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‘Hard’: Cuando la suavidad francesa de “Vendredi sur Mer” se encuentra con el filo californiano

‘Hard’: Cuando la suavidad francesa de “Vendredi sur Mer” se encuentra con el filo californiano

“Hard” es el nombre de la nueva colaboración entre Vendredi sur Mer, el cautivador proyecto musical de la suiza Charline, y el talentoso Hanni El Khatib, uno de los iconos del rock garage californiano de los años 2010. Este tema marca un hito importante en la carrera de Vendredi sur Mer, ya que es su primer sencillo dirigido específicamente a territorios de habla inglesa, ampliando su alcance internacional con una propuesta cargada de emoción, nostalgia y una potente energía pop.

La canción es una balada de ruptura romántica en la que Charline y Hanni El Khatib se sumergen en un diálogo melódico sobre el dolor y la resiliencia que siguen a una relación fallida. La letra, que explora el sufrimiento de una separación, se ve complementada por las voces contrastantes de ambos artistas, creando una atmósfera de vulnerabilidad e intensidad emocional. Mientras que Charline aporta su característico tono suave y sensual, Hanni El Khatib introduce su estilo áspero y crudo, creando una dinámica interesante y cargada de electricidad.



El tema ha sido producido por Sam Tiba, un productor y exmiembro de Club Cheval, conocido por su trabajo con artistas del rap francés como Zola, Georgio y 13 Block. La producción de “Hard” se aleja un poco del sonido más etéreo y nostálgico que Vendredi sur Mer había mostrado anteriormente, adentrándose en un territorio más audaz y moderno, que mezcla la elegancia de la chanson francesa con la audacia del pop de los 80. La base electrónica y los sintetizadores retro dan paso a una canción más contundente, que mantiene la esencia introspectiva de Vendredi sur Mer pero con un giro más enérgico.

Este lanzamiento llega tras el éxito global de sus proyectos anteriores, como “Premiers Émois” y “Métamorphose” que consolidaron a Vendredi sur Mer como una de las voces más destacadas del pop alternativo contemporáneo.

El videoclip que acompaña a la canción, dirigido por Alice Kong, continúa con la estética visual cinematográfica que caracteriza al proyecto, con imágenes llenas de belleza enigmática y sensualidad, que complementan perfectamente la atmósfera de la canción.


Josephine Odhil: El Arte de Crear Sonidos y Visiones Surrealistas

Josephine Odhil: El Arte de Crear Sonidos y Visiones Surrealistas

Josephine Odhil es una artista de Ámsterdam con un enfoque multidisciplinario, combinando música y arte visual para crear un universo que invita a la introspección de lo más oscuro del ser humano. Su obra se mueve en las fronteras de la música alternativa, el pop experimental y el arte conceptual, lo que la convierte en una de las creadoras más interesantes de la escena contemporánea.

Lo que hace tan especial a Josephine Odhil es su capacidad para fusionar distintos medios artísticos en un solo concepto. No solo compone y canta, sino que también se encarga de crear el arte visual que acompaña a su música, dando vida a un universo coherente que abarca tanto lo sonoro como lo visual. Su música está impregnada de sonidos inquietantes, sintetizadores vibrantes y melodías susurradas que transportan al oyente a un mundo surrealista, lleno de simbolismos y capas de significado.

La inspiración de Josephine proviene de una variedad de fuentes, pero especialmente de su exploración del mal a través de la literatura y el cine, lo que le permite adentrarse en las sombras de la psique humana. Durante un año, se sumergió en el estudio de estas temáticas, lo que se traduce en una música que habla de la desensibilización de la sociedad, los aspectos oscuros de la humanidad y la fascinación por lo macabro. Esta exploración se ve reflejada en sus letras, que están cargadas de simbolismos y referencias ocultas, esperando ser descubiertas por oyentes que comparten una mentalidad similar.



“Ennui” es solo una muestra de lo que está por venir. Con su primer álbum Volatile la artista continúa desarrollando su visión musical y estética, y su próximo álbum promete ser una exploración aún más profunda de sus inquietudes creativas. Este nuevo capítulo también marca una transición para Josephine Odhil como artista solista, después de haber brillado junto a su banda anterior, The Mysterons, en escenarios de renombre como Lowlands, Transmusicales y Into The Great Wide Open.

Su estilo combina el surrealismo, el realismo mágico, la esoterismo y el futurismo, creando una propuesta que va más allá de las convenciones del pop. Influenciada por grupos como Broadcast, Unloved y Vanishing Twin, así como por las narradoras líricas como Kate Bush, su música se define como Surrealist Artpop, un término que refleja tanto la profundidad de su propuesta como la riqueza de sus contenidos conceptuales.


“If U Know U Know”: El Himno de Libertad y Camaradería de Cari Cari

“If U Know U Know”: El Himno de Libertad y Camaradería de Cari Cari

Cari Cari es un dúo austriaco de indie rock que fusiona elementos de indie rock, folk y psicodelia. Compuesto por Stephanie Widmer (voz, batería y didgeridoo) y Alexander Köck (voz, guitarras), el grupo ha ido construyendo, paso a paso, su propio universo musical que ha conquistado tanto a la audiencia europea como internacional. Con un estilo que puede compararse con artistas como The Kills, The xx, Fleetwood Mac y Jungle, Cari Cari ha conseguido marcar poco a poco un sonido propio.

La historia de Cari Cari comenzó en varias ciudades de Europa antes de establecerse finalmente en Viena. En sus primeros años, el dúo vivió en Londres, Hamburgo y Madrid, lo que les permitió absorber diversas influencias musicales y culturales que enriquecieron su sonido. En 2018, lanzaron su primer álbum “Anaana”, un trabajo que fue altamente apreciado por la crítica por su audacia y frescura. El álbum presentó un enfoque innovador, destacándose por la combinación de sonidos acústicos y electrónicos, y por su capacidad para mezclar géneros de forma fluida.



El 22 de noviembre de 2023, Cari Cari presentó su nuevo sencillo “If U Know U Know”, que rápidamente se convirtió en uno de los favoritos de sus seguidores. La canción fusiona influencias de indie rock, indie pop y downtempo, creando una atmósfera suave, cálida y envolvente que invita a la introspección y al viaje. Con guitarras relajadas y un ritmo suave, la canción transporta al oyente a un estado de calma mientras transmite un mensaje de resiliencia, camaradería y pasión por la aventura.

“If U Know U Know” habla de la importancia de los lazos humanos y la fortaleza que se encuentra en la unidad, un tema recurrente en la música de Cari Cari.


Emily’s Dance” y Más: Roller Derby Conquista con su Sonido Místico

Emily’s Dance” y Más: Roller Derby Conquista con su Sonido Místico

Roller Derby, el dúo de dream pop originario de Hamburgo, ha logrado conquistar el panorama musical europeo con su estilo que fusiona la nostalgia de los años 80 con un sonido lleno de atmósferas etéreas.

El sonido de Roller Derby es fácilmente reconocible por su mezcla perfecta de guitarras suaves y sintetizadores brillantes, envueltos en las dulces y etéreas voces de Meyer. Sus influencias son variadas y abarcan desde la música de los años 60 y 80 hasta artistas más actuales como Angel Olsen, Alvvays o Beach House. La combinación de estos elementos crea un paisaje sonoro que es tanto nostálgico como fresco, evocando un sentimiento de anhelo y esperanza a través de cada acorde.

Las composiciones del dúo están marcadas por un equilibrio sutil entre la melancolía y la vitalidad. En sus canciones, la nostalgia se encuentra con la modernidad, creando un sonido único que atrae tanto a los amantes del dream pop como a los que buscan algo más experimental dentro de la música indie.



Después de varios sencillos que han demostrado su talento y creatividad, Roller Derby finalmente anunciará su esperado álbum debut, When The Night Comes, que se lanzará el 28 de febrero de 2025. Este álbum ha sido producido por Moses Schneider, conocido por su trabajo con bandas como Pixies y Tocotronic, y promete ser un hito en la carrera del dúo.

El álbum incluirá canciones que exploran temáticas de cambio, aceptación y la constante búsqueda de la belleza en medio del caos. Temas como “Dreams”, “Silver Jet” y “Ready to Forget” ya han mostrado una evolución en su sonido, fusionando más elementos de indie pop con toques de rock alternativo y sintéticos. Cada lanzamiento es un paso más hacia una propuesta musical cada vez más madura y envolvente.

El trabajo visual de Roller Derby complementa perfectamente su música. Sus videoclips, como el de “Emily’s Dance” (2024), creado por el animador Johannes Walenta, son una extensión de su universo sonoro. El video para “Emily’s Dance” ofrece una representación visual de la canción, mostrando el contraste entre la seguridad de un espacio íntimo y la inmensidad del universo.

Con el lanzamiento de When The Night Comes a la vista, Roller Derby continúa ganando atención en todo el mundo. En 2025, la banda se embarcará en su primera gira por el Reino Unido en mayo, lo que les permitirá acercarse aún más a sus seguidores internacionales.


Mim Jensen y la Fuerza de Ser Uno Mismo: Un Nuevo Sencillo para Reflexionar

Mim Jensen y la Fuerza de Ser Uno Mismo: Un Nuevo Sencillo para Reflexionar

Desde sus inicios, Mim Jensen sorprendio con su primer EP, Emotional Affair, obra en la que explora el dolor de la ruptura, asi como captura la intensidad de la autoexploración y la vulnerabilidad, dos temas recurrentes en su música. Canciones como “Germaphobe”, que rápidamente se viralizó y alcanzó más de un millón de reproducciones, demostraron que Jensen tiene una habilidad especial para tocar las fibras más sensibles de su audiencia.

Con su nuevo sencillo “Same Blood”, Jensen da un paso más en su evolución artística. Este tema, que forma parte de su próximo EP Shadow of the Gift, refleja su constante exploración de las complejidades emocionales que enfrentan las personas al buscar su lugar en el mundo. La canción es una reflexión sobre la desconexión y la incomprensión, especialmente dentro de los lazos familiares, temas universales que resonarán en muchos oyentes.



“We may have the same blood, but that won’t make a difference to me now” es una de las líneas más potentes de la canción, que resume el sentimiento de alienación y frustración de quienes, a pesar de compartir vínculos sanguíneos, no encuentran el apoyo ni la comprensión que necesitan. La suavidad de la guitarra acústica, combinada con la cálida y apasionada voz de Jensen, crea una atmósfera introspectiva que invita a reflexionar sobre las relaciones y la identidad.

Con una producción dinámica y una capacidad para tocar temas profundos de manera accesible, Mim continúa demostrando que su música tiene la capacidad de sanar, cuestionar y desafiar las expectativas.


Fake Dad: El Dúo Indie que Rompe Barreras con Sus Personajes Reinventados

Fake Dad: El Dúo Indie que Rompe Barreras con Sus Personajes Reinventados

Fake Dad es un dúo de rock indie con toques de dream pop originario de Los Ángeles, formado por Andrea de Varona y Josh Ford. Desde su formación en 2020, cuando se conocieron en una fiesta universitaria en el East Village de Nueva York, este par de artistas ha cultivado un sonido único que fusiona el rock alternativo de los 90, con sintetizadores vibrantes y una energía fresca.

Sus composiciones, que nacen en su apartamento, capturan momentos expansivos y vulnerables, explorando emociones a través de letras introspectivas y sonidos envolventes.

En el último año, Fake Dad se ha adentrado en un tema fascinante: los “posers” de la música rock. ¿Qué sucede cuando un artista se presenta al mundo bajo una identidad construida, a veces ficticia? Para Andrea y Josh, la idea de jugar con personajes y alter egos es fundamental en la historia del rock. Artistas como PJ Harvey, Tina Turner, Stevie Nicks, David Bowie y LCD Soundsystem han usado la creación de una imagen poderosa y reinventada para transmitir verdades sobre ellos mismos y cuestionar las expectativas de la sociedad. En ese sentido, Fake Dad ha adoptado esta misma filosofía, sumergiéndose en la libertad de escribir música a través de la lente de un personaje, lo que les ha permitido explorar más profundamente su identidad y sus experiencias.



El EP que próximamente lanzarán, titulado Holly Wholesome and the Slut Machine, se sumerge en este concepto de personajes y mundos inventados. A lo largo de este proyecto, Andrea y Josh crean un universo imaginario poblado por payasos enfadados que friegan hamburguesas, caballeros enamorados y demonios de parálisis del sueño enmascarados. Sin embargo, detrás de estos personajes surrealistas, los miembros de Fake Dad están desentrañando aspectos muy reales de sus vidas, explorando temas como sus identidades y sexualidades dentro de su relación romántica y la vida cotidiana.

Uno de los sencillos más destacados de este EP es “ON/OFF”, una pieza de grunge que destila rabia contenida y frustración sexual. En la canción, de Varona describe la experiencia de sentirse emocionalmente abrumada y sobreestimulada, atravesando un momento de agotamiento, con versos que reflejan esa sensación de estar atrapada en un ciclo de cansancio y desconexión. La canción se sumerge en el estrés moderno de la sobrecarga de información y la ansiedad derivada de las pantallas, el scrolling infinito y las notificaciones constantes, y pide un respiro, un apagón temporal para poder “encender” nuevamente la conexión emocional con uno mismo.

Andrea explica que “ON/OFF” nació en un momento en el que no podía salir de la cama ni dejar su apartamento.

“El tiempo realmente se derrite. Cuando ignoras tus sentimientos por tanto tiempo, te conviertes en alguien abrumado y desconectado de ellos: tanto insensible como sobreactivado”, comenta.

La canción es una súplica por volver a sentir, por recuperar el control y desconectarse de un mundo saturado de estímulos constantes.

El proyecto Holly Wholesome and the Slut Machine es solo el comienzo de una nueva era para Fake Dad, un momento de reinvención artística que promete llevarlos a nuevas alturas.


Evocapop al Desnudo: R E L y la Belleza del Dolor en su Música

Evocapop al Desnudo: R E L y la Belleza del Dolor en su Música

La cantante y compositora estadounidense R E L, con un estilo emocionalmente cargado, ha logrado captar la atención del público con música introspectiva. Con una mezcla de indie pop, dream pop y un toque de lo que ella misma define como evocapop, R E L ha logrado crear un espacio sonoro en el que sus canciones son mucho más que simples melodías. Son relatos emocionales que exploran la vulnerabilidad, el amor, el desamor y el proceso de sanación.

Desde sus inicios, R E L fusiona elementos del pop convencional con una carga emocional tan intensa que hace de cada canción una experiencia casi terapéutica. En su propio trabajo, ha hablado de cómo su música busca evocar sentimientos genuinos, tocando fibras sensibles y llevando a los oyentes a un lugar donde pueden reflexionar sobre sus propias experiencias.



El reciente lanzamiento de “Medicine”, su más reciente sencillo, R E L perfecciona su capacidad para crear una atmósfera envolvente y llena de emoción. La canción explora la experiencia dolorosa de ver a alguien desvanecerse lentamente, tanto en el amor como en la vida, con una letra que invita a la reflexión sobre los momentos en los que uno se enfrenta a la pérdida sin querer aceptar su inevitabilidad.

Con una producción indie pop que se desarrolla suavemente, “Medicine” es un viaje emocional donde las guitarras suaves y las baterías sutiles acompañan una interpretación vocal llena de intensidad y vulnerabilidad. En sus letras, R E L canta sobre “tragarse la medicina de la vida”, una metáfora poderosa que transmite la dolorosa realidad de la superación personal a través del sufrimiento.

A medida que la canción avanza, la música se intensifica, complementando la narración emocional, mientras las armonías y las melodías crean un contraste entre la belleza del sonido y la amargura de la experiencia. Es un tema que, aunque envuelto en melancolía, invita al oyente a abrazar las emociones complejas que surgen al enfrentar la fragilidad de las relaciones humanas.


Con ‘Imperfections’, Izza desafía los estándares de belleza y celebra el amor propio

Con ‘Imperfections’, Izza desafía los estándares de belleza y celebra el amor propio

Nacida y criada en Los Ángeles, Izza es una cantante, compositora y productora de pop que ha conquistado al público con melodías electrizantes y letras empoderadoras, Izza se ha ganado el título de “la superestrella de la generación digital”, según Genius.

Con su humor irreverente y su enfoque sin miedo, ha logrado inspirar a mujeres de todo el mundo. Sus publicaciones, cargadas de creatividad, generan una gran interacción, convirtiéndola en una figura influyente en el mundo digital. Izza se ha convertido en un referente para quienes buscan romper con los moldes establecidos y ser fieles a sí mismos, sin importar lo que los demás piensen.

Uno de los pilares de su música es la celebración del amor propio y la normalización de la vulnerabilidad. En sus canciones, Izza explora temas como la confianza y la autoaceptación siempre con un toque de energía positiva y esperanza.



Con su EP Because I’m Blonde, Izza ha profundizado en su identidad como mujer rubia en un mundo lleno de estereotipos. A través de canciones como “Imperfections”, aborda las presiones sociales sobre la belleza y celebra el poder del amor propio, todo mientras explora su propia relación con su apariencia. Como ella misma dice, “escribir y producir este EP me ha enseñado a celebrar mi rubio y usarlo como una fortaleza”, transmitiendo un mensaje claro de empoderamiento.

“Imperfections” destaca por su mezcla de emociones crudas y sonidos delicados, donde la voz de Izza brilla con una vulnerabilidad que transmite una conexión genuina con su público. La canción está impregnada de una atmósfera íntima, en la que los sintetizadores y la melodía del piano se entrelazan de manera armoniosa, creando una sensación de calidez que refleja perfectamente la temática del tema: el amor propio y la aceptación de quienes somos, tal como somos.