En la propuesta de Kathryn Grimm, cantante y multiinstrumentista con una trayectoria marcada por colaboraciones con figuras como Jeff Buckley y Bo Diddley, aparece “Treat Me Like Gold” como una canción que respeta la esencia del rock clásico. El tema se sostiene en una producción sólida que realza cada instrumento, logrando un sonido que se siente auténtico y directo. Es una pieza que conecta con la tradición del género sin perder actualidad.
La estructura de “Treat Me Like Gold” se apoya en guitarras que marcan el pulso con firmeza, mientras la batería y el bajo refuerzan la base rítmica. La voz de Grimm, con gran presencia, se convierte en el eje que guía la canción, aportando fuerza y carácter. El resultado es un tema que se mueve con seguridad, mostrando cómo el rock puede conservar su espíritu sin necesidad de adornos excesivos.
El contexto de Kathryn Grimm añade un matiz relevante: su carrera ha estado marcada por la versatilidad, desde proyectos de blues y jazz hasta colaboraciones en distintos estilos. En “Treat Me Like Gold”, esa experiencia se traduce en un tema que mantiene la energía del rock clásico, pero con una producción que le da un aire contemporáneo. Es un ejemplo de cómo la artista integra tradición y modernidad.
La canción se convierte en una muestra de la capacidad de Grimm para sostener el género con autenticidad. “Treat Me Like Gold” no busca reinventar el rock, sino reafirmar su vigencia a través de una interpretación firme y una producción cuidada. Es una invitación a escuchar cómo una voz con presencia puede darle nueva vida a un estilo que sigue resonando con fuerza.
En la propuesta de Siena Fantini, joven cantautora de 15 años que ha comenzado a construir su camino con sinceridad y vulnerabilidad, aparece “a little less evil” como una canción que se sostiene en un ritmo delicado. El tema se apoya en un folk-pop que fluye con naturalidad, acompañado de una voz dulce que aporta personalidad y cercanía. Es una pieza que invita a escuchar con calma, dejando que cada detalle se asiente poco a poco.
La estructura de “a little less evil” se distingue por la manera en que la voz se convierte en el centro de la propuesta. Los arreglos acústicos, sencillos pero efectivos, complementan la atmósfera sin restarle protagonismo a la interpretación vocal. El resultado es un tema que se mueve con suavidad, pero que logra atrapar gracias a su equilibrio entre lo íntimo y lo melódico.
El contexto de Siena Fantini añade un matiz relevante: sus canciones suelen surgir de experiencias personales, escritas casi como páginas de un diario. En “a little less evil”, esa honestidad se traduce en un tema que refleja emociones juveniles con claridad, sin necesidad de adornos excesivos. Es un ejemplo de cómo la artista convierte lo cotidiano en música que conecta de manera directa.
La canción se convierte en una muestra del potencial de Fantini para integrar lo folk y lo pop en un mismo espacio sonoro. “a little less evil” no pretende ser grandilocuente, sino una propuesta que atrapa por su sencillez y por la manera en que la voz guía el recorrido. Es una invitación a descubrir cómo una interpretación delicada puede sostener un tema con fuerza propia.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Jaidyn Hurst – Stranger to Me | Estados Unidos
El recorrido inicia con Jessee B y su tema Stop Assuming, una canción synthpop con un ritmo retro que invita a moverse desde el primer instante. La voz atrevida y divertida aporta carácter y convierte la pieza en una experiencia dinámica. La propuesta logra atrapar gracias a su energía y a la manera en que aborda las emociones cotidianas de una relación.
Desde Chicago, Jessee B se inspira en el freestyle clásico de los 80 y 90, influenciado por artistas como Stevie B y Lisa Lisa. Su objetivo es mantener vivo ese estilo mientras lo presenta a nuevas generaciones. Con letras que hablan de malentendidos y comunicación, su música refleja autenticidad y un interés por lo emocional, mostrando que lo retro puede seguir vigente en la actualidad.
Lukka – Fabric of the Cosmos | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Lukka con Fabric of the Cosmos, una canción que se mueve entre el dream pop y la psicodelia. El ritmo sencillo se convierte en un espacio envolvente gracias a la ambientación y a una voz que encaja perfectamente con el estilo. La propuesta transmite frescura y logra atrapar con su atmósfera hipnótica.
Desde Nueva York, Lukka se presenta como un grupo experimental que combina sintetizadores ochenteros con guitarras cargadas de delay. Su estilo refleja un interés por lo atmosférico y lo alternativo, mostrando que lo psicodélico puede convivir con lo pop. Con esta propuesta refuerzan su capacidad de crear canciones que se sienten modernas y a la vez nostálgicas.
Jessee B – Stop Assuming | Estados Unidos
Finalmente encontramos a Jaidyn Hurst con Stranger to Me, una canción pop con matices rock que fluye con un ritmo cálido y envolvente. La voz aporta cercanía y convierte la pieza en una experiencia íntima que transmite emoción. La propuesta logra atrapar gracias a su estilo sencillo y a la manera en que conecta con lo personal.
Desde Colorado, Jaidyn Hurst comenzó a escribir música desde pequeña y ha desarrollado un estilo que refleja vulnerabilidad y aspiraciones. Con proyectos como su EP Seasons y colaboraciones en Nueva York, su música se mueve entre lo personal y lo generacional. Con esta propuesta reafirma su interés por crear canciones que se sienten honestas y accesibles.
En conclusión, Jessee B, Lukka y Jaidyn Hurst nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo retro del synthpop hasta lo etéreo del dream pop y lo íntimo del pop-rock, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Beachdust – C L E F T | Estados Unidos
El recorrido inicia con Beachdust y su tema C L E F T, una canción que se aventura en lo experimental con un estilo rock atrevido. El ritmo transmite frescura y logra atrapar gracias a su construcción arriesgada, convirtiéndose en una propuesta que invita a escuchar con atención. La pieza se convierte en un espacio atractivo que refleja un interés por lo alternativo y lo innovador.
Beachdust se presenta como un proyecto que documenta una búsqueda constante hacia estados de plenitud musical. Su estilo refleja autenticidad y un interés por explorar nuevas formas, mostrando que lo experimental puede convivir con lo accesible. Con esta propuesta refuerzan su capacidad de crear canciones que se sienten intensas y diferentes.
Emily Rose Burnett – thank u | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Emily Rose Burnett con thank u, una canción soul con tintes pop que fluye con un ritmo envolvente. La voz aporta cercanía y convierte la pieza en una experiencia íntima que transmite emoción y personalidad. La propuesta logra un equilibrio entre lo melódico y lo delicado, invitando a escuchar con calma.
Desde Nueva York, Emily Rose Burnett comenzó a escribir canciones como una forma de procesar experiencias de amor, pérdida y crecimiento. Inspirada por artistas como Amy Winehouse y Joni Mitchell, su estilo refleja un interés por lo narrativo y lo emocional. Con esta propuesta reafirma su capacidad de crear música que se siente personal y honesta.
Abbey Blackwell – Rise and Set | Estados Unidos
Finalmente encontramos a Abbey Blackwell con Rise and Set, una canción rock ligero con un ritmo lento y una instrumental sencilla. La voz se convierte en protagonista y aporta un aire nostálgico que transmite cercanía. La propuesta logra atrapar gracias a su estilo íntimo y a la manera en que combina lo simple con lo emotivo.
Desde Seattle, Abbey Blackwell se presenta como una música multifacética que ha trabajado en ámbitos como el rock, el jazz y lo clásico. En esta etapa se ha enfocado en la composición para guitarra y voz, mostrando un estilo que se mueve entre lo personal y lo reflexivo. Con esta propuesta refuerza su interés por crear canciones que se sienten cercanas y auténticas.
En conclusión, Beachdust, Emily Rose Burnett y Abbey Blackwell nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo experimental del rock hasta lo íntimo del soul-pop y lo nostálgico del folk-rock ligero, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
Desde la escena musical de Los Ángeles emerge Eroica, una banda que busca revitalizar los espacios del rock alternativo contemporáneo. Con una mezcla de estilos, el grupo se prepara para presentar su debut de larga duración, Apollo Complex.
La historia de Eroica comenzó en 2016, cuando Brian O’Neil y Ardem Gourdikian se conocieron en la escuela secundaria y decidieron formar un dúo. Durante años tocaron en distintos espacios locales desde fiestas escolares hasta micrófonos abiertos mientras refinaban su identidad. Poco después, el grupo se expandió con la incorporación del guitarrista Dylan Monti y el bajista Mars Horner, consolidando la formación actual de cuatro integrantes.
Eroica describe su música como “post-emo”, una etiqueta que refleja la mezcla entre la intensidad emocional del emo clásico y una aproximación más expansiva y experimental. En sus canciones conviven influencias muy diversas. Por un lado, la crudeza emocional y la expresividad melódica de bandas como Sunny Day Real Estate o Joy Division. Por otro, la exploración sonora de artistas como King Krule, así como la ambición compositiva del rock progresivo representado por King Crimson. También se percibe la influencia del minimalismo y la estética artística de The Velvet Underground.
A todo esto se suma un elemento poco común en el rock alternativo contemporáneo: la inspiración en la música clásica. Estructuras formales más complejas, contrastes dinámicos y un sentido casi orquestal de la construcción musical aparecen en su propuesta.
El resultado es un sonido que combina guitarras afiladas, melodías angulares y ritmos impredecibles, creando una experiencia que puede ser tan intensa para el público en vivo como estimulante para oyentes más analíticos.
EL TRACK X TRACK DE APOLLO COMPLEX
I Remind You of Your Mother
El álbum abre con “I Remind You of Your Mother”, una pieza que introduce de inmediato el mundo emocional de Apollo Complex. Guitarras tensas y distorsionadas, muy al estilo dosmilero, se entrelazan con una base rítmica muy emo, creando una atmósfera hipnótica. Entre confesión íntima y confrontación emocional, la voz transmite una vulnerabilidad que establece el tono introspectivo del disco, es un gran track para abrir el disco, mostrando completamente la personalidad y crudeza de la banda.
Infinite Merit
“Infinite Merit” abre con un paisaje sonoro etereo, donde las guitarras toman protagonismo con esta influencia del post-rock. Con crescendos cuidadosamente construidos y cambios rítmicos sutiles, el tema transmite una sensación mas dramatica pero serena a la vez, especialmente en la parte vocal.
Cry Again
“Cry Again” es profundamente influenciada por el emo clásico, sostiene una melodía clara y emotiva que contrasta con la contundencia del bombo y la textura de las guitarras. El uso de dos voces le da un estilo particular al track, mostrando elementos como falsetes y riffs que nos cautivan y nos transportan a esta onda retro de la banda sin perder cierta frescura que tiene este disco.
Dead Things
En “Dead Things”, la banda se adentra en territorios más oscuros y atmosféricos. Capas de guitarras dulces y una voz muy emocional que nos demuestra un dominio de recursos en la ejecución muy bien llevados, mientra la letra reflexiona sobre lo que permanece cuando las relaciones, las ideas o las versiones de nosotros mismos han terminado, el track se presenta principalmente en el uso de la guitarra y voz de una manera muy emocional, a la vez que la instrumentación va creciendo entre capas de guitarras distorsionadas que crean una tensión muy disfrutable.
Ghost Variations
“Ghost Variations” nos presenta un sonido mas cercano al Rock Alternativo, con riffs y una armonia mas oscura y dramatica, recordandonos de cierta manera a la banda britanica Muse. Con estructuras cambiantes y una sensación etérea, la canción juega con la idea de las “variaciones” musicales como metáfora de recuerdos que regresan transformados. Las melodías aparecen y desaparecen como ecos lejanos, generando un paisaje sonoro fantasmagórico.
The Ginny Car Tape
Con una instrumentación más minimalista al inicio, la canción evoca la sensación de escuchar una vieja grabación o un recuerdo capturado en una cinta olvidada. A medida que avanza, la música crece en intensidad, transformando una escena aparentemente cotidiana en una reflexión sobre la nostalgia, la memoria y los fragmentos de vida que sobreviven en los objetos, la voz envuelta en capas de reverb de la guitarra da un sonido mas cristalino y emocional al track, siguiendo este camino menos dosmilero y mas dramatico.El track va creciendo sin perder el foco en la interpretación vocal que practicamente es un hilo emocional que nos lleva durante toda la canción y su transformación.
Somebody Shot My Pet Skunk
El título provocador de “Somebody Shot My Pet Skunk” esconde una mezcla inesperada de humor oscuro y crítica social. Musicalmente, la canción es una de las más enérgicas del disco, con riffs angulares y una sección rítmica afilada. A diferencia de tracks anteriores el estilo de canto nos lleva a una linea completamente distinta, dejando atraves estas melodias dramaticas y etereas, para sumergirnos en influencias de generos como el Rap, la canción cuenta con unos riffs espectaculares mientras que toda la parte musical fusiona todas estas influencias en un resultado muy propositivo y genuinamente interesante.
Nag Hammadi
“Nag Hammadi” toma su nombre de un histórico conjunto de textos religiosos descubiertos en Egipto, mientras que la musica nos regresa de nuevo a estas bandas de garage emocionales y llenas de distorsion dulce, la voz para este punto del disco es uno de los elementos mas resaltables durante todo este camino, ya que tiene una versatilidad muy interesante pero que no pierde este peso vocal y de estilo que le inyecta a la banda. Nag Hammadi es una de estas canciones de post-emo que haran entender completamente el concepto que maneja la banda en cuanto a su sonido.
Apollo Complex
La canción que da título al disco, “Apollo Complex” nos lleva a una energia desbordante en el disco, amplia y dinámica, combina momentos de intensidad en la bateria con pasajes más contemplativos en cuanto a la parte vocal y su caracteristico falsete. Al ser la pieza angular del alum, la canción se atreve a jugar con una duración no tan común, jugando con texturas atmosfericas y riffs que pueden remontarnos a lo egipcio, llevandonos a nuevos sonidos del disco, integrandolo con este sonido mas particular del emo, sintiendose esta referencia a discos que buscan crear un estilo cercano a la opera rock.
Bat Wings
El álbum cierra con “Bat Wings”, una canción que mezcla melancolía y liberación. Las guitarras flotantes y el ritmo pausado crean una sensación nocturna y agresiva. Al ser el ultimo track del disco la banda cierra con un track muy represantativo de este sonido clasico que presentan durante el disco, ritmos rapidos y guitarras con esta escencia dosmilera, pasando por riffs super filosos mientras la voz delicada nos acaricia las emociones, para a mited del tema jugar con generos como el shoegaze o el post hard-core, dandole mas expansión a la paleta de sonidos que viene experimentando la banda, el track creo que representa muy bien la propuesta de la banda, un sonido cargado de energia, emocional y que puede tomar referencias muy claras de otras bandas pero logrnado integra un sonido propio.
Apollo Complex, concebido como un proyecto ambicioso y cuidadosamente trabajado, el álbum fusiona elementos de rock alternativo, shoegaze, post-rock, electrónica e incluso hip-hop. Las letras del disco exploran temas introspectivos y filosóficos, incorporando referencias al existencialismo, la espiritualidad y diversas tradiciones simbólicas. Este enfoque lírico busca ir más allá de la confesión emocional típica del emo para abordar preguntas más amplias sobre la experiencia humana.
Con Apollo Complex, la banda busca consolidar una identidad propia dentro del panorama del rock contemporáneo. Su mezcla de influencias históricas, energía juvenil y ambición conceptual sugiere que Eroica no solo pretende participar en la escena actual, sino también ampliarla.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Living Too Late – Starting To Be | Australia
El recorrido inicia con Living Too Late y su tema Starting To Be, una canción rock que se apoya en un estilo rústico y directo. El ritmo transmite energía y logra atrapar gracias a sus ganchos y a la voz del artista, que aporta carácter y cercanía. La propuesta se convierte en una experiencia que invita a escuchar con calma y disfrutar de su frescura.
Detrás de Living Too Late está Jakub Tengdahl, multiinstrumentista que ha trabajado en proyectos como DEAN FOREVER e It’s a Hoax. Su estilo se mueve entre el dream pop, el shoegaze y el grunge, pero en este proyecto explora un viaje más libre entre géneros. Con influencias que van del rock melódico al postpunk, su música refleja versatilidad y un interés por lo experimental.
Lynndigo – Motion Sick | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Lynndigo con Motion Sick, una canción indie pop moderno con tintes funk que se siente divertida y adictiva. El ritmo transmite frescura y logra atrapar gracias a su energía ligera, convirtiéndose en una propuesta que se disfruta con facilidad. La voz aporta un aire especial que refuerza la atmósfera y convierte la pieza en una experiencia cercana.
Desde Austin, Texas, Lynndigo se presenta como una artista emergente que mezcla influencias retro con un enfoque contemporáneo. Su estilo se mueve entre lo nostálgico y lo moderno, mostrando que lo personal puede convertirse en un espacio musical atractivo. Con esta propuesta reafirma su capacidad de crear canciones que se sienten íntimas y festivas al mismo tiempo.
Envy Marshall – Lookin’ Good, Feelin’ Famous | Australia
Finalmente encontramos a Envy Marshall con Lookin’ Good, Feelin’ Famous, una canción rock con carácter explosivo. El ritmo se sostiene en guitarras eléctricas potentes y una voz versátil que aporta fuerza y presencia. La propuesta transmite energía y se convierte en una experiencia intensa que invita a escuchar con atención.
Con un estilo que se apoya en lo audaz y lo directo, Envy Marshall se presenta como una artista que mezcla lo teatral con lo musical. Su enfoque refleja autenticidad y un interés por lo alternativo, mostrando que el rock puede ser también un espacio de diversión y poder. Con esta propuesta reafirma su capacidad de crear canciones que se sienten modernas y llenas de carácter.
En conclusión, Living Too Late, Lynndigo y Envy Marshall nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo rústico del rock hasta lo divertido del indie pop y lo explosivo del hard rock, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
En la propuesta de Kewl Haze, dúo de Filadelfia que se mueve con soltura en el terreno del psych-rock, aparece “Double Black Diamond” como una canción que se sostiene en un ritmo atrapante. El tema combina un espíritu rock retro con un toque psicodélico que le da un carácter particular. Es una pieza que fluye con energía y que invita a dejarse llevar por su cadencia constante.
La estructura de “Double Black Diamond” se apoya en guitarras que evocan el sonido clásico del rock, pero con arreglos que expanden la atmósfera hacia lo experimental. La batería mantiene un pulso firme, mientras los efectos psicodélicos aportan un matiz que transforma la escucha en un viaje sonoro. El resultado es un tema que se mueve entre lo familiar y lo inesperado.
El contexto de Kewl Haze añade un matiz interesante: su debut Suburban Sherpa fue el resultado de años de trabajo entre sesiones caseras y estudios profesionales, siempre con una mirada ligera y abierta hacia la vida. En “Double Black Diamond”, esa filosofía se traduce en un sonido que no busca perfección absoluta, sino transmitir frescura y dinamismo. Es un reflejo de cómo la banda entiende la música como un espacio de libertad.
La canción se convierte en una muestra de la capacidad del dúo para integrar lo retro con lo psicodélico sin perder coherencia. “Double Black Diamond” no pretende reinventar el rock, pero sí darle un giro que lo haga vibrar en el presente. Es una invitación a escuchar cómo Kewl Haze transforma la energía del pasado en una propuesta que sigue atrapando hoy.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Essential Duo – Storm in my hearth | Ucrania
El recorrido inicia con Essential Duo y su tema Storm in my hearth, una canción que se sostiene en influencias retro synthwave con un ritmo pegajoso que evoca la nostalgia de los ochenta. La propuesta transmite frescura y logra atrapar gracias a su atmósfera cargada de energía y un estilo que se siente cinematográfico. La pieza se convierte en un espacio atractivo que invita a escuchar con calma y dejarse llevar por su estética retro-futurista.
Formado por Yurii Zharkov y Oksana Melnyk, Essential Duo nació en 2025 como un proyecto que mezcla la nostalgia del synthwave con producción moderna. Su música refleja un interés por lo atmosférico y lo emocional, mostrando que lo retro puede convivir con lo contemporáneo. Con esta propuesta refuerzan su capacidad de crear canciones que se sienten intensas y llenas de personalidad.
NeoElastique – The Lives I didn’t Live | Australia
La segunda parada nos lleva a NeoElastique con The Lives I didn’t Live, una canción que fluye con influencias synthpop y pop en un ritmo lento pero cercano. La voz aporta profundidad y convierte la pieza en una experiencia íntima que transmite calma y reflexión. La propuesta logra un equilibrio entre lo melódico y lo emocional, invitando a escuchar con atención.
Detrás de NeoElastique está Francesc, artista nacido en Barcelona y radicado en Melbourne, quien utiliza la música como un medio para traducir emociones en paisajes musicales. Con sintetizadores y texturas retro, construye atmósferas que se sienten nostálgicas pero actuales. La voz de Molly aporta carácter y refuerza la propuesta, mostrando un estilo que se mueve entre lo personal y lo experimental.
María Granados – Despierta | México
Finalmente encontramos a María Granados con Despierta, una canción que se sostiene en un folk con tintes dream pop. El ritmo lento y la voz suave transmiten cercanía y convierten la pieza en una experiencia apacible. La propuesta logra atrapar gracias a su estilo íntimo y a la manera en que combina lo tradicional con lo moderno.
Desde la Ciudad de México, María Granados inició su carrera profesional hace un año tras graduarse en literatura. Sus influencias van desde Joaquín Sabina y Natalia Lafourcade hasta artistas de música country como Dolly Parton, mostrando un estilo diverso y rico en referencias. Con esta propuesta reafirma su interés por crear canciones que se sienten personales y que reflejan tanto su formación literaria como musical.
En conclusión, Essential Duo, NeoElastique y María Granados nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo retro-futurista del synthwave hasta lo íntimo del synthpop y lo apacible del folk, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
El cantante, compositor y productor de R&B y soul con base en Los Ángeles Richard Saunders ha lanzado su nuevo sencillo “Peace Of Mind”, una canción que apuesta por una atmósfera calmada y reflexiva para explorar el proceso emocional que sigue a una ruptura. Con una producción minimalista y una interpretación vocal cálida, el tema se sitúa entre el R&B contemporáneo, el soul y ligeros matices de pop alternativo.
La canción fue coescrita junto al productor y compositor Yakob, conocido por su trabajo con artistas como SZA y 6LACK. En Peace Of Mind, Saunders apuesta por una instrumentación contenida que deja espacio para que la voz y el mensaje ocupen el centro de la composición. El resultado es un tema pausado que construye una atmósfera íntima y envolvente.
A nivel temático, la canción aborda el momento posterior a una ruptura sentimental, enfocándose no tanto en el dolor inmediato como en la claridad emocional que aparece con el tiempo. Saunders describe el tema como “el sonido de la niebla levantándose”, una metáfora que refleja el proceso de dejar atrás el pasado y comenzar una nueva etapa con mayor equilibrio interior.
La producción se caracteriza por texturas suaves y un ritmo lento que refuerza el carácter meditativo del tema. Esta aproximación permite que la narrativa avance de forma natural, transmitiendo una sensación de calma y contemplación que acompaña la idea central de la canción: encontrar paz en medio del cambio.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Stephen Becker – Bad Idea | Estados Unidos
El cantautor y multiinstrumentista neoyorquino Stephen Becker presenta “Bad Idea”, un tema introspectivo de su álbum Gravity Blanket que combina indie-folk delicado con una tensión emocional sutil. Con guitarras acústicas brillantes, batería espaciosa y una interpretación vocal íntima, la canción reflexiona sobre la dificultad de cambiar viejos patrones en las relaciones. Inspirado por la sensibilidad de Wilco y Big Thief, el tema transforma una aparente sensación de consuelo en una reflexión más profunda sobre crecimiento personal y autoconocimiento.
Robi Mitch .- Hanging On | Reino Unido
El cantautor y productor británico Robi Mitch presenta “Hanging On”, un sencillo que adelanta su álbum debut Flat Planet. Con una mezcla de indie-rock relajado, dream pop y matices psicodélicos, la canción combina atmósferas de sintetizadores brumosos con letras que pueden interpretarse tanto como una reflexión sobre las dificultades cotidianas como sobre un mundo en crisis. El tema muestra la habilidad de Mitch para unir influencias multiculturales y una sensibilidad introspectiva en paisajes sonoros envolventes y evocadores.
Carles Giuliani – Enfocaos | España
El artista valenciano Carles Giuliani presenta “Enfocaos”, un tema de R&B con influencias de rap que combina energía y sensibilidad para hablar de los pequeños placeres de la vida cotidiana. Con una producción minimalista y una atmósfera cálida, la canción invita a poner el foco en lo esencial: los vínculos, las amistades y los momentos simples que dan sentido al día a día, mostrando el enfoque introspectivo y cercano que define la propuesta musical de Giuliani.
