Rafael Méndez

Molly Mogul y la frescura experimental de “100 Things (That I’ve Been Meaning To Say)”

Molly Mogul y la frescura experimental de “100 Things (That I’ve Been Meaning To Say)”

La trayectoria de Molly Mogul se ha definido por una constante exploración entre el pop contemporáneo y los paisajes sonoros experimentales. Originaria de Inning am Ammersee, cerca de Múnich, y posteriormente inmersa en la escena underground de Bristol, Molly ha construido una identidad artística que combina música, artes visuales y performance. Su trabajo bilingüe y su participación en colectivos como Dirty Spread Collective reflejan un compromiso con la diversidad y la autenticidad en cada propuesta.

En ese marco aparece “100 Things (That I’ve Been Meaning To Say)”, una canción que se sostiene en un ritmo lento pero con giros rítmicos interesantes. La pieza se abre paso con una producción cuidada, donde cada detalle aporta a la atmósfera general. La voz de Molly, fresca y única, se convierte en el elemento que eleva la canción, logrando que la propuesta se mantenga firme y cercana al oyente.



La música de Molly Mogul siempre ha buscado difuminar las fronteras entre géneros y disciplinas. En “100 Things (That I’ve Been Meaning To Say)”, esa intención se traduce en un tema que combina lo íntimo con lo experimental, ofreciendo un espacio sonoro que invita a la introspección. La canción refleja la capacidad de la artista para transformar experiencias personales en narrativas musicales que resuenan más allá de lo individual.

Al escuchar “100 Things (That I’ve Been Meaning To Say)”, se percibe una propuesta que apuesta por la sutileza y la innovación. La canción funciona como un ejemplo de cómo Molly Mogul logra equilibrar producción detallada con una interpretación vocal que transmite cercanía. En esa mezcla de ritmo pausado y frescura vocal, la artista reafirma su lugar dentro de una escena alternativa que valora la autenticidad y la experimentación.


LA NUEVA OLA 2026 #68 | Robot Dinosaurs, Martha Elizabeth Miller y Beau Morgan

LA NUEVA OLA 2026 #68 | Robot Dinosaurs, Martha Elizabeth Miller y Beau Morgan

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Robot Dinosaurs – Kept Your Distance | Estados Unidos

El recorrido inicia con Robot Dinosaurs y su tema Kept Your Distance, una canción que se sostiene en un ritmo lento y una atmósfera ligera. La mezcla entre indie rock y un indie pop más suave crea un espacio agradable, mientras la voz aporta un timbre trabajado que acompaña con naturalidad. La propuesta transmite calma y se convierte en una pieza que invita a escuchar con atención.

El proyecto Robot Dinosaurs surge como una aventura en solitario, con la intención de compartir música desde la experiencia personal. Tras un tiempo de pausa, regresa con energía renovada y con la idea de publicar nuevas canciones de manera constante. Su estilo refleja autenticidad y un interés por conectar directamente con quienes buscan música íntima y cercana.


Martha Elizabeth Miller – What Lies Within | Estados Unidos

La segunda parada nos lleva a Martha Elizabeth Miller con What Lies Within, una canción que se apoya en lo acústico y en la fuerza de su voz. La atmósfera que genera es amplia y envolvente, logrando transmitir calidez y profundidad. La calidad de la grabación refuerza la propuesta y convierte la pieza en una experiencia que se disfruta con calma.

El álbum de Martha Elizabeth Miller se inspira en reflexiones personales y en la obra de Carl Jung, construyendo un viaje psicoespiritual. Con influencias que van desde lo coral hasta el folk y el pop progresivo, logra un estilo diverso y contemplativo. La colaboración con Daune Campbell y Marguerite Witvoet en las armonías vocales aporta riqueza y refuerza la intención de crear un espacio musical reflexivo.


Beau Morgan – When She Looked at Him | Estados Unidos

Finalmente encontramos a Beau Morgan con When She Looked at Him, una canción que combina indie rock y country con frescura. El ritmo se mueve con naturalidad y logra transmitir cercanía, convirtiéndose en una pieza que atrapa desde el inicio. La propuesta refleja un estilo directo y accesible, pensado para conectar con quienes buscan música honesta.

Originario de Virginia, Beau Morgan escribe canciones inspiradas en experiencias reales, desde relaciones tensas hasta momentos de cambio inesperado. Su estilo se apoya en la narrativa del country y en la crudeza del indie rock, logrando un equilibrio entre vulnerabilidad y fuerza. Con influencias de artistas como Zach Bryan y Tyler Childers, su música se centra en la autenticidad y en la capacidad de contar historias sin adornos.


En conclusión, Robot Dinosaurs, Martha Elizabeth Miller y Beau Morgan nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo íntimo y ligero hasta lo contemplativo y lo confesional, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.


LA NUEVA OLA 2026 #67 | Groove 2 Affair, Bobo Dos Blotos y YALANA

LA NUEVA OLA 2026 #67 | Groove 2 Affair, Bobo Dos Blotos y YALANA

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Groove 2 Affair – anything about you | Japón

El recorrido inicia con Groove 2 Affair y su tema anything about you, una canción que se mueve con un ritmo rápido que recuerda al downtempo pero con un aire pop. La atmósfera japonesa que envuelve la pieza le da un carácter especial, logrando atrapar al oyente desde el inicio. La propuesta transmite frescura y se convierte en un espacio donde lo experimental y lo accesible se encuentran.

El proyecto Groove 2 Affair está formado por George Kano y tasogareMG, quienes han trabajado en música para videojuegos, comerciales y distintos proyectos musicales. Su estilo se inspira en el city pop y en la capacidad de regrabar y remezclar sus propios materiales en vivo. El resultado es un sonido lleno de matices, con voces distintivas y melodías que se sienten modernas pero con un aire clásico.


Bobo Dos Blotos – Before You Save Me | Estados Unidos

La segunda parada nos lleva a Bobo Dos Blotos con Before You Save Me, una canción que se sostiene en un ritmo dinámico con influencias indie pop. Los toques electrónicos aportan frescura y generan una atmósfera experimental que se siente envolvente. La pieza transmite energía y logra conectar con facilidad gracias a su estilo directo.

Desde Los Ángeles, Bobo Dos Blotos se presenta como compositor y productor que apuesta por un sonido alternativo con tintes modernos. Su propuesta refleja curiosidad y exploración, mostrando cómo lo electrónico puede integrarse con lo indie pop para crear un espacio nuevo. Con esta canción reafirma su interés por construir escenas musicales que se sientan frescas y diferentes.


YALANA – GOOD GIRL | Estados Unidos

Finalmente encontramos a YALANA con GOOD GIRL, una canción que se apoya en influencias indie rock y un ritmo sencillo pero efectivo. La pieza logra crear una atmósfera atractiva que se sostiene en la fuerza de la voz y en la energía de la interpretación. Su estilo transmite intensidad y se convierte en una propuesta que atrapa desde el inicio.

Originaria de Rusia y actualmente radicada en Estados Unidos, YALANA comenzó a escribir letras desde muy joven y a los dieciséis ya lideraba su propia banda. Con influencias que van desde Scorpions hasta Evanescence y Linkin Park, su música refleja un interés por el rock y lo alternativo. Hoy utiliza sus canciones como un medio de expresión emocional y narrativa, mostrando autenticidad en cada tema.


En conclusión, Groove 2 Affair, Bobo Dos Blotos y YALANA nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde la frescura del city pop japonés hasta la energía indie y el rock alternativo, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical


LA NUEVA OLA 2026 #63 | A.ROC BETA, Tracey Birdsall y Alexandra Browne

LA NUEVA OLA 2026 #63 | A.ROC BETA, Tracey Birdsall y Alexandra Browne

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


A.ROC BETA – I WILL FOLLOW yOU INTO THE dARK (Death Cab For Cutie Cover) | Estados Unidos

El recorrido inicia con A.ROC BETA y su propuesta I WILL FOLLOW yOU INTO THE dARK (Death Cab For Cutie Cover), una canción que se siente fresca y dinámica. La mezcla entre pop comercial y tintes rock, sostenida por la guitarra eléctrica y una voz que suaviza la atmósfera, logra un equilibrio atractivo. La pieza transmite cercanía y se convierte en una experiencia que invita a escuchar con atención.

Detrás de A.ROC BETA está Angel Roché Jr., productor reconocido por los Grammy y multiinstrumentista que navega entre distintos géneros. Su trabajo con Avian Recording Company le ha permitido crear paisajes musicales que van del folk al rock más intenso. Con esta propuesta reafirma su capacidad de transformar un clásico en una versión personal que combina lo experimental con lo accesible.


Tracey Birdsall y Scott MacDonald – I Might Even Love You | Estados Unidos

La segunda parada nos lleva a Tracey Birdsall junto a Scott MacDonald con I Might Even Love You, una canción tranquila que se sostiene en la fusión de voces. El contraste entre ambas interpretaciones aporta riqueza y convierte la pieza en una propuesta pop que se disfruta con naturalidad. El ritmo relajado transmite calma y logra conectar con facilidad.

Tracey Birdsall ha estado ligada a la música desde temprana edad, con influencias de teatro musical, country y blues. Su carrera profesional comenzó en los años noventa y desde entonces ha explorado distintos estilos. En esta colaboración con Scott MacDonald, logra un tema que refleja experiencia y sensibilidad, mostrando cómo las voces pueden dialogar y complementarse dentro de un mismo espacio musical.


Alexandra Browne – California Honey | Estados Unidos

Finalmente encontramos a Alexandra Browne con California Honey, una canción que combina country y rock en un ritmo ameno y fácil de enganchar. La voz trabajada aporta fuerza y personalidad, logrando que la pieza se sienta cercana y atractiva. La propuesta transmite frescura y se convierte en un espacio donde lo clásico y lo moderno conviven con naturalidad.

Alexandra Browne, cantautora estadounidense, escribe sus canciones inspirada en experiencias personales y en la gente que la rodea. Con formación en literatura y una vida marcada por la influencia del océano, su música refleja historias que buscan transmitir emociones auténticas. En este tema logra plasmar su amor por la naturaleza y por la narrativa musical, creando un estilo que se siente honesto y directo.


En conclusión, A.ROC BETA, Tracey Birdsall & Scott MacDonald y Alexandra Browne nos presentan tres propuestas que enriquecen la música emergente. Desde la reinterpretación inmersiva de un clásico hasta la fusión vocal en el pop y el equilibrio entre country y rock, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.


LA NUEVA OLA 2026 #62 | Diane Emerita, The Yum Yum Tree y néomí

LA NUEVA OLA 2026 #62 | Diane Emerita, The Yum Yum Tree y néomí

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Diane Emerita – Black Is The Color Of My True Love’s Hair | Suecia

El recorrido inicia con Diane Emerita y su propuesta Black Is The Color Of My True Love’s Hair (Nina Simone Cover), una canción que se sumerge en la electrónica progresiva con un tinte oscuro que la hace particular. La voz misteriosa de la artista aporta un toque personal que envuelve al oyente en una atmósfera intensa y cautivadora. La pieza logra transmitir emociones profundas con un estilo que se siente único.

La música de Diane Emerita nace de estructuras de pop alternativo, su formación clásica en piano y una voz cargada de matices soul. Su capacidad para unir honestidad emocional con arreglos imaginativos le da un carácter distintivo. En este tema se refleja esa mezcla de géneros que se funden en un espacio propio, mostrando cómo lo clásico y lo moderno pueden convivir en armonía.


The Yum Yum Tree – Shine | Estados Unidos

La segunda parada nos lleva a The Yum Yum Tree con Shine, una canción que se sostiene en un ritmo relajado con influencias rock. La voz femenina complementa la atmósfera y aporta un aire cálido que refuerza la esencia de la pieza. El resultado es una propuesta que invita a escuchar con calma y dejarse llevar por su estilo sencillo pero atractivo.

Desde Atlanta, The Yum Yum Tree regresa con su álbum Turn Down the Noise, explorando relaciones y experiencias cotidianas. Con una trayectoria que incluye discos como Paint By Numbers, la banda se ha caracterizado por crear música reflexiva y cercana. Su estilo busca transmitir historias con un enfoque relajado, mostrando que el rock también puede ser un espacio de contemplación.


néomí – Didn’t I | Países Bajos

Finalmente encontramos a néomí con Didn’t I, una canción que viaja entre el indie pop y el rock con un aire moderno. La producción cuidada aporta calidad y convierte la pieza en una propuesta interesante que atrapa desde el inicio. Su estilo se sostiene en atmósferas soñadoras que logran transmitir sinceridad y frescura.

Detrás de néomí está la cantautora neerlandesa Neomi Speelman, inspirada por artistas como Bon Iver y Phoebe Bridgers. Su música se construye como un diario personal, con letras sinceras y paisajes musicales que evocan calma y honestidad. Con su EP debut Before, marcó un inicio que refleja la simplicidad de una etapa juvenil, mostrando que lo íntimo puede ser también un espacio de conexión.


En conclusión, Diane Emerita, The Yum Yum Tree y néomí nos presentan tres propuestas que enriquecen la música emergente. Desde la oscuridad experimental hasta el rock relajado y la sinceridad del indie pop, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.


Kyle Waves y la frescura urbana de “Picture In My Phone”

Kyle Waves y la frescura urbana de “Picture In My Phone”

El artista Kyle Waves, nacido en Singapur y radicado en Nueva York, se ha convertido en una voz representativa dentro de las comunidades asiáticas y queer de su generación. Su música, influenciada por artistas como Troye Sivan y Lexie Liu, se mueve entre el pop, el R&B y la electrónica, siempre con un enfoque en narrar las complejidades del amor, la pérdida y la amistad. Con más de una década de formación en canto y danza, Waves ha logrado integrar su propuesta musical con presentaciones visuales y coreográficas que refuerzan su identidad artística.

En ese contexto aparece “Picture In My Phone”, una canción que refleja un carácter moderno y urbano, muy acorde con las tendencias actuales. El tema se sostiene en un ritmo atractivo que introduce pinceladas electrónicas, logrando un giro interesante dentro de su estilo. La producción se siente cuidada y contemporánea, mientras la voz de Waves aporta cercanía y emoción, convirtiéndose en el elemento que da cohesión a la propuesta.



La intención de Kyle Waves en “Picture In My Phone” parece clara: ofrecer un sonido que conecte con la actualidad, pero sin perder un toque personal que lo diferencie. La canción se abre paso como una propuesta que mezcla lo accesible del pop urbano con la experimentación electrónica, mostrando que el artista busca expandir su lenguaje musical hacia nuevas direcciones. Esa combinación refuerza su identidad dentro de una escena cada vez más diversa.

Al escuchar “Picture In My Phone”, se percibe una invitación a sumergirse en un espacio sonoro fresco y envolvente. La canción funciona como un ejemplo de cómo Kyle Waves logra equilibrar lo moderno con lo íntimo, ofreciendo música que se siente cercana y al mismo tiempo innovadora. En esa mezcla de influencias urbanas y electrónicas, el artista reafirma su lugar como una propuesta que destaca dentro del panorama actual.


Awake & Dreaming y la fuerza experimental de “I U Me”

Awake & Dreaming y la fuerza experimental de “I U Me”

El trío Awake & Dreaming, integrado por Sasha Kristoff, Stefan Schneider y Ryan Dugal, ha construido un sonido que se mueve entre lo etéreo y lo contundente. Su propuesta se caracteriza por paisajes sonoros cargados de emoción, con influencias que van desde Radiohead hasta LCD Soundsystem. Cada integrante aporta un matiz distinto: la voz y el piano de Sasha, las cuerdas y teclas de Stefan, y la percusión dinámica de Ryan, logrando una fusión que se siente íntima y expansiva al mismo tiempo.

En ese contexto aparece “I U Me”, una canción que juega con el indie rock y lo lleva hacia terrenos experimentales. La pieza se sostiene en una escena musical rica en detalles, donde la variedad instrumental se convierte en el soporte de una atmósfera envolvente. La voz, cálida y precisa, eleva el tema y le da un carácter cercano, logrando que la propuesta se mantenga firme y coherente a lo largo de toda su duración.



La intención de Awake & Dreaming en “I U Me” parece clara: explorar nuevas formas de expresión sin perder la conexión emocional con el oyente. La canción se abre paso como un puente entre lo alternativo y lo experimental, mostrando que la banda no teme arriesgarse en la construcción de su sonido. Esa mezcla de géneros refuerza la identidad del grupo y lo coloca en un espacio donde la innovación es parte esencial de su narrativa.

Al escuchar “I U Me”, se percibe una propuesta que invita a sumergirse en un universo sonoro distinto, donde cada elemento instrumental aporta a la atmósfera general. La canción funciona como una muestra del camino que Awake & Dreaming está trazando: uno en el que la experimentación y la emotividad se encuentran para ofrecer música que se sostiene en su autenticidad. En esa combinación de indie rock y exploración sonora, el grupo reafirma su lugar dentro de la escena alternativa actual.


Christian Alexander y la calidez Musical de “Circles”

Christian Alexander y la calidez Musical de “Circles”

La carrera de Christian Alexander, cantautor originario de Preston y actualmente radicado en Londres, ha estado marcada por una búsqueda constante de identidad musical. Desde sus primeros discos caseros en 2019 hasta colaboraciones con productores de alto perfil como Mura Masa y miembros de Brockhampton, Alexander ha mostrado una versatilidad que lo ha llevado a transitar entre lo lo-fi y producciones de mayor escala. Su regreso a grabaciones más íntimas en 2025 con 11 reafirmó su capacidad de conectar con lo personal y lo inmediato.

En ese recorrido aparece “Circles”, una canción que destaca por su gran calidad de producción. La pieza se construye sobre una escena sonora llena de detalles, con una variedad instrumental que aporta riqueza y dinamismo. La voz de Alexander, cálida y cercana, se convierte en el elemento que guía la experiencia, logrando que el tema se sienta íntimo sin perder amplitud. Es una propuesta que se sostiene en la precisión y el cuidado de cada capa sonora.



La música de Christian Alexander siempre ha mostrado un interés por explorar diferentes direcciones, desde el indie pop hasta lo acústico más lo-fi. En “Circles”, esa inquietud se traduce en un tema que combina lo experimental con lo accesible, ofreciendo un sonido que se siente fresco y contemporáneo. La canción refleja la intención del artista de seguir expandiendo su lenguaje musical sin perder la conexión emocional con el oyente.

Al escuchar “Circles”, se percibe una propuesta que invita a sumergirse en un espacio sonoro envolvente. La canción funciona como un ejemplo de cómo Alexander logra equilibrar producción detallada con una interpretación vocal que transmite cercanía. En esa mezcla de calidez y sofisticación, Christian Alexander reafirma su lugar dentro del indie pop actual, mostrando que su música sigue evolucionando sin perder autenticidad.


LA NUEVA OLA 2026 #61 | Jimena Arroyo, VEGASLICE y Xavier Toscano

LA NUEVA OLA 2026 #61 | Jimena Arroyo, VEGASLICE y Xavier Toscano

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Jimena Arroyo y CJ Teffnner – Runaway Train | Argentina

El recorrido inicia con Jimena Arroyo junto a CJ Teffner y su tema Runaway Train, una canción que mezcla indie pop con un rock más clásico. El ritmo se sostiene en una voz trabajada que aporta fuerza y convierte la pieza en una experiencia inmersiva. La propuesta transmite frescura y logra atrapar gracias a su equilibrio entre lo moderno y lo tradicional.

Jimena Arroyo, cantautora y traductora de La Plata, ha recorrido escenarios en bares, teatros y televisión, logrando reconocimiento internacional con nominaciones en premios como Nashville Universe y Josie Music Awards. Por su parte, CJ Teffner, productor y músico de Phoenix, ha colaborado en sesiones con figuras de gran trayectoria como Murray Krugman y David Henry. Juntos construyen una propuesta que combina experiencia y sensibilidad, mostrando un estilo sólido y atractivo.


VEGASLICE – Circles | España

La segunda parada nos lleva a VEGASLICE con Circles, una canción que se apoya en un ritmo divertido y directo. La voz sostiene la esencia rock y se integra con guitarras saturadas y ritmos comprimidos, logrando una atmósfera que atrapa desde el inicio. La pieza transmite energía y se convierte en un espacio donde lo alternativo se disfruta con naturalidad.

El proyecto VEGASLICE mezcla indie pop y rock con letras bilingües que hablan de amor y caos emocional. Tras años de perfeccionar su estilo en distintas bandas locales, se prepara para lanzar su álbum debut Modern Love. Su propuesta refleja un interés por lo personal y lo experimental, mostrando que el rock puede ser también un espacio de exploración íntima.

Xavier Toscano – Boom Boom (Goes My Heart) | Estados Unidos

Finalmente encontramos a Xavier Toscano con Boom Boom (Goes My Heart), una canción que destaca por sus bajos potentes y un ritmo que atrapa desde los primeros segundos. La mezcla de influencias disco e indie pop moderno se sostiene en una voz dinámica que aporta energía y convierte la pieza en una propuesta vibrante. La canción transmite entusiasmo y se disfruta con facilidad.

La música de Xavier Toscano se inspira en el pop urbano y en la energía de géneros como EDM, rap y reggae. Con presentaciones en Estados Unidos y Europa, su estilo se caracteriza por un show dinámico que combina baile y música. Su propuesta refleja versatilidad y un interés por conectar con el público a través de la energía y la presencia escénica.


En conclusión, Jimena Arroyo & CJ Teffner, VEGASLICE y Xavier Toscano nos presentan tres caminos distintos dentro de la música emergente. Desde el indie pop con tintes clásicos hasta el rock divertido y la energía disco, cada propuesta abre un espacio único. Te invitamos a escucharlos y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.


Fernando Ramos y la energía directa de “Sálvame”

Fernando Ramos y la energía directa de “Sálvame”

La historia de Fernando Ramos como músico está marcada por la perseverancia y la resistencia frente a un entorno que muchas veces parece hostil. Desde sus inicios en los años noventa con el grupo Los Cucas, ha enfrentado dificultades que van desde salas improvisadas con cartones de huevo en las paredes hasta contratos discográficos que apenas dejaban margen para el artista. Aun así, Ramos ha mantenido firme su convicción de seguir creando y compartiendo música, retomando su carrera en solitario desde 2023.

En ese camino aparece “Sálvame”, una canción que rescata lo mejor del rock con un ritmo simple pero contundente. El tema se sostiene en una energía que engancha de inmediato, mostrando que la fuerza no siempre depende de la complejidad, sino de la claridad con la que se transmite. La propuesta se siente directa, sin adornos innecesarios, y logra conectar con el oyente desde sus primeros compases.



La visión de Fernando Ramos como artista se refleja en la manera en que entiende la música como un acto de resistencia y autenticidad. En “Sálvame”, esa filosofía se traduce en un tema que no busca complacer a la industria, sino expresar con honestidad una energía que se mantiene viva. La canción se convierte en un puente entre su pasado con bandas como Los Cucas, 4 Bajo Cero y Retroversión, y su presente como solista.

Al escuchar “Sálvame”, se percibe una propuesta que apuesta por la contundencia del rock clásico, pero con una frescura que lo hace actual. La canción funciona como una declaración de intenciones: seguir creando pese a las dificultades, seguir mostrando música a quien quiera escucharla. En esa mezcla de simplicidad y fuerza, Fernando Ramos reafirma su lugar dentro de un género que, aunque exigente, sigue siendo un espacio de libertad y expresión.