En la propuesta de MUANH, artista nacida en Estados Unidos con raíces vietnamitas y alemanas, aparece “u wanna have it” como una canción que se sostiene en un ritmo lento pero cautivador. El tema se mueve dentro del género bedroom y dream pop, con un estilo que se siente moderno y refrescante. Es una pieza que invita a escuchar con calma, dejando que cada detalle se despliegue poco a poco.
La estructura de “u wanna have it” se apoya en una voz dulce y suave que aporta personalidad y cercanía. Los arreglos, trabajados con sutileza, refuerzan la atmósfera íntima sin sobrecargar la producción. El resultado es un tema que fluye con naturalidad, atrapando al oyente en un espacio sonoro que combina delicadeza y modernidad.
El contexto de MUANH añade un matiz relevante: su carrera tomó un nuevo rumbo durante la pandemia, cuando comenzó a escribir y producir desde su propio apartamento. En “u wanna have it”, esa sensibilidad se traduce en una propuesta que refleja tanto la introspección como la claridad artística que ha alcanzado en los últimos años. Es un ejemplo de cómo la artista convierte lo personal en música que conecta.
La canción se convierte en una muestra de cómo el bedroom pop puede seguir evolucionando sin perder su esencia. “u wanna have it” no busca imponerse con fuerza, sino atrapar por su ritmo lento y su atmósfera envolvente. Es una invitación a descubrir cómo MUANH logra que lo íntimo y lo moderno convivan en un mismo espacio sonoro.
En la propuesta de Kathryn Grimm, cantante y multiinstrumentista con una trayectoria marcada por colaboraciones con figuras como Jeff Buckley y Bo Diddley, aparece “Treat Me Like Gold” como una canción que respeta la esencia del rock clásico. El tema se sostiene en una producción sólida que realza cada instrumento, logrando un sonido que se siente auténtico y directo. Es una pieza que conecta con la tradición del género sin perder actualidad.
La estructura de “Treat Me Like Gold” se apoya en guitarras que marcan el pulso con firmeza, mientras la batería y el bajo refuerzan la base rítmica. La voz de Grimm, con gran presencia, se convierte en el eje que guía la canción, aportando fuerza y carácter. El resultado es un tema que se mueve con seguridad, mostrando cómo el rock puede conservar su espíritu sin necesidad de adornos excesivos.
El contexto de Kathryn Grimm añade un matiz relevante: su carrera ha estado marcada por la versatilidad, desde proyectos de blues y jazz hasta colaboraciones en distintos estilos. En “Treat Me Like Gold”, esa experiencia se traduce en un tema que mantiene la energía del rock clásico, pero con una producción que le da un aire contemporáneo. Es un ejemplo de cómo la artista integra tradición y modernidad.
La canción se convierte en una muestra de la capacidad de Grimm para sostener el género con autenticidad. “Treat Me Like Gold” no busca reinventar el rock, sino reafirmar su vigencia a través de una interpretación firme y una producción cuidada. Es una invitación a escuchar cómo una voz con presencia puede darle nueva vida a un estilo que sigue resonando con fuerza.
En la propuesta de Siena Fantini, joven cantautora de 15 años que ha comenzado a construir su camino con sinceridad y vulnerabilidad, aparece “a little less evil” como una canción que se sostiene en un ritmo delicado. El tema se apoya en un folk-pop que fluye con naturalidad, acompañado de una voz dulce que aporta personalidad y cercanía. Es una pieza que invita a escuchar con calma, dejando que cada detalle se asiente poco a poco.
La estructura de “a little less evil” se distingue por la manera en que la voz se convierte en el centro de la propuesta. Los arreglos acústicos, sencillos pero efectivos, complementan la atmósfera sin restarle protagonismo a la interpretación vocal. El resultado es un tema que se mueve con suavidad, pero que logra atrapar gracias a su equilibrio entre lo íntimo y lo melódico.
El contexto de Siena Fantini añade un matiz relevante: sus canciones suelen surgir de experiencias personales, escritas casi como páginas de un diario. En “a little less evil”, esa honestidad se traduce en un tema que refleja emociones juveniles con claridad, sin necesidad de adornos excesivos. Es un ejemplo de cómo la artista convierte lo cotidiano en música que conecta de manera directa.
La canción se convierte en una muestra del potencial de Fantini para integrar lo folk y lo pop en un mismo espacio sonoro. “a little less evil” no pretende ser grandilocuente, sino una propuesta que atrapa por su sencillez y por la manera en que la voz guía el recorrido. Es una invitación a descubrir cómo una interpretación delicada puede sostener un tema con fuerza propia.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Jaidyn Hurst – Stranger to Me | Estados Unidos
El recorrido inicia con Jessee B y su tema Stop Assuming, una canción synthpop con un ritmo retro que invita a moverse desde el primer instante. La voz atrevida y divertida aporta carácter y convierte la pieza en una experiencia dinámica. La propuesta logra atrapar gracias a su energía y a la manera en que aborda las emociones cotidianas de una relación.
Desde Chicago, Jessee B se inspira en el freestyle clásico de los 80 y 90, influenciado por artistas como Stevie B y Lisa Lisa. Su objetivo es mantener vivo ese estilo mientras lo presenta a nuevas generaciones. Con letras que hablan de malentendidos y comunicación, su música refleja autenticidad y un interés por lo emocional, mostrando que lo retro puede seguir vigente en la actualidad.
Lukka – Fabric of the Cosmos | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Lukka con Fabric of the Cosmos, una canción que se mueve entre el dream pop y la psicodelia. El ritmo sencillo se convierte en un espacio envolvente gracias a la ambientación y a una voz que encaja perfectamente con el estilo. La propuesta transmite frescura y logra atrapar con su atmósfera hipnótica.
Desde Nueva York, Lukka se presenta como un grupo experimental que combina sintetizadores ochenteros con guitarras cargadas de delay. Su estilo refleja un interés por lo atmosférico y lo alternativo, mostrando que lo psicodélico puede convivir con lo pop. Con esta propuesta refuerzan su capacidad de crear canciones que se sienten modernas y a la vez nostálgicas.
Jessee B – Stop Assuming | Estados Unidos
Finalmente encontramos a Jaidyn Hurst con Stranger to Me, una canción pop con matices rock que fluye con un ritmo cálido y envolvente. La voz aporta cercanía y convierte la pieza en una experiencia íntima que transmite emoción. La propuesta logra atrapar gracias a su estilo sencillo y a la manera en que conecta con lo personal.
Desde Colorado, Jaidyn Hurst comenzó a escribir música desde pequeña y ha desarrollado un estilo que refleja vulnerabilidad y aspiraciones. Con proyectos como su EP Seasons y colaboraciones en Nueva York, su música se mueve entre lo personal y lo generacional. Con esta propuesta reafirma su interés por crear canciones que se sienten honestas y accesibles.
En conclusión, Jessee B, Lukka y Jaidyn Hurst nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo retro del synthpop hasta lo etéreo del dream pop y lo íntimo del pop-rock, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Beachdust – C L E F T | Estados Unidos
El recorrido inicia con Beachdust y su tema C L E F T, una canción que se aventura en lo experimental con un estilo rock atrevido. El ritmo transmite frescura y logra atrapar gracias a su construcción arriesgada, convirtiéndose en una propuesta que invita a escuchar con atención. La pieza se convierte en un espacio atractivo que refleja un interés por lo alternativo y lo innovador.
Beachdust se presenta como un proyecto que documenta una búsqueda constante hacia estados de plenitud musical. Su estilo refleja autenticidad y un interés por explorar nuevas formas, mostrando que lo experimental puede convivir con lo accesible. Con esta propuesta refuerzan su capacidad de crear canciones que se sienten intensas y diferentes.
Emily Rose Burnett – thank u | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Emily Rose Burnett con thank u, una canción soul con tintes pop que fluye con un ritmo envolvente. La voz aporta cercanía y convierte la pieza en una experiencia íntima que transmite emoción y personalidad. La propuesta logra un equilibrio entre lo melódico y lo delicado, invitando a escuchar con calma.
Desde Nueva York, Emily Rose Burnett comenzó a escribir canciones como una forma de procesar experiencias de amor, pérdida y crecimiento. Inspirada por artistas como Amy Winehouse y Joni Mitchell, su estilo refleja un interés por lo narrativo y lo emocional. Con esta propuesta reafirma su capacidad de crear música que se siente personal y honesta.
Abbey Blackwell – Rise and Set | Estados Unidos
Finalmente encontramos a Abbey Blackwell con Rise and Set, una canción rock ligero con un ritmo lento y una instrumental sencilla. La voz se convierte en protagonista y aporta un aire nostálgico que transmite cercanía. La propuesta logra atrapar gracias a su estilo íntimo y a la manera en que combina lo simple con lo emotivo.
Desde Seattle, Abbey Blackwell se presenta como una música multifacética que ha trabajado en ámbitos como el rock, el jazz y lo clásico. En esta etapa se ha enfocado en la composición para guitarra y voz, mostrando un estilo que se mueve entre lo personal y lo reflexivo. Con esta propuesta refuerza su interés por crear canciones que se sienten cercanas y auténticas.
En conclusión, Beachdust, Emily Rose Burnett y Abbey Blackwell nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo experimental del rock hasta lo íntimo del soul-pop y lo nostálgico del folk-rock ligero, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Living Too Late – Starting To Be | Australia
El recorrido inicia con Living Too Late y su tema Starting To Be, una canción rock que se apoya en un estilo rústico y directo. El ritmo transmite energía y logra atrapar gracias a sus ganchos y a la voz del artista, que aporta carácter y cercanía. La propuesta se convierte en una experiencia que invita a escuchar con calma y disfrutar de su frescura.
Detrás de Living Too Late está Jakub Tengdahl, multiinstrumentista que ha trabajado en proyectos como DEAN FOREVER e It’s a Hoax. Su estilo se mueve entre el dream pop, el shoegaze y el grunge, pero en este proyecto explora un viaje más libre entre géneros. Con influencias que van del rock melódico al postpunk, su música refleja versatilidad y un interés por lo experimental.
Lynndigo – Motion Sick | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Lynndigo con Motion Sick, una canción indie pop moderno con tintes funk que se siente divertida y adictiva. El ritmo transmite frescura y logra atrapar gracias a su energía ligera, convirtiéndose en una propuesta que se disfruta con facilidad. La voz aporta un aire especial que refuerza la atmósfera y convierte la pieza en una experiencia cercana.
Desde Austin, Texas, Lynndigo se presenta como una artista emergente que mezcla influencias retro con un enfoque contemporáneo. Su estilo se mueve entre lo nostálgico y lo moderno, mostrando que lo personal puede convertirse en un espacio musical atractivo. Con esta propuesta reafirma su capacidad de crear canciones que se sienten íntimas y festivas al mismo tiempo.
Envy Marshall – Lookin’ Good, Feelin’ Famous | Australia
Finalmente encontramos a Envy Marshall con Lookin’ Good, Feelin’ Famous, una canción rock con carácter explosivo. El ritmo se sostiene en guitarras eléctricas potentes y una voz versátil que aporta fuerza y presencia. La propuesta transmite energía y se convierte en una experiencia intensa que invita a escuchar con atención.
Con un estilo que se apoya en lo audaz y lo directo, Envy Marshall se presenta como una artista que mezcla lo teatral con lo musical. Su enfoque refleja autenticidad y un interés por lo alternativo, mostrando que el rock puede ser también un espacio de diversión y poder. Con esta propuesta reafirma su capacidad de crear canciones que se sienten modernas y llenas de carácter.
En conclusión, Living Too Late, Lynndigo y Envy Marshall nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo rústico del rock hasta lo divertido del indie pop y lo explosivo del hard rock, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
En la propuesta de Kewl Haze, dúo de Filadelfia que se mueve con soltura en el terreno del psych-rock, aparece “Double Black Diamond” como una canción que se sostiene en un ritmo atrapante. El tema combina un espíritu rock retro con un toque psicodélico que le da un carácter particular. Es una pieza que fluye con energía y que invita a dejarse llevar por su cadencia constante.
La estructura de “Double Black Diamond” se apoya en guitarras que evocan el sonido clásico del rock, pero con arreglos que expanden la atmósfera hacia lo experimental. La batería mantiene un pulso firme, mientras los efectos psicodélicos aportan un matiz que transforma la escucha en un viaje sonoro. El resultado es un tema que se mueve entre lo familiar y lo inesperado.
El contexto de Kewl Haze añade un matiz interesante: su debut Suburban Sherpa fue el resultado de años de trabajo entre sesiones caseras y estudios profesionales, siempre con una mirada ligera y abierta hacia la vida. En “Double Black Diamond”, esa filosofía se traduce en un sonido que no busca perfección absoluta, sino transmitir frescura y dinamismo. Es un reflejo de cómo la banda entiende la música como un espacio de libertad.
La canción se convierte en una muestra de la capacidad del dúo para integrar lo retro con lo psicodélico sin perder coherencia. “Double Black Diamond” no pretende reinventar el rock, pero sí darle un giro que lo haga vibrar en el presente. Es una invitación a escuchar cómo Kewl Haze transforma la energía del pasado en una propuesta que sigue atrapando hoy.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Essential Duo – Storm in my hearth | Ucrania
El recorrido inicia con Essential Duo y su tema Storm in my hearth, una canción que se sostiene en influencias retro synthwave con un ritmo pegajoso que evoca la nostalgia de los ochenta. La propuesta transmite frescura y logra atrapar gracias a su atmósfera cargada de energía y un estilo que se siente cinematográfico. La pieza se convierte en un espacio atractivo que invita a escuchar con calma y dejarse llevar por su estética retro-futurista.
Formado por Yurii Zharkov y Oksana Melnyk, Essential Duo nació en 2025 como un proyecto que mezcla la nostalgia del synthwave con producción moderna. Su música refleja un interés por lo atmosférico y lo emocional, mostrando que lo retro puede convivir con lo contemporáneo. Con esta propuesta refuerzan su capacidad de crear canciones que se sienten intensas y llenas de personalidad.
NeoElastique – The Lives I didn’t Live | Australia
La segunda parada nos lleva a NeoElastique con The Lives I didn’t Live, una canción que fluye con influencias synthpop y pop en un ritmo lento pero cercano. La voz aporta profundidad y convierte la pieza en una experiencia íntima que transmite calma y reflexión. La propuesta logra un equilibrio entre lo melódico y lo emocional, invitando a escuchar con atención.
Detrás de NeoElastique está Francesc, artista nacido en Barcelona y radicado en Melbourne, quien utiliza la música como un medio para traducir emociones en paisajes musicales. Con sintetizadores y texturas retro, construye atmósferas que se sienten nostálgicas pero actuales. La voz de Molly aporta carácter y refuerza la propuesta, mostrando un estilo que se mueve entre lo personal y lo experimental.
María Granados – Despierta | México
Finalmente encontramos a María Granados con Despierta, una canción que se sostiene en un folk con tintes dream pop. El ritmo lento y la voz suave transmiten cercanía y convierten la pieza en una experiencia apacible. La propuesta logra atrapar gracias a su estilo íntimo y a la manera en que combina lo tradicional con lo moderno.
Desde la Ciudad de México, María Granados inició su carrera profesional hace un año tras graduarse en literatura. Sus influencias van desde Joaquín Sabina y Natalia Lafourcade hasta artistas de música country como Dolly Parton, mostrando un estilo diverso y rico en referencias. Con esta propuesta reafirma su interés por crear canciones que se sienten personales y que reflejan tanto su formación literaria como musical.
En conclusión, Essential Duo, NeoElastique y María Granados nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo retro-futurista del synthwave hasta lo íntimo del synthpop y lo apacible del folk, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Beau Morgan – Forever Coming On | Estados Unidos
El recorrido inicia con Beau Morgan y su tema Forever Coming On, una canción que se sostiene en influencias rock con matices que refuerzan su carácter. El ritmo transmite fuerza y logra atrapar gracias a su estilo directo, convirtiéndose en una propuesta que se disfruta con atención. La pieza se mueve entre lo confesional y lo reflexivo, mostrando un enfoque que conecta con lo cotidiano.
Desde Virginia, Beau Morgan escribe canciones que se inspiran en experiencias reales como relaciones tensas, hábitos difíciles de dejar y momentos de cambio inesperado. Su estilo mezcla honestidad con un toque de humor oscuro, logrando un equilibrio entre vulnerabilidad y energía. Con esta propuesta reafirma su interés por crear música que se siente cercana y auténtica.
Open Road Folk Music – Winter Pine | Estados Unidos
La segunda parada nos lleva a Open Road Folk Music con Winter Pine, una canción instrumental que fluye con un ritmo apacible. La flauta y la guitarra se convierten en protagonistas, creando una atmósfera que transmite calma y libertad. La propuesta logra un equilibrio entre lo simple y lo profundo, invitando a escuchar con serenidad.
El proyecto Open Road Folk Music busca reflejar la paz que se encuentra en los espacios abiertos. Su estilo se apoya en lo acústico y en voces suaves, mostrando un interés por lo natural y lo contemplativo. Con esta propuesta refuerzan su capacidad de crear música que se siente como un refugio, un espacio para desconectar y disfrutar.
FL.OZ – Broken Promise | Estados Unidos
Finalmente encontramos a FL.OZ con Broken Promise, una canción indie rock que se sostiene en un ritmo sencillo pero atrapante. El toque lo-fi aporta frescura y convierte la pieza en una experiencia íntima. La voz se integra con naturalidad y logra transmitir cercanía, convirtiéndose en una propuesta que invita a escuchar con calma.
Detrás de FL.OZ está un proyecto solista que se apoya en la colaboración de amigos para dar forma a su estilo. Su música refleja autenticidad y un interés por lo alternativo, mostrando que lo sencillo puede convertirse en un espacio creativo. Con esta propuesta reafirma su capacidad de construir canciones que se sienten modernas y accesibles.
En conclusión, Beau Morgan, Open Road Folk Music y FL.OZ nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo confesional del rock hasta lo apacible del folk y lo íntimo del indie, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.
En la propuesta de SHE, artista radicada en San Francisco que ha sabido reconstruir su carrera desde la sinceridad y la conexión emocional, aparece “Mother Mary (Rihanna Cover)” como una interpretación que se sostiene en una atmósfera delicada y atrapante. La canción combina un ritmo pop con matices de rock y folk, logrando un equilibrio que se siente moderno pero íntimo. Es un tema que invita a escuchar con calma, dejando que cada detalle se despliegue poco a poco.
La parte instrumental de “Mother Mary (Rihanna Cover)” es clave para entender su fuerza. Los arreglos, trabajados con precisión, generan un espacio sonoro que envuelve al oyente sin necesidad de excesos. La guitarra y los elementos acústicos se integran con naturalidad, mientras la voz guía el recorrido con técnica y presencia, reforzando la atmósfera introspectiva que define la propuesta.
El contexto de SHE añade un matiz importante: tras haber formado parte de la banda europea The Erised y recorrer escenarios internacionales, su etapa actual se centra en covers que transmiten empatía y resiliencia. En “Mother Mary (Rihanna Cover)”, esa intención se traduce en una interpretación que no busca replicar la original, sino darle un giro personal, con un enfoque más íntimo y cargado de matices sonoros.
La canción se convierte en una muestra de cómo un cover puede transformarse en un espacio propio. “Mother Mary (Rihanna Cover)” refleja la capacidad de SHE para integrar delicadeza y fuerza en un mismo tema, ofreciendo una propuesta que se mueve entre lo pop y lo folk sin perder coherencia. Es una invitación a dejarse atrapar por una atmósfera que, desde la sencillez, logra transmitir profundidad.
