Bruklin, una artista nacida en Albania y radicada en Nueva York, quien su pasión por el entretenimiento comenzó desde muy joven, cuando a los 11 años ya estaba actuando en televisión para grandes marcas, mostrando su talento y presencia en el escenario.
Su sencillo debut, “Stay Friends”, mostró sus poderosas vocales y letras profundas, mientras que el videoclip de “Magic Show” consolidó aún más su presencia en el mundo del pop. En sus propias palabras, Bruklin dice: “La música reúne a las personas y cuenta historias que las palabras solas no pueden contar.” Esta declaración refleja perfectamente la esencia de su arte, que busca conectar con la audiencia de manera genuina y profunda. Su capacidad para transmitir emociones a través de sus canciones ha sido clave en su éxito hasta ahora.
Recientemente, Bruklin lanzó su nuevo sencillo acústico, “Good Cry (Acoustic)”, un tema que muestra una faceta más íntima y vulnerable de la artista. La canción, lanzada el 28 de febrero de 2025, es una poderosa exploración de la belleza cruda del desamor. Con una producción minimalista y una interpretación vocal cargada de emoción, “Good Cry (Acoustic)” se convierte en una balada que invita a la reflexión y al llanto liberador. La frase “I’m overdue for a really good cry” (Estoy atrasada para una buena llorada) resume perfectamente la esencia de la canción: una catarsis emocional que muchos de sus oyentes reconocerán y abrazarán.
Este lanzamiento demuestra la versatilidad de Bruklin como artista, capaz de moverse de un sonido pop vibrante a una interpretación acústica que resalta su capacidad vocal. La canción es perfecta para playlists de pop acústico, música de sanación y momentos de introspección. “Good Cry (Acoustic)” es un recordatorio de que la música tiene el poder de sanar, de permitirnos procesar nuestras emociones más profundas y de encontrar consuelo en la vulnerabilidad.
Tripulante, el proyecto liderado por el compositor y productor musical barcelonés Vicen Martínez, continúa su senda artística con la presentación de Decírtelo, el segundo adelanto de su nuevo álbum. Tras el lanzamiento de Un Acto de Fe, este nuevo sencillo marca un paso firme en la evolución del músico, mostrando su capacidad para moverse entre estilos sin perder su esencia única.
Con una carrera que abarca desde el indie folk de su primer EP El Brillo de la Ciudad, hasta los matices electrónicos y experimentales de su más reciente trabajo, Vicen ha conseguido cultivar una propuesta sonora que ha cautivado a su audiencia, tanto a nivel nacional como internacional.
El concepto detrás de Tripulante es claro: un viaje musical que no tiene miedo de explorar nuevos territorios mientras mantiene su identidad intacta. Desde sus inicios, cuando grababa y producía en su propio home studio, hasta la actual fase de producción más sofisticada en GuitarRec Estudio en Barcelona, Vicen ha seguido demostrando una habilidad única para conectar con su audiencia a través de su música. Cada uno de sus lanzamientos refleja una evolución tanto personal como profesional.
Decírtelo es el último capítulo en la evolución de Tripulante y, a su vez, un reflejo de su capacidad para adaptarse a nuevas sonoridades sin perder lo que lo hace especial. Este tema retoma la esencia electrónica que ya se exploró en su anterior EP, Buscando el Límite, pero con una propuesta más madura y refinada.
El sencillo nos transporta a una atmósfera envolvente desde el primer segundo, con una instrumentación rica en capas sintetizadas y una base rítmica que recuerda al sonido indie pop electrónico de bandas como Tame Impala o Phoenix. Sin embargo, es la voz de Vicen Martínez la que realmente destaca, con su característico tono íntimo e introspectivo, que actúa como un hilo conductor entre este y el anterior adelanto. El estribillo de Decírtelo es épico, un momento catártico en el que las melodías se entrelazan y el tema alcanza su máxima expresión.
Al igual que en sus trabajos anteriores, Vicen Martínez ha asumido un rol multifacético en la creación de Decírtelo. El tema fue grabado, producido y mezclado por el propio Vicen en GuitarRec Estudio, el espacio que ha servido de centro creativo para su música en los últimos años. El trabajo de producción es detallado y meticuloso, con una atención especial a las texturas electrónicas y las capas sonoras que enriquecen la atmósfera del tema.
She’s Not Me se presenta como una propuesta sonora que atrapa desde el primer instante gracias a su producción pulida y un ritmo adictivo. La canción fusiona influencias del pop y el indie pop con un toque sutilmente sexy, logrado por una voz que irradia naturalidad y control. Su atmósfera, cuidadosamente construida, invita a un viaje emocional sin resultar pretenciosa. El tema se configura como un reflejo de las contradicciones de un corazón que lucha por mantener su autenticidad.
La composición de She’s Not Me destaca por sus ganchos memorables y una instrumentación variada que combina sintetizadores coloridos, guitarras envolventes y un coro pegajoso. Aunque la letra narra la compleja dinámica de un amor no correspondido en medio de un triángulo sentimental, el instrumental ofrece una ligereza que suaviza el trasfondo melancólico. Esta dualidad, casi como un diario musical, crea un contraste interesante entre el tono oscuro de la narrativa y la calidez del acompañamiento. Cada cambio rítmico se siente orgánico, consolidando la identidad del tema
Cameron Sage From emerge como una joven promesa del pop, oriunda de Toronto y actualmente radicada en Los Ángeles. Con apenas 18 años, ha mostrado desde temprana edad una conexión innata con la música, participando en coros infantiles y asumiendo roles protagónicos en producciones teatrales. Su incursión en la composición y producción de sus propias canciones ha sido reconocida por críticos y oyentes, acumulando notables reproducciones en poco tiempo. La autenticidad en sus letras y la naturalidad de su voz le han permitido conectar de manera directa con el público, posicionándola como una artista a seguir.
En definitiva, She’s Not Me se erige como un testimonio de la capacidad de Cameron Sage From para transformar emociones complejas en un relato musical accesible y cautivador. Producida por el talentoso Josh Frigo, la canción logra equilibrar una instrumentación vibrante con una lírica introspectiva sobre el amor y la desilusión. Este sencillo se suma a un catálogo emergente que promete explorar los matices de la vida y las relaciones. Así, la propuesta invita a redescubrir la belleza de la vulnerabilidad y la fuerza que se esconde en cada experiencia personal.
The Two Romans se presentan como una bocanada de aire fresco, una banda que sabe cómo convertir los momentos difíciles en poderosas melodías que nos impulsan hacia adelante. Formada por los hermanos Mattia y Samuele Zanella, junto a una alineación de talentosos músicos, esta banda internacional, con raíces en Roma, Italia, y una fuerte conexión con Suiza y Alemania, ha logrado conquistar los escenarios europeos con su estilo único y su sonido vibrante.
La historia de The Two Romans comienza en 2015, cuando los hermanos Zanella deciden unir fuerzas para formar su primera banda. Ambos habían tenido experiencias musicales previas, pero fue en ese momento cuando comenzaron a definir su propio camino. Inspirados por grandes bandas como Gang of Youths y Nothing But Thieves, lograron crear una propuesta sonora que fusiona rock alternativo, pop rock y elementos electrónicos, creando un sonido fresco y moderno que rápidamente los posicionó en la escena musical.
El sonido de The Two Romans es una mezcla de melodías pegajosas, guitarras vibrantes y un piano lleno de energía que, junto con sus producciones electrónicas, crea una atmósfera que atrapa a los oyentes desde el primer acorde.
La canción “Like It Like This” con un ritmo contagioso y un coro que se queda en la cabeza, la banda nos invita a ver la vida como una serie de contrastes: no hay altos sin bajos. Así, nos animan a abrazar las dificultades en lugar de temerlas, recordándonos que las experiencias difíciles también son una parte vital de nuestro crecimiento personal.
A lo largo de su carrera, The Two Romans han realizado más de 150 conciertos en Europa, participando en festivales de renombre como el Montreux Jazz Festival y el Gurten Festival. Su enérgico y emocionante estilo en el escenario les ha permitido ganar una base de seguidores leales y seguir creciendo como banda.
Maria Mortiz con tan solo 26 años, esta cantante y compositora mexicana ha logrado destacarse por su capacidad para fusionar elementos del pop moderno con ritmos latinos tradicionales, creando un sonido que ha cautivado a su audiencia. Nacida y criada en la Ciudad de México, Maria comenzó a ser conocida en 2014 con un video viral titulado Pinches Holandeses, el cual la posicionó como una figura fresca y con una propuesta genuina dentro del panorama musical. Sin embargo, su carrera dio un giro aún más significativo en 2021, cuando firmó con el sello independiente Anchor Music Company y comenzó su relación profesional con el productor Rob Jimenez.
Su debut musical, el álbum Déjame Preguntarte, es un claro reflejo de su evolución como artista. Con un enfoque en la narrativa personal, Maria no solo se presenta como cantante, sino también como una narradora que logra transmitir sus emociones y vivencias a través de cada nota y palabra. Las canciones del álbum exploran temas universales como el amor, la pérdida y la autodescubrimiento, invitando al oyente a adentrarse en su mundo interior.
La producción de Déjame Preguntarte estuvo a cargo de Rob Jimenez, un productor mexicano-estadounidense conocido por su trabajo con artistas de renombre. Además, la colaboración con Leandro Alvarez, un productor argentino ganador de dos premios Grammy, le dio al álbum una sonoridad refinada y profesional. El disco fue grabado en los estudios La Bestia y Estudio 13 en la Ciudad de México, y fue mezclado por Rob Jimenez en Los Angeles, California, en los estudios Orangewood. La combinación de estos talentos y lugares resultó en un producto de calidad excepcional, lo que permite que la voz de Maria y sus letras resuenen de manera profunda y clara.
El Track x Track de Déjame Preguntarte
Asi
Abriendo el disco, “Asi” nos cautiva con un sonido inspirado en el sonido latino como el bolero e instrumentos de madera, la voz de Maria, toma un protagonismo sobrio e hipnotizador, mientras las claves nos transportan a una atmosfera
Bonita
El disco continua y nos va presentando como elementos recurrentes este estilo de percusion latina contrastada con la voz joven de Mortiz que le da un aire de frescura al estilo a la vez que mantiene las raices de donde se inspira la cantante Méxicana. Con una letra muy bien trabajada logra atrapar al otyente en una sensación casual a la vez que nos presenta toda una herencia de generos y sonidos de antaño, que nos podrian recordar a artistas como Natalia Lafourcade o Daniel, Me Estas Matando.
Vampiro
Si bien el titulo en primera instancia nos llama la atención por el contraste del sonido latino con el termino “Vampiro”, la cantautora nos sorprende tomando esta figura mitica y anglosajona como una metafora de un ser amado qyue le ha robado todo, combinando este sonido recurrente del disco y un vidoe sumamente atrapante, la propuesta cada vez se ve mas solida en como va pasando cada track del disco.
Te vas
Una de las canciones más destacadas del álbum es Te Vas, una pieza que fusiona el alt pop con toques de bolero moderno. Con una estructura que resalta la combinación entre el piano y la voz de Maria, la canción se distingue por su enfoque minimalista, donde la suavidad de la batería y los detalles de percusión añaden una atmósfera emotiva. Te Vas captura la urgencia y el deseo en un enamoramiento apasionado, donde el protagonista se ve impulsado a vivir el momento sin pensar en las consecuencias. La letra transmite ese anhelo de estar cerca de alguien especial, creando una experiencia auditiva que toca el corazón de quienes la escuchan.
Contracorriente
Llegando a la mitad del disco “Contracorriente” se va por un camino un poco separado de los tracks anteriores, inspirado mas en genero como el Pop y el Folk, esta balada con Ukelele nos transporta a una lucha de amor, que funciona muy bien como un ligero respiro de aire fresco en el disco.
Quiero Saber
Quiero saber nos lleva al sabor de un ritmo mas tropical, mientras la constante de historias de desamor se vulve un sello distintivo de Maria Mortiz, manteniendo elementos sonoros de tracks anteriores la pista se vuelve una pista de baile que nos llevan a sonidos de artistas contemporaneos de Maria como Valeria Jasso.
Tortuga
Tortuga va entrando en la recta final del disco, con elementos de cierta manera mas “crudos” la canción nos sumergen en una vibra tropical a ritmo lento, que se disfruta y goza, la ejecución vocal esta muy bien llevada y demuestra la sensibilidad para interpretar historias personales hasta este tipo de historias mas eclecticas.
Brujo
Despues de varios tracks del disco, brujo continua esta linea “tropical” del albúm, teniendo ritmos bailables, maderas y una voz emotiva que nos llevan a historias personales, quizas a este punto para cerrar el disco nos hubiera gustado precindir de alguno de estos tracks bailables para darle un cierre mas diferente, sin mebagro como canción funciona muy bien y hasta ahora estas dos verticales de lo tropical y bolero conforman una propuesta muy solida por parte de Maria.
Quieres Tanto
Justo lo que veniamos buscando, “Quieres Tanto” salta de la vibra tropical a un sensación mas emotiva y que nos recuerda a piezas como “Cancion Mixteca”, que nos recuerdan la mexicanidad de la artista asi mismo la inspiración de toda una epoca dorada con cantantes como COnsuelito Vasquez.
Sirena y el Pescador
Cerrando el disco Maria nos presenta Sirena y el Pescador, retomando el bolero y elementos como las cuertas de nailon la canción nos cuenta una historia inspirada en estas dos figuras, un amor casi imposible con un ritmo bailable y emotivo.
Maria Mortiz ha logrado construir una identidad musical muy auténtica y propia. Cada canción que lanza es un reflejo de su alma, a través de su talento como compositora, ha logrado construir un repertorio que no solo atrae a quienes buscan música fresca y moderna, sino también a aquellos que disfrutan de una rica tradición musical latina.
El futuro de Maria Mortiz en la música latina parece ser prometedor. Con su habilidad para mezclar lo moderno y lo tradicional, así como su capacidad para crear melodías memorables y letras introspectivas, es probable que siga ganando terreno en la escena internacional. Si algo queda claro, es que Maria Mortiz es una de las artistas más destacadas de la nueva generación de música latina, y su lugar en la industria solo está comenzando.
YUDI nos invita a sumergirnos en su EP I like What I Like, un viaje musical que destila la transparencia y la emotividad del indie dream folk. Entre las seis canciones que lo componen, hemos seleccionado tres propuestas que destacan por su originalidad y sensibilidad: Cam, Tumbleweed y Ships. Este recorrido revela un enfoque íntimo y original.
Con Cam como puerta de entrada al EP, se presenta una canción de sonido atrevido que fusiona los matices del indie pop con tintes de tango y música folclórica. La producción, cuidadosamente elaborada, logra que cada ritmo y acorde se fundan de manera orgánica, mientras una voz suave y sensual acaricia la melodía con naturalidad. Esta propuesta no solo destaca por su audacia en la mezcla de géneros, sino también por la precisión que imprime en cada transición, invitando al oyente a abrirse a nuevas sensaciones.
En contraste, Tumbleweed nos ofrece un ritmo sencillo pero atrapante, capaz de inducir al movimiento y la danza. Con claras influencias del pop, la canción se apoya en una interpretación vocal delicada que se integra perfectamente con su estructura minimalista. El resultado es una pieza que, a través de su simplicidad, genera una energía contagiosa y un ambiente lúdico que se siente genuino y refrescante.
Finalmente, Ships cierra este trío de selecciones con un ritmo pausado y una instrumentación sobria que permiten resaltar la belleza de la voz de YUDI. La atmósfera creada es a la vez íntima y envolvente, logrando que la canción se convierta en un refugio de calma y reflexión. En conjunto, estas propuestas confirman la capacidad de YUDI para tejer paisajes sonoros que son a la vez personales y universales, consolidando su identidad única dentro del panorama indie.
En conclusión, el EP I like What I Like de YUDI se revela como un viaje sonoro lleno de matices y emociones que trasciende lo convencional. Las canciones analizadas, Cam, Tumbleweed y Ships, ofrecen ventanas únicas a un universo musical que fusiona audacia, sencillez y delicadeza, respectivamente. Cada tema se destaca por su producción y la capacidad de la artista para transmitir sentimientos de forma genuina y sin artificios. Esta propuesta no solo invita a redescubrir el encanto del indie dream folk, sino que también reafirma la autenticidad y originalidad de YUDI en cada canción.
La música tiene el poder de transportarnos a otros mundos, de hacernos revivir emociones y conectar con nuestra esencia. La Tirada, el nuevo álbum de Fernando del Rosario, fusiona arte, emociones y misticismo, en el cual nos sumerge en un viaje inspirado en el Tarot, el disco entrelaza nueve “arcanos” con nueve canciones, creando una experiencia espiritual.
Desde su infancia, Fernando ha encontrado en el arte un refugio y una forma de traducir sus emociones. La Tirada refleja esa sensibilidad a través de un recorrido introspectivo por la juventud: sus miedos, errores, amores y aprendizajes. Con una narrativa que recuerda la clásica historia del héroe, el álbum nos invita a una búsqueda de autoconocimiento, donde cada canción representa un capítulo de este viaje.
Fernando del Rosario rescata la esencia de la música romántica y la fusiona con un estilo alternativo y teatral. Influenciado por leyendas como José José y Jeff Buckley, La Tirada juega con sonidos clásicos y modernos, reviviendo el mito del showman. La combinación de letras poéticas y melodías envolventes convierte este disco en una obra que trasciende géneros y generaciones.
Uno de los puntos más altos es el sencillo homónimo, “La Tirada”. Esta canción, interpretada a dueto con Maya Tonatzin, revive el mito de las almas separadas al nacer. Con una atmósfera íntima y melancólica, la combinación de guitarras suaves y sintetizadores crea un ambiente nostálgico y etéreo. Las voces de Fernando y Maya se entrelazan con una emotividad palpable, transportando al oyente a esos amores que, aunque distantes, nunca se olvidan.
Antes de lanzar La Tirada, Fernando del Rosario se dio a conocer en el mundo del teatro musical con la adaptación y musicalización de Shangri-La, donde también participó como actor. Su paso por la televisión y la radio le permitió expandir su audiencia y afianzar su identidad artística. Este nuevo proyecto consolida su evolución como músico y narrador de historias, reafirmando su talento para plasmar sentimientos universales en canciones.
Azwel es un proyecto musical que ha estado evolucionando durante más de dos décadas, liderado por el compositor y productor Jason Perrillo. A lo largo de los años, el proyecto se ha adaptado manteniendo su esencia: una fusión de pop, rock melódico y britpop, todo ello aderezado con un toque ecléctico que lo hace destacar entre otros artistas independientes.
Jason Perrillo comenzó a grabar y producir música en su estudio en Nueva York hace más de 20 años. Desde entonces, ha lanzado una serie de álbumes de manera independiente. Perrillo describe su estilo como “pop/rock melódico y ecléctico”.
El sonido de Azwel a menudo ha sido comparado con el de artistas britpop/rock, gracias a su habilidad para fusionar influencias del pop clásico con una estructura más moderna. Pero lo que realmente distingue a Azwel es la capacidad de Jason para explorar nuevos sonidos en cada álbum, llevando su música a nuevas direcciones sin perder su identidad.
Los álbumes de la banda han incluido desde guitarras eléctricas y acústicas hasta pianos eléctricos, órganos y una variedad de instrumentos de viento y cuerdas. Esta riqueza sonora no solo ha atraído a una base de seguidores leales, sino que también ha recibido elogios de críticos y expertos en música.
A medida que la banda continúa creciendo y desarrollándose, Azwel sigue siendo un proyecto que se mantiene cercano a su audiencia. Muchos de los álbumes de la banda están disponibles para descarga gratuita en su sitio web oficial, permitiendo que los fans disfruten de su música sin barreras.
Dylan, antiguo miembro de Kids United Nouvelle Génération, se reinventa y da vida a su identidad musical bajo el nombre de NOVA. Tras su participación en The Voice Kids (temporada 4), NOVA emprende su camino en solitario.
Entre 2018 y 2021, Dylan brilló con Kids United Nouvelle Génération, conquistando grandes escenarios en dos giras por los Zéniths y Arenas de Francia. El viaje de NOVA comienza con INSOLENTE, un tema que rompe los esquemas de la música pop tradicional y marca su independencia creativa. Luego, con À BOUT DE SOUFFLE, un dúo donde mantiene su esencia distintiva en un formato más convencional, NOVA reafirma su visión artística. Y esto es solo el inicio, ya que tiene nuevos lanzamientos preparados para sorprender.
Desde temprana edad, NOVA ha generado controversia por su estética andrógina, pero al mismo tiempo ha construido una comunidad leal: los ALIENS. Más allá de la música, su propuesta es una experiencia sensorial completa, diseñada para despertar emociones intensas y genuinas a través de letras personales y originales.
El cantante y compositor australiano Jude York continúa como una de las voces más emocionantes y transformadoras del pop alternativo y el dance pop. Con su capacidad para fusionar una estética vintage con una sensibilidad moderna, Jude ha capturado la atención del público global.
Tras el éxito de temas como Monaco y Those Were the Days, Jude regresa con su nuevo sencillo, After the Opera. Esta canción, se sumerge en temas como el anhelo, la traición y la frágil búsqueda de la belleza en medio del caos emocional.
Acompañando el lanzamiento del sencillo, Jude York presenta un videoclip visualmente impactante que refuerza la historia de After the Opera. La pieza audiovisual que nos sumerge en el mundo de un artista que se encuentra en plena preparación para una actuación crucial. Entre intensos ensayos con sus bailarines, Bouba y Kiki, y una serie de imágenes simbólicas como un jarrón en forma de corazón que se rompe y una lluvia de confeti, el video representa la lucha interna y la vulnerabilidad del proceso creativo.
“Con After the Opera, quería explorar las dualidades del arte y la vida, los momentos de triunfo y vulnerabilidad que nos definen como creadores”, explica Jude York.
