo de Yahtzee Brown. La canción parece un crisol donde se mezclan las influencias de la música americana clásica con el indie más contemporáneo. La guitarra tiene la misma sutileza y complejidad de un Johnny Marr, pero con un enfoque más relajado y sin pretensiones. Este equilibrio entre lo clásico y lo moderno es una de las características más atractivas del álbum You Got This.
El estilo de Yahtzee Brown también es una expresión de la generacionalidad en la que creció. Al igual que muchos músicos jóvenes de hoy, Brown fue influenciado por la música de los años 60 y 70, pero su sonido también refleja las particularidades de una época marcada por la incertidumbre, la pandemia y el cambio social. Esto le permite crear un álbum que es tanto nostálgico como contemporáneo, una exploración sonora que evoca recuerdos del pasado mientras reflexiona sobre los desafíos del presente.
