Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
K. Melody – Sugar Skies
K. Melody, originaria de Atlanta y actualmente radicada en Tampa, Florida, es una artista que fusiona el R&B y el soul con una sensibilidad única. Sus voces suaves y envolventes se entrelazan con beats hipnóticos, creando un sonido cálido y cautivador. A través de letras imaginativas, K. Melody explora experiencias personales, emociones y situaciones del mundo real, convirtiéndolas en canciones reflexivas y cercanas. Su música combina profundidad y sensibilidad con una producción agradable y envolvente, invitando al público a conectar con sus historias desde un lugar íntimo y auténtico.
Alasdair Inglis – Shine | Reino Unido
Alasdair Inglis es un músico y compositor escocés criado en las Highlands, donde creció rodeado de música folk tradicional y canciones gaélicas que marcaron profundamente su sensibilidad artística. Tras pasar 25 años en Londres, absorbiendo influencias que van desde el folk y los cantautores hasta la música electrónica y la escena de festivales británica, ha desarrollado un sonido reflexivo y atmosférico que combina la melancolía de las Highlands con una sensibilidad contemporánea. Su música, guiada por guitarras de afinaciones abiertas y una narrativa íntima, explora el vínculo entre lugar, memoria y experiencia, con canciones personales sin caer en lo confesional y una belleza serena nacida de haber vivido entre distintos paisajes.
The Prestige – Rose du Désert | Francia
Desde París, The Prestige apuesta por una propuesta de hardcore incorporando elementos de post-rock, post-metal y otras sonoridades alternativas. En “Rose du Désert”, la banda combina letras en francés con una energía hardcore explosiva y una atmósfera más expansiva y experimental. La segunda mitad del tema destaca especialmente por sus influencias de post-metal, convirtiendo la canción en una buena puerta de entrada para quienes disfrutan de propuestas cercanas a The Ocean y de sonidos pesados, dinámicos y atmosféricos.
Hay canciones que buscan respuestas y otras que simplemente nos acompañan mientras intentamos encontrarlas. “Cycles”, el nuevo sencillo de la cantautora neerlandesa Celine Cairo, pertenece a esa segunda categoría. Con una atmósfera hipnótica y una interpretación vocal que se mueve entre lo etéreo y lo profundamente humano, Cairo convierte una reflexión sobre el cambio, el paso del tiempo y los ciclos de la vida en una experiencia íntima y reconfortante.
“Cycles” continúa la nueva etapa artística de Cairo, iniciada con el sencillo “Panacea” y encaminada hacia su próximo álbum, previsto para junio. La canción se adentra en un territorio más oscuro e introspectivo, explorando esa sensación tan familiar de mirar hacia el futuro sin saber exactamente qué nos espera.
“Cycles” se construye alrededor de un antiguo Wurlitzer de Cairo y una producción de inspiración trip-hop. Los paisajes electrónicos son sutiles, los sintetizadores analógicos aportan profundidad y las guitarras eléctricas, interpretadas por Bram Doreleijer de Haevn, aparecen amplias y espaciales. A esto se suman cuerdas reales que ayudan a expandir la canción sin restarle intimidad. El resultado es un paisaje sonoro que parece avanzar lentamente, como si la canción respirara al mismo ritmo que quien la escucha.
En el centro está la voz de Cairo. Etérea, cristalina y ligeramente fantasmal, funciona como una guía dentro de este universo sonoro. “Cycles” tiene algo de experiencia nocturna: esa sensación de estar despierto mientras todos duermen, pensando demasiado en el futuro, en las decisiones tomadas y en los cambios que todavía están por llegar. Sin embargo, la canción nunca queda atrapada en la ansiedad. Su calma funciona como una forma de aceptación.
Cairo habla de crecer, envejecer, cambiar de lugar y enfrentarse a aquello que no podemos controlar. Cuando canta sobre poner la mano sobre el corazón y sentir el cambio, para después recordar que las cosas terminan encontrando su lugar, convierte una experiencia personal en algo universal. Todos hemos conocido, en mayor o menor medida, ese temor ante lo desconocido. Todos hemos tenido que aprender que avanzar también significa dejar atrás ciertas versiones de nosotros mismos.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Champ – Born In The Wild End | Reino Unido
Champ es una banda de Hartlepool, en el noreste de Inglaterra, que convierte historias de amistad, adolescencia, errores, noches largas y la relación compleja con su ciudad en canciones de guitarras amplias y emoción cinematográfica. Born In The Wild End, su tercer sencillo y título de su EP debut, fue la primera canción que escribieron como banda y representa de forma especialmente clara su identidad: un retrato de las expectativas, el existencialismo, la amistad y ese vínculo contradictorio con el lugar donde uno crece. Entre melodías expansivas y letras honestas, Champ transforma las pequeñas historias de una ciudad costera postindustrial en himnos que miran hacia algo más grande.
Shaman Ivan – Драккар | Rusia
SHAMAN IVAN es un proyecto ruso de músicos multinacionales que fusiona tradiciones folclóricas ancestrales con neofolk moderno, combinando cantos antiguos, instrumentos tradicionales, tambores poderosos y guitarras pesadas. “Драккар” (Drakkar), incluido en el álbum conceptual Prophecy, es una pieza de neofolk metal escandinavo con un sonido cinematográfico que evoca la llegada de los vikingos a la batalla. El álbum explora en ocho canciones conceptos como el destino, el miedo, la fuerza, las decisiones y lo desconocido, llevando el espíritu del pasado al presente.
skyve – NEVER CHANGE | Estados Unidos
“NEVER CHANGE” es una reflexión íntima de SKYVE sobre una amistad rota. La canción explora cómo la falta de comunicación y el orgullo pueden abrir distancia entre dos personas, convirtiendo una experiencia dolorosa en una oportunidad para aprender, crecer y entender lo ocurrido.
Hay artistas que comienzan buscando una voz y otros que comienzan buscando una respuesta. En el caso de Jeynu Núñez, escritor y rapero de Juana Díaz, Puerto Rico, ambas búsquedas parecen ocurrir al mismo tiempo. Desde 2020, Núñez ha utilizado la música como un espacio para explorar aquello que lo compone: la memoria, la identidad, las relaciones, las experiencias cotidianas y también esas emociones que, a primera vista, podrían parecer demasiado pequeñas como para convertirse en una canción. Su propuesta parte de una intención sencilla, aunque no necesariamente fácil: hablar desde la sensibilidad sin perder el calor humano.
Ese recorrido desemboca en NOSTALGIA, su primer álbum de estudio, un proyecto de siete canciones que funciona como una mirada hacia distintas etapas de su vida. No se trata únicamente de recordar. En el álbum, recordar parece ser también una forma de ordenar, entender y finalmente soltar.
NOSTALGIA no busca presentar una narrativa explicada de principio a fin. En lugar de construir un discurso explícito, Núñez parece confiar en los detalles.
El proyecto también reúne una serie de colaboraciones que amplían ese ejercicio de memoria hacia otras geografías. En sus créditos aparecen artistas de Puerto Rico y de distintos lugares del mundo, entre ellos Yuyang Lu, Migui, Ivan Bervin, LAPERRERA, Melina Alegria, brrrravo, Annie, Jon Limon, Acidd y Siete.
El Track x Track de “Nostalgia”
1. El intro que le debía a Shanice — con Yuyang Lu
El álbum comienza casual y relax, con un lenguaje casual que logra darnos contexto del artista El intro que le debía a Shanice funciona como una puerta de entrada a NOSTALGIA: una canción que parte de una persona específica para abrir un espacio mucho más amplio de recuerdos. Hay algo íntimo en la idea de “deberle” una canción a alguien, como si hacerla fuera finalmente cumplir una promesa pendiente. Con Yuyang Lu, el tema nos da un “Solo quedara seguir pa lante” como mantra de la canción, fuera de la legra la música es muy interesante, con sensaciones de hip hop, R&B y soul, la canción logra transmitirnos desde pensamientos relax, hasta un contexto social que tienes que escuchar.
2. JiNCHA BORiCUA — con Migui y Ivan Bervin
JiNCHA BORiCUA parece surgir desde un lugar más cotidiano y orgullosamente puertorriqueño. El propio título juega con una identidad reconocible, pero presentada desde una sensibilidad personal y posiblemente irreverente. La presencia de Migui e Ivan Bervin amplía esa identidad hacia afuera, convirtiendo una experiencia local en un punto de encuentro entre distintas partes del mundo. Dentro de NOSTALGIA, representa la memoria de un lugar y de una forma de ser: aquello que uno carga consigo incluso cuando se encuentra lejos. La canción nos presenta memorias, lugares, personas y emociones como un pequeño momento entre amigos donde pueden platicar sobre esos días que valoran, pero que han quedado atrás. El track no solo funciona como remembranzas del pasado sino como una propuesta romántica con la integración del featuring.
3. Maldita Esperanza — con LAPERRERA y Melina Alegria
Hay algo contradictorio en llamar Maldita Esperanza a una canción: la esperanza suele ser aquello que nos sostiene, pero también puede ser precisamente lo que nos impide aceptar que algo terminó. El título encapsula esa tensión entre querer seguir creyendo y saber que quizá deberíamos dejar ir. Con LAPERRERA y Melina Alegria, la canción se convierte en uno de los momentos donde la nostalgia puede sentirse menos como recuerdo y más como una emoción todavía presente.
4. Una lofi pa’ Nati — con brrrravo y Annie
Con una voz en off de introducción,Una lofi pa’ Nati tiene desde el título una intimidad distinta. No intenta sonar como una gran declaración; parece más bien un gesto sencillo: hacerle una canción a alguien. El “pa’ Nati” hace que el proyecto vuelva a lo cotidiano y recuerda que la memoria también está hecha de pequeños detalles, nombres propios y momentos que quizás nunca fueron importantes para nadie más. Su carácter lo-fi encaja naturalmente con esa sensación de mirar una fotografía vieja, quedarse pensando y dejar que el recuerdo haga el resto, su carácter instrumental nos da un respiro dentro del disco pero a la vez la voice note del principio de la canción nos deja recordando esas conversaciones que tuvimos con esa persona de nuestro pasado.
5. Lafourcade — con Acidd
Lafourcade introduce la memoria desde otro lugar: el de las referencias que terminan convirtiéndose en parte de nuestra propia identidad. Con Acidd, la canción funciona como una conversación al pasado, una persona y muchos recuerdos, dándole aún mas valor al titulo del álbum. La canción logra sorprendernos con un final que fusiona elementos de la electrónica y rap con un groove inesperado que nos encantó.
6. Algo así pa’l outro de David — con Siete
Si El intro que le debía a Shanice abre el álbum desde una deuda, Algo así pa’l outro de David parece cerrarlo desde otro lado, un instrumental acústico a voz y guitarra con una naturalidad casi improvisada, como si la canción hubiera nacido de una conversación, una referencia interna o una idea que simplemente había que convertir en música. Esa espontaneidad encaja con la esencia de NOSTALGIA: no todo recuerdo necesita una explicación solemne. A veces basta con dedicar algo, nombrarlo y dejarlo existir. La colaboración con Siete convierte ese momento en otro encuentro dentro del álbum.
7. La tinta no miente — con marciano, el joven
El álbum termina con una declaración que podría resumir todo su concepto: La tinta no miente. Después de recorrer recuerdos, personas, lugares y distintas versiones de sí mismo, queda la escritura como testigo. La tinta conserva aquello que la memoria puede distorsionar, esconder o intentar olvidar. Que esta sea la última canción hace que NOSTALGIA termine regresando a una de las raíces de Jeynu: el escritor. Si todo el álbum es un ejercicio de recordar para entenderse, aquí la escritura aparece como evidencia de ese proceso. Lo que quedó escrito, quedó.
Vistas juntas, las siete canciones pueden leerse como siete formas diferentes de recordar: una deuda, una identidad, una esperanza, una persona, una influencia, una despedida y finalmente la escritura.
Y eso conecta muy bien con la idea que planteaste desde el principio: NOSTALGIA no intenta contarle al oyente exactamente qué debe sentir. Le enseña fragmentos de la memoria de Jeynu y lo deja completar los espacios vacíos. Para Jeynu, la nostalgia no parece significar únicamente extrañar el pasado. Es, más bien, una materia con la que puede trabajar.
Su música parte de experiencias que pueden ser banales o profundamente introspectivas, pero intenta acercarse a ambas con el mismo nivel de honestidad. Esa disposición a encontrar significado incluso en aquello que aparentemente no lo merece es una de las características que atraviesa su propuesta.
En NOSTALGIA, esa mirada adquiere una dimensión especialmente personal. Una ruptura amorosa terminó convirtiéndose en parte importante del proceso creativo y llevó a Núñez a confrontar sensibilidades que quizá permanecían en segundo plano.
Lo que comenzó como una inquietud artística terminó funcionando también como una forma de terapia: un espacio para mirar hacia adentro cuando mirar hacia afuera ya no parecía suficiente. Pero el álbum no parece querer quedarse atrapado en el dolor. Hay humor, referencias personales, colaboraciones, buenas vibras y una voluntad evidente de mantener la humanidad en el centro. La introspección no tiene que convertirse necesariamente en solemnidad.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Jay Activist x Kaliyah Lyric – Lose You Again
Jay Activist y Kaliyah Lyric unen hip hop y R&B en “Lose You Again”, un dúo vulnerable que explora la complejidad de una ruptura en la que el deseo de seguir adelante convive con la posibilidad de una segunda oportunidad. Sobre una producción de atmósfera melancólica pero con suficiente fuerza rítmica, las voces de ambos artistas se alternan como una conversación pendiente entre dos personas que todavía intentan entender qué salió mal. Kaliyah aporta una interpretación soulful y armonías envolventes, mientras Jay profundiza en los errores, la distancia, los rencores y los juegos que terminaron deteriorando la relación. Lejos de plantear una historia basada en la culpa, el rapero reconoce también su propia responsabilidad, aportando una dimensión de honestidad y autocrítica al relato. “Lose You Again” se mueve así entre el desamor, la responsabilidad emocional y la esperanza de reconstruir el vínculo, aunque solo después de que ambos hayan tenido el espacio necesario para replantearse las cosas.
Simon Joan – Up All Night | Países Bajos
Simon Joan presenta “Up All Night”, una canción que retrata el estado de ánimo posterior a una noche de fiesta cuando, al regresar a casa en soledad, resulta imposible conciliar el sueño y aparecen las dudas sobre las decisiones tomadas. El tema se mueve alrededor de ese momento de introspección en el que la energía de la noche deja paso al silencio, los pensamientos se intensifican y el arrepentimiento comienza a hacerse presente. A través de una narrativa sencilla y cercana, Joan convierte una experiencia cotidiana en el punto de partida para explorar la soledad, la inquietud y las consecuencias emocionales de una noche que quizá no salió como se esperaba.
ON2ONE – Highway
ON2ONE presenta “Highway”, un single de electro-pop que se construye sobre un ritmo de percusiones sincopadas y una línea de bajo que sostiene el pulso, mientras los sintetizadores aportan acordes arpegiados, melodías brillantes y capas atmosféricas. La producción incorpora además voces procesadas y sutiles sonidos ambientales que evocan el desplazamiento por un paisaje urbano iluminado por neón, reforzando el carácter cinematográfico de la pieza. Con una estructura }contenida, ON2ONE evita la saturación y permite que cada elemento cumpla una función dentro del conjunto, introduciendo pequeñas variaciones rítmicas y texturales que mantienen el dinamismo.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Carbon City Lights – Leaving The Light On | Estados Unidos
Carbon City Lights presenta “Leaving the Light On”, un tema de folk-rock de atmósfera soñadora y energía luminosa que combina una línea de bajo dinámica, baterías marcadas y melodías superpuestas. La canción reflexiona sobre el deseo de reencontrarse con una versión más despreocupada de uno mismo, utilizando la imagen de una luz encendida como guía simbólica de regreso a casa. Su desarrollo cálido y cinematográfico acompaña una letra esperanzadora, equilibrando el carácter introspectivo de la temática con una sensación de optimismo. Con su mezcla de folk e indie rock, “Leaving the Light On” se integra naturalmente en una propuesta orientada a la emoción y la conexión personal.
Demetrius – NO CASA | Estados Unidos
Demetrius es un artista de hip hop originario del corredor de la Ruta 40 en Frederick, Maryland. Desde sus primeros lanzamientos, el rapero mostró una identidad definida y una notable seguridad en su propuesta, cualidades que ha continuado desarrollando mientras busca diferenciarse dentro de la escena a través de una evolución constante en áreas como la escritura, la instrumentación y la producción. Su más reciente EP, Before We Lose The Summer, refleja ese crecimiento y apunta al potencial que aún continúa explorando como compositor y artista. Con la honestidad y la autenticidad como pilares de sus letras, Demetrius construye una propuesta personal en la que sus experiencias y perspectiva encuentran su principal forma de expresión a través de la música.
Midnight Distance Club – Midnight in Paris
“Midnight in Paris” sitúa su narrativa en un escenario nocturno fácilmente reconocible y asociado a una de las ciudades más evocadoras del imaginario cultural. La combinación de hora y lugar construye una escena que sugiere encuentros, recorridos nocturnos y recuerdos que adquieren una dimensión distinta durante la madrugada. A través de esta ambientación, Midnight Distance Club desarrolla una canción marcada por el carácter íntimo y sugerente de una noche en París, utilizando la ciudad como telón de fondo para una experiencia que transcurre entre la nostalgia, el misterio y la posibilidad.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Sylva Faye – WRAITHSONG | Reino Unido
Sylva Faye presenta “WRAITHSONG”, una canción que aborda la lucha constante por hacer lo correcto y las tensiones que surgen alrededor de esa búsqueda. El tema fue interpretado y construido íntegramente por la artista con instrumentos reales en Clarence Street Studios, reforzando el carácter artesanal de su proceso de creación. Entre sus elementos destacados se encuentran las capas de armonías vocales del segundo coro, un recurso que Faye identifica como una de sus partes favoritas de grabar y que aporta profundidad a la composición.
Rude Tins – House of Cards | Suiza
Rude Tins anticipa su próximo EP Resilience con “House of Cards”, un single que combina pop punk y ska punk a través de guitarras rápidas, voces melódicas, metales marcados y un estribillo contagioso. La canción surge de una ruptura que puso fin abruptamente a una relación construida durante años, trasladando a la letra el impacto de ver cómo algo aparentemente sólido puede desmoronarse de un momento a otro. Frente a esta temática, la banda mantiene una propuesta instrumental enérgica y dinámica, donde velocidad, melodía y la presencia de los metales se equilibran para reforzar el carácter del tema. Formados en Zúrich en 2004, Rude Tins continúan explorando la evolución de su sonido mientras preparan la llegada de Resilience.
Shyfrin Alliance – On The Edge Of Rain | Ucrania
Shyfrin Alliance, proyecto creativo del empresario, filósofo y músico Eduard Shyfrin, presenta “On the Edge of Rain”, segundo adelanto de su próximo miniálbum In the Dimension of Blues. La canción explora la interacción entre las almas humanas y la tensión entre dos estados opuestos, representados por lo lluvioso y lo soleado, como una metáfora de dos realidades que parecen incapaces de coexistir. Para Shyfrin, el punto de encuentro entre ambas dimensiones se encuentra en el blues, entendido como un espacio común donde incluso los contrastes pueden compartir una misma forma de expresión. El tema continúa la propuesta de Shyfrin Alliance de combinar reflexión filosófica, narrativa musical y una aproximación auténtica y emocional al blues, dentro de un proyecto que conecta la trayectoria artística de Shyfrin con sus intereses en la filosofía, la ciencia y la exploración de la conciencia humana.
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Mat3o – Sale el sol (pero) | Colombia
Dr. Rayo x Barzo – Delfín del Mundo
Dr. Rayo y el productor costarricense Barzo se unen en “Delfín del Mundo”, una cumbia psicodélica que mezcla raíces latinoamericanas, instrumentos orgánicos y electrónica tropical. Tercer y último adelanto de Desertropical, el próximo EP de Dr. Rayo, el tema construye una atmósfera hipnótica y ritual a partir de percusiones, bajo y texturas naturales, mientras una vocalización cercana al mantra invita al movimiento y reivindica el vínculo con las raíces latinoamericanas. Grabada en Madrid con instrumentos reales durante una sesión entre ambos artistas, la canción encuentra un punto de encuentro entre el universo tropical y psicodélico de Dr. Rayo y la electrónica de Barzo, dando forma a una pieza de cumbia digital que conserva la esencia orgánica de sus ritmos mientras los lleva hacia un paisaje contemporáneo.
SJ Mortimer – Numb | Reino Unido
SJ Mortimer presenta “Numb”, un single de Pop/Rock de carácter himno que funciona como tema principal de su EP Late Bloomer. La canción nació como una balada minimalista antes de transformarse, durante una sesión de composición en Nashville junto a Justyna Kelley, en una pieza de empoderamiento femenino sobre las expectativas que enfrentan las mujeres en la música y en la vida, y el momento de recuperar la confianza y el control sobre la propia identidad. Grabado en Muscle Shoals, Alabama, junto al productor Sol Philcox-Littlefield, el tema combina Pop y Rock con influencias electrónicas, de Soul y Blues, apoyándose en una producción energética, melodías pegadizas y una interpretación vocal intensa y soul. “Numb” representa así una de las piezas más personales y ambiciosas de Mortimer dentro de esta nueva etapa como solista.
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Eyezic – CARE FOR YOU | Estados Unidos
Eyezic es un proyecto de electrónica de Washington D.C. que explora el cruce entre melodic house, alternative dance, bass y sonidos orientados al club. En “CARE FOR YOU”, publicado por Lost In Dreams Records, combina voces fragmentadas, melodías envolventes y una energía de pista de baile con matices melancólicos y románticos. El resultado es una pieza que equilibra movimiento y emoción, construyendo una atmósfera inmersiva en la que el afecto sugerido por su título permanece abierto a la interpretación.
LAB RAT – Maine Road | Australia
LAB RAT es una banda australiana que explora un rock alternativo cargado de distorsión, actitud y sensibilidad pop, llevando su sonido hacia terrenos más oscuros y pesados en su próximo álbum, The Internet Makes Me Sad. El proyecto nació de un periodo de aislamiento creativo de Dyl en el outback australiano, donde convirtió alrededor de 50 demos en un álbum de diez canciones que aborda temas personales como la adicción, la depresión, las relaciones y las rupturas. Entre sus adelantos se encuentra “Maine Road”, una canción escrita originalmente durante un viaje en Uber de Londres a Brighton después de tocar en un festival y posteriormente desarrollada junto al guitarrista Kai. El tema refleja la sensación de entregarse por completo a algo sin saber si funcionará, pero seguir adelante por la convicción de que es aquello para lo que se nació. Musicalmente, forma parte de una etapa más profunda e intensa de LAB RAT, en la que las melodías pop conviven con guitarras distorsionadas y una energía visceral.
Uncle Los Music – ULM3 | Estados Unidos
Uncle Los Music continúa desarrollando su propuesta de jazz, funk y soul con “ULM3”, un instrumental construido alrededor de un bajo firme y contagioso, golpes de metales y un groove profundo que combina la musicalidad del jazz con la energía del funk y el soul clásicos. Como continuación del universo presentado en Mama’d Say, el tema profundiza en su faceta más funk, apostando por la fuerza de los instrumentos en vivo, texturas soulful y un ritmo diseñado para el movimiento, sin perder el espacio necesario para que los músicos exploren y respiren. “ULM3” se presenta así como una nueva pieza dentro del proyecto, especialmente cercana a los terrenos del contemporary jazz, jazz-funk, soul-jazz y groove instrumental.
El dúo estadounidense Jack & Jack, integrado por Jack Johnson y Jack Gilinsky, presentó “Bulletproof”, un sencillo con una producción minimalista y una temática centrada en los vínculos familiares. La canción forma parte de SYN/ANTI, un álbum concebido en dos partes que presenta diferentes facetas de la propuesta musical del dúo. Mientras SYN explora un enfoque más luminoso y accesible, ANTI se orienta hacia una sensibilidad más introspectiva y cercana al R&B.
“Bulletproof” pertenece al lado SYN, aunque su tratamiento musical se aleja de una producción pop basada en ritmos marcados. El tema prescinde de beats y se construye principalmente a partir de piano, voces y cuerdas interpretadas en vivo. Esta instrumentación deja un mayor espacio para la interpretación vocal y para el contenido de la letra.
La canción fue escrita por Jack Gilinsky desde una perspectiva familiar. El artista explicó que la composición está dirigida a una versión futura de su hija, imaginando cómo podría cambiar la relación entre ambos a medida que ella crezca. La idea parte de la percepción infantil de los padres como figuras protectoras y de la inevitable transformación de esa relación con el paso del tiempo.“Bulletproof” aborda temas reconocibles como la protección, el crecimiento, los límites familiares y la transición entre distintas etapas de la vida. La letra utiliza la imagen de alguien considerado “a prueba de balas” para reflexionar sobre cómo esa percepción puede cambiar a medida que los hijos crecen y desarrollan su propia independencia.
El lanzamiento también muestra una faceta diferente de Jack & Jack, quienes comenzaron su trayectoria como creadores de contenido y posteriormente desarrollaron una carrera musical con influencias del pop y el R&B. Después de un periodo de pausa, el dúo retomó su actividad musical con una propuesta que busca incorporar nuevas experiencias personales y creativas.
Con “Bulletproof”, Jack & Jack presentan una composición de carácter íntimo que pone el énfasis en la voz y los instrumentos acústicos. La canción funciona como una pieza dentro de la estructura de SYN/ANTI y, al mismo tiempo, como una reflexión personal de Gilinsky sobre la familia, la protección y los cambios que acompañan el paso del tiempo.
