Maudlin Strangers, el proyecto originado por el compositor y productor Jake Hays, lo que comenzó como una propuesta en solitario, se ha transformado con el tiempo en una banda que fusiona el rock alternativo con un estilo y personal que mantiene la esencia melódica y emocional de sus primeros trabajos. La banda ha logrado crear una atmósfera que transita entre lo sombrío, lo visceral y lo emocional, destacándose por sus letras profundas y su estilo musical envolvente.
Después de algunos lanzamientos independientes y de curar una banda con amigos cercanos, Maudlin Strangers firmó con BMG/Vagrant Records en 2015, lanzando el EP Overdose. Este lanzamiento marcó un punto de inflexión, ya que no solo les permitió ganar visibilidad en la escena musical independiente, sino que también les abrió puertas para realizar giras con artistas destacados como Bad Suns a través de los Estados Unidos y Canadá. Posteriormente, la banda tuvo el privilegio de compartir escenario con Cold War Kids en su gira por Norteamérica, lo que les permitió afianzar su posición en la escena musical internacional.
Uno de los grandes momentos de este renacer fue su versión del clásico de Chris Isaak, Wicked Game. La banda le da una vuelta única a este tema, aportando una atmósfera oscura, densa y cruda, sin perder la sensualidad y calidez de la original. La interpretación vocal de Hays, al igual que la instrumentación, crea una atmósfera envolvente que da un giro cinematográfico a la canción, llevándola a nuevos territorios musicales sin perder su alma. Este sencillo refleja la capacidad de la banda para reinventar canciones, manteniendo su autenticidad y personalidad, y al mismo tiempo explorando nuevos horizontes sonoros.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
CLSTL – Other Worlds | Estados Unidos
CLSTL (Celestial) es una banda de rock alternativo e indie proveniente de Los Ángeles, conocida por su fusión de post-punk, new wave y synth pop. Con un sonido vibrante y atmosférico, su música busca inspirar a los oyentes a liberarse de la rutina diaria y explorar nuevas posibilidades a través de letras emotivas y una potente instrumentación. CLSTL ha comenzado a dejar una huella creando una atmósfera de ensueño y reflexión. Su primer sencillo de 2025, Other Worlds, refleja su evolución sonora y su dedicación a ofrecer una experiencia musical única.
Buen Chico – To Dance With The One I Love | Reino Unido
Buen Chico es una banda de indie pop originaria de Leeds, conocida por su estilo nostálgico. Su música celebra momentos de la vida cotidiana, especialmente la alegría del baile y la conexión social, con letras que reflejan tanto la diversión como las dificultades humanas de forma honesta y juguetona. Con influencias de bandas como Super Furry Animals, su sonido se caracteriza por sintetizadores envolventes, guitarras dinámicas y coros pegajosos. Su cuarto álbum, PRIMETIME, promete seguir explorando estos temas a través de un enfoque fresco y contagioso, como se muestra en su reciente sencillo To Dance With the One I Love.
Supernova Easy – Colibri | Suiza
Supernova Easy es el proyecto musical liderado por el compositor y multiinstrumentalista Nick Furrer, quien crea un universo sonoro que fusiona la vulnerabilidad con un romanticismo apocalíptico. Influenciado por artistas como Tirzah, Beck, Hiroshi Yoshimura y Tony Allen, su música trasciende géneros, pasando del ambient al afrobeat con fluidez. Después de su tiempo en la banda suiza Black Sea Dahu, Furrer ha colaborado con Cori Nora y Anuk Schmelcher, dando forma a un sonido reminiscentemente experimental y psicodélico, en la línea de bandas como Crumb y The Unknown Mortal Orchestra. Con una banda dinámica que rota instrumentos y vocales, Supernova Easy es una propuesta fresca y colectiva que explora nuevas fronteras artísticas. Su primer EP fue lanzado en noviembre de 2024, y su esperado álbum Supernova Easy saldrá en febrero de 2025.
Amy Stroup es una cantautora originaria de Nashville cuya música ha logrado llegar a innumerables producciones televisivas, comerciales y películas. Con una sensibilidad especial para escribir letras emotivas y melodías pegajosas, Stroup se ha convertido en una de las compositoras más licenciadas en la industria del entretenimiento.
Desde el inicio de su carrera, Amy Stroup se ha caracterizado por crear canciones que transportan a los oyentes con letras simples pero profundamente emocionales. Su música ha sido incluida en exitosas series como This Is Us, Grey’s Anatomy, The Good Doctor y The Walking Dead, además de formar parte de importantes campañas publicitarias para marcas como Calvin Klein y Lexus.
Su estilo combina elementos del indie pop con una lírica introspectiva, lo que le ha permitido conectar con una audiencia diversa y consolidarse como una de las voces más destacadas de la música independiente.
En 2023, Amy Stroup lanzó su álbum Since Frank, seguido en 2025 por el sencillo Til The Stars Come Back To Us. Este último tema muestra su capacidad para evolucionar musicalmente, comenzando con una base acústica y transformándose en una explosión de sonidos electrónicos y emotivos al final.
Además de su faceta como cantante y compositora, Stroup es cofundadora de Milkglass Creative, una empresa de branding y diseño que ha trabajado con grandes artistas como Chris Stapleton, Little Big Town y Thomas Rhett.
Con una carrera en crecimiento y un talento innegable, Amy Stroup sigue demostrando que su música es capaz de emocionar y conectar con el público en cualquier formato.
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Cloverchild – Forever Unfolding | Estados Unidos
Cloverchild es un talentoso multi-instrumentista, cantante, compositor y productor originario de Chicago, Illinois. Su música se caracteriza por composiciones inmersivas y rítmicas que fusionan diversos géneros, desde el pop contemporáneo hasta influencias globales y la música new-age. A través de su lírica introspectiva y sus arreglos, Cloverchild explora temas como el cambio, el movimiento y la búsqueda de equilibrio en la vida. Tras un hiatus de dos años, lanzó “Forever Unfolding,” un proyecto profundamente personal que refleja su viaje creativo y su compromiso con la autenticidad.
Nathaniel Paul – The Girl with No Tattoo | Estados Unidos
Nathaniel Paul es un cantante, compositor y productor que con su más reciente sencillo, The Girl with No Tattoo, celebra la individualidad y desafía las normas sociales en una era en la que los tatuajes se han vuelto una parte fundamental de la identidad personal. Inspirado por su esposa, quien se distingue por no tener tatuajes, la canción destaca la belleza de la autenticidad y la confianza en uno mismo sin necesidad de alterar el cuerpo. Con una perspectiva profundamente personal sobre el concepto de permanencia en la piel, Nathaniel ofrece una reflexión sobre la importancia de abrazar quién eres, independientemente de las tendencias o las expectativas sociales.
FloraNova – Slip N Slide | Estados Unidos
FloraNova es una banda alternativa con base en Los Ángeles, compuesta por cuatro miembros cercanos de una familia hispana. Nacida de un sueño infantil de hacer música juntos, la banda ha convertido esta pasión en su forma de vida. Con raíces costeras y un sonido nostálgico que evoca noches cálidas de verano, FloraNova crea música fresca y llena de energía. Su estilo, forjado en lo que llaman “el garage,” refleja su historia compartida, su vínculo familiar y su creatividad sin límites, ofreciendo una experiencia sonora auténtica y vibrante.
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Sofi Gev – Bright Light Shining | Estados Unidos
Sofi Gev es el proyecto solista de la cantautora estadounidense Hannah Lovelady, una artista de indie pop cuya música fusiona elementos de electrónica, folk e indie con letras introspectivas y emotivas. Influenciada por artistas como Birdy, Aurora, Maggie Rogers y Regina Spektor, su sonido se caracteriza por una mezcla de delicadas melodías vocales y atmósferas envolventes. Desde su infancia, la música ha sido una parte fundamental de su vida, influenciada por su padre y su amor por la composición. A través de sus canciones, Sofi Gev explora temas de crecimiento personal, cambio y esperanza, conectando con el público de una manera honesta y profunda.
The Jaded Lips – DaDeDaDe | Estados Unidos
The Jaded Lips es un trío de rock & soul formado por Mike Wertz (voz/guitarra), Hunter Karns (bajo) y Dave Applas (batería). Con una fusión de rock clásico y moderno, blues, garage y R&B, su sonido es intenso y lleno de energía. Han compartido escenario con bandas como Los Lobos, The Clarks y Trouble No More, además de presentarse en festivales destacados como Flood City Festival y Millvale Music Festival. Su álbum debut, Lip Service (2023), los llevó a la una nominación como “Mejor Banda de Rock de 2023” por el Central Pennsylvania Music Hall of Fame.
rafa – K LINDA TE VES | México
RAFA, el “Emo Latino” originario de Brownsville, TX, es un artista que fusiona la esencia del punk y el emo con su herencia latina, creando un sonido propio. Su música refleja la vida entre los dos lados de la frontera México-EE. UU., experimentando con géneros y lenguajes sin miedo a fusionar el español y el inglés. Su tema “K Lindate Ves” es una canción de pop latino que combina un beat pegajoso con melodías envolventes y letras sentimentales. Con una producción moderna, la canción captura la esencia de lo bailable y lo emotivo, manteniendo un equilibrio perfecto entre la energía y la reflexión
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RhodoSun – All Along the Watchtower (feat. Millicent) (RhodoSun Cover) | Australia
RhodoSun reinventa un clásico al ofrecer su cover de All Along the Watchtower, manteniendo la esencia original pero adoptando un estilo más relajado que se distingue por la sutil incorporación de voces femeninas. La pieza se despliega en un ritmo pausado que invita a dejarse llevar, mientras los arreglos fusionan influencias de rock, pop y blues de forma natural. Cada compás respira autenticidad y permite que la atmósfera se construya sin forzar la nostalgia, haciendo del cover una experiencia fresca y equilibrada. El resultado es una interpretación que rinde homenaje al legado del tema, invitando al oyente a redescubrirlo desde una perspectiva renovada.
Radicado en el vibrante entorno del Inner West de Sydney, RhodoSun se destaca por su eclecticismo y capacidad para mezclar géneros, lo que se refleja en sus producciones. Su versatilidad permite transformar un clásico en una propuesta que dialoga entre lo tradicional y lo contemporáneo, sin sacrificar la esencia que ha hecho del original un referente. La meticulosa integración de elementos orgánicos y electrónicos enriquece cada nota, creando una experiencia sonora que es a la vez íntima y expansiva. Esta interpretación es prueba del compromiso del artista por reinventar y revitalizar el legado musical sin perder su identidad.
Lucille Two – Pixels | Australia
Lucille Two desvela “Pixels”, una canción que cautiva con su ritmo tranquilo y una fusión de influencias modernas de indie pop, salpicadas por un toque retro que evoca el rock. La propuesta se construye en torno a melodías que se entrelazan con sintetizadores y guitarras sutiles, generando una atmósfera cálida y nostálgica en la que la voz se alza con delicadeza.
Integrado por Trudy Bennett y Jarrin Borg, Lucille Two ha ido forjando su identidad musical desde 2021, sumergiéndose en el universo del pop psicodélico, el dream pop y el space rock. Su evolución, marcada por el lanzamiento de su debut EP “Gato” y colaboraciones destacadas, refuerza la autenticidad de su sonido. Trabajar de la mano con el productor Simon Dobson ha permitido que “Pixels” se consolide como una pieza que equilibra la nostalgia con un aire fresco e innovador. La propuesta invita a recorrer un paisaje sonoro lleno de matices, donde la lírica y la instrumentación se funden para crear una experiencia única.
Luna Monroy – Mujer Cautivante | México
Luna Monroy nos invita a descubrir “Mujer Cautivante”, una canción que destaca por su ritmo tranquilo y una producción sencilla pero efectiva, que se adapta perfectamente a su estilo personal. La pieza fusiona influencias del indie pop con tintes de rock, logrando que cada acorde resuene con una autenticidad rústica. La voz, de carácter rasposo y lleno de personalidad, emerge como el eje central del tema, dotándolo de un sello distintivo que cautiva sin recurrir a excesos.
Originario de Chihuahua y parte de The Ingrata Mexican Band, Luna Monroy aporta su experiencia y sensibilidad a una propuesta que rinde homenaje a la autenticidad del indie. Su enfoque minimalista permite que “Mujer Cautivante” brille sin saturar el mensaje, preservando la esencia de lo genuino. La combinación de elementos acústicos y tintes rockeros se conjuga para crear una atmósfera envolvente.
En resumen, las propuestas de RhodoSun, Lucille Two y Luna Monroy representan la diversidad y creatividad del panorama indie actual. Cada tema, ya sea una reinterpretación de un clásico, una melodía cargada de nostalgia o una propuesta íntima y rústica, ofrece una experiencia sonora que invita a explorar nuevas emociones y matices. Te animamos a darle play a estos temas, a dejar que sus ritmos transformen tu playlist y a descubrir un universo musical que conecta historias y sentimientos de forma única y auténtica.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
MIEI AMICI – Stone Wall | Estados Unidos
El grupo MIEI AMICI nos transporta a un universo donde las influencias del indie pop moderno y el dream pop se funden en “Stone Wall”, una canción de ritmo lento que invita a la introspección y al movimiento pausado. La pieza destaca por su atmósfera envolvente y una voz hipnotizante que, sin esfuerzo, guía cada transición. Surgidos de una amistad forjada en Los Ángeles desde 2018, Chxntwxll y Jack Traegler han sabido combinar sonidos orgánicos y analógicos con técnicas de producción electrónica actual. Esta fusión crea un resultado único que evoca tanto la tranquilidad de un paisaje onírico como la energía vibrante de la noche en la ciudad.
La propuesta de MIEI AMICI es un viaje sonoro que entrelaza grabaciones de campo de una buena manera. Influenciados por la creatividad y el bullicio de la escena musical de Los Ángeles, su música invita a la reflexión profunda sin renunciar al pulso rítmico que incita al movimiento. Cada nota y cada silencio están cuidadosamente pensados para evocar sentimientos de serenidad y dinamismo, permitiendo que el oyente se deje llevar por la mezcla de texturas que caracteriza su propuesta. “Stone Wall” se convierte así en un tributo a la dualidad de la vida, donde lo orgánico y lo electrónico se abrazan para crear magia.
Shikon – Better Time | Estados Unidos
La innovadora propuesta de Shikon en “Better Time” sumerge al oyente en un universo de synthpop y electrónica, donde una estética retro se viste de modernidad para crear una experiencia sonora única. La combinación de sonidos artificiales y tintes vintage se plasma en un ambiente que recuerda a una fusión entre pasado y futuro, todo ello realzado por unas voces femeninas que aportan fuerza y calidez a cada verso. La ejecución vocal de Fer, la talentosa cantante mexicana, se convierte en el alma de “Better Time”, haciendo que cada momento resuene con autenticidad.
La historia de Shikon se teje a partir de la unión inesperada entre JRA, un creador estadounidense de atmósferas retro-futuristas, y Fer, cuya versatilidad vocal le permite encarnar la esencia de un sonido que trasciende géneros. Nacida en 2023 de un torbellino de emociones, la dupla logra transformar experiencias personales y relatos ficticios en un lenguaje musical que conecta con el público de forma inmediata. La producción y la dirección visual, inspiradas en el cine de ciencia ficción, dotan a “Better Time” de una identidad inconfundible que invita a sumergirse en su estética única.
CLOVER – Bad Imitations | Canadá
La propuesta de CLOVER en “Bad Imitations” irradia dinamismo y personalidad a través de un ritmo genial que fusiona influencias rockeras con una esencia rústica y auténtica. La canción se distingue por su energía cruda, donde una voz rasposa y ligeramente descuidada añade un toque de originalidad, dándole vida a un tema que se siente tanto rebelde como genuino. El trasfondo de su formación en un barrio de Toronto, Ontario, y la influencia del dream pop y el shoegaze, se reflejan en cada acorde, dotando a “Bad Imitations” de una identidad inconfundible.
El camino de CLOVER se inició desde muy temprana edad, cuando el guitarrista y sus amigos tocaban juntos en una banda llamada Quail, un proyecto que, a pesar de no prosperar en su juventud, dejó una huella imborrable. Con el tiempo, la experiencia y el reencuentro con viejos compañeros, como Miles en la batería, han forjado un estilo propio que abraza tanto el indie rock como el rock más pesado. Influencias que van desde George Clanton y Beach House hasta bandas como Backseat Lovers, Deftones y Foo Fighters se entrelazan en su propuesta, creando un paisaje musical lleno de contrastes y matices. “Bad Imitations” se convierte así en una declaración de intenciones, mostrando cómo la autenticidad y la evolución se combinan para dar forma a un sonido verdaderamente original.
En resumen, MIEI AMICI, Shikon y CLOVER nos ofrecen una muestra diversa del panorama indie actual, donde la fusión de influencias y la experimentación creativa dan lugar a propuestas que trascienden géneros y fronteras. Cada uno de estos proyectos invita a sumergirse en un viaje sonoro que despierta emociones, conecta historias y celebra la originalidad. Te invitamos a darle play a estos temas y a descubrir por ti mismo cómo cada nota y cada verso pueden transformar tu experiencia musical, enriquecer tu playlist y abrirte a nuevas dimensiones de sonido.
Everything Goes se despliega como una pieza cautivadora marcada por un ritmo lento y una instrumental sencilla, en la que predomina la esencia del rock. La canción se distingue por la naturalidad con la que se suceden sus cambios de ritmo, permitiendo que cada transición se sienta orgánica y fluida. La producción es impecable, resaltando la voz del artista, que se eleva con una cadencia íntima y auténtica.
El tema se caracteriza por su sencillez instrumental, donde cada acorde se ejecuta con precisión y moderación. La voz, como protagonista indiscutible, añade profundidad y emoción a cada verso, permitiendo que el mensaje de la canción se transmita de forma directa. Los matices del indie pop se asoman sutilmente, aportando un toque de ligereza que equilibra la intensidad del rock predominante. En conjunto, la composición ofrece una experiencia auditiva disfrutable, en la que la calidad de la producción se hace evidente en cada detalle.
Mike Legere, originario de Nova Scotia y radicado en Toronto, se ha forjado un camino sólido como compositor y productor. Con dos álbumes de larga duración en su haber —Ourselves in Public (2018) y Memory Forming Clouds (2022)—, ha explorado diversas facetas de la creación musical, experimentando con arreglos y procesos de grabación. Su paso por el mundo del estudio, primero como ingeniero y luego como líder en proyectos propios, le ha permitido desarrollar un estilo propio lleno de honestidad y sensibilidad. Las vivencias personales, marcadas por desafíos y transformaciones, se reflejan en la profundidad emocional de su música.
En definitiva, Everything Goes se erige como una muestra del talento multifacético de Mike Legere, donde la sencillez instrumental y la expresividad vocal se conjugan para crear un relato sonoro lleno de matices. La canción no solo destaca por su impecable producción, sino también por la autenticidad que impregna cada nota, convirtiéndola en una propuesta envolvente y atemporal. A través de este tema, el artista invita a explorar un paisaje musical que equilibra la introspección con influencias clásicas, reafirmando su capacidad para transformar experiencias personales en arte.
Leave the Lights On irradia una fuerza notable que se percibe desde el primer acorde. La canción fusiona influencias rockeras con sutiles tintes pop, creando un aura alegre sin perder su esencia indie. Cada instrumento se integra con precisión, y la producción cuida cada detalle para lograr un sonido pulido y auténtico. La voz en la pista irradia confianza y buena vibra, conectando de inmediato con el oyente.
En esta propuesta, la dinámica del rock se entrelaza con la ligereza del pop, ofreciendo un ritmo vibrante y natural. Los cambios en la canción se sienten orgánicos, dando lugar a momentos que sorprenden y mantienen el interés a lo largo del tema. La combinación de guitarras poderosas y arreglos bien pensados dota a la pieza de una energía única.
Brian Wolff ha sabido forjar un camino sólido en el panorama musical desde su llegada a Austin, Texas, en 2012. Originario del norte de Nueva York, se destacó rápidamente por su virtuosismo con la guitarra, ritmos potentes y letras introspectivas. Con influencias del Classic Rock, el Alternative de los 90 y el Americana, su estilo se construye sobre cimientos sólidos y auténticos. La formación de su banda, Brian Wolff & The Howlers, en 2021, junto a la colaboración del productor Frenchie Smith, marcó un nuevo capítulo en su carrera.
El recorrido de Brian Wolff & The Howlers ha estado lleno de hitos, desde el lanzamiento de su debut EP The Punch hasta la exitosa presentación de The Golden Age. Con actuaciones en festivales y reconocimientos en radios internacionales, la banda sigue ganando impulso y expandiendo su influencia. Ahora, con la inminente salida de su primer álbum completo, la fuerza de Leave the Lights On se presenta como una muestra representativa de su evolución musical. La propuesta invita a sumergirse en un universo musical donde la autenticidad y la energía se unen para crear momentos inolvidables.
Text From Your Ex se presenta como una propuesta sonora que combina una producción pulida con influencias marcadas de indie pop y toques de rock. La canción deslumbra por su ritmo dinámico, en el que cada transición se siente orgánica y natural. Con una base musical que resulta divertida y fácil de conectar para el oyente, el tema invita a disfrutar de cada acorde sin artificios. La cuidada elaboración de sus arreglos permite que la esencia del género se exprese de forma auténtica y accesible.
El sonido de Text From Your Ex se destaca por su capacidad para balancear la energía del rock con la suavidad del indie pop. Cada instrumento encuentra su tiempo y lugar, logrando un conjunto armónico que fluye de principio a fin. La voz de la artista añade un toque de originalidad, mostrando un control impecable que enriquece la experiencia auditiva. Esta integración de elementos crea una atmósfera que resulta tanto vibrante como reconfortante, estableciendo una conexión inmediata con quienes la escuchan.
Lydia Maddix se ha impuesto como una figura en el panorama indie-pop y comedy, recibiendo elogios de medios como BBC Radio 1 y siendo reconocida por su originalidad en un concurso que superó a más de 1,500 concursantes. Su carrera, que abarca desde colaboraciones televisivas hasta actuaciones en festivales destacados, evidencia un compromiso firme con su estilo personal. Con millones de visualizaciones y un creciente apoyo en plataformas y radios, su trayectoria se ve marcada por logros que resaltan tanto su versatilidad como su carisma. Además, su debut con el EP ’93’, producido por Adam Marc, ha sido aclamado por su capacidad para abrazar la esencia del pop de forma dinámica.
En conclusión, Text From Your Ex es una muestra del talento emergente de Lydia Maddix, donde la calidad de la producción y la mezcla de influencias crean un ambiente musical fresco y auténtico. La canción se erige como un puente entre lo divertido y lo accesible, destacándose sin recurrir a exageraciones, pero dejando claro su sello distintivo. Con una ejecución que resalta tanto la habilidad vocal como el dominio de los arreglos, este tema invita a redescubrir el potencial del indie pop en una era en la que la originalidad es clave.
