Rock

La resonancia barítona de Huston Sonhouse en Monsters

La resonancia barítona de Huston Sonhouse en Monsters

El compositor y multiinstrumentista Huston Sonhouse ha consolidado un estilo ecléctico diseñado para quienes encuentran belleza en los rincones más sobrios. Ganador del certamen de composición del Texclipse Music Festival en 2024, el músico tejano destaca por su capacidad para actuar como un hombre orquesta mediante live looping, interpretando cada instrumento para lograr un sonido completo sin perder la intimidad del formato en vivo.

Su propuesta combina una perspectiva vintage oscura con relatos crudos que se construyen sobre una voz de barítono profunda, riffs memorables y líricas penetrantes. Todo el catálogo del artista destaca por un compromiso autogestivo, encargándose de escribir, grabar y producir cada elemento de sus canciones desde cero. Esta dedicación otorga una coherencia orgánica a su cuerpo de trabajo y a sus presentaciones sobre el escenario.



Esa madurez conceptual se refleja en su disco In the Shadow of the Mountain, lanzado en agosto de 2026, un material atemporal que explora el duelo, la memoria, el amor, las adicciones y la familia. De esta producción sobresale la canción Monsters, una propuesta de rock con sutiles tintes folk que sostiene un pulso medido y paciente. La sobriedad rítmica de la pieza permite que la composición respire y gane fuerza con el paso de los compases.

El verdadero eje de la pista reside en una voz con enorme presencia y cuerpo que aporta una personalidad única a la entrega. Ese ritmo lento y pausado ofrece el espacio ideal para que la interpretación vocal exprese matices profundos que logran atrapar la atención del oyente de principio a fin. Con esta entrega, Huston Sonhouse ofrece una muestra clara de composición reflexiva dentro del panorama independiente.


El matiz alternativo y la atmósfera oscura de EFE en Fine Line

El matiz alternativo y la atmósfera oscura de EFE en Fine Line

Tras años de componer con diversas bandas locales, el músico y artista visual Simon Choquette dio vida a su proyecto en solitario bajo el nombre de EFE. La iniciativa surgió tras un periodo de reestructuración personal y profesional que lo impulsó a explorar temas como el amor, la pérdida, la autorreflexión y el sentido de pertenencia. La figura de este avatar le permite exponer una vulnerabilidad transparente que contrasta con su habitual seguridad personal.

La propuesta de EFE se fundamenta en la composición con guitarra acústica, transformando piezas íntimas en densas paredes de sonido inspiradas en el shoegaze. Con una batería en primer plano que bebe del grunge, el post-hardcore y el rock alternativo de los noventa, la base instrumental rinde homenaje a referentes como The Smashing Pumpkins y Failure. En el plano vocal, la entrega melódica proyecta ecos del britpop y de bandas como Ride o Blur.



Dentro de este marco estilístico se presenta su sencillo Fine Line, perteneciente a su EP debut de cinco canciones grabado durante un año junto a Olivier Quirion. La pieza destaca por ser un rock alternativo de corte retro muy bien construido, sustentado en ganchos eficaces que atrapan desde los primeros compases. Asimismo, la pista logra envolver al oyente en una atmósfera cubierta por una capa oscura altamente disfrutable.

El desarrollo del tema se apoya en una voz con cuerpo que se acopla con fluidez a la instrumentación, dotando de personalidad a la entrega. A través de este sencillo, el artista traza un recorrido honesto por el desamor, el autodescubrimiento y la renovación personal. Sin recurrir a artificios desmedidos, Fine Line confirma la solidez de esta nueva etapa creativa en la trayectoria de Simon Choquette.


El pulso crudo y visceral de COXENUEBO en su EP COXENUEBO

El pulso crudo y visceral de COXENUEBO en su EP COXENUEBO

Radicados en Granada, COXENUEBO es un trío integrado por el mexicano Santiago y sus colegas andaluces de Motril y Córdoba. Concebido como un colectivo alter ego para distanciarse del sonido más contenido de sus proyectos de origen (IZETA, Apartamentos Acapulco y Radio Palmer), el grupo nace del deseo compartido de tocar canciones afiladas cargadas de fuzz y garage. Su EP debut graba la ejecución íntegramente en vivo para capturar la fidelidad rítmica y la energía directa de un power trío esencial.

La entrega abre con ordenador, un corte de punk-rock sostenido por una lírica alocada e imprevista que desemboca en un coro muy pegajoso. La pista resulta ideal para los entusiastas del rock rústico, apoyándose en una interpretación vocal que se inclina más por la declamación recitada que por el canto tradicional. Esta elección estilística aporta un carácter crudo que establece de inmediato la dirección estética y la solidez instrumental de todo el proyecto.



El recorrido continúa con pastilla naranja, una pieza que eleva la agresividad sonora respecto al tema de apertura. La canción enfatiza un enfoque marcadamente rockero, impulsado por un punteo de guitarra adictivo que guía el desarrollo de la estructura. Asimismo, la pista exhibe un dinamismo constante que acelera el pulso de la producción, demostrando la capacidad del conjunto para sostener la tensión rítmica sin perder la cohesión en el ensamble.

Por su parte, yoga maxa ofrece un matiz ligeramente más diferente pero firme dentro del terreno del rock. La composición mantiene la línea temática y desenfadada de las canciones previas, incorporando ganchos muy efectivos para mantener el interés del oyente. La interacción entre la base rítmica y los arreglos de guitarra confirma el cuidado con el que el trío equilibra la distorsión con la claridad en las estructuras de sus canciones.

El EP concluye con coxenuebo, el tema homónimo que da nombre tanto al disco como a la agrupación. Esta entrega final proyecta una energía superior a las pistas anteriores, conservando el espíritu rockero pero acompañándose de una letra con mayor cohesión narrativa. La intensidad de la interpretación colectiva reafirma el impacto de su formato en directo, cerrando el lanzamiento con una muestra sobria de rock visceral y directo al grano.


La atmósfera sutil de Asal Hazel en You’re out of it, Again!

La atmósfera sutil de Asal Hazel en You’re out of it, Again!

Nacida en Los Ángeles y marcada por sus raíces persas, la artista Asal Hazel transita entre paisajes sonoros de carácter onírico y texturas afiladas. Su propuesta fusiona influencias del shoegaze R&B, el soul alternativo y el indie psicodélico en una amalgama envolvente. Tras colaborar con figuras del sello Stones Throw como Mndsgn y Knxwledge, la creadora ha consolidado una trayectoria fundamentada en la experimentación. Su desarrollo artístico también incluye trabajos junto a nombres como Zacari y Pink Siifu, manteniendo una constante exploración estética.

Este recorrido encuentra continuidad en su más reciente producción discográfica titulada Blushing, donde la compositora profundiza en su identidad sonora. El álbum funciona como un espacio donde la intimidad y la atmósfera se difuminan de manera calculada y coherente. Lejos de buscar estridencias innecesarias, la instrumentación prioriza la contención y el equilibrio en cada uno de sus pasajes. De este modo, la estructura general del disco mantiene una línea sobria y bien articulada.



Dentro de este material destaca la canción You’re out of it, Again!, construida sobre un ritmo lento y pausado. La pieza entrelaza elementos de rock ligero, indie pop y dream pop dentro de un mismo entorno armónico. Su producción destaca por el rigor técnico, logrando que cada instrumento ocupe el lugar preciso sin saturar el resultado. Esta combinación instrumental genera una base sólida que sostiene el desarrollo completo del tema.

El apartado vocal sobresale por un trabajo minucioso que exhibe un timbre sumamente agradable y una técnica depurada. La voz se presenta con un matiz suave y airoso que se integra de manera armónica con la instrumentación del sencillo. Sin recurrir a artificios excesivos, la interpretación fluye con naturalidad a lo largo de toda la composición. Con esta entrega, Asal Hazel consolida una propuesta coherente dentro de la escena contemporánea.


El pulso dinámico de Ghost River Revival en Lotion (Greenskeepers Cover)

El pulso dinámico de Ghost River Revival en Lotion (Greenskeepers Cover)

La agrupación Ghost River Revival se consolida como una fuerza emergente dentro de la escena del rock actual. Su propuesta entrelaza una energía cruda con profundas raíces en el legendario legado musical de Muscle Shoals. El proyecto no solo se inspira en la historia, sino que forma parte activa de ella. Sus integrantes han colaborado con figuras icónicas, ganadores del Grammy y creadores de éxitos globales.

Esta experiencia previa permite a la banda entregar un sonido que resulta tanto fresco como atemporal. Su música se alimenta de melodías con alma, riffs electrizantes y una sección rítmica con un gran sentido del ritmo. De esta manera, el conjunto traza su propio camino mientras proyecta la esencia tradicional hacia el futuro. La solidez instrumental se mantiene como el eje central de su identidad artística.



En esa misma línea de constante exploración se enmarca Lotion (Greenskeepers Cover). La pieza destaca por ofrecer una atmósfera rica y divertida que envuelve al oyente con naturalidad. Su ritmo dinámico define un estilo rock-pop moderno y juguetón que logra enganchar desde los primeros compases. La producción equilibra los elementos instrumentales sin perder la espontaneidad que caracteriza la ejecución del grupo.

A este engranaje rítmico se suma una parte vocal que aporta una enorme personalidad a toda la pista. La interpretación vocal guía el desarrollo del tema con una presencia clara y definida. Lejos de buscar artificios complejos, la composición demuestra la efectividad de una estructura directa y bien ejecutada. Con esta entrega, Ghost River Revival confirma su capacidad para renovar códigos clásicos con solvencia.


Running Out: El equilibrio rítmico y reconfortante de The Elephant Green

Running Out: El equilibrio rítmico y reconfortante de The Elephant Green

Integrada por Thiago Pedalino, Lucas Martinez y Anselm Reed, la agrupación The Elephant Green busca recuperar el espíritu del rock and roll a través de un sonido cargado de potencia y melodía. En su propuesta conviven la actitud de Oasis, la brillantez pop de The Beatles y la energía de Teenage Fanclub. Con guitarras elevadas, ganchos contagiosos y estribillos memorables, la banda diseña canciones pensadas para cantarse desde la primera nota y transmitir la sensación de vivir un sueño.

Ese enfoque hacia un rock épico y atemporal posiciona al trío como una formación dispuesta a llevar su sonido hacia un siguiente nivel sin perder el equilibrio. Lejos de recargar la estructura de sus temas, los músicos concentran sus recursos en mantener una base melódica clara que conecte de inmediato con el oyente. La combinación de potentes arreglos y una ejecución limpia permite que sus composiciones fluyan con naturalidad dentro del terreno del pop y el rock contemporáneo.



En esa misma línea de sencillez y eficacia se presenta su sencillo Running Out, una pieza de rock ligero que destaca por su pulso accesible. La canción sostiene un ritmo constante que se ve enriquecido por ciertos giros rítmicos, volviendo la escucha atrapante sin mucho esfuerzo. El desarrollo del tema genera una sensación reconfortante que invita a disfrutar del trayecto y a tararear la melodía con agrado desde la primera escucha.

Sin caer en excesos ni en pretensiones desmedidas, la pista confirma la habilidad del grupo para construir pasajes sonoros que resultan cercanos y duraderos. Running Out logra condensar la fuerza instrumental y la vocación melódica que caracterizan al conjunto dentro de una propuesta muy disfrutable. Con esta entrega, The Elephant Green ofrece una muestra sobria de cómo el rock puede mantenerse vigente a través del cuidado en la composición.


El impulso lleno de vida de LaufKlang en Into The Sun

El impulso lleno de vida de LaufKlang en Into The Sun

Fundado por el compositor Udo Mainz, LaufKlang es un proyecto musical independiente procedente de Alemania que navega entre el indie pop, el guitar pop y el rock alternativo. Su propuesta conceptualiza la música y el acto de correr como dos vertientes de una misma necesidad fundamental: mantenerse en constante movimiento. A través de este enfoque, la iniciativa construye composiciones centradas en el desplazamiento, la libertad y las distancias cotidianas.

El sonido del proyecto se distingue por entrelazar guitarras brillantes, ritmos dinámicos y pasajes acústicos de mayor serenidad. Estas herramientas le permiten transformar escenas cotidianas, carreteras abiertas y nuevos comienzos en canciones de carácter estimulante con un matiz orgánico y humano. Sin caer en excesos de producción, la estructura de sus temas se apoya en ganchos melódicos muy definidos que guían la escucha.



Dentro de esta línea conceptual se enmarca Into The Sun, pieza que da nombre a su más reciente EP. La canción se presenta como una propuesta de rock ligero que destaca por mantener un tono alegre y marcadamente esperanzador durante su desarrollo. Su carácter accesible y digerible convierte al tema en una opción sumamente acorde para disfrutar en un día soleado de verano, sosteniendo una atmósfera luminosa.

Lejos de buscar artificios complejos, la pista demuestra que la sencillez bien ejecutada resulta plenamente efectiva para comunicar una idea. LaufKlang consigue plasmar esa sensación de avance continuo sin perder la calidez en el trayecto. Con este lanzamiento, el proyecto reafirma su identidad al ofrecer una entrega equilibrada que invita a continuar el camino con optimismo y claridad instrumental.


La esencia sobria de The October Effect cautiva en The Demon

La esencia sobria de The October Effect cautiva en The Demon

Formada en Weston-super-Mare, Somerset en dos mil veintitrés, la agrupación The October Effect combina pop reflexivo, soul e influencias de jazz con una composición atmosférica. El proyecto nació de la colaboración entre el guitarrista Laurence Collins y la cantante Cath Back, cuya trayectoria en teatro musical aporta profundidad al conjunto. La alineación se completa con el bajista Mike Gutsell, quien ha tocado junto a Collins desde la adolescencia.

Tras la receptividad alcanzada con su sencillo previo titulado Friday Is Mine, difundido en BBC Radio 6 Music por Don Letts y en diversas estaciones independientes, la banda consolidó su presencia radial. Su propuesta destaca por la cohesión entre sus integrantes y la claridad en la ejecución de cada instrumento. Esta interacción fluida refleja un trabajo constante de taller que le otorga identidad al proyecto dentro de la escena británica.



En este marco de producción se ubica la difusión de su sencillo titulado The Demon. La canción destaca porque conserva muy bien la esencia rock, asentada sobre un ritmo lento y pausado que le otorga una cadencia sobria y bien definida. La instrumentación avanza con serenidad, permitiendo que las líneas de guitarra y bajo interactúen con suficiente espacio sin recargar la mezcla en ningún momento.

El elemento principal de la composición radica en que este tempo pausado permite destacar la voz de la artista. Se trata de una voz controlada, muy limpia y con un tono ligeramente sensual que cautiva por su buena presencia e intencionalidad expresiva. La interpretación guía la melodía con aplomo, entregando un corte de notable elegancia. Con la llegada de The Demon, el grupo The October Effect afirma la solvencia de su propuesta.


Some Days Are Darker convierte el deseo en obsesión con “Memorize You”

Some Days Are Darker convierte el deseo en obsesión con “Memorize You”

Desde Nueva York, Some Days Are Darker continúa construyendo un universo sonoro donde la oscuridad, la intensidad emocional y una marcada sensibilidad cinematográfica conviven con el rock alternativo. El trío, formado por el exguitarrista de metalcore Lear Mason, Chris Martin y el productor y multiinstrumentista Robbie Williamson, presenta “Memorize You”, un nuevo sencillo que explora los límites cada vez más difusos entre el deseo, la fascinación y la obsesión.

Lejos de entender lo gótico como una estética anclada exclusivamente en los años 80, Some Days Are Darker demuestra que el género todavía puede encontrar nuevas formas de expresión en el siglo XXI. Su propuesta combina guitarras, sintetizadores y atmósferas sombrías con una sensibilidad cercana al cine noir, creando canciones que pueden sentirse tan íntimas como expansivas.



En “Memorize You”, esa identidad aparece desde los primeros compases. La canción se mueve sobre un pulso inquieto mientras las texturas sintéticas y los elementos de rock alternativo construyen una atmósfera densa y envolvente. La interpretación vocal mantiene la emoción en primer plano, como si estuviéramos escuchando una confesión que poco a poco comienza a perder el control.

El corazón de la canción está precisamente en esa transformación. Lo que comienza como una expresión íntima de deseo va adquiriendo una dimensión mucho más intensa, hasta convertir la fascinación por otra persona en algo difícil de contener. El título, “Memorize You”, resume esa necesidad de retener cada detalle, de hacer que alguien permanezca en la memoria incluso cuando el deseo empieza a acercarse peligrosamente a la desesperación.

Musicalmente, el trío juega con la tensión entre contención y desbordamiento. Los sintetizadores aportan movimiento y una sensación hipnótica, mientras que la base rock mantiene la canción firmemente anclada en un terreno físico y visceral. En lugar de revelar toda su fuerza desde el comienzo, el tema permite que la tensión crezca gradualmente hasta desembocar en un momento final más amplio, poderoso y abrumador.

El resultado es una pieza que no busca simplemente sonar oscura, sino convertir esa oscuridad en una experiencia emocional. Hay vulnerabilidad, deseo y fascinación, pero también una sensación de peligro latente: esa línea en


La cadencia nostálgica de Twin Temple renace en Doomed Lovers

La cadencia nostálgica de Twin Temple renace en Doomed Lovers

El dúo integrado por Alexandra y Zachary James, conocidos artísticamente como Twin Temple, reaparece en este espacio como viejos amigos de nuestro blog. La formación se ha caracterizado por fusionar el rock and roll clásico de las décadas de 1950 y 1960 con una marcada estética teatral y subversiva. A través de sus canciones, el grupo aborda temáticas de empoderamiento, rebelión e individualismo, consolidando un proyecto que ha generado una fiel audiencia internacional.

Su trabajo sonoro sostiene una devoción constante por las raíces clásicas de la música norteamericana, manteniéndose al margen de las modas efímeras. La conjunción entre elementos teatrales y arreglos instrumentales de época brinda un perfil definido a sus actuaciones en directo. La firmeza con la que abordan su oficio confirma que la impredecibilidad continúa siendo el pilar central sobre el cual edifican cada una de sus entregas en el estudio.



En esta oportunidad, la agrupación presenta su corte reciente titulado Doomed Lovers. La pista se despliega dentro de una atmósfera hermosa que se apoya en una estructura de rock-pop ligero romántico lento. La instrumentación avanza con serenidad a través de un pulso pausado y constante, manteniendo una producción clara que sostiene la arquitectura del tema con soltura y equilibrio estético de principio a fin.

El elemento principal de la pieza reside en la parte vocal, destacando la voz de la artista con un tono suave, controlado y limpio que se funde muy bien con el estilo de la canción. Esta sobria interpretación evoca la elegancia de los éxitos románticos retro, manteniendo la coherencia narrativa que distingue al ensamble. Con el lanzamiento de Doomed Lovers, los integrantes de Twin Temple entregan una obra madura dentro de su catálogo.