Año: 2026

Shane Alexander presenta “Higher Than High”, un viaje psicodélico de esperanza y redención

Shane Alexander presenta “Higher Than High”, un viaje psicodélico de esperanza y redención

El cantautor estadounidense Shane Alexander continúa ampliando su universo musical con “Higher Than High”, una de las piezas más ambiciosas de su próximo álbum Forever Songs, que verá la luz el 4 de abril. Con una carrera consolidada dentro del folk y el rock acústico contemporáneo, Alexander vuelve a demostrar su habilidad para combinar introspección lírica con paisajes sonoros envolventes.

“Higher Than High” es una epopeya moderna con tintes psicodélicos que habla sobre reconstruirse después de una gran caída y encontrar nuevamente la esperanza, el amor y el impulso para seguir adelante. La canción, que dura casi seis minutos, fue elegida por el propio artista como el cierre del álbum, una decisión que subraya su carácter expansivo y emocional.



El tema se grabó en Buddhaland Studios, el estudio de Alexander en Westlake Village, California. El propio músico se encargó de la producción junto al ingeniero Ted Russell Kamp, mientras que la mezcla estuvo a cargo del ganador del Grammy Brian Yaskulka y la masterización del reconocido ingeniero Richard Dodd.

Musicalmente, “Higher Than High” se construye a partir de capas sonoras delicadas: guitarras acústicas y eléctricas, teclados atmosféricos y una sección instrumental que culmina con un poderoso solo de saxofón interpretado por Tommy Schneller. El resultado es un sonido expansivo que combina sensibilidad folk con un aire psicodélico que recuerda a la era dorada del rock de los años setenta.

Alexander ha mencionado que el tema rinde homenaje a artistas que marcaron su formación musical, como Pink Floyd, David Crosby, Traffic y Jeff Beck. Sin embargo, lejos de quedarse en la nostalgia, el músico logra reinterpretar esas influencias con una identidad propia, creando un sonido contemporáneo que mezcla psicodelia, armonías vocales al estilo Laurel Canyon y una sensibilidad profundamente personal.


LA NUEVA OLA 2026 #139 | Sorry Ghost, Drucker y Duane Hoover

LA NUEVA OLA 2026 #139 | Sorry Ghost, Drucker y Duane Hoover

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Sorry Ghost – No Disdain | Estados Unidos

Comenzamos con Sorry Ghost y su canción “No Disdain”, una propuesta que mezcla rock con indie pop en un ritmo dinámico y ligero. Las guitarras brillantes aportan energía mientras la canción avanza con una vibra relajada que se disfruta desde el primer momento. El conjunto crea una atmósfera envolvente donde cada elemento se integra con naturalidad, manteniendo un equilibrio entre frescura y actitud desenfadada.

El proyecto Sorry Ghost, originario de Los Ángeles, se define con un espíritu irreverente que encaja bien con su estilo musical. Esa actitud se percibe en la forma en que construyen sus canciones, apostando por melodías claras y una base instrumental que mantiene el impulso sin perder espontaneidad. “No Disdain” refleja esa identidad, mostrando un enfoque directo que funciona bien dentro del indie actual.


Drucker – Mind In The Gutter | Canadá

Seguimos con Drucker y su canción “Mind In The Gutter”, una pieza que avanza con un ritmo pausado pero firme. La apertura de la canción permite que la instrumentación respire, creando un ambiente interesante donde el indie pop se mezcla con ciertos matices folk. Esa combinación genera una sensación de cercanía que se sostiene a lo largo del tema, permitiendo que cada sección se desarrolle con calma.

El trabajo de Drucker ha venido ganando atención gracias a una serie de lanzamientos recientes que muestran su estilo narrativo y emocional. Canciones como “Get Out of My Bones” y “Tigers” ayudaron a consolidar su presencia en playlists editoriales y estaciones como SiriusXM, además de recibir menciones en medios especializados. Ese crecimiento ha permitido que su música alcance oyentes en Canadá, Europa y distintos espacios de la escena independiente.


Duane Hoover – After the Storm in Your Mind | Estados Unidos

Cerramos con Duane Hoover y su canción “After the Storm in Your Mind”, una propuesta de rock que se desarrolla con un ritmo lento pero con mucho carácter. La estructura permite apreciar cada detalle de la instrumentación mientras la voz guía la canción con personalidad. Esa pausa en el tempo crea un espacio donde la música respira, aportando un estilo que se disfruta con atención.

Originario de Atlanta, Estados Unidos, Duane Hoover toma inspiración de la llamada invasión británica de los años sesenta. Ese gusto por el rock clásico se refleja en su enfoque musical, donde la simplicidad y la intención de cada arreglo tienen un papel importante. “After the Storm in Your Mind” muestra esa influencia a través de una interpretación que combina tradición con una mirada contemporánea.


En conjunto, estas tres propuestas ofrecen perspectivas distintas dentro del panorama independiente. Desde la energía indie de Sorry Ghost, pasando por la narrativa musical de Drucker, hasta el rock pausado de Duane Hoover, cada artista aporta una identidad propia. Si buscas ampliar tu radar musical, vale la pena darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist.


LA NUEVA OLA 2026 #138 | Beachdust, Cult Caves y JULITH

LA NUEVA OLA 2026 #138 | Beachdust, Cult Caves y JULITH

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Beachdust – Club Paradise | Estados Unidos

Comenzamos con Beachdust y su canción “Club Paradise”, una pieza de rock que entra con naturalidad gracias a sus ganchos melódicos que atrapan desde el primer momento. El ritmo se mantiene firme mientras la voz se acomoda perfectamente dentro del arreglo, generando una combinación que fluye con soltura. Ese carácter directo y relajado le permite a la canción avanzar sin complicaciones, manteniendo siempre una sensación de frescura.

El proyecto Beachdust se presenta como una exploración constante dentro de la música, casi como un registro de una búsqueda creativa que nunca termina. Esa idea se percibe en la forma en que el estilo lo-fi aporta textura y personalidad al tema, reforzando un enfoque que no busca la perfección pulida sino una experiencia musical más espontánea. El resultado es una propuesta que se siente auténtica dentro de su propio universo.


Cult Caves – Tiny Figures | Estados Unidos

Seguimos con Cult Caves y su canción “Tiny Figures”, una pieza que se sostiene sobre una estructura atractiva y un ritmo que engancha con facilidad. La interpretación vocal juega un papel clave, logrando integrarse con naturalidad al resto de la instrumentación para construir un indie rock suave con un aire moderno. Cada sección parece avanzar con equilibrio, manteniendo la atención sin perder la sencillez que define su estilo.

Detrás de Cult Caves se encuentra Tyson, un músico que comenzó a escribir canciones en su adolescencia dentro de una banda punk en Las Vegas durante los años noventa. En aquella etapa compartió escenario con grupos como The Offspring y Rancid, y más adelante formó parte de la banda universitaria Arson Car. También tuvo un breve periodo como bajista y corista en Big Talk, el proyecto solista de Ronnie Vannucci de The Killers, experiencia que amplió su recorrido dentro de la escena alternativa.


JULITH – Right From Left | Estados Unidos

Cerramos con JULITH y su canción “Right From Left”, una propuesta de indie pop que se distingue por un ritmo disruptivo poco común dentro del género. La producción moderna le da un carácter actual que resalta aún más su enfoque creativo, mientras la interpretación vocal mantiene una presencia clara que guía la canción con personalidad. Es una pieza que apuesta por salirse ligeramente del molde sin perder el equilibrio.

La artista JULITH, anteriormente conocida como Julia Pratt, desarrolla su proyecto desde Los Ángeles con una visión artística centrada en la honestidad y la reflexión personal. Tras la creación de su EP This Is A Kindness, adoptó este nuevo nombre para representar una etapa distinta en su camino creativo. Sus letras abordan temas como la responsabilidad, la introspección y la dignidad humana, construyendo una propuesta que combina sensibilidad personal con una mirada crítica hacia el entorno.


Estas tres propuestas muestran formas distintas de acercarse a la música actual. Desde la exploración lo-fi de Beachdust, pasando por la trayectoria alternativa de Cult Caves, hasta la visión introspectiva de JULITH, cada artista aporta una perspectiva que vale la pena descubrir. Si buscas ampliar tu panorama musical, date la oportunidad de escucharlos y quizá encuentres una nueva canción que acompañe tu día.


Mutant-Thoughts y “Syzygy”: Rock rústico con ecos de shoegaze

Mutant-Thoughts y “Syzygy”: Rock rústico con ecos de shoegaze

En la propuesta de Mutant-Thoughts, liderada por Han Luis Cera, aparece “Syzygy” como una canción que se sostiene en un sonido poco convencional. El tema combina la crudeza del rock rústico con pinceladas de shoegaze, logrando una ambientación que por momentos recuerda a la intensidad de bandas como MUSE. Es una pieza que se mueve entre lo atmosférico y lo contundente, atrapando al oyente desde el inicio.

La estructura de “Syzygy” se apoya en guitarras que generan un muro sonoro, mientras los sintetizadores aportan un trasfondo melancólico. La voz se integra con naturalidad, reforzando la sensación de inmersión en un espacio sonoro cargado de matices. El resultado es un tema que no se limita a un solo género, sino que explora la intersección entre lo rústico y lo expansivo.



El contexto de Mutant-Thoughts añade un matiz relevante: su propuesta musical se caracteriza por desafiar etiquetas, fusionando ritmos latinos con paisajes electrónicos y energía rítmica inquieta. En “Syzygy”, esa búsqueda se traduce en un tema que conserva la fuerza del rock, pero que se abre hacia una atmósfera más amplia y evocadora. Es un ejemplo de cómo la banda logra que lo experimental se mantenga accesible.

La canción se convierte en una muestra de la capacidad del proyecto para construir ambientes sonoros que invitan a la introspección y al movimiento. “Syzygy” no pretende ser grandilocuente, sino una propuesta que atrapa por su ritmo y por la manera en que combina lo rústico con lo etéreo. Es una invitación a descubrir cómo Mutant-Thoughts sigue expandiendo los límites del rock contemporáneo.


ELI TRONIC y Elin Engdahl en “Echo Of My Soul”: Dance pop con voz y ritmo adictivo

ELI TRONIC y Elin Engdahl en “Echo Of My Soul”: Dance pop con voz y ritmo adictivo

En la propuesta de ELI TRONIC junto a Elin Engdahl, aparece “Echo Of My Soul” como una canción que se sostiene en un dance pop que transporta al oyente hacia un pasado marcado por la energía retro. El tema combina un ritmo adictivo con una producción que resalta cada detalle instrumental. Es una pieza que se mueve con fluidez, atrapando desde los primeros segundos.

La estructura de “Echo Of My Soul” se apoya en sintetizadores que evocan la estética clásica del pop electrónico, mientras la voz de Engdahl encaja con precisión en la atmósfera creada. La interpretación vocal aporta calidez y fuerza, convirtiéndose en el elemento que guía la experiencia sonora. El resultado es un tema que logra equilibrar lo nostálgico con lo contemporáneo.



El contexto de ELI TRONIC, joven productor sueco con más de treinta canciones publicadas, y de Elin Engdahl, cantautora reconocida por su expresividad, añade un matiz relevante. En “Echo Of My Soul”, ambos artistas confluyen en una propuesta que refleja tanto la experimentación electrónica como la sensibilidad vocal. Es un encuentro que refuerza la idea de colaboración como motor creativo.

La canción se convierte en una muestra de cómo el dance pop puede seguir evolucionando sin perder su esencia. “Echo Of My Soul” no busca imponerse con grandilocuencia, sino atrapar por su ritmo y por la manera en que la voz se integra con la producción. Es una invitación a escuchar cómo ELI TRONIC y Elin Engdahl logran que lo retro se convierta en presente.


MUANH con “u wanna have it”: El susurro moderno del dream pop

MUANH con “u wanna have it”: El susurro moderno del dream pop

En la propuesta de MUANH, artista nacida en Estados Unidos con raíces vietnamitas y alemanas, aparece “u wanna have it” como una canción que se sostiene en un ritmo lento pero cautivador. El tema se mueve dentro del género bedroom y dream pop, con un estilo que se siente moderno y refrescante. Es una pieza que invita a escuchar con calma, dejando que cada detalle se despliegue poco a poco.

La estructura de “u wanna have it” se apoya en una voz dulce y suave que aporta personalidad y cercanía. Los arreglos, trabajados con sutileza, refuerzan la atmósfera íntima sin sobrecargar la producción. El resultado es un tema que fluye con naturalidad, atrapando al oyente en un espacio sonoro que combina delicadeza y modernidad.



El contexto de MUANH añade un matiz relevante: su carrera tomó un nuevo rumbo durante la pandemia, cuando comenzó a escribir y producir desde su propio apartamento. En “u wanna have it”, esa sensibilidad se traduce en una propuesta que refleja tanto la introspección como la claridad artística que ha alcanzado en los últimos años. Es un ejemplo de cómo la artista convierte lo personal en música que conecta.

La canción se convierte en una muestra de cómo el bedroom pop puede seguir evolucionando sin perder su esencia. “u wanna have it” no busca imponerse con fuerza, sino atrapar por su ritmo lento y su atmósfera envolvente. Es una invitación a descubrir cómo MUANH logra que lo íntimo y lo moderno convivan en un mismo espacio sonoro.


“Rosales”: la historia familiar que inspiró la nueva pieza vocal de LÖM

“Rosales”: la historia familiar que inspiró la nueva pieza vocal de LÖM

En un panorama musical cada vez más saturado de tendencias fugaces, el proyecto de LÖM aparece como una propuesta que apuesta por la introspección, la sensibilidad y la exploración sonora. Su música nace de un lugar profundamente personal: la observación de lo cotidiano, la conexión con la naturaleza y una búsqueda constante de autenticidad artística.

Con su nuevo sencillo “Rosales”, que se estrenará el 20 de marzo en plataformas digitales, la artista presenta una pieza que combina memoria familiar, tradición y experimentación vocal.

La historia de “Rosales” comienza mucho antes de que existiera la canción. Su letra proviene de un poema escrito por Generosa Yubero, bisabuela de la artista, nacida en 1901. El texto sobrevivió al paso del tiempo gracias a la memoria de su padre, quien lo recordaba y lo guardó en las notas de su teléfono.

A partir de ese fragmento de memoria familiar, LÖM grabó una primera versión a capella con su celular mientras leía el poema cantando. En ese momento surgió espontáneamente una melodía que revelaba una estructura cercana al danzón, dando origen al proceso creativo que eventualmente se convertiría en la canción.



Desde pequeña, LÖM creció rodeada de música. En su entorno familiar estaban presentes géneros tradicionales como boleros, mariachi, danzón y cumbias, que marcaron su sensibilidad musical desde temprana edad.

A estas raíces se sumaron influencias internacionales. El descubrimiento de The Beatles despertó su interés por la riqueza armónica y la diversidad sonora dentro de la composición. Más adelante, artistas como Björk ampliaron su horizonte creativo, inspirándola a explorar nuevas posibilidades vocales y estéticas.

Su universo musical también dialoga con referentes contemporáneos como Radiohead, Jeff Buckley, AURORA, Hiatus Kaiyote, Crumb, WILLOW y Rosalía, artistas que comparten una aproximación emocional y libre a la creación musical.

El resultado es un sonido que transita entre el folclore mexicano, el rock progresivo, el jazz, el film scoring y propuestas más experimentales. Sin embargo, más que responder a un género específico, la música de LÖM se construye a partir de lo que cada canción necesita expresar. El universo creativo de LÖM está profundamente influenciado por la naturaleza. Corales, flores, aves e insectos forman parte de la imaginería que inspira tanto su estética visual como su manera de construir el sonido: capas que se despliegan lentamente y detalles que invitan a una escucha atenta.



En “Rosales”, esta visión se traduce en una experiencia inmersiva donde las voces envuelven al oyente. Conceptualmente, la pieza se mueve entre el danzón tradicional, la danza flamenca y una corporalidad contemporánea más libre y expresiva.

Para la artista, el objetivo es que quien escuche la canción pueda experimentar algo más que una melodía. Como ella misma lo expresa, busca que el oyente “se conmueva y se divierta en lo cotidiano”, encontrando belleza en aquello que muchas veces pasa desapercibido.

Con “Rosales”, LÖM abre una puerta a ese universo íntimo donde la memoria familiar, la experimentación sonora y la sensibilidad contemporánea se encuentran para crear algo profundamente personal. El sencillo estará disponible el 20 de marzo en todas las plataformas digitales.


Kathryn Grimm y su propuesta “Treat Me Like Gold”: Rock con presencia y carácter

Kathryn Grimm y su propuesta “Treat Me Like Gold”: Rock con presencia y carácter

En la propuesta de Kathryn Grimm, cantante y multiinstrumentista con una trayectoria marcada por colaboraciones con figuras como Jeff Buckley y Bo Diddley, aparece “Treat Me Like Gold” como una canción que respeta la esencia del rock clásico. El tema se sostiene en una producción sólida que realza cada instrumento, logrando un sonido que se siente auténtico y directo. Es una pieza que conecta con la tradición del género sin perder actualidad.

La estructura de “Treat Me Like Gold” se apoya en guitarras que marcan el pulso con firmeza, mientras la batería y el bajo refuerzan la base rítmica. La voz de Grimm, con gran presencia, se convierte en el eje que guía la canción, aportando fuerza y carácter. El resultado es un tema que se mueve con seguridad, mostrando cómo el rock puede conservar su espíritu sin necesidad de adornos excesivos.



El contexto de Kathryn Grimm añade un matiz relevante: su carrera ha estado marcada por la versatilidad, desde proyectos de blues y jazz hasta colaboraciones en distintos estilos. En “Treat Me Like Gold”, esa experiencia se traduce en un tema que mantiene la energía del rock clásico, pero con una producción que le da un aire contemporáneo. Es un ejemplo de cómo la artista integra tradición y modernidad.

La canción se convierte en una muestra de la capacidad de Grimm para sostener el género con autenticidad. “Treat Me Like Gold” no busca reinventar el rock, sino reafirmar su vigencia a través de una interpretación firme y una producción cuidada. Es una invitación a escuchar cómo una voz con presencia puede darle nueva vida a un estilo que sigue resonando con fuerza.


Siena Fantini y “a little less evil”: Un Folk-pop con dulzura y personalidad

Siena Fantini y “a little less evil”: Un Folk-pop con dulzura y personalidad

En la propuesta de Siena Fantini, joven cantautora de 15 años que ha comenzado a construir su camino con sinceridad y vulnerabilidad, aparece “a little less evil” como una canción que se sostiene en un ritmo delicado. El tema se apoya en un folk-pop que fluye con naturalidad, acompañado de una voz dulce que aporta personalidad y cercanía. Es una pieza que invita a escuchar con calma, dejando que cada detalle se asiente poco a poco.

La estructura de “a little less evil” se distingue por la manera en que la voz se convierte en el centro de la propuesta. Los arreglos acústicos, sencillos pero efectivos, complementan la atmósfera sin restarle protagonismo a la interpretación vocal. El resultado es un tema que se mueve con suavidad, pero que logra atrapar gracias a su equilibrio entre lo íntimo y lo melódico.



El contexto de Siena Fantini añade un matiz relevante: sus canciones suelen surgir de experiencias personales, escritas casi como páginas de un diario. En “a little less evil”, esa honestidad se traduce en un tema que refleja emociones juveniles con claridad, sin necesidad de adornos excesivos. Es un ejemplo de cómo la artista convierte lo cotidiano en música que conecta de manera directa.

La canción se convierte en una muestra del potencial de Fantini para integrar lo folk y lo pop en un mismo espacio sonoro. “a little less evil” no pretende ser grandilocuente, sino una propuesta que atrapa por su sencillez y por la manera en que la voz guía el recorrido. Es una invitación a descubrir cómo una interpretación delicada puede sostener un tema con fuerza propia.


LA NUEVA OLA 2026 #137 | Jaidyn Hurst, Lukka y Jessee B

LA NUEVA OLA 2026 #137 | Jaidyn Hurst, Lukka y Jessee B

Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.


Jaidyn Hurst – Stranger to Me | Estados Unidos

El recorrido inicia con Jessee B y su tema Stop Assuming, una canción synthpop con un ritmo retro que invita a moverse desde el primer instante. La voz atrevida y divertida aporta carácter y convierte la pieza en una experiencia dinámica. La propuesta logra atrapar gracias a su energía y a la manera en que aborda las emociones cotidianas de una relación.

Desde Chicago, Jessee B se inspira en el freestyle clásico de los 80 y 90, influenciado por artistas como Stevie B y Lisa Lisa. Su objetivo es mantener vivo ese estilo mientras lo presenta a nuevas generaciones. Con letras que hablan de malentendidos y comunicación, su música refleja autenticidad y un interés por lo emocional, mostrando que lo retro puede seguir vigente en la actualidad.


Lukka – Fabric of the Cosmos | Estados Unidos

La segunda parada nos lleva a Lukka con Fabric of the Cosmos, una canción que se mueve entre el dream pop y la psicodelia. El ritmo sencillo se convierte en un espacio envolvente gracias a la ambientación y a una voz que encaja perfectamente con el estilo. La propuesta transmite frescura y logra atrapar con su atmósfera hipnótica.

Desde Nueva York, Lukka se presenta como un grupo experimental que combina sintetizadores ochenteros con guitarras cargadas de delay. Su estilo refleja un interés por lo atmosférico y lo alternativo, mostrando que lo psicodélico puede convivir con lo pop. Con esta propuesta refuerzan su capacidad de crear canciones que se sienten modernas y a la vez nostálgicas.


Jessee B – Stop Assuming | Estados Unidos

Finalmente encontramos a Jaidyn Hurst con Stranger to Me, una canción pop con matices rock que fluye con un ritmo cálido y envolvente. La voz aporta cercanía y convierte la pieza en una experiencia íntima que transmite emoción. La propuesta logra atrapar gracias a su estilo sencillo y a la manera en que conecta con lo personal.

Desde Colorado, Jaidyn Hurst comenzó a escribir música desde pequeña y ha desarrollado un estilo que refleja vulnerabilidad y aspiraciones. Con proyectos como su EP Seasons y colaboraciones en Nueva York, su música se mueve entre lo personal y lo generacional. Con esta propuesta reafirma su interés por crear canciones que se sienten honestas y accesibles.


En conclusión, Jessee B, Lukka y Jaidyn Hurst nos presentan tres propuestas distintas que enriquecen la música emergente. Desde lo retro del synthpop hasta lo etéreo del dream pop y lo íntimo del pop-rock, cada uno aporta un estilo que merece ser escuchado. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre amplía la experiencia musical.