En un mundo donde la música indie sigue evolucionando y renovándose, Yahtzee Brown con tan solo 24 años, llega desde Estados Unidos fusionando influencias de géneros clásicos como el rock psicodélico, el folk y el indie rock contemporáneo, creando un sonido que resuena tanto con los amantes del pasado como con los oyentes más actuales.
Yahtzee Brown, originario de los Estados Unidos, comenzó a capturar la atención de la escena musical con su debut homónimo You Got This, un álbum que destila una atmósfera cósmica y melancólica. Su propuesta musical está llena de guitarras nostálgicas y una batería sutil que se combinan con letras profundas y emotivas. Esta fusión de sonidos crea una experiencia cautivadora.
“Take It Back”, lanzado en diciembre de 2024 encapsula la esencia del artista de manera interesante, con una mezcla de frescura, melancolía y sinceridad Brown aborda temas como el arrepentimiento, las relaciones rotas y la nostalgia de lo que pudo haber sido. La letra, cargada de emoción, invita a la reflexión, mientras que su suave ritmo y atmósfera otoñal nos envuelven en una sensación de intimidad y vulnerabilidad.
La influencia de bandas clásicas como Wilco, Dr. Dog y Old 97s se entrelaza con un toque contemporáneo que evoca la atmósfera introspectiva y sardónica de artistas como Father John Misty. Esto, sumado a la producción refinada de su álbum, realizado por Emile Millar y Michael Lockwood, contribuye a crear un sonido elegante y accesible, pero también profundo y experimental.
La habilidad de Yahtzee Brown para evocar emociones con su música lo coloca en la vanguardia de una nueva generación de artistas de la Generación Z. Criado en un entorno musicalmente diverso, donde la mezcla de rock clásico de los 60 y 70 con el indie más actual parece ser la norma, Brown ha logrado encontrar su propio camino, desarrollando un estilo único que conecta con los oyentes de manera inmediata.
Marble Raft es un dúo sueco de indie pop que ofrece una mezcla de melodías brillantes, atmosferas soñadoras y una producción envolvente. Compuesto por Olle Söderström y Gabrielle Werme Baker, este proyecto musical ha cautivado a los oyentes con su enfoque del pop alternativo, creando paisajes sonoros que invitan a la evasión y a la exploración de lo desconocido.
El dúo comenzó a dar forma a su sonido en 2021 con el lanzamiento de su álbum debut, Geography A. Este primer trabajo mezcla el pop melódico con atmósferas densas y etéreas, lo que les valió un lugar destacado en la escena indie. Con influencias que abarcan desde el dream pop hasta el synthwave, Marble Raft construye un sonido caracterizado por la combinación de guitarras suaves, sintetizadores brillantes y una base rítmica sutil.
Las canciones de este dúo sueco a menudo parecen sacadas de una película en la que se combinan la nostalgia y el misterio, invitando a los oyentes a perderse en mundos sonoros llenos de detalles y texturas complejas. Su capacidad para mezclar sonidos modernos con influencias del pasado crea una sensación de atemporalidad que les ha ganado seguidores tanto entre los amantes del pop experimental como los del indie tradicional.
To Have and to Hold and to Break, lanzado recientemente en 2024, captura la esencia de una noche mágica llena de anticipación y euforia. En sus propias palabras, Marble Raft describe la canción como una representación de “una noche saturada de anticipación, donde uno se deja llevar y cae en un estado mental aturdido y eufórico en el que todo parece posible”. La narrativa de la canción sigue a dos adolescentes que se sienten atraídos por una fuerza superior en el corazón palpitante de la ciudad, lo que los lleva a un viaje lleno de emoción, caos y libertad.
Musicalmente, To Have and to Hold and to Break es un viaje sonoro que explora una combinación de máquinas de cuerdas, guitarras chisporroteantes y el uso delicado de instrumentos como el autoarpa y el mellotron. La canción fluye como una ola de sonidos que se entrelazan y se elevan, creando una atmósfera envolvente que hace eco de la energía de la ciudad y el abandono juvenil.
Las influencias de Marble Raft son claras, pero también muy personales. El dúo se inspira en artistas y bandas como M83, Alvvays, Cocteau Twins, New Order y Chairlift, pero su habilidad para fusionar esas influencias con su propio estilo les ha permitido desarrollar un sonido que se siente fresco y contemporáneo. Si bien las influencias del synth-pop y el dream pop son evidentes, el enfoque de Marble Raft nunca se limita a un solo género, y su música continúa evolucionando, siempre en busca de nuevas formas de expresar sus emociones a través del sonido.
Con el lanzamiento de su nuevo material y el anuncio de su próximo álbum, Dear Infrastructure, previsto para la primavera de 2025, Marble Raft sigue consolidándose como uno de los dúos más emocionantes de la escena indie pop actual.
Fake Dad es un dúo de rock indie con toques de dream pop originario de Los Ángeles, formado por Andrea de Varona y Josh Ford. Desde su formación en 2020, cuando se conocieron en una fiesta universitaria en el East Village de Nueva York, este par de artistas ha cultivado un sonido único que fusiona el rock alternativo de los 90, con sintetizadores vibrantes y una energía fresca.
Sus composiciones, que nacen en su apartamento, capturan momentos expansivos y vulnerables, explorando emociones a través de letras introspectivas y sonidos envolventes.
En el último año, Fake Dad se ha adentrado en un tema fascinante: los “posers” de la música rock. ¿Qué sucede cuando un artista se presenta al mundo bajo una identidad construida, a veces ficticia? Para Andrea y Josh, la idea de jugar con personajes y alter egos es fundamental en la historia del rock. Artistas como PJ Harvey, Tina Turner, Stevie Nicks, David Bowie y LCD Soundsystem han usado la creación de una imagen poderosa y reinventada para transmitir verdades sobre ellos mismos y cuestionar las expectativas de la sociedad. En ese sentido, Fake Dad ha adoptado esta misma filosofía, sumergiéndose en la libertad de escribir música a través de la lente de un personaje, lo que les ha permitido explorar más profundamente su identidad y sus experiencias.
El EP que próximamente lanzarán, titulado Holly Wholesome and the Slut Machine, se sumerge en este concepto de personajes y mundos inventados. A lo largo de este proyecto, Andrea y Josh crean un universo imaginario poblado por payasos enfadados que friegan hamburguesas, caballeros enamorados y demonios de parálisis del sueño enmascarados. Sin embargo, detrás de estos personajes surrealistas, los miembros de Fake Dad están desentrañando aspectos muy reales de sus vidas, explorando temas como sus identidades y sexualidades dentro de su relación romántica y la vida cotidiana.
Uno de los sencillos más destacados de este EP es “ON/OFF”, una pieza de grunge que destila rabia contenida y frustración sexual. En la canción, de Varona describe la experiencia de sentirse emocionalmente abrumada y sobreestimulada, atravesando un momento de agotamiento, con versos que reflejan esa sensación de estar atrapada en un ciclo de cansancio y desconexión. La canción se sumerge en el estrés moderno de la sobrecarga de información y la ansiedad derivada de las pantallas, el scrolling infinito y las notificaciones constantes, y pide un respiro, un apagón temporal para poder “encender” nuevamente la conexión emocional con uno mismo.
Andrea explica que “ON/OFF” nació en un momento en el que no podía salir de la cama ni dejar su apartamento.
“El tiempo realmente se derrite. Cuando ignoras tus sentimientos por tanto tiempo, te conviertes en alguien abrumado y desconectado de ellos: tanto insensible como sobreactivado”, comenta.
La canción es una súplica por volver a sentir, por recuperar el control y desconectarse de un mundo saturado de estímulos constantes.
El proyecto Holly Wholesome and the Slut Machine es solo el comienzo de una nueva era para Fake Dad, un momento de reinvención artística que promete llevarlos a nuevas alturas.
Séa Byrne, el cantante y compositor irlandés radicado en Puerto Vallarta, México, continúa sorprendiendo con su fusion de influencias globales y sonidos locales en su propio estilo . Con la llegada de su más reciente sencillo, Huracán, el artista da un paso más en su exploración musical y personal, ofreciendo una pieza de gran carga emocional y sonora que refleja su experiencia viviendo en los trópicos y enfrentando los desafíos de la vida.
La historia de Séa comienza en las calles de Dublín, donde su pasión por la música comenzó a temprana edad. Durante años, escribió canciones, experimentó con distintos géneros musicales y compartió su talento en diversas plataformas. Sin embargo, fue su mudanza a Puerto Vallarta, un lugar conocido por su belleza natural y su mezcla cultural, lo que marcó el verdadero punto de inflexión en su carrera. Fue aquí donde descubrió una nueva sonoridad, la que ha influido en la creación de su primer álbum Blue Skies, que se lanzará en diciembre de 2024.
Su música refleja las emociones y experiencias que ha vivido en su nueva vida en los trópicos. Canciones como Huracán, su más reciente lanzamiento, exploran los retos de adaptarse a un entorno impredecible, como los huracanes que vivió en 2022. En este tema, Séa transmite un mensaje de resistencia y superación: “Si no te mata, te hace más fuerte”. La letra de Huracán rinde homenaje a la majestuosidad de la naturaleza y las antiguas culturas locales que habitan la región.
Huracán no solo es el título de la nueva canción de Séa, sino también una representación poderosa de la forma en que la naturaleza y la adversidad nos moldean. El tema nació durante la temporada de huracanes de 2022, cuando Séa experimentó por primera vez los impresionantes fenómenos naturales en Puerto Vallarta. La fuerza de estos eventos, tan característicos de la región, inspiró al músico a escribir una canción que no solo se refiere a los huracanes, sino a la metáfora de las tormentas emocionales y personales que todos enfrentamos en la vida.
La letra de Huracán transmite un mensaje de lucha y superación: “Si no te mata, te hace más fuerte”. Esta frase encapsula la esencia del tema, recordando que las dificultades pueden ser oportunidades para crecer y encontrar nuestra fuerza interior. A través de esta canción, Séa nos invita a enfrentar las adversidades con valentía y esperanza, y a recordar que después de la tormenta, siempre llega la calma.
Huracán es una llamada a la acción, un recordatorio de que, no importa cuán fuerte sea la tormenta, siempre hay espacio para la resistencia, el renacimiento y la paz.
Patrick Koper es un cantante y compositor canadiense, originario de Montreal, que fusiona géneros y sonidos atmosféricos y envolventes. Su música abarca desde la guitarra Bossa Nova hasta suaves melodías etéreas, y sus letras se caracterizan por explorar temas de crecimiento personal, reflexión y conexión con la naturaleza. Su estilo único ha capturado la atención de muchos, y su reciente EP A Sweet Escape combina influencias culturales y sonoras de manera creativa y emocional.
Uno de los sencillos más destacados de este EP es “Canopy Thief”, una pista que invita a los oyentes a sumergirse en una atmósfera tropical y soñadora. El tema fusiona la guitarra Bossa Nova con una producción elegante y moderna, acompañada de una voz que flota sobre el ritmo, como el aire cálido de un paisaje exótico.
La canción destaca por su arreglo inteligente, que comienza con una estructura sencilla para luego desarrollarse en una rica capa de sonidos, con percusiones nítidas y toques electrónicos sutiles. La letra bilingüe, que alterna entre inglés y francés, le da un toque aún más intrigante, haciendo referencia a la conexión con la naturaleza y la sanación personal.
Koper no solo se dedica a la música, sino que también es un apasionado fotógrafo. Su amor por la naturaleza y los viajes se refleja tanto en su música como en su fotografía, siendo la película fotográfica una de sus formas favoritas de expresión. Su trabajo visual complementa perfectamente la atmósfera que crea en sus canciones, transportando a los oyentes y espectadores a lugares remotos y tranquilos, donde la introspección y la paz interior se encuentran en perfecta armonía.
EWAH (Emma Waters) es una cantante, compositora y cineasta australiana que transformar experiencias personales en obras universales. Con una carrera que abarca más de una década, ha explorado géneros como el folk psicodélico, el alt-country y el art pop, fusionando una sensibilidad introspectiva con sonidos innovadores. Originaria de Lutruwita/Tasmania, EWAH ha dejado su huella tanto en la música como en el cine, destacándose por su premiado trabajo en composiciones para pantalla y sus residencias artísticas. Su regreso como solista con el álbum Souvenir marca un renacimiento artístico, reflejando una trayectoria de lucha, sanación y transformación creativa.
“Este es el álbum que intenté hacer durante años”,
Confiesa, describiendo cómo el proceso creativo le permitió reconstruir su vida y su arte.
El título del álbum, Souvenir, significa “recuerdo” tanto en francés como en inglés, y hace honor a su nombre al tejer historias íntimas del pasado y el presente. A través de sus canciones, EWAH comparte un relato cautivador: perderse, encontrar el amor verdadero y atesorar los lazos familiares, especialmente con su joven hija.
El álbum no solo narra esta travesía emocional, sino que también integra aspectos únicos de su proceso creativo. Algunas partes de los demos originales de EWAH se entrelazan con las grabaciones nuevas, destacando cómo pasado y presente convergen para formar un todo coherente.
Grabado en la región del Huon, en Lutruwita/Tasmania, el entorno natural desempeñó un papel esencial en la creación del álbum. “A veces, los sistemas climáticos parecían responder a la música, como una pequeña tormenta que se desató mientras grabábamos el crescendo de batería en Mountain Song,” relata EWAH. Los reflejos de la luz solar y los arcoíris que aparecieron durante las sesiones de grabación se convirtieron en símbolos de guía e inspiración.
El álbum fue co-producido por EWAH junto al ingeniero y mezclador Jethro Pickett, quien también contribuyó con instrumentos como el órgano, el piano y el lap steel. Otros colaboradores incluyen a Sorin Vanzino en batería y percusión y Stuart Hollingsworth en bajo, mientras que EWAH aporta su versatilidad interpretando guitarra, sintetizador, piano, cuerdas, percusión y más. En paralelo al lanzamiento de Souvenir, EWAH está revisitando su catálogo anterior. Canciones como Comeback, una nueva versión de un tema de 2006, muestran su evolución como artista y su capacidad para encontrar belleza en los momentos más oscuros de su vida.
La artista también se prepara para compartir el álbum con el público a través de presentaciones íntimas, incluyendo un evento especial en Suffragette Records, Nipaluna/Hobart, el 7 de diciembre de 2024.
El Track x Track
1. Walking On Water
Mostrando su lado mas folk y en un estilo minimalista Walking On Water abre el disco, en una sensación intima que fsuiona historias personales, donde poco a poco voces etereas van tomando su lugar, un beat y navidad es la constante en la canción, para finalmente explotar en un coro que nos lleva a elementos mas resonantes, en una sensación de tensión y liberación la canción mantiene elementos comnstantes y poco a poco nos presenta una voz que explorara mas estilos mas adelante del albúm.
En general un track interesante que funciona muy bien para abrir el disco especialmente para las personas que gustan de elementos que generan misterio y melodias suaves.
2.- Running Away
Con una sensación de glitches, guitarras acusticas y pianos suaves, Running Away nos sumerge en una historia a manera de balada, reforzada por voces que cada ves mas exploran una sensación eterea que van desde el fondo hasta tomar protagnosimo en el coro, explotando toda la parte instrumental en una sensación Shoegaze casi inesperada pero muy bien construida, en esta canción empezamos a notar un elemento recurrente en el disco, que es el ostinato y voces principales que van desde lo “hablado” y que suvitamente buscan un lugar melodico en el caos nostalgico instrumental, con un sonido en la mezcla muy crudo que le da una sensación de cercania muy interesante.
3. Touch the Light
Touch the Light llega con un mensaje de esperanza, La canción mezcla sintetizadores con percusiones etéreas, simbolizando el viaje de EWAH a través de la oscuridad hacia la claridad. Con tintes de Indie Rock y Dream Pop las letras actúan como un recordatorio de que, aunque el pasado puede ser doloroso, el futuro puede iluminarse con determinación y amor propio. Poco a poco nos va introduciendo elementos como guitarras con palm mute, piano y una sensación creciente interesante. SIguiendo un estilo mas ostinato la canción presenta a la voz como portagonista de la producción en un video ue transmite esta sensación de busqueda.Una buena introducción para el albúm, sin embargo algo prolongada en suu duración que no estoy seguro si termina por beneficiarle o no a la canción, especialmente por este estilo de ostinato durante toda la canción.
4. Mountain Song
Este tema es un retrato del poder de la naturaleza como reflejo de las emociones humanas. Las percusiones, grabadas durante una tormenta real, y los crescendos de guitarra evocan la fuerza cruda de las montañas del Huon, mientras que la letra narra una lucha interna por encontrar equilibrio y paz. Es un homenaje tanto al entorno que inspiró el álbum como al viaje emocional de EWAH. En un estilo minimalista la cantante nos presenta elementos como pianos, voces crudas y una creciente tormenta de sonidos que vulven la canción en un viaje de texturas, ala vez que mantiene este estilo de ostinato mas que de melodias pop.
5. Halfway
Una balada introspectiva en la que EWAH explora la sensación de estar atrapada entre el pasado y el futuro. Con un arreglo minimalista de cuerdas y sintetizadores, la canción transmite vulnerabilidad y una búsqueda de propósito. Su interpretación vocal es íntima y cruda, como si EWAH susurrara sus pensamientos directamente al oído, a la vez que nos da una sensación dulce en la cuerdas y el bajeo de la canción, poco a poco el uso de sintetizadores le va dando una sensación fresca pero a la vez futurista, nos encanta como el ritmo de la canción es realmente propositiva dentro del albúm, una sensación que te hace querer tambalearte de un lado a otro mientras disfrutas de las texturas del track, quizas al igual que en tracks anteriores la canción se prolonga por demas unos minutos y va perdiendo esta sensación, sin embagro croe que presenta una melodia vocal atrapante que hace que vayas disfrutando este viaje.
6.- Under Fog and Snow
Con guitarras dulces y estridentes Under Fog and Snow, nos lleva a sonidos etereos de Dream Pop, presentandonos una de las canciones mas coreables del disco, donde poco a poco la voz va ganando espacios hasta ser una luz dentro de la instrumentación que guia la proudcción, un tema que te podria recordar a The Cranberries, pero con una sensación mas atmosferica y lenta que se va alargando hasta los seis minutos.
7.- Let Love In
Llegando al crepusculo del disco Let Love In nos introduce a su mundo con una capa de sintetizadores, etereos, melancolicos y juguetones sin duda es el intro mas interesante del disco, jugando con pequeños destellos de guitarra y una voz suspirada que le da mucha nostalgia al track. Las voces van apareciendo cada vez mas y mas en un ligero destello, mientras los sintetizadores van pintando pequeños arpegios que hacen del track algo super interesante de oir, sin duda nuestro track favorito del disco ya que logra sumergirnos en una atmosfera propia y mantenernos cautivados hasta el final.
8.- Waking Up is Easy
Para cerrar el disco Waking Up is Easy presenta elementos recurrentes durante todo el disco, una guitarra acustica, sintetizadores atmosfericos y una voz dulce y eterea, con un arreglo a manera de ostinato en la guitarra la canción va explorando ligeros sonidos atmosfericos y una melodia timida pero pegajosa, con un estilo propiopresentado en el disco, este ultimo track resume muy bien la escencia sonora del disco, a la vez que nos lelva por este viaje de esperanza y autodescubrimiento que plantea la artista.
Souvenir no es solo un regreso musical para EWAH, sino también una obra que encapsula años de crecimiento, sanación y búsqueda de significado. Con canciones que mezclan lo íntimo y lo expansivo, y una narrativa que resuena con cualquiera que haya enfrentado desafíos personales, este álbum promete ser un punto culminante en la carrera de una artista que nunca ha dejado de evolucionar.
Wish Queen, el alter ego musical de Grace Sullivan, es una artista que transforma lo intangible en melodías cautivadoras. Desde Cleveland, esta talentosa cantante y compositora logra encapsular en su música esos deseos profundos y sentimientos de anhelo que a menudo resultan difíciles de expresar. Con una mezcla hipnótica de dream pop, art pop e indie folk, Wish Queen crea paisajes sonoros tan auténticos como emocionales, siempre guiados por su distintiva poesía y una voz rica en matices.
Después de conquistar la escena underground con su álbum debut Saturnalia, lanzado en octubre de 2023, Wish Queen presenta Floral Sheets, una canción que destaca por su simplicidad y profundidad emocional. En este tema, la producción minimalista cede todo el protagonismo a la interpretación vocal de Sullivan, generando una atmósfera cálida y atrapante. Sus letras evocan imágenes vívidas y conmovedoras, capturando con honestidad la experiencia de enamorarse por primera vez, un sentimiento que resuena en cada nota y palabra.
Floral Sheets es parte del lanzamiento doble Feeder/Floral Sheets, donde Wish Queen explora las complejidades del amor desde dos perspectivas opuestas. Mientras que Feeder reflexiona sobre el lado oscuro y destructivo del deseo, Floral Sheets se convierte en un bálsamo, una luz que disipa las sombras. Con una interpretación vocal despojada de artificios, la canción deja al descubierto la esencia de Sullivan como artista: su habilidad para conectar con lo más profundo de las emociones humanas.
La transición de Wish Queen hacia un sonido más desnudo en Floral Sheets marca un nuevo capítulo en su carrera. Si bien Saturnalia fue elogiado por su producción elaborada y cualidades oníricas, esta canción resalta el poder de lo sencillo, demostrando que a veces menos es más. La crítica especializada ha reconocido su autenticidad, destacando la forma en que sus canciones funcionan como refugios emocionales para quienes buscan algo verdadero.
