Indie Rock

The Drive: La gasolina emocional del nuevo pop-rock californiano

The Drive: La gasolina emocional del nuevo pop-rock californiano

Desde un pequeño escenario en el sótano del pub familiar hasta festivales, The Drive ha recorrido un camino impulsado por la pasión, la disciplina y el deseo de dejar huella. Formado por los hermanos Danny (voz, teclados, guitarra) e Isaac (batería, teclados), este dúo de Los Ángeles ha convertido su vínculo fraternal y amor por la música en una propuesta propia dentro del pop-rock alternativo.

El nombre de la banda: The Drive representa ese motor interno que empuja a seguir adelante, incluso cuando las circunstancias son difíciles. Su lema podría extraerse directamente de su canción “Feeling”: “What’s the point of getting older, if you got nothing to show?” (“¿Cuál es el sentido de envejecer si no tienes nada que mostrar?”).

Criados entre mesas, clientes y música en vivo, los hermanos comenzaron a escribir y tocar sus propias canciones en los ratos libres entre el colegio y el trabajo. El escenario del pub se convirtió en su primer hogar artístico, donde aprendieron a desenvolverse con naturalidad y autenticidad frente al público.



Su último sencillo, “drugs”, explora la intensidad del enamoramiento como una forma de adicción emocional. Con letras que capturan esa euforia, ansiedad y deseo de no soltar el “subidón” del amor, la canción se convierte en una experiencia sensorial que no deja indiferente. Con cada nueva canción, con cada show en vivo, estos hermanos demuestran que el camino del esfuerzo, la constancia y la autenticidad puede llevar muy lejos. Y ellos apenas están comenzando.


Bajo el Manto Retro: “Under the Weather” de THYMIAN

Bajo el Manto Retro: “Under the Weather” de THYMIAN

En “Under the Weather”, THYMIAN recupera con soltura el pulso del rock clásico y lo viste de una estética retro muy marcada. El tema arranca con un efecto lo-fi que sumerge al oyente en una atmósfera casi nostálgica. El ritmo se mantiene constante y permite que la canción fluya con naturalidad, atrapando desde el primer momento.

La voz de THYMIAN, en su registro de barítono con cuerpo, aporta un matiz de rudeza capaz de contrarrestar la suavidad de la producción. Ese contraste la hace especialmente atractiva: el sonido cuidado y la capa de imperfección lo-fi se equilibran con una interpretación vocal que no teme rasgarse. De esta manera, la pieza adquiere una personalidad distintiva y un aire de autenticidad poco común.



Conocido como el Sad-Dancy-Boy, THYMIAN fusiona el new wave ochentero con el synth-pop moderno como parte de su terapia personal. Temas como la duda, el cambio y el miedo atraviesan su obra, y en “Under the Weather” esas inseguridades se insinúan entre líneas. La canción se convierte en un ejercicio de autoexploración, donde la sonoridad vintage sirve de guía para un viaje interior que desafía los prejuicios.

En definitiva, “Under the Weather” es una inmersión en un universo sonoro que honra el pasado sin quedarse atrapado en él. Con una producción envolvente y una voz que destila carácter, THYMIAN ofrece una pieza que conecta con quienes buscan música con identidad y mensaje.


Chico Jorge: El Nuevo Proyecto de Jordi Bastida que Fusiona Indie Pop, Noise y Emociones Universales

Chico Jorge: El Nuevo Proyecto de Jordi Bastida que Fusiona Indie Pop, Noise y Emociones Universales

Jordi Bastida, conocido por su trabajo como guitarrista en bandas como Sidonie y Alizzz, ha decidido recuperar su proyecto personal Chico Jorge para dar un nuevo paso en su carrera musical. Tras años de compartir escenario con grandes artistas y de aportar su talento en diversas producciones, Bastida presenta su álbum debut bajo el nombre de Chico Jorge, un trabajo que estará disponible a través del sello Magic in the Air Records tras el verano de 2025.

El primer adelanto del álbum, titulado “cupido enamorado”, es una muestra de lo que será el sonido de Chico Jorge. Con un estilo que fusiona el indie pop con el noise, el tema destaca por su energía frenética, con guitarras rotas y baterías intensas que reflejan la fuerza destructiva del amor en sus primeras fases de enamoramiento. La instrumentación nerviosa y acelerada se combina con una lírica que reflexiona sobre cómo el amor puede ser a la vez hermoso y devastador. La canción nos transporta a un lugar donde la pasión y el caos se entrelazan, pero al final, como siempre en las canciones de Chico Jorge, hay una luz al final del túnel.



Este tema sigue la línea de su EP debut Chico Jorge i (2021), que lo introdujo como un artista con una visión clara y una propuesta musical sólida. Al igual que el EP, “cupido enamorado” se inspira en bandas como Deerhunter, Wilco, The Strokes, y otros referentes de la escena indie. Sin embargo, la influencia de Alizzz, con quien Bastida comparte una estrecha relación profesional, también se siente en los arreglos y la atmósfera sonora, destacándose el pop-rock de ascendencia británica que caracteriza tanto a la música de Alizzz como a la de Bastida.

En “cupido enamorado”, Bastida captura la esencia de enamorarse, no solo de una persona, sino de la idea misma del amor. La letra nos lleva por un recorrido de deseos no correspondidos, promesas que se desvanecen con el tiempo y la eterna búsqueda de la conexión emocional. Los versos evocan imágenes de momentos fugaces, como esos mensajes de texto nunca enviados que, aunque no llegan a ser leídos, permanecen en la memoria.

Las capas sonoras y las texturas electrónicas añaden profundidad a la canción, creando un ambiente en el que el oyente se siente envuelto por la atmósfera melancólica y nostálgica que se desprende de cada acorde.


Entre Astros y Acordes: La Cosmología Sonora de Vinyl Williams

Entre Astros y Acordes: La Cosmología Sonora de Vinyl Williams

Vinyl Williams, nombre artístico de Lionel Williams, es mucho más que un músico: es un creador de universos. Radicado en Los Ángeles, este artista multidisciplinario ha desarrollado una de las propuestas más singulares y expansivas del panorama psicodélico contemporáneo.

Su obra combina lo-fi y hi-fi, filosofía, geometría sagrada y espiritualidad cósmica, todo envuelto en un sonido que remite a la psicodelia de los años 70 pero con una visión futurista. Con influencias que van desde Van Dyke Parks y Todd Rundgren hasta Cindy Lee y Iasos, Vinyl Williams crea una alquimia sonora que resulta tan cerebral como emocional. Su música se mueve entre el pop cósmico, el ambient, el dream pop y el rock experimental, siempre con una estética que recuerda a un sueño lúcido o una utopía interestelar.

El próximo 13 de junio de 2025, lanzará Polyhaven / Portasymphony, un doble LP que reúne dos caras opuestas de su creatividad: una producción lo-fi e instrumental, y otra hi-fi más melódica y detallada. Ambos lados se presentarán en un vinilo doble tipo “gatefold”, con un holograma lenticular que cambia de imagen al moverlo, reflejando su pasión por lo sensorial y lo interactivo.



Dentro del álbum, destacan sencillos como “Find the Hidden” —acompañado por un video interactivo donde el espectador puede buscar objetos ocultos— y “Sunlight”, una pieza instrumental cálida y envolvente que evoca la sensación de quedarse dormido bajo el sol. Este tema demuestra que Vinyl Williams puede contar historias profundas sin necesidad de letras, usando únicamente la textura de sus sonidos y la riqueza de sus arreglos.

Más allá de la música, Lionel ha creado un concepto llamado “astrología musical”, una aplicación que convierte fechas y posiciones planetarias en notas musicales, reafirmando su obsesión por encontrar la armonía entre ciencia, arte y espiritualidad. Su obra invita a imaginar un futuro donde la música, la imagen y la conciencia convergen en una misma frecuencia.



Soot Sprite: Shoegaze, esperanza y catarsis desde Exeter

Soot Sprite: Shoegaze, esperanza y catarsis desde Exeter

Desde los confines introspectivos de un proyecto solista lo-fi hasta convertirse en una de las nuevas propuestas más interesantes del alt-indie británico, Soot Sprite ha sabido evolucionar sin perder su esencia. Liderado por la cantante, guitarrista y compositora Elise Cook, el trío oriundo de Exeter se prepara para el lanzamiento de su álbum debut, Wield Your Hope Like A Weapon a través del sello Specialist Subject Records.

Soot Sprite nació en 2018 como un proyecto íntimo y casero de Elise Cook, en un momento en el que la nostalgia y la vulnerabilidad se canalizaban a través de grabaciones DIY. Con el paso de los años, y la incorporación de Sean Mariner (bajo, coros) y Sam Cother (batería, coros), la banda encontró su identidad definitiva: una poderosa mezcla de shoegaze, indie rock y rock alternativo, en la línea de referentes como Soccer Mommy, Wednesday, Ovlov o Sweet Pill.



El título del álbum debut —Wield Your Hope Like A Weapon— no es casual. Inspirado por el libro Hope in the Dark de la escritora y activista Rebecca Solnit, el disco es una defensa radical de la empatía como forma de resistencia en un mundo que constantemente empuja hacia la apatía y el desencanto.

“El poder no quiere que nos importe, quiere que estemos anestesiados. Pero si tenemos esperanza, entonces aún es posible el cambio”, explica Cook. La frase de Solnit, “La esperanza no es un billete de lotería que sostienes en el sofá… es un hacha que usas para romper puertas en una emergencia”, sirve como manifiesto para todo el proyecto.

Musicalmente, el álbum atraviesa paisajes que van desde la distorsión más visceral hasta la calma introspectiva. Canciones como “Vicious Cycles”, el último sencillo publicado, combinan guitarras envolventes con una interpretación vocal que transmite una catarsis emocional sincera. En palabras de Cook:

“‘Vicious Cycles’ trata sobre abordar tus patrones de comportamiento y el daño causado en relaciones anteriores. El miedo a las represalias por el más mínimo contratiempo que persiste mucho después de que la relación impactante haya terminado. La idea de que nunca podrás quitártelo del todo.”

Otros temas como “All My Friends Are Depressed” abordan la crisis de salud mental desde una mirada colectiva, mientras que canciones como “Days After Days” reivindican los pequeños triunfos frente al agotamiento social.

El álbum fue grabado en The Bookhouse (Londres) con producción de Tom Hill, y contó con la colaboración de la exguitarrista Abi Crisp, consolidando así una propuesta sonora tan íntima como expansiva.


Black Moth Super Rainbow: Dos Décadas de Psicodelia y Experimentación Sonora

Black Moth Super Rainbow: Dos Décadas de Psicodelia y Experimentación Sonora

Black Moth Super Rainbow (BMSR) es una de las bandas más emblemáticas de la psicodelia contemporánea, y su propuesta sonora sigue siendo tan única como en sus primeros días. Originarios de Pennsylvania, esta banda lleva más de dos décadas creando música que desafía las convenciones del indie electrónico y el psychedelic rock, con una mezcla inconfundible de sintetizadores melancólicos, texturas saturadas de nostalgia y una producción experimental que se convierte en su sello distintivo.

Desde su formación a principios de los 2000, la banda ha mantenido una estética muy particular, con sonidos que evocan un sentido de surrealismo y extrañeza. A través de los años, han logrado un equilibrio perfecto entre la psicodelia más abstracta y el pop experimental, creando una experiencia auditiva inmersiva y única. Aunque su estilo ha evolucionado, la esencia de la banda sigue intacta: un universo sonoro lleno de caos organizado, melancolía y una energía vibrante que se siente en cada una de sus composiciones.

Tras un largo período de siete años desde el lanzamiento de Panic Blooms en 2018, Black Moth Super Rainbow regresa con un nuevo álbum titulado Soft New Magic Dream.



El primer adelanto del álbum, “Unknown Potion”, ya está disponible para escuchar y muestra una faceta más suave de la banda, sin perder la esencia experimental y psicodélica que los caracteriza. El tema, como es de esperar, está lleno de capas sonoras densas, pero al mismo tiempo tiene una cierta suavidad que lo hace más accesible y evocador. La producción sigue el estilo único de BMSR, con una mezcla de sintetizadores vintage, ritmos quebrados y un vocoder característico que crea una atmósfera misteriosa, casi hipnótica.

Con su estilo característico de melodías melancólicas y producciones saturadas, BMSR ha sabido mantener su atractivo durante más de 20 años, ganándose un lugar especial en el corazón de los fanáticos de la música experimental y la psicodelia. Con Soft New Magic Dream, la banda promete seguir llevando a los oyentes a un viaje sonoro lleno de texturas complejas, emocionalidad a flor de piel y una creatividad que sigue sorprendiendo.


Entre Susurros y Melodías: El Viaje Musical de Jenny Kern

Entre Susurros y Melodías: El Viaje Musical de Jenny Kern

Jenny Kern es una cantante y compositora canadiense radicada en Brooklyn, con un estilo indie pop que fusiona emotividad, delicadeza y una fuerte presencia. Jenny inicio expandiendo su alcance musical al colaborar con el productor Andy Seltzer, quien ha trabajado con artistas como Maggie Rogers, Chelsea Cutler y Valley. Juntos, crearon dos sencillos, “Satellite” y “Now We Know”, que ayudaron a cimentar aún más su lugar en la escena musical.

En 2021, en el mismo año, lanzó su EP titulado I Never Thought That You Were Listening, una colección que resonó profundamente con sus seguidores. Este trabajo logró colocar dos de sus canciones en el top 40 de la radio, lo que consolidó a Jenny Kern como una artista con una propuesta sólida y un estilo único. Con más de un millón de reproducciones en Spotify, su popularidad sigue en ascenso, y la artista se prepara para seguir expandiendo su música a nuevos públicos.



El 2022 marcó el regreso de Jenny con el lanzamiento de su sencillo “Say It” la canción se aleja de la energía vibrante de sus primeros trabajos y ofrece una balada pop minimalista, llena de susurros, pausas y una introspectiva vulnerabilidad. La letra de la canción, que trata sobre las palabras no dichas y el dolor del silencio en una relación, muestra una vez más la habilidad de Kern para explorar temas personales y universales de manera honesta y conmovedora.

La colaboración de Jenny con el productor Ryder Stuart en este tema, conocido por su trabajo con artistas como Hayes Warner, CANNON y Young Rising Sons, ha resultado en una canción que muchos consideran una de sus mejores hasta la fecha. “Say It” no solo resalta la madurez de la cantante, sino que también marca un punto de inflexión en su carrera, mostrando una evolución tanto en su estilo como en su lírica.


Desde Cork al Mundo: “Higher Place”, la nueva apuesta de Fintan McKahey

Desde Cork al Mundo: “Higher Place”, la nueva apuesta de Fintan McKahey

En el horizonte de 2025 asoma Fintan McKahey con “Higher Place”, una canción que rescata lo mejor del rock con tintes soul. El tema se mueve con un ritmo delicioso, donde cada compás construye una base firme sin abandonar la ligereza. La producción, íntima y sugerente, convierte el sencillo en una invitación a dejarse llevar por su energía controlada.

“Higher Place” destaca por el cuerpo de la voz que se despliega con confianza, aportando una profundidad que envuelve al oyente. Entre guitarras cálidas y matices de piano o sintetizador, el tema conserva esa atmósfera espacial y psicodélica que caracteriza al artista. Los toques soul se escuchan en los pequeños adornos y en la cadencia de las notas, equilibrando lo crudo del rock con una suavidad bien medida.



Originario de Cork, Irlanda, Fintan McKahey ha forjado su carrera como cantante, multiinstrumentista y productor dentro del ámbito lo-fi indie. Tras obtener reconocimiento en la radio nacional y encabezar salas importantes, decidió alejarse de los escenarios para abrazar la paternidad. En su refugio de West Cork, donde reubicó el estudio Ivy Hill, encontró en la soledad creativa y en las rutinas nocturnas la inspiración para renovar su sonido.

Con “Higher Place”, el regreso de Fintan McKahey se siente renovado y con nuevos matices. El tema anticipa una etapa en la que su pasión por la producción desplegará horizontes más amplios, gracias a la perspectiva que le aportó la vida familiar. Este sencillo no solo presenta un ritmo adictivo, sino que también muestra a un artista cómodo en su propia piel, listo para llevarnos a un plano superior de escucha.


Entre Riffs y Maremotos: La contundente propuesta de Eurekas

Entre Riffs y Maremotos: La contundente propuesta de Eurekas

Shark Infested Seas emerge como un potente experimento musical que une influencias de rock y shoegaze en una atmósfera rústica y algo agresiva. La canción se despliega con un ritmo explosivo y ganchos inesperados que marcan un estilo distintivo. A través de su producción cuidada, la banda consigue evocar la crudeza de la música real sin perder la vitalidad necesaria para enganchar al oyente. Este tema se siente como una embestida sonora, a la vez directa y cargada de emociones.

Formada en octubre de 2021 por los vocalistas Jack Perrett y Dan Burridge, Eurekas ha sabido forjarse un lugar en la escena del sur de Gales con determinación y entusiasmo. Su carrera se ha visto acelerada por una serie de singles que han captado la atención de referentes de la radio tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. La experiencia de la banda en directo resalta su capacidad para transmitir energía y autenticidad en cada actuación. Este crecimiento ha generado expectación en el panorama indie rock.



Con Shark Infested Seas, Eurekas continúa explorando nuevos territorios sonoros que reflejan su identidad como banda. La composición destaca por su fusión de elementos tradicionales del rock con texturas etéreas del shoegaze, creando una propuesta sonora que resulta tanto provocadora como accesible. La voz, que acompaña de manera segura el trasfondo instrumental, aporta una dimensión extra, dotando a la canción de personalidad y de una chispa única. La banda logra así unir lo melódico con lo contundente.

En definitiva, Shark Infested Seas es una clara declaración de intenciones para Eurekas, una banda que no teme arriesgarse y romper moldes. La propuesta resulta atractiva para quienes buscan una experiencia musical intensa y cargada de energía, sin caer en excesos. La capacidad de la agrupación para conjugar influencias diversas y presentarlas de forma honesta y directa es lo que hace que este tema se destaque en el panorama indie rock. Es un convite a dejarse arrastrar por la fuerza de los riffs y la crudeza de una producción que realmente invita al movimiento.


Entre Buenas Vibras e Influencias Rock: “Fingers Crossed” de Jont

Entre Buenas Vibras e Influencias Rock: “Fingers Crossed” de Jont

Con “Fingers Crossed”, Jont presenta una canción que no necesita complicaciones para funcionar. La propuesta se apoya en un ritmo sencillo, pero lo suficientemente sólido como para sostener unos ganchos melódicos que atrapan sin mucho rodeo. Es en esa sencillez donde encuentra su fuerza: una canción directa, cargada de buena vibra y con un enfoque muy claro hacia la conexión emocional.

La voz de Jont tiene esa cualidad cercana, capaz de generar una atmósfera cálida incluso en un contexto rockero. No se trata de una producción que busque impresionar con exceso de arreglos, sino más bien de una que se deja llevar por lo esencial. Esa esencia está en la forma en que las palabras se deslizan sobre los acordes, con una naturalidad que le da carácter propio. La canción no pretende ser otra cosa que una expresión honesta.



A lo largo de su carrera, Jont ha transitado por varios estilos, desde lo acústico e íntimo hasta lo orquestado y energético, sin perder de vista el mensaje de fondo. Su compromiso con la comunidad —visible desde los días del ciclo UNLIT en Londres hasta sus actuales ceremonias de canto en Canadá— ha sido una constante. En este nuevo tema, esa mirada humanista no desaparece; por el contrario, se filtra en los pequeños detalles de su interpretación.

“Fingers Crossed” se siente como una canción de paso firme y mirada al frente, que no olvida lo personal ni el anhelo compartido. No busca adornarse demasiado ni impresionar con grandes gestos; prefiere construir su identidad a través de lo sencillo y lo directo. Esa honestidad, sumada a una melodía eficaz y una voz con personalidad, hacen de esta canción un punto de entrada perfecto para conocer a un artista que lleva años construyendo puentes entre la música y la vida cotidiana.