No es la primera vez que hablamos de Big Sleep, y eso ya dice mucho de la huella que están dejando en la escena indie-alternativa. La banda de Dublín, formada por Rónán Connolly, Matteo Poli, Evin O’Connor y Dougie Sealy, ha sabido construir un camino sólido a través de presentaciones en vivo que desbordan energía y un repertorio que combina lo rítmico con lo emocional. Su historia, marcada por giras y escenarios llenos antes de la pandemia, refleja un compromiso constante con la música original.
En ese contexto aparece “Doo Doo Doo Doo Doo”, una canción que lleva en sus entrañas un ADN retro. Las influencias del rock y el indie pop se entrelazan en un ritmo dinámico y divertido, capaz de evocar épocas pasadas sin perder frescura. Es un tema que se disfruta por su sencillez y por la manera en que logra conectar con el público, mostrando otra faceta del sonido versátil de la banda.
La propuesta de Big Sleep en esta canción se suma a lo que ya hemos revisado en trabajos anteriores: un estilo que no teme experimentar y que se sostiene en la fuerza de sus presentaciones en vivo. “Doo Doo Doo Doo Doo” confirma que la banda no se limita a repetir fórmulas, sino que busca expandir su identidad musical con piezas que, aunque simples en estructura, resultan memorables por su carácter rítmico.
Al escuchar “Doo Doo Doo Doo Doo”, se percibe un juego entre lo retro y lo contemporáneo. La canción no pretende ser grandilocuente, sino efectiva en su capacidad de atrapar al oyente con un pulso constante y alegre. En esa mezcla de influencias y en su espíritu ligero, Big Sleep reafirma su lugar como una banda que sabe mirar hacia atrás sin dejar de avanzar, ofreciendo música que se disfruta tanto en la nostalgia como en el presente.
La trayectoria de Tamar Berk se ha caracterizado por un sonido que oscila entre el indie rock y el alt-pop, con guitarras distorsionadas y texturas oníricas que acompañan letras cargadas de intensidad emocional. Su formación musical, desde el piano clásico hasta la influencia de artistas como Bowie y Liz Phair, le ha permitido construir un estilo propio que se mueve entre lo melódico y lo introspectivo. En su carrera solista, Berk ha mantenido una independencia férrea, produciendo y grabando bajo un enfoque DIY que refuerza su autenticidad.
En este contexto aparece “indiesleaze 2005”, una canción que se sostiene en las bases del pop tradicional, pero que añade un toque retro evocador. El tema remite a épocas pasadas, con un ritmo sencillo que, sin necesidad de complejidad, logra ser lo suficientemente potente para permanecer en la memoria. Es una pieza que se siente familiar y a la vez fresca, como un puente entre la nostalgia y el presente.
La propuesta de Tamar Berk en esta canción no se limita a reproducir fórmulas conocidas. Su capacidad para integrar influencias clásicas con un aire contemporáneo le permite generar un sonido que conecta con distintas sensibilidades. “indiesleaze 2005” se convierte así en un ejemplo de cómo el pop puede dialogar con lo retro sin perder vigencia, ofreciendo un espacio sonoro que invita tanto a recordar como a descubrir.
Al escuchar “indiesleaze 2005”, se percibe un equilibrio entre sencillez y fuerza. La canción no busca adornos excesivos, sino que apuesta por un ritmo directo y una atmósfera que evoca imágenes de épocas pasadas. En esa mezcla de tradición y modernidad, Tamar Berk reafirma su lugar dentro de la escena independiente, mostrando que su música sigue siendo capaz de atrapar al oyente con propuestas que se sostienen en la honestidad y en la memoria sonora.
El dúo costarricense Shimdra, originario de Tres Ríos en Cartago, ha construido su identidad a partir de un largo recorrido que comenzó con la banda Shangri-Lá en los años 2000. Con el paso del tiempo, la formación se consolidó y en 2010 inició la grabación de su primera producción musical, sumando la participación de Fabián Romero en el bajo y Katherine en la voz principal. La historia del grupo refleja un proceso de transformación constante, marcado por la búsqueda de un sonido propio dentro del rock criollo.
En 2016 la incorporación de Bob de la Vega como voz principal dio un nuevo impulso a Shimdra, que junto a Ale Calderón en la guitarra y voz, Fabián Romero en el bajo y Alejandro Di Mare en la batería, conformaron una etapa más sólida. A finales de 2018, el contacto con el productor argentino Mario Breuer abrió un camino de composición y ensayos que reafirmó la intención de trabajar en música original. Sin embargo, la enfermedad y posterior partida de Romero en 2020 dejó una huella profunda en la agrupación.
Dentro de este recorrido aparece “Somos lo que somos”, una canción que se sostiene en influencias rock muy marcadas. Su ritmo simple funciona como un recurso suficiente para atrapar al oyente, mientras que la voz cálida y llena de vida aporta un carácter humano y directo. El tema no busca complejidad excesiva, sino transmitir con claridad la esencia de la banda y su manera de entender el rock como un lenguaje cercano.
Al escuchar “Somos lo que somos”, se percibe un diálogo entre la historia del grupo y su presente. La canción refleja tanto la resiliencia de Shimdra como su capacidad de transformar experiencias en música que conecta. En esa mezcla de sencillez rítmica y energía vocal, el dúo reafirma su lugar dentro de la escena costarricense, mostrando que su propuesta se sostiene en la autenticidad y en la fuerza de seguir creando.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
June Sixteen – Black Stone | Países Bajos
El recorrido comienza con June Sixteen y su tema Black Stone, una propuesta que fusiona el rock clásico con tintes country, creando una atmósfera cálida y envolvente. La voz del proyecto aporta carácter y se integra con el ritmo para dar forma a una pieza que fluye con naturalidad. El resultado es una canción que invita a dejarse llevar por su cadencia y por la mezcla de estilos que la sostienen
June Sixteen es el proyecto musical de Angelique Piovillico y Patrick De Kok, quienes han decidido sumar a otros músicos talentosos para enriquecer su propuesta. La colaboración se convierte en el eje central de su trabajo, generando un espacio creativo abierto y diverso. Con esta dinámica, el dúo logra construir un sonido que se siente cercano y al mismo tiempo lleno de matices
Robber Robber – Talkback | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Robber Robber con Talkback, una canción que atrapa desde el primer segundo con su ritmo frenético y divertido. La energía de la pieza se despliega con guitarras intensas, bajo constante y percusión incisiva, mientras la voz aporta un toque que refuerza su carácter adictivo. Es un tema que se disfruta en movimiento, con un estilo que no se detiene
El cuarteto de Burlington, Vermont —Nina Cates, Zack James, Will Krulak y Carney Hemler— ha construido una identidad difícil de definir, moviéndose entre el indie rock y la experimentación. Tras el reconocimiento de su debut Wild Guess en 2024, regresan con este nuevo sencillo que reafirma su capacidad de sorprender. La canción llega acompañada de un video dirigido por los propios integrantes, mostrando que su propuesta va más allá de la música y se extiende hacia lo visual
Jacob The Horse – 666 Chicks | Estados Unidos
Finalmente aparece Jacob The Horse con 666 Chicks, una canción que se sumerge en un rock crudo lleno de energía y con un ritmo cambiante que impacta de inmediato. La pieza transmite fuerza y se convierte en un grito que mezcla rabia y diversión, logrando conectar con quienes buscan intensidad en la música. Su estilo recuerda al punk clásico pero con elementos modernos que lo hacen actual
Formado en Los Ángeles, Jacob The Horse está integrado por Aviv Rubinstien, Rick Chapman, Mark Desrosiers y Josh Fleury. Su álbum At Least It’s Almost Over, producido por Jack Shirley, incluye varias regrabaciones y se mueve entre punk, grunge y folk-punk. Con letras que abordan ansiedad, anarquía y crítica social, el grupo construye un discurso que refleja el tiempo presente y que busca despertar conciencia sin perder la energía de su propuesta musical
En conclusión, June Sixteen, Robber Robber y Jacob The Horse nos muestran tres formas distintas de entender el rock y sus ramificaciones. Cada uno aporta un estilo propio que merece ser escuchado, desde la fusión cálida del country con el rock clásico hasta la energía indie y el punk visceral. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un espacio en tu playlist, porque descubrir nuevas propuestas siempre abre horizontes en la experiencia musical
El músico angelino Curt Barlage, conocido por su paso en la banda The Bixby Knolls y sus giras por México durante la década de los dos mil diez, ha decidido emprender un camino en solitario. La pandemia y el cierre de proyectos colectivos lo llevaron a replantear su relación con la música, optando por publicar bajo su propio criterio creativo. En este regreso, Barlage retoma influencias de shoegaze y dream pop, pero sin abandonar la energía que lo ha caracterizado en la escena indie de Los Ángeles.
En ese contexto surge “Endless Nothing”, una canción que se sostiene en claras influencias rock, pero que incorpora un matiz oscuro en su atmósfera. El ritmo, relativamente simple, funciona como un vehículo para transmitir un encanto particular, más sugerente que explosivo. La pieza se convierte en un espacio donde la sobriedad del sonido contrasta con la intensidad emocional que se percibe en cada nota.
La decisión de Barlage de trabajar en solitario le permite explorar con mayor libertad. “Endless Nothing” refleja esa búsqueda, mostrando un estilo que no depende de adornos excesivos, sino de la capacidad de generar sensaciones con elementos mínimos. Es un tema que se aleja de lo grandilocuente y apuesta por la construcción de un ambiente que se siente íntimo y al mismo tiempo inquietante.
Al escuchar “Endless Nothing”, se percibe un diálogo entre lo crudo del rock y lo etéreo del shoegaze. No es una canción que busque deslumbrar con complejidad, sino que se apoya en su sencillez para conectar con el oyente. En esa mezcla de oscuridad y encanto, Curt Barlage reafirma su regreso a las raíces, ofreciendo una propuesta que se abre paso en la escena independiente con un carácter propio.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Envy Marshall – P.T.A | Australia
La primera propuesta llega con Envy Marshall y su tema P.T.A, una canción que se despliega con una vibra explosiva y marcada por influencias rock. La voz de la artista sostiene con firmeza cada instante, logrando que el tema se mantenga intenso y memorable. La pieza transmite energía y carácter, mostrando un estilo que se siente directo y sin concesiones
Detrás de Envy Marshall encontramos una historia singular, la de una ex luchadora profesional que decidió transformar su fuerza en música. Su presencia en el escenario refleja esa misma intensidad, ahora canalizada en un proyecto musical que apuesta por el rock crudo y contundente. Con esta propuesta, la artista abre un camino que combina actitud y creatividad en partes iguales
Cosmic Madness – Thunderstorm | España
La segunda parada nos lleva a Cosmic Madness con Thunderstorm, una canción que inicia con calma y poco a poco se transforma en un rock más fuerte. El tema incorpora matices de shoegaze que le dan un aire áspero, aunque la voz del artista suaviza esa dureza y aporta personalidad. La pieza se convierte en un viaje que alterna entre lo introspectivo y lo energético
El proyecto Cosmic Madness surge de la experiencia de Mateo, artista nacido en España y radicado en Barcelona. Tras un periodo de reflexión marcado por su trabajo en un bar de rock y un desengaño personal, encontró en la música una forma de terapia. Su propuesta busca difuminar las fronteras entre emoción y filosofía, creando canciones que transmiten tanto vulnerabilidad como fuerza
Michael Brincat – HIDING FROM THE SUN | Estados Unidos
Finalmente aparece Michael Brincat con HIDING FROM THE SUN, una canción que refleja un rock puro y directo, con la guitarra eléctrica brillando en todo momento. La atmósfera que genera es intensa y cruda, logrando que el oyente se sumerja en un espacio cargado de energía. Su estilo apuesta por la simplicidad, dejando que la fuerza instrumental sea protagonista
Como cantautor, Michael Brincat se ha caracterizado por una amplia versatilidad vocal y una capacidad de composición que cruza géneros como pop, country, folk y metal. Su enfoque creativo parte de la idea de que menos es más, buscando siempre el gancho vocal que conecte de inmediato. Actualmente trabaja en el lanzamiento de un nuevo álbum previsto para 2026, reafirmando su interés en seguir colaborando y expandiendo su propuesta musical
En conclusión, Envy Marshall, Cosmic Madness y Michael Brincat nos muestran tres caminos distintos dentro de la música emergente. Cada uno aporta un estilo propio que merece ser escuchado, desde la energía explosiva del rock hasta la introspección y la crudeza instrumental. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un espacio en tu playlist, porque descubrir nuevas propuestas siempre abre horizontes en la experiencia musical.
El dúo the dt’s ha sabido moverse con soltura entre géneros, desde el rock hasta el blues y el power pop, sin perder una identidad que se construye desde la colaboración y la experimentación. Su música nace en estudios caseros, pero no se queda ahí: en vivo, despliegan una energía que transforma cada canción. Con influencias modernas y guiños vintage, su enfoque pop se sostiene en armonías bien trabajadas y una clara voluntad de explorar.
En ese contexto aparece “Sorry Not Sorry”, una canción que se aleja de la urgencia punk de temas como Cherry y apuesta por un ritmo tranquilo. Las influencias rock están presentes, pero se diluyen en un sonido más ameno y ligero, capaz de conectar con distintos públicos. Es una pieza que no busca sobresaltar, sino acompañar, y lo hace con una naturalidad que se agradece.
La trayectoria de the dt’s ha sido constante desde su EP debut You With Me en 2022, seguido por los sencillos Refresh y All In My Head. Su presentación en el Bowery Ballroom y su participación en el WAWY Showcase consolidaron su presencia en la escena independiente. En 2025, abrir para actos como Supersonic y Penelope Road confirma que su propuesta sigue ganando terreno.
“Sorry Not Sorry” se suma a ese recorrido como una muestra de versatilidad. No pretende reinventar el sonido del dúo, pero sí ofrece una faceta más accesible, donde la calma y la melodía se imponen sobre la intensidad. En ese equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo, the dt’s siguen construyendo un catálogo que se adapta sin perder coherencia.
El EP “Running In Circles” se presenta como una propuesta que busca equilibrar frescura y coherencia dentro del indie pop contemporáneo. La primera canción, “Don’t Change”, abre el trabajo con un ritmo relativamente tranquilo, marcado por influencias pop que le otorgan un aire moderno. Es una pieza que funciona como introducción clara al universo sonoro del EP, mostrando la intención de mantener un estilo accesible pero con matices propios.
La segunda parada es “Stop Wasting Time”, un tema que se mueve con suavidad y que transmite vibras cercanas a la sensualidad. Aquí, las pinceladas dreamly aportan un carácter distinto, generando una atmósfera más envolvente. La canción se sostiene en un ritmo delicado que invita a escuchar con calma, reforzando la idea de que el EP no se limita a un solo registro, sino que explora diferentes texturas dentro de su identidad.
El recorrido continúa con “Drunk Texts From Medium”, una pieza que mantiene la línea de las anteriores pero introduce tintes urbanos. Las influencias trap aparecen de manera sutil, sin desplazar la esencia pop del EP, y aportan un contraste que amplía el espectro sonoro. Este tema se convierte en un cierre interesante, pues muestra la capacidad de integrar distintos géneros sin perder cohesión.
En conjunto, “Running In Circles” se plantea como un trabajo que apuesta por la diversidad dentro de un mismo marco estilístico. Cada canción aporta un matiz distinto: la tranquilidad moderna de “Don’t Change”, la suavidad dreamly de “Stop Wasting Time”, y el aire urbano de “Drunk Texts From Medium”. Así, el EP logra ofrecer un recorrido breve pero variado, que invita a descubrir cómo se entrelazan las influencias en un mismo proyecto.
El dúo de Filadelfia Kewl Haze, integrado por Dan Scott Forreal y Derek Sheehan, ha sabido moverse entre la psicodelia y el rock con un estilo que mezcla introspección y desenfado. Su debut Suburban Sherpa les tomó cuatro años de trabajo entre estudios caseros y profesionales, un proceso marcado por experiencias personales y un enfoque ligero hacia la creación. Esa manera de entender la música como un espacio de libertad se refleja también en sus nuevas propuestas.
Entre ellas destaca “Used to Have It All”, una canción que se sostiene en un ritmo simple pero efectivo. Lo que la hace atractiva es su capacidad de transmitir un corazón encantador que atrapa con facilidad, sin necesidad de artificios. Su sonido se mueve dentro del indie pop, pero con pequeñas pinceladas dreamly que aportan un aire distinto, generando una atmósfera que se siente cercana y al mismo tiempo envolvente.
La dinámica de Kewl Haze en el estudio, marcada por conversaciones y momentos de camaradería, se traduce en canciones que no buscan la perfección rígida, sino la honestidad. En “Used to Have It All”, esa filosofía se percibe en la naturalidad con la que fluye la pieza, mostrando que la sencillez puede ser un recurso poderoso cuando se combina con sensibilidad y coherencia sonora.
Al escuchar “Used to Have It All”, se percibe una propuesta que conecta con la esencia del indie pop contemporáneo, pero sin perder el sello personal del dúo. No es un tema que pretenda reinventar el género, sino que ofrece una experiencia fresca y directa. En esa mezcla de simplicidad y encanto, Kewl Haze reafirma su capacidad de crear canciones que invitan a dejarse llevar por su ritmo y su atmósfera ligera.
El dúo alemán I Want Poetry ha logrado consolidarse como una de las voces más interesantes dentro de la escena indie pop europea. Su propuesta se caracteriza por un sonido cinematográfico que combina profundidad emocional con energía luminosa, y que ha encontrado eco en diversos escenarios internacionales. Con más de 90 presentaciones en países como Alemania, Polonia y Suecia, además de reconocimientos como su nominación en los European Songwriting Awards, el proyecto ha sabido abrirse paso con consistencia.
En este recorrido aparece “Mirrors of the Sky”, una canción que destaca por una producción grandiosa y un enfoque que mezcla influencias pop con un toque moderno. El tema se percibe fresco, pero al mismo tiempo incorpora tintes experimentales que lo alejan de lo convencional. La pieza invita a escuchar con atención, pues cada capa sonora parece diseñada para expandir la atmósfera hacia un espacio amplio y envolvente.
La trayectoria de I Want Poetry muestra una evolución constante. Su tema Light alcanzó listas internacionales y fue seleccionado para la banda sonora de la película canadiense La mécanique des frontières, confirmando la capacidad del dúo para conectar con distintos públicos. Ahora, con el anuncio de su próximo álbum Future Selves, queda claro que su música busca proyectar una visión transformadora, inspirada en la memoria y en la imaginación de futuros posibles.
Al escuchar “Mirrors of the Sky”, se percibe un equilibrio entre lo accesible y lo experimental. No es un tema que se limite a reproducir fórmulas del pop, sino que apuesta por una construcción sonora que se siente contemporánea y abierta a la exploración. En esa mezcla de frescura y riesgo, I Want Poetry reafirma su lugar como un proyecto que entiende la música como un espacio de expansión, donde cada canción funciona como un reflejo de lo que está por venir.
