Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Austin Grimm – Love From Above | Estados Unidos
Austin Grimm abre este recorrido con “Love From Above”, una canción que se mueve entre cambios rítmicos marcados donde el pop bailable encuentra un equilibrio con una interpretación vocal suave y envolvente. El tema genera un contraste interesante que mantiene la atención de principio a fin, logrando un estilo moderno que no pierde naturalidad.
Con una trayectoria ligada al reggae y como líder de la banda Roots of a Rebellion, Austin Grimm ha decidido emprender un camino más personal donde fusiona experiencias, colaboraciones y aprendizajes. Inspirado por su entorno y la conexión con las personas, su propuesta busca reflejar no solo su amor por la música, sino también su manera de integrar elementos de vida, naturaleza y comunidad en cada presentación.
Cosmic Madness – Domain Change | España
Seguimos con Cosmic Madness y su canción “Domain Change”, un tema donde el rock se mezcla con un pop actual cargado de energía, tiempos bien ejecutados y una voz particular que aporta carácter al conjunto. La pieza se mueve con fuerza y deja ver un enfoque claro hacia la exploración de nuevas texturas musicales sin perder su esencia directa.
Detrás de Cosmic Madness está Mateo, músico con raíces en España y Uruguay que encontró en este proyecto la oportunidad de regresar a su conexión inicial con el rock. Inspirado por influencias como Nine Inch Nails, Oasis y el indie británico, su propuesta combina riffs intensos con detalles industriales. Además, sus letras reflejan inquietudes filosóficas y existenciales que exploran el sentido del ser y la importancia del amor como motor vital.
The Blindfolded SeaMonkeys – I Have No Idea What I’m Doing | Estados Unidos
Por último, The Blindfolded SeaMonkeys presentan “I Have No Idea What I’m Doing”, una pieza que destaca por su base de bajo eléctrico y un estilo vocal que transmite frescura con un toque irreverente. La canción tiene un aire divertido y despreocupado que la convierte en una experiencia ligera y a la vez llena de carácter.
El proyecto nació como un regreso a la música en la vida de su creador, quien decidió romper esquemas y dar forma a lo que llama “intergalactic cat rock”. Con guitarras flexibles, reverberación, sintetizadores analógicos y una actitud relajada, The Blindfolded SeaMonkeys construyen un universo musical donde lo lúdico es parte esencial del proceso creativo y del resultado final.
En conjunto, estas tres propuestas nos muestran la diversidad de caminos que puede tomar la música cuando se combina autenticidad y pasión. Cada artista refleja una visión distinta que amplía el panorama actual, por lo que vale la pena darles una escucha y dejar que formen parte de tu próxima playlist.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
baby hollis – talking stage | Estados Unidos
baby hollis es el proyecto indie de la música de Atlanta Hollis Griffin, que combina shoegaze y dream pop con un enfoque personal y emocional. Tras años liderando bandas locales, Hollis ha dado un paso hacia su propia voz con canciones que son a la vez soñadoras, enérgicas y juguetonas. Su música destaca por guitarras envolventes, sintetizadores exuberantes y melodías brillantes, celebrando la honestidad, la emoción y la autenticidad en cada momento. Con su debut “talking stage” y el próximo EP, baby hollis se posiciona como una voz fresca y sensible dentro de la escena indie estadounidense.
Mike Bern – Into the River | Canada
Mike Bern es un artista indígena de Tobique First Nation, Nueva Brunswick, reconocido por su poderosa fusión de folk rock y rock melódico. Su música combina voces rasposas y expresivas con instrumentación acústica y eléctrica, incorporando matices de folk tradicional y Southern Gospel que reflejan sus influencias de Chris Otepka, Frankie Miller y Ben Schneider. Con sencillos como “Ancestors” y “Into the River”, Bern transmite emociones profundas y evocadoras, explorando temas de identidad, herencia y conexión emocional, consolidándose como una voz auténtica y emotiva dentro de la música rock contemporánea.
BABY B – Because | Reino Unido
BABY B es el proyecto solista de la compositora británica Sarah Blanchard, reconocida por su trayectoria en pop y dance junto al colectivo The Six y nominada al BRIT. Con BABY B, Sarah se adentra en un territorio más íntimo y cinematográfico, explorando emociones vulnerables a través del indie-pop soñador. Su debut “Because” combina guitarras brillantes, capas atmosféricas y vocales etéreas para reflejar la intensidad del desamor y la vulnerabilidad del enamoramiento, mostrando su capacidad para transformar experiencias personales en canciones universalmente resonantes y emocionalmente profundas.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Nicky Doma – Excuses | Estados Unidos
Nicky Doma es una cantautora y productora originaria de Chicago y actualmente radicada en Nashville. Su música fusiona influencias de Rock, Folk y Pop, dando vida a un sonido auténtico y versátil. Además de escribir e interpretar sus propias canciones, produce su trabajo de manera independiente y colabora en la creación de música para otros artistas. Con cada proyecto, Nicky invita a su audiencia a acompañarla en un viaje creativo en constante evolución.
Freya Magee – Forget Yourself Not | Australia
Freya Magee es una artista indie-folk originaria de Melbourne y radicada en Londres, conocida por combinar una intimidad silenciosa con una profundidad cinematográfica en su música. Su trayectoria comenzó durante el confinamiento de 2020, escribiendo canciones en su habitación que sentaron las bases de su estilo. Con su debut “Duplicity” y el reciente sencillo “Forget Yourself Not”, Magee explora la vulnerabilidad, las relaciones y la memoria emocional a través de un sonido que fusiona indie-folk, pop y elementos electrónicos, consolidándola como una voz emergente y poética dentro de la escena independiente.
Tablefox – Runaway | Australia
Tablefox es una banda de alt-rock originaria de Nueva Zelanda que se ha consolidado como un referente de la escena indie y alternativa del país. Con un historial de álbumes exitosos como BATTLES y numerosos sencillos que han permanecido años en el Top 20 de la NZ Rock Chart, la banda destaca por su potente mezcla de guitarras eléctricas, bajos profundos y percusiones energéticas. A lo largo de su trayectoria, Tablefox ha compartido escenario con actos legendarios como Ash, Inspiral Carpets y Ride, y continúa sorprendiendo con lanzamientos recientes como “Runaway”, demostrando su capacidad para combinar introspección lírica con producción impecable y hooks memorables.
Expandiéndose más allá de fronteras, y entre las voces que emergen con fuerza destaca la de xátiva, artista mexicana radicada en Alemania, que ha logrado perfilar un universo musical propio. Tras debutar con INFINITA y explorar nuevas capas sonoras en TAL_VEZ, regresa con “QUÉ_PASARÁ”, su tercer sencillo oficial y quizá el más revelador hasta ahora.
xátiva apuesta por un Art Pop hipnótico y atmosférico, construido desde la intimidad absoluta: la canción fue escrita, grabada y producida en solitario. Esa independencia creativa se percibe en cada detalle: bajos retumbantes que marcan el pulso de la incertidumbre, sintetizadores etéreos que envuelven la voz en una neblina emocional y capas vocales que se desdoblan como pensamientos recurrentes en medio de la duda.
El resultado es una pieza que se desplaza como un sueño lúcido, donde cada elemento sonoro aparece y desaparece como recuerdos fragmentados. Incluso el leve tecleo de un celular en los últimos segundos funciona como metáfora del despertar, de ese instante en el que intentamos retener lo onírico sin éxito.
Aunque profundamente europea en su producción, “QUÉ_PASARÁ” conserva un hilo con sus raíces latinoamericanas. Hay un swing sutil en las melodías, una cadencia heredada de la música urbana latina que conecta con la memoria cultural de la artista y evita que su propuesta se sienta lejana a sus orígenes.
En lo lírico, la canción aborda la fatiga emocional de una relación a distancia: la contradicción de sentirse cerca y lejos al mismo tiempo, el vaivén entre aferrarse y soltar. Para xátiva, fue también un proceso de autodescubrimiento: “Cada escucha se sentía como una punzada en mi corazón, por lo íntima y dolorosa que es para mí. Me obligó a trabajar con lo que tenía, a superar mis propios límites y a aprender en la soledad de este proceso”, confiesa la artista.
“QUÉ_PASARÁ” es una canción: es una invitación a habitar la incertidumbre y a descubrir belleza en medio de la duda.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Lou Emery – The Moves | Estados Unidos
Lou Emery llega con “The Moves”, un tema que retoma lo mejor del pop y lo combina con una energía fresca que resulta completamente moderna. La canción se mueve con un ritmo dinámico y ligero que invita a dejarse llevar, mientras sus melodías transmiten una vibra divertida y contagiosa que conecta de inmediato con el oyente.
Radicada en Los Ángeles, Lou Emery se ha distinguido por mezclar arreglos de banda en vivo con la producción pop contemporánea. Su música no se encasilla en un solo género, lo que la convierte en una propuesta versátil y sorprendente en cada tema. Con una voz poderosa y letras directas, su estilo recuerda a artistas actuales como Dua Lipa y Olivia Rodrigo, manteniendo siempre la capacidad de sorprender de una canción a otra.
Dr. Smith & the Night Shift – Year of the Horse | Estados Unidos
Por su parte, Dr. Smith & the Night Shift presentan “Year of the Horse”, una pieza marcada por la fuerza del rock que se combina con una voz llena de carácter. El resultado es un tema vibrante con tintes de indie rock que logra mantener un pulso enérgico y emocionante de principio a fin.
Este proyecto, liderado por Allison Scagliotti, reúne a músicos con amplia trayectoria y propone un sonido que se mueve entre lo gótico sureño y el estilo relajado de la costa oeste. Con influencias que evocan a bandas como PJ Harvey y The Breeders, Dr. Smith & the Night Shift construyen una propuesta sólida, cargada de identidad y con un trasfondo personal que rinde homenaje a las raíces de la propia artista.
Ananya – Man Ray | Reino Unido
Finalmente, Ananya nos comparte “Man Ray”, un tema que combina influencias pop con matices dream pop, dando lugar a una experiencia cargada de ritmo y personalidad. La canción transmite frescura y autenticidad gracias a su atmósfera envolvente y a la voz firme de la cantante, que logra darle un carácter único.
Originaria de Zimbabue y actualmente con base en Londres, Ananya ha consolidado una carrera que refleja tanto su visión artística como su compromiso social. Con un EP debut que superó el millón de reproducciones y reconocimiento en medios internacionales, su propuesta se distingue por hablar de temas como el valor personal y la salud mental. Además, su labor en proyectos como The Nani Wellness Project refuerza el impacto de su música más allá de lo artístico.
En conjunto, estas propuestas muestran la diversidad y riqueza que ofrecen las nuevas voces de la música actual. Cada artista refleja un camino propio y una visión distinta, lo que convierte a esta selección en una invitación a descubrir estilos que se complementan entre sí. Vale la pena darse la oportunidad de escucharlos y dejar que formen parte de tu próxima playlist.
Con “River”, la cantante danesa Bianca Nisha entrega una propuesta que equilibra el pop contemporáneo con atmósferas cercanas al dream pop. La canción construye un paisaje sonoro marcado por tensiones y desfogues, donde la instrumentalidad juega un papel esencial. El ritmo, cargado de matices, aporta una sensación de movimiento constante, casi ritual, que se intensifica con la fuerza de la voz, dotando al tema de un carácter único y penetrante.
El trasfondo de la canción explora la atracción hacia lo destructivo y esa pérdida de control que puede sentirse como ser arrastrado por una corriente inevitable. “River” transmite esa dualidad con una producción detallada, en la que los violonchelos se transforman en capas que recuerdan a sintetizadores, sosteniendo una base rítmica palpitante. La pieza se abre paso con un estribillo enérgico, lleno de armonías que refuerzan el contraste entre fragilidad y poder.
La carrera de Bianca Nisha ha ido ganando reconocimiento gracias a su estilo sofisticado y a una sensibilidad poco común. Destacada por GAFFA y nominada a Nuevo Talento del Año en Dinamarca, su música ha sido señalada por la radio nacional P6 Beat como una propuesta aún subestimada dentro de la escena. Canciones como “River” evidencian esa capacidad para transformar experiencias íntimas en relatos sonoros con gran impacto.
Más allá de su belleza sonora, “River” se percibe como un puente hacia una etapa más madura en el camino de la artista. Con un sonido bien estructurado y una interpretación vocal que refuerza cada giro de la canción, Bianca Nisha plantea un tema que invita tanto a la introspección como a dejarse arrastrar por su fuerza. Una pieza que confirma su habilidad para dar forma a un pop distinto, cargado de textura y significado.
Love Ghost, la banda originaria de Los Ángeles liderada por Finnegan Bell, vuelve a reinventarse con Gas Mask Wedding, un álbum que funciona como un compendio de canciones de amor escritas desde un escenario distópico.
Este trabajo es, en esencia, un manifiesto sobre la búsqueda de intimidad en medio del caos: amar algo que puede destruirte y sobrevivir al acto. Cada canción abre un universo propio, pero todas comparten el pulso emocional y la crudeza poética que han convertido a Love Ghost en una propuesta única dentro del panorama alternativo.
El disco se mueve con naturalidad entre géneros: desde la balada desnuda al piano Car Crash, hasta el pop-punk contagioso de Left on Read junto a Wiplash; del trap oscuro de Scar Tissue a los tintes noventeros de Falling Down. Colaboraciones con artistas como Zach Goode (Smash Mouth), The Skinner Brothers, Reverie, Demario SB y productores como Mike Summers (Kendrick Lamar, Lil Wayne) refuerzan el carácter global de la obra.
El Track x Track de Gas Mask Wedding
1. Car Crash Un inicio devastador y delicado. Car Crash se sostiene únicamente en un piano melancólico y la voz dulce de Finnegan Bell, construyendo un paisaje sonoro frágil y confesional. La canción compara una relación con un accidente repentino: violento, inesperado, y al mismo tiempo cargado de belleza en medio del caos. Cada acorde es un eco de silencio y arrepentimiento, una catarsis íntima que desnuda el costado más vulnerable de Love Ghost.
2. Scrapbook Esta colaboración con The Skinner Brothers funciona como un recorrido por los recuerdos más intensos de los últimos años: amores que se fueron, logros efímeros, caídas dolorosas y comienzos esperanzadores. Musicalmente Scrapbook nos lleva de regreso al Punk Rock adolescente de los dos mil, mezclando guitarras cargadas de energía con un espíritu casi confesional, como si cada verso fuera una fotografía pegada en un cuaderno. La metáfora del “scrapbook” convierte la memoria en un artefacto emocional, mostrando cómo las experiencias se quedan adheridas al alma.
3. FUCKED UP FEELINGS Oscura, sensual y desconcertante, esta canción lleva a Love Ghost a terrenos poco habituales, fusionando R&B con grunge y un aura lofi sin dejar el sonido caracteristico del artista. Con referencias que evocan tanto a Prince como a Lil Peep y Joji, el tema se convierte en un retrato sonoro de la confusión emocional: deseo mezclado con incertidumbre, placer contaminado por el dolor. Es un viaje por emociones enredadas, donde la melodía hipnótica y el ritmo pesado reflejan la turbulencia de un momento vital, el tema por su mezcla de sonidos se hace particular dentro del albúm y de la discografia de Love Ghost.
4. Left on Read Regresando a terrenos mas conocidos, la rabia de ser ignorado encuentra su himno en Left on Read, un tema pop-punk explosivo en colaboración con Wiplash. Con la producción de Mike Summers (Kendrick Lamar, Lil Wayne), la canción vibra con guitarras frenéticas y un estribillo coreable, recordando a referentes como Green Day o All Time Low. La letra captura esa mezcla de frustración y orgullo herido que se siente al ser “dejado en visto”, convirtiéndola en un desahogo juvenil que se grita con rabia y humor ácido.
5. Hair Dye Más que una canción, es un pequeño retrato personal en forma de skit. Aquí, Finnegan Bell abre una ventana a su vida amorosa con un tono íntimo y confesional. Aunque breve, su inclusión aporta un respiro narrativo al disco, funcionando como un puente que conecta la vulnerabilidad del artista con la crudeza del relato general.
6. Scar Tissue Uno de los cortes más intensos del álbum, Scar Tissue se adentra en la oscuridad del trap para hablar de las cicatrices emocionales y los ecos del trauma. Con beats densos y atmósferas inquietantes, la canción transmite la sensación de estar atrapado en una mente que no se calla. Es una representación musical del ruido interno, donde cada verso se convierte en un grito silencioso contra los demonios que acompañan a la memoria. Desde el inicio del track se siente la densidad de guitarras oscuras que se ven entralzadas con todo el sonido del trap americano.
7. Sandcastles Colaborar con Zach Goode de Smash Mouth le da a Sandcastles un aire fresco y nostálgico a la septima canción del disco, capturando la belleza fugaz de la juventud y los sueños, comparándolos con castillos de arena que inevitablemente serán borrados por las olas. Con un sonido con la energía del pop-punk y un toque soleado californiano, se convierte en un himno que vibra entre lo alegre y lo melancólico, combinando dos colores de voces completamente distintas.
8. Hallucinations En este tema, junto a Reverie, Love Ghost combina guitarras hipnóticas y un bajo groovy con una vibra soñadora que recuerda tanto a Sublime como al experimentalismo de Jean Dawson. Hallucinations transporta al oyente a un estado onírico, un atardecer eterno donde la línea entre fantasía y realidad se difumina. Es una canción que celebra el escapismo juvenil y la libertad de perderse en sensaciones irreales, con un sonido fusion entre el trap y guitarras distorsionadas.
9. Angelic Minimalista pero devastadora, Angelic es una balada alt-rock que navega entre la dulzura y la desolación. Su sonido, inspirado en la intimidad de XXXTentacion y la sensibilidad de Smashing Pumpkins, transmite la fragilidad del amor no correspondido. La voz de Finnegan se convierte aquí en un lamento, una plegaria que flota sobre acordes acusticos delicados, evocando la herida de amar sin reciprocidad.
10. Worth It La tercera colaboración con The Skinner Brothers entrega una canción llena de rock alternativo visceral y desgarrador. Con guitarras melancolicas, Worth It se sumerge en la eterna pregunta de la autovalía: ¿soy suficiente? La letra corta como un cuchillo, mientras la música asciende hacia un clímax donde explota la distorsión en las guitarra mientras nos invitan a confrontar el espejo y enfrentar los miedos más profundos,
11. Spirit Box Inspirada en los dispositivos que sirven como canal con el más allá, Spirit Box es un tema cargado de misterio y espiritualidad. Con un sonido a piano y voz, la canción se siente como una conversación entre vivos y muertos, como si las palabras fueran transmitidas desde un lugar intangible. Es uno de los momentos más etéreos del disco, donde Love Ghost se permite experimentar con lo metafísico y lo fantasmagórico mientras juega con tintes de trap y rock.
12. A Message from Finn En este interludio, Finnegan toma la palabra directamente para hablar sobre el largo y desafiante camino que llevó a la creación de Gas Mask Wedding. Más que un simple mensaje, es un gesto de cercanía, un recordatorio de que detrás de cada canción hay un viaje de años, cicatrices reales y la voluntad de compartirlas.
13. Falling Down Una pieza de alt-rock noventero con tintes melódicos, Falling Down es un retrato de la caída emocional tras un amor perdido. Su sonido nostálgico encapsula la sensación de derrumbarse mientras el mundo sigue en movimiento.
14. Heartbreak City Junto a Demario SB y Matt Kali, Heartbreak City pinta el retrato de una urbe en la que el amor parece haber muerto. Fusionando rap y rock alternativo, el tema ofrece una visión oscura y distópica del desamor en tiempos modernos. Su atmósfera es asfixiante y urbana, como recorrer calles iluminadas por neón donde la soledad es la única compañía.
15. Soviet Ghost Con producción de Seth Bishop, Soviet Ghost narra la historia de un soldado olvidado, condenado a vagar entre las ruinas de un imperio caído. Musicalmente oscura y reverberante, la canción evoca la paranoia de la Guerra Fría y los fantasmas que deja la historia. Es un viaje sonoro entre lo bélico, lo político y lo espiritual, jugando mas del lado R&B y trap de Love Ghost.
16. The Masochist Cerrando el albúm “The Masoclist” funciona como una confesión sobre el deseo de abrazar el dolor. La canción convierte la vulnerabilidad en un acto de poder, con un sonido minismalista y oscuro que deja al oyente con una mezcla de inquietud entre estas confesiones y la dulzura del e-piano. Es la culminación de un disco donde el amor, el trauma y la destrucción se entrelazan en un fundido al final del camino.
Love Ghost no rehúye temas como el trauma, la salud mental o la vulnerabilidad, y los convierte en un estallido creativo que dialoga con el presente sin olvidar las heridas del pasado.
Con una trayectoria que ya incluye giras por México, Europa, Japón y presentaciones en festivales como Rockpalast en Alemania, Love Ghost ha encontrado en Latinoamérica un segundo hogar creativo. Colaboraciones con artistas como Adán Cruz, Santa RM o Dan Garcia han consolidado su vínculo con la escena mexicana. Para la banda, este álbum es una invitación a compartir cicatrices, emociones extremas y la posibilidad de hallar belleza incluso en medio del colapso.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Fabergé Falls – THE GREATEST JOURNEY | Francia
Iniciamos con Fabergé Falls, quien nos presenta “THE GREATEST JOURNEY”, una canción que se mueve con un ritmo suave y cambiante, cargada de influencias de indie pop con tintes psicodélicos que le dan un carácter especial. La voz encaja con naturalidad en medio de las capas instrumentales, logrando que el tema avance con fluidez y deje la sensación de estar entrando en un viaje musical abierto a distintas interpretaciones.
El proyecto surge en París bajo la dirección de Nicolas Pedegert y se alimenta de influencias que van desde Tame Impala hasta The Beatles. Con una propuesta auto-producida y un álbum próximo a estrenarse, la banda logra combinar frescura y experimentación en un estilo que invita a dejarse llevar. “THE GREATEST JOURNEY” es el primer adelanto de lo que será su debut discográfico, mostrando la esencia colorida y exploratoria que define al grupo.
Jake Adler – Glass Half Full | Estados Unidos
Continuamos con Jake Adler y su tema “Glass Half Full”, donde se percibe un aire country que se entrelaza con toques de rock sutiles, creando una atmósfera tranquila y cálida. La instrumentación se mantiene firme mientras la voz aporta cercanía, dando como resultado una pieza que transmite equilibrio y honestidad en cada compás.
Originario de Filadelfia, Jake ha encontrado en la música country un espacio para narrar desde lo íntimo, tras haber pasado por etapas de exploración en otros géneros. Con millones de reproducciones en proyectos anteriores y un camino en constante evolución, su propuesta actual apuesta por la autenticidad y un sonido que mezcla raíces tradicionales con un aire contemporáneo.
Colin III – Lover Boy | Estados Unidos
Finalizamos con Colin III y su canción “Lover Boy”, una pieza que se sostiene sobre un ritmo tranquilo y delicado, con matices de rock ligero que aportan un toque envolvente. La estructura es sencilla pero efectiva, dejando que la canción fluya sin excesos y atrapando por su naturalidad.
Colin es un productor y compositor que entiende la música como un proceso de experimentación y colaboración. En ocasiones cede el protagonismo vocal a otros intérpretes, aunque también se anima a cantar sus propias composiciones. En “Lover Boy” muestra esa dualidad de lo íntimo y lo compartido, entregando un tema que refleja su forma de vivir la creación como un viaje abierto.
En conjunto, Fabergé Falls, Jake Adler y Colin III nos recuerdan que la música emergente puede llevarnos por caminos distintos, desde lo psicodélico hasta lo íntimo y reflexivo. Te invitamos a escucharlos y dejar que sus canciones te acompañen en tu propio recorrido musical.
El regreso de TENDER marca un nuevo capítulo en su carrera con el lanzamiento de “Gravity/Infinity”, primer adelanto de su próximo trabajo. La canción se construye sobre un ritmo rápido que combina influencias de indie pop y rock, ofreciendo una atmósfera vibrante que se sostiene gracias a una interpretación vocal con estilo particular. Esa voz, suave y airosa, logra proyectar dinamismo sin perder delicadeza, dándole al tema un carácter distintivo.
Desde su formación en 2015, el dúo compuesto por James Cullen y Dan Cobb ha sabido moverse entre la intimidad del bedroom pop y la ambición expansiva de los escenarios multitudinarios. Su habilidad para equilibrar estas dos dimensiones les ha permitido ganar espacio en medios como NPR y Stereogum, además de acumular millones de escuchas a nivel global. “Gravity/Infinity” refleja esa misma capacidad de síntesis: un sonido que parece cercano, pero que también puede expandirse con fuerza.
La trayectoria de TENDER incluye tres discos que muestran una evolución clara. Modern Addiction (2017) y Fear of Falling Asleep (2019) consolidaron su estilo alt-pop con composiciones detalladas, mientras que Flux (2023) ofreció un relato más íntimo sobre la paternidad y los retos personales vividos por la banda en aquel momento. Ahora, con sus vidas más estables y asentados en la costa sur de Inglaterra, se reencuentran con el origen de su proyecto musical, pero desde una nueva perspectiva.
En ese contexto, “Gravity/Infinity” funciona como un punto de partida. No busca romper del todo con el pasado, sino tender un puente hacia lo que está por venir. Es un tema que mantiene la esencia del dúo, pero con un aire renovado, dejando ver una propuesta indie fresca que conserva dinamismo y sensibilidad a partes iguales. Una pieza que abre camino hacia un álbum que promete seguir explorando esa química inquebrantable que define a TENDER.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
PIFFA – Particular | Uruguay
Iniciamos con PIFFA, quien presenta “Particular”, un tema que se mueve entre lo fresco y lo dinámico con influencias claras del indie pop moderno. Su ritmo equilibrado y enérgico se acompaña de una voz que encaja de forma natural con la propuesta, generando un aire atractivo dentro de la escena en español. Es un tema que fluye con naturalidad y logra atrapar desde el primer momento.
El proyecto nace en Montevideo y refleja de manera creativa experiencias personales que marcan la identidad del artista. Entre cafés y noches urbanas, PIFFA transforma vivencias cotidianas en canciones con un estilo particular que conecta tanto por su autenticidad como por su sencillez. En “Particular” se siente esa intención de narrar y de experimentar con matices que lo acercan a un público diverso.
ARK IDENTITY – I’m Still The Same | Canadá
Seguimos con ARK IDENTITY, que nos comparte “I’m Still The Same”, una canción que avanza con calma y solidez, pero con cambios sutiles que le dan dinamismo. La atmósfera es envolvente y la voz se integra de forma delicada con la producción, logrando un indie cargado de emoción y una textura que invita a dejarse llevar. Es un tema que crece con cada escucha y se disfruta con atención.
Detrás de este proyecto se encuentra Noah Mroueh, músico canadiense que combina influencias de distintas épocas y estilos para crear un dream pop con tintes psicodélicos. Su propuesta abre un espacio de introspección, donde cada capa instrumental suma un detalle que invita a la exploración personal. En “I’m Still The Same” se percibe esa intención de conectar desde lo íntimo con quien escucha.
Thera – rewind | Chequia
Por último tenemos a Thera, con “rewind”, una propuesta pop que refleja las tendencias actuales con un estilo firme y moderno. El tema se sostiene en una producción cuidada y directa, mientras que la voz resalta por su frescura y claridad, transmitiendo fuerza y vulnerabilidad al mismo tiempo. Es una canción que dialoga bien con el presente y refleja un enfoque joven y decidido.
A pesar de su corta edad, Thera se ha consolidado como una artista emergente con un sello personal que mezcla pop, rock y matices electrónicos. Sus canciones exploran emociones intensas y cotidianas, desde el desamor hasta la búsqueda de identidad, con un estilo que conecta con una generación que busca autenticidad en la música. “rewind” es una muestra de su capacidad para convertir lo íntimo en algo universal.
En conjunto, PIFFA, ARK IDENTITY y Thera muestran diferentes formas de entender la música actual, cada uno desde un ángulo particular pero con propuestas que vale la pena explorar. Te invitamos a escucharlos y dejar que sus canciones encuentren un lugar en tu playlist.
