Acústico

De “Buy Yourself a Dream” a “Looking Away”: La evolución de Monotronic

De “Buy Yourself a Dream” a “Looking Away”: La evolución de Monotronic

Hace cuatro años, Monotronic lanzó “Buy Yourself a Dream”, un sencillo que mostró un enfoque interesante en su música. La canción comienza de manera minimalista, con un ritmo tranquilo que permite destacar la voz natural y versátil del artista. A medida que avanza, la composición se vuelve más compleja, incorporando instrumentos que elevan la intensidad sin perder coherencia. Los contrastes en el registro vocal añaden una capa adicional de profundidad, reflejando una exploración sonora que define su estilo.

Ahora, con su último EP, Looking Away, la banda neoyorquina presenta una evolución clara. La canción que da título al proyecto, “Looking Away”, abre con un ritmo influenciado por el indie pop, más dinámico y directo que su predecesora. Aquí, la voz es más concisa, pero no por ello menos expresiva. La producción es más pulida, mostrando un crecimiento artístico que se nota en la estructura y los arreglos. Es una pieza que busca conectar con el oyente a través de un sonido más accesible.



Otra canción destacada del EP es “Kids of Summer – Radio Edit”, donde Monotronic explora un sonido un poco más experimental. Con sintetizadores y efectos bien integrados, la pista tiene un enfoque energético que la distingue. La voz adopta un tono juguetón, complementando la influencia de géneros modernos como el pop y la electrónica. Es una muestra de cómo la banda sigue probando nuevas ideas sin perder su esencia, fusionando estilos con naturalidad.

Comparando “Buy Yourself a Dream” con las nuevas propuestas, se nota un cambio en el enfoque musical de Monotronic. Mientras la primera canción se centraba en una progresión gradual y en la exploración vocal, las nuevas piezas apuestan por ritmos más definidos y una producción más arriesgada. Sin embargo, ambas etapas comparten un sello distintivo: la capacidad de crear atmósferas que mantienen la atención del oyente.

Con Looking Away, Monotronic reafirma su lugar en la escena indie. La banda, liderada por Ramsey Elkholy, sigue demostrando su interés por mezclar géneros y estilos para crear algo propio. Desde la introspectiva “Buy Yourself a Dream” hasta el vibrante “Kids of Summer – Radio Edit”, su evolución es un reflejo de su búsqueda constante.


Fred Leán y su ‘Frío’: Una cálida declaración de amor en clave folk pop

Fred Leán y su ‘Frío’: Una cálida declaración de amor en clave folk pop

Fred Leán, un cantautor mexicano nacido en la costa de Veracruz, está listo para abrirse camino en la escena musical con su nuevo sencillo “Frío”, una canción que promete envolvernos en una atmósfera de introspección y calidez emocional. Este tema es la primera probada de su próximo EP titulado “Boreal”, un proyecto inspirado en los paisajes nevados y los momentos íntimos que marcan su vida actual en Alberta, Canadá.

Con una combinación de sonidos acústicos, folk e indie pop, Fred el artista nos lleva a través de un viaje sonoro por carreteras montañosas y momentos de conexión que capturan la esencia de “no querer irse” cuando estás con alguien especial. Desde el primer acorde hasta el cierre, la canción crece en energía, reflejando cómo el calor de las emociones se intensifica en un día frío.

“Escribí esta canción cuando estaba en la prepa, pensando en esa magia única de gustar y ser correspondido por alguien. Ahora, muchos años después, la letra sigue resonando en mí, sobre todo porque conecta con ese deseo de compartir momentos simples pero llenos de significado”, comparte Fred.



La vida de Fred Leán ha dado un giro interesante en los últimos años. Actualmente reside en Alberta, Canadá, una experiencia que, aunque enriquecedora, no ha estado exenta de desafíos. La lejanía de su familia y amigos ha sido un tema recurrente en su proceso creativo, transformando la nostalgia en arte.

“Vivir aquí ha sido difícil, pero también muy inspirador. Las montañas, los bosques nevados y hasta las auroras boreales han dejado huella en mí. Estas canciones reflejan ese contraste entre la belleza del lugar y los retos emocionales de ser inmigrante”, explica.

El EP “Boreal”, que verá la luz este año, promete ser un proyecto íntimo y personal. Producido en colaboración a distancia con el equipo de Edén Music en Ciudad de México, cada canción parece estar impregnada de la esencia del invierno canadiense y las emociones humanas que lo acompañan.


Renée Ruffinengo: “Yo Canto” y la Fusión de Poesía y Pop desde Argentina

Renée Ruffinengo: “Yo Canto” y la Fusión de Poesía y Pop desde Argentina

Renée Ruffinengo la cantautora y pianista argentina; es una artista que fusiona pop y poesía, con una trayectoria que combina técnica, pasión y un enfoque artístico poético, desde muy joven, Renée mostró un talento para la música. A los 15 años ya era maestra de piano, con una sólida formación en música clásica que la llevó a realizar recitales en su niñez. Pero su espíritu inquieto no se detuvo ahí: pronto exploró géneros como el pop/rock, el blues y el jazz, participando como cantante y tecladista en diversos grupos.

En 2010, Renée dio el salto como solista al lanzar su primer disco independiente, un trabajo que contenía diez canciones originales y que marcó el inicio de su viaje como compositora y productora artística.

Tras más de una década de crecimiento artístico, en 2023 Renée presentó “Infusión”, su segundo álbum. Este proyecto representa un paso en su carrera, en este disco invita al espectador a sumergirse en un universo creativo. Cada una de las 13 canciones es un capítulo independiente, cuidadosamente producido para ofrecer una narrativa visual y sonora cohesiva.



Entre los temas de “Infusión”, “Yo Canto” encapsula la esencia de Renée transformando emociones complejas en poesía y con melodías pegajosas, arreglos y letras profundas, “Yo Canto” resuena tanto en el corazón como en la mente de quien la escucha.

La música de Renée combina la riqueza armónica y la precisión técnica de su formación clásica con la accesibilidad y emoción del pop. Pero lo que realmente distingue a su obra es la poesía de sus letras, que exploran temas desde una perspectiva íntima.

Renée invita a todos a descubrir su obra, degustarla como una buena infusión y permitir que sus canciones encuentren un espacio en el corazón de quienes buscan algo más en la música. Su mensaje es claro: el arte auténtico, hecho con amor y dedicación, siempre será relevante.


Amelie Lucille: La Promesa del Indie Oscuro

Amelie Lucille: La Promesa del Indie Oscuro

Amelie Lucille es una cantante y compositora de 16 años originaria de Nueva York, que ha logrado destacarse por su voz profunda, mucho más allá de su corta edad. Amelie ha sabido conectar con su audiencia de una manera auténtica y conmovedora. Su estilo musical refleja una pasión por las raíces del rock alternativo, el post-punk y la música gótica, y se caracteriza por una atmósfera melancólica y envolvente.

Aunque es joven, la influencia de artistas icónicos como The Cure, Cocteau Twins, Björk y The Sundays es clara en su música. Estas figuras clave en la música alternativa y gótica han marcado profundamente el sonido de Amelie, aportando una estética emocionalmente cargada y sombría a sus composiciones. Su estilo, que muchos definen como de un “alma vieja”, fusiona la introspección de la música alternativa con una atmósfera casi etérea, lo que la convierte en una artista única en su generación.



En “At All”, Amelie captura la sensación de estar en una relación que ya no tiene futuro, pero en la que aún persiste el deseo de aferrarse a lo conocido. La canción está estructurada en cuatro secciones que fluyen de manera natural, sin un patrón tradicional, lo que refuerza la idea de incertidumbre y transición que atraviesa el tema. Amelie ha mencionado que la canción está influenciada por artistas como Adrianne Lenker, Alex G, TV Girl y Mk.Gee, quienes aportaron a la creación de un sonido único y envolvente.

Desde su primer álbum homónimo, lanzado en junio de 2023, Amelie ha demostrado su capacidad para contar historias de una manera única, fusionando lo personal con lo universal. Cada una de sus canciones refleja una visión sincera del mundo, ofreciendo a sus oyentes una ventana a sus pensamientos y emociones más profundos.

Su música, profundamente personal y apasionada, es una invitación a explorar el lado más oscuro y emocional del ser humano, y promete seguir sorprendiendo a su creciente base de seguidores en los próximos años.


“Midnite Sun” de Popkanon y Emma Butterworth: Una Canción que Transita Entre la Melancolía y la Esperanza

“Midnite Sun” de Popkanon y Emma Butterworth: Una Canción que Transita Entre la Melancolía y la Esperanza

“Midnite Sun” es una colaboración entre el colectivo noruego Popkanon y la cantante y compositora estadounidense Emma Butterworth. Este tema, que fusiona elementos electrónicos con un toque acústico, crea un paisaje sonoro etéreo y envolvente que captura la esencia de la luz fugaz del sol de medianoche, una metáfora perfecta para la naturaleza efímera del amor y la introspección.

La canción se mueve entre la melancolía y la esperanza, explorando temas universales como la soledad, el anhelo, la conexión humana y el amor que arde con fuerza a pesar del paso del tiempo. Con sus suaves y delicadas voces, Butterworth logra transmitir una sensación de vulnerabilidad que resuena en el oyente, mientras que la producción de Popkanon se encarga de envolver todo en una atmósfera etérea que te invita a reflexionar sobre el destino de las relaciones pasadas y lo que el futuro pueda traer.



La letra de “Midnite Sun” habla de las complejidades del amor, la reflexión sobre las relaciones pasadas y el anhelo de encontrar algo más profundo. La voz de Emma Butterworth se siente tanto ligera como poderosa, equilibrando perfectamente la serenidad del tema con la fuerza emocional que transmite. La manera en que las armonías se entrelazan con las melodías electrónicas crea un contraste fascinante, que evoca una sensación de estar atrapado entre dos mundos: uno que ya se ha ido y otro que aún está por llegar.

En cuanto a la producción, Popkanon aporta su sello característico al incorporar elementos electrónicos y acústicos que enriquecen la melodía. La mezcla de sonidos modernos con influencias más clásicas crea una obra única, que no se limita a un solo género, sino que explora un espectro de estilos y sensaciones. Esto le otorga una frescura que convierte a “Midnite Sun” en una pieza atemporal.


Rosier y el eco maternal: El viaje sonoro de ‘N’as-tu jamais vu d’oiseaux?

Rosier y el eco maternal: El viaje sonoro de ‘N’as-tu jamais vu d’oiseaux?

Rosier, una agrupación bilingüe y femenina de Montreal, se ha ganado un lugar especial en el panorama musical al combinar las raíces de la música tradicional con las tendencias más modernas del indie-folk. Con un sonido etéreo, poético y envolvente, la banda ha logrado crear una propuesta fresca y emocionante que sigue conquistando corazones en todo el mundo.

Formada hace más de una década, Rosier nació bajo el nombre de Les Poules à Colin, y desde entonces ha sabido consolidarse como una de las bandas más innovadoras del género. Su música fusiona la tradición folk con elementos del pop moderno y la electrónica, logrando una mezcla sonora única que se caracteriza por voces femeninas poderosas, letras profundas y una instrumentación rica y detallada.



El álbum Elle veille encore, lanzado en noviembre de 2023, es una obra profundamente introspectiva que explora el espíritu maternal a través de una lente etérea, donde el folk se mezcla con el dream-pop y el indie-tronica. Este disco es una oda a las figuras maternas, tocando temas como el consuelo, el abandono, la muerte, la ilusión y el castigo, todos ellos reflejados en las canciones que componen el álbum.

Las composiciones de Rosier en Elle veille encore se sienten como una reflexión sobre la relación madre-hija, un vínculo complejo y multifacético. La banda logra transmitir estas emociones a través de una cuidadosa construcción sonora que incorpora guitarras suaves, sintetizadores brillantes, ritmos desestructurados, samples vintage y piano, todo esto complementado con capas de voces etéreas en francés e inglés.

“N’as-tu jamais vu d’oiseaux?” es una de las piezas más introspectivas del segundo álbum de la banda Rosier, Elle veille encore. Esta canción destaca por su delicada fusión entre la tradición folk québécois y las influencias del alt-pop contemporáneo, explorando las complejas dinámicas entre madres e hijas a través de una propuesta sonora moderna.

La canción está inspirada en los relatos atemporales en los que las madres advierten a sus hijas sobre los peligros que acechan en el mundo. Béatrix, una de las vocalistas y compositora del grupo, explica que la influencia principal para la creación de “N’as-tu jamais vu d’oiseaux?” proviene de la obra de la cantante y compositora Lomelda, especialmente su álbum Hannah. Los ritmos de Lomelda le recordaron a la percusión tradicional québécois, lo que la inspiró a crear una pieza que jugara con estos sonidos de manera única, fusionando lo lo-fi con lo más característico del folk.

El demo original de la canción fue grabado con guitarra de cuerdas de nylon, una guitarra eléctrica económica conectada por DI (entrada directa), una antigua máquina de ritmo digital y una mezcla tímida de francés e inglés. La atmósfera íntima que logró Béatrix fue el primer paso para la creación de la pieza. En abril del año pasado, el grupo se trasladó a una cabaña en Sainte-Adèle, Quebec, para terminar la canción, en un ambiente relajado, rodeado por un lago congelado, lo que sumó a la serenidad y la emotividad de la grabación.


Ed Maverick y LA NUBE EN EL JARDÍN: Un Viaje Emocional a Través de la Vulnerabilidad

Ed Maverick y LA NUBE EN EL JARDÍN: Un Viaje Emocional a Través de la Vulnerabilidad

Ed Maverick, uno de los artistas más destacados de la escena indie mexicana, ha lanzado su esperado cuarto álbum de estudio, LA NUBE EN EL JARDÍN. Con este trabajo, Maverick continúa explorando y profundizando en su capacidad para expresar emociones crudas, pero en esta ocasión lo hace de una manera completamente innovadora. En lugar de presentar su álbum como una colección de canciones individuales, LA NUBE EN EL JARDÍN se ofrece como una pieza de 53 minutos y 49 segundos, dividida en ocho segmentos, cada uno de ellos con un enfoque único y personal.

A través de esta estructura segmentada, Maverick le da a cada una de sus composiciones un espacio propio, lo que permite que el oyente se adentre más profundamente en las emociones que el artista busca transmitir. Cada segmento representa una nueva forma de experimentar las historias contenidas en el álbum, lo que le da un enfoque más completo y multifacético a la obra.



El primero de estos segmentos fue el lanzamiento de “Nadie Va a Pensar en Ti Mejor que Yo”, una balada profundamente emotiva que refleja los altibajos de una relación en la que las expectativas y la realidad se encuentran, a menudo, en tensión. Esta canción, con su guitarra delicada y su voz vulnerable, estableció el tono para lo que vendría: una travesía de sentimientos complejos y profundamente humanos.

Uno de los segmentos más destacados del álbum es “Violento”, lanzado como parte del proceso de liberar los ocho segmentos que componen el álbum. En este tema, Maverick se adentra en un momento de su vida marcado por el resentimiento y la frustración. El propio artista describe el proceso detrás de la canción, explicando que se encontraba en un estado de “violencia” emocional debido a problemas personales con alguien a quien quería profundamente, pero no de forma romántica, sino fraternal.



La atmósfera tensa y pesada que describe Maverick en “Violento” refleja el peso de esos sentimientos de ira y desilusión. Sin embargo, a pesar de la intensidad de las emociones en la canción, Maverick también reflexiona sobre cómo, con el tiempo, llegó a darse cuenta de que aquello que sintió no representaba la realidad completa. La canción es un retrato de la lucha interna de Maverick, en la que la percepción distorsionada de un conflicto personal le dio forma a sus pensamientos y sentimientos.

“Violento” se convierte así en una representación de lo que ocurre cuando las emociones intensas nublan nuestro juicio, y cómo, con el paso del tiempo, somos capaces de ver las cosas desde una perspectiva diferente.

En cada uno de los segmentos de LA NUBE EN EL JARDÍN, Maverick se enfrenta a sus propios demonios internos, pero lo hace de una manera que invita al oyente a reflexionar sobre sus propias experiencias. La universalidad de sus temas —el dolor, la lucha interna, la búsqueda de la paz— lo convierte en un artista capaz de trascender las barreras del idioma y la cultura.


“Falling Like Stars”: La Nostalgia Melódica de Bird

“Falling Like Stars”: La Nostalgia Melódica de Bird

La cantautora y multiinstrumentista Janie Price, conocida en la escena musical como BIRD AKA JANIE PRICE, nos trae su más reciente sencillo “Falling Like Stars”. Esta canción nos sumerge en una atmósfera tranquila y nostálgica, destacando por sus delicados elementos acústicos y una voz suave que transmite una honestidad profunda. Desde el primer acorde, la canción crea un paisaje sonoro que invita a la reflexión, como si cada nota se entrelazara con los recuerdos y emociones que todos llevamos dentro.

Bird es una artista con una trayectoria admirable. Desde su temprana formación como violonchelista a los seis años, hasta aprender a tocar la batería a los once, su habilidad para combinar diferentes instrumentos y géneros es impresionante. No solo ha trabajado como sesionista con numerosos artistas, sino que también ha forjado su propio camino como solista. Su debut fue bien recibido por la crítica y su segundo álbum, lanzado bajo EMI Publishing y el sello independiente Music for Dreams, consolidó su posición en la industria.



Con “Falling Like Stars”, Bird muestra su maestría al fusionar su formación clásica con una sensibilidad moderna. La canción tiene una simplicidad engañosa, donde cada elemento, desde los acordes suaves de la guitarra hasta la dulzura de su voz, está cuidadosamente colocado para crear una sensación de calma y melancolía. La interpretación de Bird es íntima y sincera, logrando capturar la esencia de esos momentos en los que parece que el mundo se detiene y solo queda la emoción.

La carrera de Bird no ha sido menos impresionante detrás de escena. Ha escrito y colaborado con varios artistas, incluidos dos álbumes de oro certificados con Hooverphonic, y coescribió “Secrets and Lies” para Chiara Dubey, una canción que llegó a las finales suizas del Eurovision. Estas experiencias no solo han enriquecido su carrera, sino que también han añadido capas de profundidad a su música, algo evidente en “Falling Like Stars”, que refleja una mezcla perfecta de su enfoque clásico y su habilidad como compositora contemporánea.


“The Moon Is A Spaceship”: La Vulnerabilidad que Conquista Corazones a través de la Música

“The Moon Is A Spaceship”: La Vulnerabilidad que Conquista Corazones a través de la Música

Joshua Golden, un nombre que empieza a resonar en el mundo de la música pop, ha lanzado una nueva canción titulada “The Moon Is A Spaceship”. Con esta propuesta, Joshua explora un terreno emocional cargado de nostalgia, donde lo acústico se entrelaza de manera sublime con influencias pop e indie. Su tono vocal suave pero intenso guía al oyente por un viaje íntimo y reflexivo, donde cada nota parece pulsar directamente en el corazón.

Desde temprana edad, Joshua ha encontrado en la música una manera de conectar profundamente con las emociones. La pregunta que siempre le ha acompañado —”¿te conmueve la música?”— es la que lo empujó a escribir sus propias canciones, armándose de una guitarra y un cuaderno para capturar cada sentimiento. Este enfoque lo ha llevado a crear temas que exploran desde la vulnerabilidad del amor no correspondido hasta las luchas con la salud mental.



Con un estilo musical que encuentra un cómodo equilibrio entre artistas como Harry Styles, Noah Kahan y Post Malone, Joshua fusiona melodías acústicas con toques pop de una manera tan natural que resulta fácil dejarse llevar por su sonido. El toque nostálgico que envuelve “The Moon Is A Spaceship” es quizás uno de sus puntos más fuertes, logrando que la canción no solo sea fácil de escuchar, sino también de sentir.

El éxito de Joshua no ha sido un golpe de suerte. Con más de 250 millones de reproducciones globales y una base sólida de seguidores en redes sociales, ha demostrado que su música tiene el poder de conectar con millones de personas. Su firma reciente con APG, la editorial de Mike Caren, y sus colaboraciones con artistas de renombre como Charlie Puth, Selena Gomez, y Tiesto, han consolidado su lugar en la industria.

Con cada nueva canción, Joshua se adentra más en su faceta de compositor vulnerable, buscando crear conexiones significativas con su audiencia. Él mismo ha expresado que su propósito en la música no es solo entretener, sino inspirar a otros a ser honestos consigo mismos, a enfrentar sus propias luchas emocionales.


“Wait on This”: El Viaje Musical de Couvo a la Reflexión y la Vulnerabilidad

“Wait on This”: El Viaje Musical de Couvo a la Reflexión y la Vulnerabilidad

Couvo es el proyecto del músico y compositor Josh Couvares, quien ha emergido como una de las voces más prometedoras dentro del Indie Rock y Folk contemporáneo. Su propuesta sonora está impregnada de una delicadeza sutil y una crudeza introspectiva, con letras que exploran temas como la nostalgia, la incertidumbre del futuro y la aceptación de la vida tal y como es, la música de Couvo se convierte en un espejo para aquellos que buscan encontrar sentido en su propio viaje personal.

Couvo es una amalgama de influencias que van desde el Folk clásico hasta el Indie Rock moderno, llenas de texturas suaves y envolventes, pero también con una intensidad emocional que no deja indiferente. Las guitarras acústicas y los pianos sencillos se combinan con sutiles arreglos de percusión, creando un paisaje sonoro que transmite una profunda vulnerabilidad y belleza.



Wait on This, se presenta como una balada introspectiva que mezcla la nostalgia con la esperanza, la calma con la inquietud. Con una atmósfera etérea y onírica, Wait on This es un viajelleno de reflexión y melancolía. El piano orgánico, la batería suave pero firme, y la guitarra se combinan de manera impecable, creando un espacio perfecto para que la voz de Couvo, cálida y sincera, guíe la experiencia.

La canción habla de la aceptación de los momentos difíciles y la lucha con la incertidumbre del futuro, pero también de la belleza de esos momentos. “Wait on This” transmite la sensación de haber vivido algo que, en realidad, aún no hemos experimentado, pero que sentimos profundamente en lo más íntimo de nuestra alma. Es la nostalgia de una época que parece haber existido solo en nuestros sueños, pero que, de alguna manera, nos marca para siempre.

Su canto transmite una intensidad emocional que es difícil de encontrar en muchos artistas contemporáneos. La voz de Couvo no solo canta las letras; las vive, las siente, las convierte en una extensión de sí mismo. Su timbre cálido y su manera de interpretar son fundamentales para crear esa atmósfera única de nostalgia y reflexión que caracteriza su música.