Hunny Buzz explora la complejidad de las relaciones humanas a través de una mezcla de indie pop y rock con matices shoegaze. Liderados por Lyd Read, cuya voz contrasta con la energía cruda de sus instrumentales, el cuarteto británico aborda temas como el desamor moderno con letras narrativas y un enfoque melancólico. En Maisy, su propuesta más reciente, se percibe una tensión entre la fuerza del ritmo y la vulnerabilidad de las líricas, creando un diálogo sonoro que refleja su esencia.
La banda ha ganado atención gracias a su habilidad para combinar estrofas introspectivas con coros contagiosos de influencia surf-pop. Apoyados por BBC Introducing y presentados en programas como el de Gemma Bradley en Radio 1, Hunny Buzz ha construido una base sólida en la escena indie británica. Su participación en festivales como Truck y Dot to Dot, junto con colaboraciones con artistas como Vistas, refuerza su presencia en vivo como un acto en ascenso.
Maisy destaca por su estructura explosiva, donde las guitarras reverberantes y las líneas de bajo marcadas se entrelazan con la voz de Lyd Read, que oscila entre lo etéreo y lo directo. La canción no busca complacer, sino transmitir la ambivalencia de aceptar el fin de una relación: hay crudeza, pero también un dejo de liberación. Este equilibrio entre lo caótico y lo controlado define su propuesta.
Con su EP debut Welcome to our Garden y una agenda activa en 2024, Hunny Buzz se consolida como un nombre a seguir. Para quienes buscan indie rock con personalidad y letras que van más allá de lo superficial, Maisy es una puerta de entrada a su jardín sonoro, donde lo dulce y lo áspero coexisten sin disculpas.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
New Silver Girl – Loud Love | Finlandia
New Silver Girl es una banda indie de Helsinki, fundada por Olli Happonen, desde su debut en 2018, la banda ha mantenido una estética vintage y una conexión profunda con el rock y el blues. Con una mezcla de elementos de rock alternativo, New Silver Girl ha continuado evolucionando su sonido, su próximo álbum, Wild Carnation, promete ser más audaz y sonoramente rico.
Sunbathe – IGA | Estados Unidos
Sunbathe es una banda indie originaria de Portland, Oregon, liderada por Maggie Morris. Con una propuesta sonora que abarca desde pop etéreo hasta garage rock y temas inspirados en el doo-wop. Morris, con una trayectoria que comenzó en el norte de California y continuó en la banda Genders, formó Sunbathe en 2015 como un proyecto más personal. Acompañada de músicos destacados como Jenny Logan, Pieter Hilton y Shannon Steele, su álbum debut muestra su habilidad para fusionar diferentes estilos musicales con una estructura pop coherente.
The Corrupted Hearts – Sticks & Stones | Estados Unidos
The Corrupted Hearts es una banda de rock alternativo originaria de Columbus, Ohio, formada después de que el líder Bradley Schultz decidiera retirarse de su negocio de plomería para perseguir su pasión por la música. Conocidos por su energía vibrante y un sonido que combina poderosas melodías de piano, guitarras intensas y una voz masculina profunda, el grupo ha logrado crear una identidad propia en la escena del rock. The Corrupted Hearts ha consolidado su estilo propio, llevando su música cargada de fuerza a través de canciones como su reciente sencillo Sticks & Stones.
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Bod666 – Feel Like This (chilled mix) | Reino Unido
Bod666, el seudónimo misterioso de David, es un artista que utiliza la poesía y la música para compartir sus experiencias y observaciones profundas sobre la vida, el amor y la salud mental. Su estilo musical, influenciado por sonidos electro-pop y toques minimalistas, crea un espacio sonoro donde el oyente puede perderse, encontrarse y sentir plenamente. Bod666 usa sus letras para brindar esperanza y consuelo.
Hey Calamity – Caress | Australia
Hey Calamity es el proyecto musical de David Thomas, un guitarrista y compositor de la costa de Limestone, Australia del Sur. Influenciado por el shoegaze y el dream pop, el proyecto destaca por su capacidad de fusionar lo oscuro y lo luminoso en un sonido envolvente y emotivo. Tras escribir nuevas canciones durante la pandemia de 2022, la banda lanzó su álbum debut Desperation a finales de ese año. En 2025, Hey Calamity presentó su más reciente EP, Incognito.
Laura Holliday – Vigilant | Estados Unidos
Laura Holliday (she/they) es una cantante, compositora, cineasta y actriz originaria de West Virginia y radicada en Los Ángeles. Comenzó a escribir canciones a los 12 años y su amor por las artes la llevó a estudiar cine en la Idyllwild Arts Academy. Durante su carrera, ha formado parte del dúo indie pop L and That Blue Eyed Boy. Desde 2019, ha estado grabando música de manera independiente, abordando temas de trauma, identidad de género y enfermedad crónica en sus canciones, que exploran su vulnerabilidad y experiencias personales con una profunda honestidad.
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DEKLANG – Out of Time | Alemania
DEKLANG nos sorprende con Out of Time, una propuesta que atrapa desde el primer instante gracias a su ritmo vibrante y sus claras influencias electrónicas combinadas con una dosis retro que le confiere un estilo original, perfecto para la pista de baile y para dejarse llevar por su energía sin complicaciones. La canción se despliega de forma sencilla y amena, permitiendo que cada compás se sienta natural y mantenga la atención del oyente a lo largo de su recorrido.
La banda está conformada por dos creativos, Keno Hybro y Hans Guillermo Weidhofer, quienes fusionan elementos de synthwave, retrowave, Outrun e indie electronic en un sonido distintivo, donde la experiencia de Keno, músico profesional con más de una década en la industria, aporta una visión única que diferencia a DEKLANG de otras propuestas electrónicas. Su enfoque se basa en la experimentación controlada, lo que se traduce en una producción que equilibra lo moderno con un toque nostálgico, invitándote a mover el cuerpo sin complicaciones.
Count The Clock – Here Comes The End | Estados Unidos
Count The Clock nos ofrece Here Comes The End, una canción que mezcla de forma equilibrada elementos del rock y del dream pop, impregnando la pista de una atmósfera retro que realza su esencia de ensueño y un ritmo sencillo que logra enganchar sin ser excesivo. La propuesta se presenta como un viaje sonoro que combina melodías simples con arreglos nostálgicos, haciendo que cada nota se sienta cercana y fácil de asimilar, ideal para quienes disfrutan de lo inesperado sin perder la esencia.
El proyecto de Count The Clock es fruto de la colaboración entre el músico Michael Coe y el cineasta Zach Lorkiewicz, quienes, inspirados por películas de terror, tecnología anticuada y viajes espaciales, han creado un universo lleno de extrañas y hermosas rarezas, donde cada composición resulta en un mosaico de sonidos que sorprende por su sencillez y profundidad. La música, compuesta íntegramente por Coe y enriquecida por las interpretaciones vocales de un elenco rotativo, invita a descubrir un mundo sonoro que se reinventa en cada escucha
Cas Haley – Sunshine and The Rain | Estados Unidos
Cas Haley nos presenta Sunshine and The Rain, una propuesta musical en la que la atmósfera se viste de calidez y cada detalle de la producción se aprecia gracias a una mezcla que conjuga indie pop, pop y toques de country, logrando un ritmo divertido y tranquilo que cautiva sin esfuerzo. La canción se siente como un susurro que acompaña el día, en el que la suavidad de las voces y la pulcritud de los arreglos hacen que la experiencia resulte amena y cercana para quien la escucha, ideal para momentos de relajación.
Con un recorrido musical que lo ha llevado a recorrer el mundo, Cas Haley fusiona sus raíces de Southern soul con ritmos reggae en siete álbumes originales, y su último proyecto, “BOOTS ROCK REGGAE, VOL. 1”, refleja cómo une la esencia del country con el espíritu del rock, reinterpretando canciones clásicas de una forma personal y accesible. La propuesta de Sunshine and The Rain se distingue por su producción cuidada y su capacidad para conjugar diversas influencias en un sonido coherente que invita a disfrutar sin pretensiones
En conclusión, cada una de estas propuestas – Out of Time de DEKLANG, Here Comes The End de Count The Clock y Sunshine and The Rain de Cas Haley – ofrece un recorrido musical que fusiona influencias variadas de forma orgánica y accesible, creando un panorama sonoro fresco para la nueva ola de artistas emergentes. Te invitamos a darle una oportunidad a estos temas, a dejarte sorprender por la originalidad de cada propuesta y a enriquecer tu playlist con sonidos que marcan tendencia en la escena musical global.
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Sea Shapes – RUN | Estados Unidos
Sea Shapes es una banda que fusiona el dream pop, el indie rock y el shoegaze, creando una atmósfera sonora envolvente y melancólica. Su música explora temas de amor tímido y cauteloso, marcado por la desconfianza y las cicatrices del pasado. Con un enfoque en las emociones complejas y las relaciones difíciles, sus canciones transmiten una sensación de vulnerabilidad y esperanza entrelazadas. La banda se mueve constantemente entre géneros, ofreciendo un sonido introspectivo y envolvente, ideal para quienes buscan una mezcla de belleza, oscuridad y reflexión en la música.
The Eye Of The Pines – I Wish I Could Wait | Francia
The Eye Of The Pines es una banda que nació con un enfoque alt/punk, pero experimentó una profunda transformación tras una crisis mental de su único miembro. Esta experiencia dio lugar a la creación de nuevas personalidades y sonidos más eclécticos, incorporando influencias de tekno rap, punk y música experimental. Con una mezcla de caos creativo y una mirada introspectiva hacia la vida, su estilo abarca desde la energía punk cruda hasta la psicodelia y la electrónica. Sus influencias varían desde Nirvana y Green Day hasta Stupeflip y Le Wanski. La banda se presenta como un “freak show”, desafiando límites y explorando los lados más oscuros y emocionantes de la mente humana.
Desde la soleada costa de California, pero con raíces en Florida, Walk the Whale es una banda que ha sabido combinar el rock alternativo con influencias del folk, creando un sonido propio. Formado por Logan y Parker, este dúo de músicos y multiinstrumentistas ha demostrado que la creatividad y la pasión por la música pueden transformar cualquier idea en una experiencia única.
La historia de Walk the Whale comienza en el año 2010, cuando Logan y Parker se conocieron en la Universidad Estatal de Florida. Un amor compartido por bandas legendarias como King Crimson, The Beatles y Pink Floyd los llevó a colaborar en la creación de partituras para películas estudiantiles. Sin embargo, tras graduarse, cada uno tomó caminos distintos en la música, enfocándose en la educación.
Años más tarde, tras la pandemia, un viaje de Parker a California para visitar a Logan y su esposo les hizo darse cuenta de lo que realmente querían hacer: crear música y compartirla con el mundo. Fue así como nació Walk the Whale, un proyecto en el que canalizan sus influencias, experiencias y conocimientos musicales en composiciones auténticas y emotivas.
Con una explosión de creatividad desde su formación en 2022, la banda ha compuesto más de 40 canciones. Su primer EP, titulado Let Me Land, captura las emociones de un viaje personal y artístico, explorando el cambio, la nostalgia y la necesidad de tomar decisiones que transforman la vida. Cada canción refleja la evolución del dúo y su capacidad para crear melodías cautivadoras con letras introspectivas.
Además de trabajar en sus propias canciones, Walk the Whale se ha convertido en una banda clave dentro de la escena musical de la costa central de California. Gracias a su formación en música, Logan y Parker han logrado colaborar con otros artistas, proporcionando arreglos innovadores y trabajando en diversos géneros, desde folk hasta hip-hop.
Rusowsky se ha consolidado como una de las figuras más innovadoras de la escena musical en España. Fusionando distintos géneros y su estilo vanguardista lo han posicionado como un referente en el panorama hispanohablante. Con un sonido que oscila entre el synth pop, el lo-fi y la electrónica experimental, el artista madrileño ha conquistado una audiencia global.
Bajo el nombre de Ruslan Mediavilla, el artista comenzó su trayectoria en la música con una propuesta fresca y arriesgada. Su nombre artístico surge de la combinación de su apodo “Rus” con el nombre del icónico personaje de Monsters Inc., Mike Wazowski. Desde sus primeras producciones, Rusowsky destacó por una estética minimalista y una aproximación experimental a la composición musical. Con canciones que mezclan elementos de R&B, house y pop electrónico, ha logrado crear un estilo propio que ha captado la atención.
A lo largo de su carrera, Rusowsky ha trabajado con artistas como C. Tangana, Judeline, DELLAFUENTE y Ralphie Choo, consolidándose en la industria musical. Además, su colaboración con Latin Mafia en “neo roneo” y con Bb Trickz en “uwu^^” han sido aclamadas, con esta última siendo nombrada por Rolling Stone en Español como una de las mejores canciones en español del 2024.
En 2025, Rusowsky inició una nueva etapa en su carrera con el lanzamiento de “SOPHIA”, el primer adelanto de su esperado álbum debut. La canción, escrita y producida por él mismo, explora la obsesiva fascinación que se puede desarrollar hacia algo o alguien, transmitiendo una montaña rusa de emociones que van desde la euforia hasta la angustia.
Acompañado de un video musical co-dirigido por Fomotrauma y Roy Viceroy, “SOPHIA” se sumerge en una estética influenciada por el cine de terror, narrando una historia de amor entre el cantante y una misteriosa pareja que conoce a través de la pantalla del televisor.
Con presentaciones en festivales como Axe Ceremonia, Sónar y Lollapalooza en Sudamérica, Rusowsky ha demostrado ser una de las propuestas más imponentes de la música actual. En febrero de 2025, se presentará en el Festival de Bahidorá en México, mientras que en julio formará parte del cartel del Low Festival en Benidorm, España, junto a artistas como Empire of the Sun y Amaia.
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Frànçois & The Atlas Mountains – Pats Lents dans la Neige | Francia
Frànçois & The Atlas Mountains es una banda francesa de indie pop liderada por el cantante y compositor Frànçois Marry. Formada en Bristol, Inglaterra, a mediados de los 2000, la banda ha evolucionado a lo largo de los años fusionando elementos de pop francés, worldbeat y electrónica. Conocidos por sus sonidos sofisticados y experimentales, han lanzado varios álbumes como E Volo Love (2012) y Solid Mirage (2017). A lo largo de su carrera, Frànçois ha colaborado con diversos músicos, pero en su sexto álbum, Banane Bleue (2021), asumió el control total del proyecto, contando con el apoyo del productor finlandés Jaakko Eino Kalevi. Su estilo ha sido una mezcla constante de letras introspectivas, sintetizadores envolventes y una profunda exploración de la transitoriedad emocional.
Funsho – Dopamine | Estados Unidos
Funsho es un cantante, compositor y productor estadounidense que fusiona el Indie R&B con influencias afro de su herencia nigeriana. Con una voz suave y emocional, Funsho ha capturado la atención del público internacional, destacándose por su enfoque único hacia las melodías y su estilo musical introspectivo. Tras ganar reconocimiento en la temporada 15 de The Voice de NBC, donde fue elogiado por su rango vocal, Funsho continúa consolidándose como artista. En 2025, está listo para lanzar nuevos sencillos, incluyendo el esperado “Dopamine”.
softspill – good ole days | Estados Unidos
Softspill es un proyecto que fusiona elementos de indie rock y synth-pop con letras introspectivas que exploran temas de nostalgia y el paso del tiempo. Su música se caracteriza por una atmósfera melancólica y un enfoque en las emociones complejas, como se refleja en canciones como “Good Ole Days”, que aborda el confort y la desconexión emocional al enfrentarse al envejecimiento y la rutina. A lo largo del año, Softspill planea lanzar una serie de sencillos, ofreciendo una conexión sincera con su audiencia a través de su estilo único y evocador.
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MODERNS – Romance | Estados Unidos
MODERNS es un dúo de synth-pop con sede en Los Ángeles, formado por Christopher Fudurich y Rosie Okumura. Su música combina sintetizadores analógicos vintage, cajas de ritmos y voces naturales, logrando un sonido electrónico cálido y auténtico, sin excesiva manipulación digital. Fudurich, productor y multiinstrumentista, aporta su experiencia técnica, mientras que Okumura, cantante y compositora, impregna las canciones con su estilo propio.
Lilly Flower – is this it/the end | Estados Unidos
Lily Flower es una artista de Estados Unidos que fusiona elementos de shoegaze, dream pop y rock alternativo, creando un sonido etéreo y potente. Influenciada por bandas como Soft Cult, Slowdive y Margaritas Podridas, su música se caracteriza por guitarras distorsionadas, atmósferas densas y una voz versátil que oscila entre la suavidad melancólica y la fuerza desgarradora.
Alaska Wilson – Invisible Boy | Belize
Alaska Wilson es una artista radicada en Belice, cuyo sonido fusiona elementos de rock alternativo, disco y shoegaze con una estética retro-cinemática. Su música se distingue por guitarras con overdrive envolvente, sintetizadores etéreos y una energía introspectiva, evocando influencias de Primal Scream y Spiritualized. Con una propuesta atmosférica, Alaska crea canciones que invitan a perderse en paisajes sonoros cargados de emoción y nostalgia.
El dúo estadounidense Fake Dad, integrado por Andrea de Varona (ella/ella) y Josh Ford (él/él), que combina indie rock y dream pop de una manera fresca y transgresora. Nacidos en la efervescente Nueva York y radicados en Los Ángeles, estos dos artistas se conocieron en una fiesta universitaria en East Village en 2020 y, desde entonces, han sido inseparables tanto en lo personal como en lo musical.
Su música se nutre de pegadizos ganchos pop, guitarras de inspiración noventera con un toque crujiente, líneas de bajo contundentes y sintetizadores envolventes. El resultado es una mezcla embriagadora y colorida, en la que cada tema se siente como un pequeño universo propio, capaz de conectar de inmediato con su audiencia. Todo esto, sumado a una producción distintiva y una cálida entrega vocal, permite al dúo transmitir emociones intensas y mensajes profundos sin perder la frescura y accesibilidad de su estilo.
El sencillo «Machinery» aborda temas sociales con una mirada crítica y sin concesiones. La canción explora la presión a la que se ven sometidas las mujeres en la industria musical, obligadas a presentarse como “productos consumibles” para ser tomadas en serio. En palabras de Andrea de Varona, el tema surge como respuesta a una presentación en la que todas las artistas lucían exactamente el mismo sostén con tachuelas, en un ambiente de competencia desmedida y desconexión.
“Esta canción fue escrita como respuesta a la forma en que este tipo de odio de mujer a mujer (o, más generalmente, de artista a artista) perpetúa estos espacios, mientras los verdaderos culpables – nuestra triste sociedad gobernada por hombres blancos multimillonarios y narcisistas – pasan desapercibidos. Al final, el hombre es el que realmente estamos denunciando, el que se lleva todo mientras nosotras nos quedamos comiendo de su palma.”
Con «Machinery», Fake Dad no solo ofrece un tema enérgico y cargado de actitud, sino que también invita a una reflexión sobre cómo la opresión y la sexualización de la mujer se institucionalizan en el mundo del arte y la música. La fuerza del mensaje se equilibra con una propuesta musical accesible y envolvente, logrando que la crítica social resuene en un amplio público sin llegar a ser abrumadora.
Inspirándose en leyendas del rock como PJ Harvey, Stevie Nicks, Tina Turner, LCD Soundsystem y David Bowie, el dúo utiliza la ficción para explorar aspectos muy reales de sus vidas, incluyendo sus identidades y sexualidades. Este enfoque les ha permitido traspasar las barreras de los géneros y ofrecer una música que se siente auténtica y reveladora.
Su próximo proyecto, el EP “Holly Wholesome and the Slut Machine”, promete adentrarse en un mundo de personajes excéntricos – desde payasos enfurecidos que voltean hamburguesas hasta caballeros malditos y demonios enmascarados del sueño paralizante – que, a pesar de su apariencia ficticia, reflejan las complejidades de la vida real y las luchas internas de los artistas en una industria dominada por dinámicas de poder desiguales.
