En su regreso a la música, Billy Peake se muestra lejos de los reflectores tradicionales y más cerca de una búsqueda íntima. Tras dos décadas de actividad en bandas como Miranda Sound y Bicentennial Bear, el músico decidió tomar distancia para dedicarse a su familia y otros proyectos creativos. Esa pausa no apagó su impulso, y ahora, a los 49 años, lo retoma con Manic Waves, un álbum que mezcla el pulso del indie con los ecos de la New Wave ochentera.
De ese trabajo surge Annie, You’re a Lightning Bolt, tema donde Peake suma la voz de Extra Special. Más que un simple experimento sonoro, la canción nace de un gesto personal: un mensaje hacia su hija, cargado de ternura pero consciente de los retos que enfrentará. En el trasfondo, se filtra una crítica a la misoginia que sigue marcando la experiencia de tantas mujeres, lo que le da a la pieza un aire de resistencia sin perder lo emotivo.
El carácter de la canción refleja la forma en que Peake abordó este proyecto en solitario: probando nuevos registros vocales, aventurándose en teclados y ensamblando atmósferas que recuerdan a The Human League o Talking Heads, aunque con un sello más crudo y cercano. Ese proceso le permitió dejar de lado la presión de “sonar a banda” y enfocarse en lo que quería transmitir, incluso si eso implicaba cierta vulnerabilidad.
En Manic Waves, Annie, You’re a Lightning Bolt funciona como un punto de equilibrio entre lo personal y lo social, entre lo íntimo y lo colectivo. No se trata de un regreso para reclamar un lugar en la escena, sino de un diálogo abierto con el presente. Peake y Extra Special logran que el tema suene como una chispa que ilumina tanto el recuerdo de sus raíces como la necesidad de seguir creando en medio de la incertidumbre.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Chris Mondak – Annabelle | Estados Unidos
cc2craazy en colaboración con Chris Mondak nos presentan “Annabelle”, una canción con un ritmo delicado que envuelve desde el inicio. El tema fluye con influencias pop y vals, incorporando sutiles matices de rock que se complementan con una interpretación vocal cálida y bien equilibrada. La atmósfera que construyen logra atrapar al oyente en un espacio íntimo donde cada detalle se percibe con claridad.
El proyecto cc2craazy tiene sus raíces en Nashville y se formó a partir de la unión de músicos con experiencia en el jazz, como Chris Mondak y Gabe Feldman, quienes ya habían compartido escenarios y grabaciones antes de fundar la banda. Este bagaje les permite ofrecer una propuesta distinta, donde la técnica y la experimentación se combinan con un enfoque fresco hacia el rock, abriendo paso a canciones que buscan emocionar sin perder identidad.
Le Babar – Lemonade | Bélgica
Pasamos ahora a Le Babar, quien junto a Lee Wilson nos entrega “Lemonade”, un tema que juega con la nostalgia al recuperar una estética retro muy marcada. La producción se alimenta de elementos synthpop que le dan brillo y energía, mientras las voces logran encajar con naturalidad en medio de esta mezcla, resultando en una propuesta que invita tanto al movimiento como a la escucha atenta.
El productor belga Le Babar ha construido su estilo a partir de referencias como el disco, el funk y la escuela house de los noventa, lo que se refleja en la manera en que combina grooves pegajosos con bases rítmicas envolventes. Su carrera lo ha llevado a consolidarse como un referente en la escena underground, y con “Lemonade” reafirma esa capacidad para transformar influencias clásicas en composiciones que se sienten actuales y auténticas.
Beau Anderson – Fix It | Estados Unidos
Finalmente nos encontramos con Beau Anderson, quien presenta “Fix It”, una canción marcada por la energía del rock alternativo. La voz rasposa y versátil se convierte en un elemento central, sosteniendo un tema cargado de intensidad que mantiene la fuerza en cada compás. La propuesta resulta directa y honesta, con un aire que transmite emociones crudas y un estilo que no se desvía de su esencia.
El músico de Atlanta aprovecha su EP debut Soundtrack of Letting Go para explorar sensaciones de estancamiento, angustia y paso del tiempo, todo bajo una atmósfera musical densa y potente. Sus influencias lo llevan a construir guitarras con peso y melodías que evocan referentes del rock moderno, logrando que “Fix It” se convierta en un buen punto de entrada a su universo artístico.
En esta entrega hemos recorrido tres propuestas que, desde diferentes ángulos, buscan conectar con quienes las escuchan. cc2craazy, Le Babar y Beau Anderson muestran caminos distintos pero igual de interesantes, invitando a abrir espacio en nuestras playlists. Vale la pena darles una oportunidad y dejar que su música nos acompañe en distintos momentos del día.
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Kevin Rumley – Habibti (feat. Julie Odell) | Estados Unidos
Kevin Rumley nos presenta su tema Habibti (feat. Julie Odell), estrenado el 7 de abril de 2024, una fecha con un significado profundo en su vida. Con un trasfondo marcado por su experiencia en Irak y su proceso de recuperación de adicciones, Kevin transforma estas vivencias en música que busca sanar y conectar. La canción fluye entre coros etéreos y melodías que van tomando forma junto con los instrumentos, creando un ambiente cargado de emociones personales.
Cada detalle de la pieza se siente como un puente entre el pasado y la esperanza. Es parte de un conjunto de seis canciones que reflejan procesos de curación y resiliencia. En este proyecto, el artista muestra cómo la música puede ser una vía para resignificar experiencias difíciles y transformarlas en algo que trasciende lo individual.
Vincente – Te quedó grande | Venezuela
Por su parte, Vincente comparte Te quedó grande, un tema que inicia con la calma de una balada y poco a poco se convierte en un latin pop con ritmo firme. La voz de tenor y el pulso marcado del sintetizador le dan una energía que evoluciona sin perder la intimidad inicial. La transición de estilos refleja su interés por explorar diferentes matices dentro de la música popular.
Venezolano de origen y actualmente radicado en Barcelona, Vincente combina la independencia creativa con la colaboración cercana de amigos y colegas. Desde ese enfoque, logra transmitir mensajes personales que encuentran eco en quienes buscan nuevas propuestas alejadas de la producción convencional. Su trabajo se siente cercano, transparente y con un carácter propio.
Friends of our youth – Fear | Reino Unido
El recorrido termina con Friends of Our Youth y su tema Fear, una propuesta que nace en Manchester con un estilo que mezcla guitarras brillantes, voces intensas y una base rítmica contundente. La canción construye una atmósfera cargada de contrastes, donde lo melódico se cruza con lo sombrío, dando lugar a un espacio musical que invita a la reflexión.
El grupo británico plasma en este sencillo una mezcla de lirismo y energía que se siente como un relato entre la nostalgia y la búsqueda de nuevas formas de expresión. Sus letras evocan memorias, amistades pasadas y emociones crudas, al mismo tiempo que ofrecen un escape a través de paisajes sonoros envolventes.
En conjunto, estos tres proyectos muestran caminos muy distintos pero igualmente enriquecedores. Desde la introspección personal de Kevin Rumley, pasando por la fusión cercana de Vincente, hasta la exploración atmosférica de Friends of Our Youth, cada uno propone una manera distinta de entender la música actual. Te invitamos a darles una escucha y dejarte llevar por las emociones y experiencias que comparten en cada nota.
Con una carrera marcada por la constante exploración y de reinventarse, Riva Taylor presenta Keeping It Together, un EP de cinco canciones que consolida una de las etapas más vibrantes y sofisticadas de su trayectoria. El proyecto se sumerge en territorios donde el pop clásico se entrelaza con ritmos latinos, texturas de jazz cinematográfico y un inconfundible aire cosmopolita.
Tras el éxito de su colaboración Cubano con Los Rumberos, la artista británica se dejó llevar por los colores, la energía y las cadencias de la música de la región. El resultado es un trabajo que, sin perder la teatralidad pop que la caracteriza, abre las puertas a nuevas formas de expresión. En palabras de la propia Taylor, estas canciones son “una manera de soltar y reconectar con un lado más lúdico e intuitivo” de su arte.
Cada pista del EP ofrece un matiz distinto: la calidez bossa de Great Unknown, la melancolía etérea de Valentine Road, la ligereza jazzística y juguetona de Hey Ho!, y el poder emocional del tema central Keeping It Together, que se erige como un himno moderno sobre la resiliencia. Todas comparten un mismo hilo conductor: la búsqueda de autenticidad y la fusión entre lo íntimo y lo expansivo, lo clásico y lo contemporáneo.
La producción, a cargo de Marcus Foster (Ellie Goulding, GIVĒON), así como las colaboraciones pasadas con figuras como Craigie Dodds y el productor mexicano Juan Luis Ayala, han sido clave en la construcción de este sonido global. No es casual que el EP evoque tanto la elegancia de Astrud Gilberto como la sofisticación de Sade, al tiempo que incorpora influencias de Burt Bacharach y Barbra Streisand; referencias que aquí no suenan a homenaje retro, sino a ingredientes de un lenguaje renovado.
El track x track de “the album everyone wants”
1. Keeping It Together
El tema central del EP, el cual abre la producción es es un himno de resiliencia y control emocional. Mezclando arreglos orquestales sutiles con grooves latinos, la canción transmite la fuerza de mantener la calma en medio de la turbulencia. La combinación de ritmo y sensibilidad crea una narrativa de equilibrio personal, explorando cómo la serenidad puede coexistir con la intensidad de los sentimientos, mientras la artista nos deja ver esas influencias dentro de la voz y su interpretación de generos como el jazz.
2. Eyes of a Stranger
“Eyes of Stranger” nos envuelve en una calma deliciosa, mientras la delicada instrumentación y la voz de Riva nos guían a través de un tema profundamente nostálgico, evocando la sensación de pasar inadvertidos. Los arreglos de metales y el groove sutil aportan un aire sofisticado y cinematográfico que realza la experiencia sonora.
3. Hey Ho!
Una celebración del swing y la ligereza, esta canción recuerda la energía de los clubes de jazz antiguos con un toque contemporáneo. La percusión juguetona y los arreglos de cuerdas aportan un aire festivo, mientras que la melodía mantiene un encanto íntimo y cercano. Es un tema que equilibra diversión y sofisticación, logrando que cada escucha sea un momento de alegría contemplativa.
4. Great Unknown
Un viaje sonoro que combina la calidez de la bossa nova con texturas pop modernas. La canción invita a perderse en paisajes musicales amplios y envolventes, donde la melodía suave y la percusión latina crean una sensación de introspección y descubrimiento. Es un arranque que transmite curiosidad y apertura, como mirar hacia lo desconocido con confianza y calma.
5. Valentine Road
Una pieza de melancolía luminosa, donde la voz flota sobre acordes de jazz y atmósferas cinematográficas. La canción captura la nostalgia de relaciones pasadas y la belleza efímera de los recuerdos, evocando emociones profundas sin caer en la tristeza. Cada nota parece contener una historia, transportando al oyente a un paisaje emocional lleno de luz tenue y reflexión.
Más allá de lo musical, Keeping It Together es también un manifiesto personal: un recordatorio de que el arte florece cuando se cruza con culturas, experiencias y emociones reales. Para una artista que empezó como la intérprete más joven en firmar con EMI Classics & Jazz, y que ha contado con el apoyo de figuras como Sir Elton John, este EP no es solo una nueva etapa, sino una reafirmación de su madurez creativa.
Con un álbum de larga duración en camino y presentaciones en vivo previstas, Riva Taylor confirma con Keeping It Together que su voz sigue siendo una de las más singulares y sofisticadas del pop contemporáneo: una intérprete que convierte cada canción en un viaje íntimo y, a la vez, universal.
Con un título tan audaz como sugerente, The Album Everyone Wants marca el regreso de Chris Portka en su proyecto más ambicioso y colectivo hasta la fecha. El músico de Berkeley, conocido por su estilo que oscila entre el “calm-steady-beautiful-noise” y la exploración de lo íntimo, entrega aquí un trabajo que combina cuatro composiciones propias con siete reinterpretaciones de clásicos ocultos del cancionero americano y británico.
Grabado en dos escenarios míticos, Sear Sound de Nueva York y el Brothers (Chinese) Recording de Oakland, el disco expande el universo de Portka hacia terrenos donde conviven la psicodelia lo-fi, la delicadeza del pedal steel y la crudeza del indie rock. A su lado aparece el productor y multiinstrumentista Jasper Leach, figura quien aporta tanto en la producción como en la interpretación.
El resultado es un álbum que respira atemporalidad y rareza a la vez: desde la ensoñadora “She Looks So Good Tonight” hasta la reinvención krautrock de “Tennessee Whiskey”, pasando por la visceral lectura de “Broken Heart” de Skip Spence. Portka convierte cada canción en un espejo distorsionado que refleja su sensibilidad y su búsqueda constante de significado.
La lista de colaboradores refuerza esa riqueza sonora: miembros de la Al Harper Band, Alison Niedbalski en voces, Kyle Carlson en pedal steel, Mike “Bonecrusher” Vattuone en batería, y Tom Meagher con su guitarra “Beardwail” aportan matices que llevan el proyecto mucho más allá de lo personal. La masterización de JJ Golden (Calexico, Thee Oh Sees, Vetiver) termina de sellar el carácter analógico y orgánico del disco.
El track x track de “the album everyone wants”
Side A
1. She Looks So Good Tonight El disco abre con un tema que combina sutileza acustica y grandeza. Las guitarras crean un colchón etéreo, mientras la voz se mueve entre lo íntimo y lo expansivo. Entre un ritmo pulsante Chris nos presenta desde guitarras acusticas hasta sonidos distorsionados que crean una grandilocuencia interesante con una voz melodica tranquila. Este trabajo contrasta mucho con su anterior albúm principalmente por estas melodias mas pegajosas y menos experimentales.
2. Fun in the Summer Este corte captura la sensación de manejar con las ventanas abajo en un día soleado, dejando que el viento y el ruido del camino se mezclen con la música. El ritmo transmite movimiento, como si la canción avanzara sobre ruedas. Es un himno a la carretera y al verano eterno, pero con un trasfondo de melancolía que hace que la diversión se sienta fugaz, como un recuerdo al que se regresa una y otra vez. Con una instrumentación presentada desde la canción anterior, escuchamos guiatrras acusticas, un silvido interesante y un ritmo suave y conciso.
3. It Is Obvious La canción se mueve en un equilibrio entre lo absurdo y lo lírico, con frases que parecen jugar con el sentido y el sinsentido, con riffs de guitarra mas marcados y una sensación country moderna el tercer track del disco nos lleva en un viaje que termina de explotar en un final mas noisy y energertico sin perder esta sensación de canción de road trip.
4. Dear Betty Baby La canción avanza como un ritual eléctrico marcado por el bajo, cargado de ironía y energía desbordante. Hay un aire teatral, que invita tanto a la incomodidad como a la fascinación. Con un sonido de sintetizador que nos recuerda a lo retro de los 70´s fusionando sonidos glitch y guitarras distorsionadas hacia el final del track que crean una atmosfera que nos atrapa en la sensación de ¿como ira a terminar todo esto?, el final es increible con un aire futuristico sutil y con mucha propuesta.
5. Song for Carol El cierre del primer lado baja las revoluciones con un tema íntimo y melódico. Es una especie de carta hecha música, donde la voz se desnuda y la instrumentación se mantiene delicada. El resultado es una balada cargada de sinceridad, con un tono confesional que transmite tanto fragilidad como belleza. Cada acorde parece contener una mezcla de nostalgia y gratitud.
Side B
1. Poor Moon La segunda mitad comienza con algo muy diferente a nivel ritmico, un groove rapido y divertido. La canción habla de un mundo en crisis, usando imágenes naturales para reflejar preocupaciones universales, mientras que toda la sección vocal juega con sonidos divertidos y algo nasales para sorpresivamente pasar en la segunda parte de la cancióncon algo mas grandilocuente, mientras mastiene elementos sonoros que nos presenta chris desde el primer track del disco.
2. Trucker Speed La crudeza de la carretera se traduce aquí en un ritmo áspero y directo. Es un relato de cansancio, adicción y soledad, donde la música golpea con fuerza, casi como si imitara el rugido de un motor en marcha. El tema transmite la sensación de recorrer largas distancias en la noche, acompañado únicamente por pensamientos que se vuelven cada vez más pesados. La mezcla de vacio y minimalismo hace de esta pieza sea algo muy facil de disfrutar, con estos tintes de americana y country le da una nueva dimensión al disco manteniendo los elementos caracteristicos del albúm.
3. Broken Heart Una de las piezas más conmovedoras del álbum. Desde el primer acorde se percibe un interpretación honesta y cruda. La instrumentación es sobria y envolvente, principalmente tomando un lugar muy intimo las guitarras que crean un ambiente minalista, casi como estar en una fogata, mientras que las ligeras cuerdas con efectos le dan ese toque mas moderno sutilmente. La voz suena frágil, lo que amplifica la carga emocional. Es una canción que no solo habla de una ruptura, sino también de la complejidad de sostenerse a uno mismo cuando todo parece derrumbarse.
4. Tennessee Whiskey Lo que comienza como una referencia a un clásico de bar se transforma en una experiencia completamente inesperada. Aquí, la tradición se viste de experimentación: el ritmo se alarga, las guitarras adquieren un aire hipnótico y el pedal steel flota como un eco lejano. El resultado es una especie de trance sonoro que desarma cualquier expectativa. Mezclando lo popular con lo vanguardista, este lado del albúm hasta ahora recae mas notablemente en generos como el Americana y el COuntry, lo cual le da una dimensión interesante al trabajo de chris, y este es uno de los temas con mas inlfuencia de ello desde la instrumentación, la letra, y el estilo Tennesse.
5. The Observer Una mirada hacia adentro, con un tono contemplativo. La canción plantea preguntas sobre el paso del tiempo, el amor y la fugacidad de las experiencias. Musicalmente, se sostiene en un folk-rock clásico, con arreglos que remiten a una tradición americana, pero lo hace con una profundidad lírica que lo eleva más allá de la nostalgia. Es un tema que invita a detenerse y escuchar con atención, como si fuese una conversación íntima en medio del ruido del mundo.
6. Molly El álbum cierra con una atmósfera intimay enigmática. La música avanza lentamente atraves de rasgeos de guitarra, casi como un susurro nocturno cargado de misterio. Las letras evocan imágenes inquietantes, dejando más preguntas que respuestas. Hay algo de ritual y de despedida en su desarrollo, como si el disco se desvaneciera en un sueño extraño.
Fiel a su espíritu contracorriente, Portka lanza este álbum exclusivamente en vinilo a través de Seek Collective, reservando la experiencia digital solo a Bandcamp. Una decisión que subraya la esencia tangible de un proyecto pensado para escucharse de principio a fin, como una obra completa.
Con The Album Everyone Wants, Chris Portka entrega un trabajo que no solo celebra la tradición del folk-rock y la psicodelia, sino que también ilumina sus rincones más extraños y entrañables. Es un disco que mira hacia atrás con reverencia, pero que se atreve a imaginar un futuro diferente para la canción popular.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Ornate – Get Up! | Estados Unidos
Ornate nos presenta su tema Get Up!, una propuesta indie pop con tintes rock que refleja un estilo directo y lleno de energía. Desde Nashville, este músico y productor ha crecido rodeado de influencias familiares ligadas a la guitarra y, con el tiempo, encontró en la producción el espacio ideal para dar forma a sus ideas. El sencillo logró colarse en playlists editoriales de Spotify como Fresh Finds y Fresh Finds: Pop, lo que le permitió abrirse paso a nuevos oídos alrededor del mundo.
En sus propias palabras, este próximo material es lo más honesto que ha escrito, dejando ver un lado más personal de su trayectoria. Aunque ha compuesto cientos de canciones, Get Up! marca un momento clave, pues se siente como un puente entre su experiencia pasada y la búsqueda de una conexión más auténtica con el público. Su historia demuestra cómo la constancia y la adaptación pueden consolidar un proyecto dentro de la escena emergente.
Honeysucker – Don’t Wake | Estados Unidos
Pasamos a Honeysucker, quienes llegan con Don’t Wake, un tema con tintes de samba que combina guitarras suaves, sintetizadores ambientales y una línea de bajo hipnótica. El resultado es una atmósfera íntima que transmite refugio frente al caos exterior, una invitación a dejarse llevar por un espacio de calma y cercanía. Su origen se encuentra en la vida nocturna de Brooklyn, donde el dúo formado por Jack Brickner y Sam Wright comenzó en 2022, apostando por una fusión de indie, pop, R&B y new wave.
Con el paso del tiempo, la banda expandió su alineación en vivo y logró posicionarse en espacios clave de la ciudad como el Sultan Room y Union Pool. Además de su EP Headed for a Dive, que ya les dio reconocimiento en la escena local, este año se embarcan en una gira con paradas en ciudades como DC, Boston y Toronto. Don’t Wake funciona como un claro ejemplo de su búsqueda por capturar la esencia de la noche urbana, logrando un balance entre vulnerabilidad y frescura.
zorin morris – Holding your Hand | Estados Unidos
Finalmente, encontramos a Zorin Morris con Holding Your Hand, una canción que abre con un ambiente suave de soft-pop veraniego donde se combinan un groove instrumental con un toque retro y sintetizadores modernos. Su propuesta incorpora influencias del post punk en las voces, resultando en un contraste llamativo entre lo clásico y lo contemporáneo. Más que limitarse a un género, Morris apuesta por la libertad creativa, tomando lo mejor del pasado y del presente para transformarlo en algo atractivo y actual.
Desde su aparición en noviembre de 2023 ha acumulado más de 700,000 reproducciones en Spotify, lo que refleja el interés creciente por su trabajo. Con una banda recién formada, se prepara para una nueva etapa de presentaciones en el sudeste asiático, incluyendo un concierto en Singapur donde interpretará un set de veinte canciones. Holding Your Hand se convierte en una muestra clara de su capacidad para conectar con audiencias diversas, manteniendo un estilo flexible y versátil.
En conclusión, tanto Ornate, Honeysucker como Zorin Morris nos ofrecen propuestas que vale la pena explorar, cada uno desde un ángulo distinto de la música actual. Si buscas refrescar tu playlist con artistas que transmiten autenticidad y experimentación, date la oportunidad de escuchar “Get Up!”, “Don’t Wake” y “Holding Your Hand”, quizá encuentres en ellas el próximo tema que no querrás dejar de repetir.
La banda de Brooklyn Fawn Ridge presenta su segundo sencillo, Heavy, una canción que combina la calidez del folk y el pop barroco de los años 60 con un aire contemporáneo. El tema inicia suavemente, pero hacia el minuto 0:50 el coro aparece y marca un punto de inflexión en la experiencia auditiva. Este recurso muestra la intención de la banda de sumergir al oyente en un vaivén sonoro, entre lo íntimo y lo expansivo.
Formada por el cantautor Sky Van Cott y el guitarrista Justin Lindsay, Fawn Ridge surge con la idea de transmitir emociones y pensamientos sin necesidad de explicarlos directamente. Van Cott comenzó a escribir canciones en 2024 y ya trabaja en un EP que reunirá seis composiciones iniciales. Para él, componer es una manera de transformar ideas personales en algo compartible, logrando así desprenderse de ellas sin que lo dominen.
Las influencias son evidentes: The Beatles, The Beach Boys, Neil Young y Joan Baez, entre otros nombres clásicos, conviven con referentes más recientes como Big Thief, Fleet Foxes y Japanese Breakfast. El resultado en Heavy es una mezcla que suena tanto a memoria como a presente, con guitarras que evocan el desierto y armonías vocales que rozan lo onírico. Esa tensión entre lo retro y lo actual es parte del sello que el grupo quiere explorar.
El cierre de Heavy, alrededor del minuto 3:18, ofrece un último coro que sintetiza la propuesta del tema: un viaje breve pero marcado por contrastes y matices. Para una banda que apenas inicia, este segundo lanzamiento confirma la dirección que buscan, una donde lo romántico y lo nostálgico encuentran espacio en un sonido moderno. Brooklyn, con su tradición de renovación musical, parece el lugar ideal para que esta búsqueda continúe tomando forma.
La banda estadounidense Stray Fossa, integrada por Nick y Will Evans junto a Zach Blount, presenta I Was There, una canción que dialoga con la memoria y la manera en que el tiempo transforma los recuerdos. Su obra suele vincularse con la fotografía como metáfora: imágenes que unas veces aclaran lo vivido y otras lo distorsionan. En este nuevo sencillo, esa mirada retrospectiva cobra fuerza a través de una atmósfera íntima que conecta con las experiencias compartidas entre los tres músicos.
La trayectoria del grupo se sustenta en una amistad de más de veinticinco años, atravesada por giras, tensiones creativas y reconciliaciones. I Was There parece condensar ese recorrido, ofreciendo un relato que no se impone con grandilocuencia, sino con un pulso que evoca la nostalgia de haber estado presente en ciertos momentos. La canción se sostiene en un balance entre lo personal y lo colectivo, como si se tratara de un álbum fotográfico convertido en sonido.
El contexto en el que surge también resulta significativo. Tras la distancia física de 2021, cuando parte de la banda se mudó a Alemania, los tres regresaron a su lugar de origen en Tennessee para grabar Blossomer en 2024. El proceso se desarrolló en la misma habitación donde de adolescentes exploraban GarageBand, lo que refuerza el carácter circular de la propuesta. I Was There se integra a ese espíritu de retorno y reconstrucción, con un enfoque más vulnerable.
El video que acompaña el sencillo refuerza esta narrativa: grabado en la escuela primaria y secundaria donde estudiaron, y en algunos casos filmado en Super 8, conecta la música con recuerdos tangibles. Con ello, Stray Fossa no solo presenta un tema más de su repertorio, sino un testimonio de cómo el paso del tiempo se cuela en la vida de una banda. I Was There funciona entonces como un recordatorio de que estar presente en la memoria también es una forma de permanecer.
Desde su faceta independiente y experimental, Tom Burton presenta Walking In Siam, una canción que se mueve entre el indie rock y toques psicodélicos. Con un pulso marcado y melodías que se entrelazan, el tema propone un viaje sonoro cargado de imágenes líricas y un sonido que, sin recurrir a adornos excesivos, logra generar un ambiente envolvente. Su aproximación recuerda a propuestas como The War on Drugs, Ride o Tame Impala, pero mantiene una identidad propia.
El método de trabajo de Burton es parte esencial del resultado: cada pista es grabada en una sola toma, buscando autenticidad y conexión inmediata. Esa práctica le da a Walking In Siam una textura particular, menos pulida y más cercana al momento de creación. El uso de herramientas digitales convive con guitarras, bajo y teclados, en un equilibrio que refleja tanto disciplina como espontaneidad.
La trayectoria de Burton no es improvisada. Fue bajista en una banda de funk, experiencia que lo formó en la precisión rítmica, y desde entonces ha expandido su lenguaje a distintos instrumentos. Hoy compone, produce y lanza temas de manera constante (al menos uno por semana desde junio de 2024) como si se tratara de un ejercicio vital. En ese flujo creativo, Walking In Siam aparece como una pieza más, pero con la particularidad de mostrar un color psicodélico más marcado.
En paralelo a su música, Burton mantiene un podcast sobre arte, donde combina educación y entretenimiento. Esa multiplicidad de intereses converge en su visión de la creación: no como producto final perfecto, sino como práctica diaria comparable a la meditación. Walking In Siam encarna esa filosofía, entregando un tema que vibra en lo inmediato y que invita a escuchar no solo con los oídos, sino con la atención puesta en el presente.
Desde Los Ángeles surge Marni, una banda que se autodefine bajo el singular término “EBT-core”, apostando por una estética cruda y cercana a lo cotidiano. El grupo, formado en 2022, reúne a Nicolas Lara, Michaela Gradstein, Manny Trujillo y Kai Zeleznik, consolidándose tras el inicio solista de Lara en Palm Springs. Su evolución hacia un proyecto colectivo les permitió expandir su sonido, alternando entre guitarras distorsionadas y pasajes más íntimos.
En ese segundo registro se ubica Washed Up, un tema que apuesta por la sencillez del rasgueo de guitarra como columna vertebral. Su ritmo lento, con tintes de balada rock, contrasta con la crudeza habitual de la banda, mostrando un costado más sereno sin abandonar del todo su identidad. El resultado es una pieza que se sostiene en la repetición armónica y la voz que avanza sin prisa, como si buscara dar forma a una confesión personal.
La canción refleja el carácter directo de Marni: no hay adornos excesivos, sino una construcción honesta que se apoya en lo mínimo. Esa elección sonora coincide con la línea de su próximo EP fml era (2025), donde el grupo trabaja junto a Corey Coffman para retratar historias de infortunio y resistencia emocional. En este sentido, Washed Up se integra como un pasaje que detiene el vértigo y se concentra en el peso de la atmósfera.
Con este lanzamiento, Marni continúa delineando su identidad en el panorama independiente. La banda prepara una gira por la Costa Oeste para acompañar la salida de fml era, llevando consigo un repertorio que se mueve entre la distorsión y la calma. Washed Up funciona como una muestra de esa dualidad: una canción lenta, sostenida en guitarras, que revela otra faceta de un grupo en pleno proceso de definición.
