Indie Pop

Un domingo para quedarse: Bestfriend y su apuesta alternativa

Un domingo para quedarse: Bestfriend y su apuesta alternativa

Desde extremos opuestos de Canadá, Bestfriend continúa construyendo puentes musicales con una propuesta que escapa a los moldes tradicionales. Su nuevo sencillo, “UNTIL SUNDAY”, encapsula la esencia de un dúo que hace de la distancia una virtud. Lo que comenzó en 2018 como un intercambio digital entre Vancouver y Toronto, se consolida ahora en una canción que explora los límites del indie pop con una actitud moderna y sin pretensiones.

“UNTIL SUNDAY” se mueve con soltura en un terreno donde lo alternativo y lo experimental se rozan sin fricciones. La producción, marcada por sintetizadores y capas melódicas cuidadas, enmarca una voz que no intenta imponerse, sino acompañar. Hay en el tema una sensación de búsqueda, una tensión entre el ritmo casi lúdico y una atmósfera que no teme a lo introspectivo, lo que le otorga un carácter poco habitual dentro del pop convencional.



La dinámica creativa del dúo —Stacy Kim y Kaelan Geoffrey— sigue siendo una de sus particularidades más notables. La forma en que se envían pistas, ensamblan ideas y reconstruyen sonidos a través de la distancia no solo es parte de su identidad, sino que influye directamente en la textura de sus canciones. “UNTIL SUNDAY” no es ajena a ese proceso; más bien, lo refleja con claridad: cada elemento parece haber sido medido, quitado o añadido con paciencia compartida.

Tras su EP debut places i’ve lived, que ya les posicionó en el radar de plataformas y medios especializados, Bestfriend demuestra con esta entrega que aún tienen mucho que decir. Sin caer en exageraciones ni adornos innecesarios, “UNTIL SUNDAY” propone una experiencia distinta para quienes están dispuestos a explorar un pop que se atreve a sonar diferente.


De Orange County al corazón del folk: La evolución sonora de Levi Robin

De Orange County al corazón del folk: La evolución sonora de Levi Robin

Levi Robin es un cantautor folk estadounidense que combina letras personales con una voz emotiva. Originario de Orange County, California, Levi decidió desde joven tomar un camino diferente al tradicional. Insatisfecho con lo que él mismo describe como “la trayectoria en serie del sistema escolar”, decidió dejarlo todo —literalmente con una guitarra en mano— para lanzarse al mundo de la música. Esta decisión marcó el inicio de un viaje de autodescubrimiento y crecimiento personal que se refleja en cada canción que escribe.

Su obra es producto de una fusión de influencias eclécticas que van desde Bach, Stravinski y Mingus, hasta Hendrix, Dylan, Beck, Marvin Gaye, D’Angelo y Radiohead. A lo largo de su carrera, Levi ha explorado distintas corrientes musicales y espirituales, incluyendo la espiritualidad oriental y sus raíces judaicas, integrándolas en un sonido genuino y emocionalmente resonante.



Levi Robin comenzó a ganar reconocimiento con su EP debut homónimo y su gira junto al artista Matisyahu. Desde entonces, ha acumulado más de un millón de reproducciones en plataformas digitales. Entre sus lanzamientos más destacados se encuentran “Healing Is Coming”, una canción que habla sobre la valentía y la entrega necesaria para enfrentar las adversidades y la oscuridad interna, y su más reciente single “When the Walls Fall”, un tema cinematográfico con un estribillo potente que llama al despertar del alma cuando todo parece derrumbarse.

Levi Robin es, sin duda, una voz fresca en el panorama musical actual,ofreciendo canciones que son verdaderos viajes emocionales y espirituales.


Nathan O’Regan: resiliencia, alma y promesa en su nuevo single “Better Days”

Nathan O’Regan: resiliencia, alma y promesa en su nuevo single “Better Days”

El cantautor irlandés Nathan O’Regan regresa con “Better Days”, una balada conmovedora e íntima que ya está disponible a través del sello independiente Zenith Cafe Records, con sede en Belfast. El tema forma parte de su álbum debut, Olive Branch, que verá la luz el 19 de septiembre de 2025.

Nacido en Cork dentro de una familia musical, O’Regan vivió un inicio turbulento en la industria: tras ganar un concurso de radio en su adolescencia, firmó con una gran discográfica a los 16 años. Sin embargo, su proyecto debut fue archivado y, tras cuatro años el contrato fue cancelado. Este golpe marcó el comienzo de una nueva etapa: Nathan se mudó a Belfast, se sumergió en la escena local, creció como intérprete en pequeños escenarios y se rodeó de una comunidad de músicos con la que finalmente encontró su lugar.



“Better Days” nació justo antes del nacimiento de su hijo Arthur, en un momento de incertidumbre y cambio. “Vivíamos en una casa diminuta a las afueras de Belfast, y todo parecía estar en caos. No sabíamos ni cómo íbamos a hacer espacio para un bebé”, recuerda O’Regan. “Solo quería decirle a mi pareja que todo iba a estar bien, eventualmente. Que tuviera fe.”

La canción, escrita junto al también compositor Gareth Dunlop y co-producida por Michael Keeney, es una especie de arrullo moderno. Con líneas de piano cálidas, percusión sutil y una interpretación vocal cargada de alma, O’Regan nos entrega un mensaje de esperanza envuelto en sensibilidad. El estribillo — “There’ll be better days / The world is gonna change / Our dreams won’t go down in flames / If you can just hold on a little longer” — resuena como una promesa silenciosa ante el ruido del día a día.

Con honestidad, vulnerabilidad y una destreza lírica que toca lo más profundo, su música ofrece un refugio para quienes buscan consuelo en tiempos inciertos.


Una mirada al pasado desde la costa: el debut de Christopher Short

Una mirada al pasado desde la costa: el debut de Christopher Short

En su EP debut More Than the Moments, Christopher Short nos presenta un trabajo que, sin recurrir a fuegos artificiales, logra capturar una sensibilidad nostálgica con pulso contemporáneo. La canción que da nombre al EP abre el viaje con una atmósfera acústica que evoca imágenes difusas y cálidas, como una vieja Polaroid en una tarde de playa. Con un ritmo pausado que se desliza sin apuro, los elementos folk y rock se entrelazan con matices pop en los coros, creando un paisaje sonoro envolvente. La voz de Short, cálida y cercana, acompaña con suavidad, haciendo de esta apertura una bienvenida discreta pero sincera.

It’s Only For a Little While se sitúa justo en el corazón del EP, funcionando como un respiro aún más íntimo dentro del conjunto. La instrumental se mantiene sencilla, dejando espacio para que la voz tome protagonismo, mientras un aura melancólica recorre la canción con la calma de quien recuerda algo importante. El uso de la armónica en el tramo final no solo aporta textura, sino que intensifica esa sensación de algo que fue y no volverá del mismo modo. Aquí, Short parece hablarnos al oído, sin pretensiones, con la serenidad de quien no necesita levantar la voz para ser escuchado.



La energía asciende ligeramente en Keep the World Outside, una de las piezas más accesibles del EP por su ritmo más animado. Aunque sigue manteniéndose dentro de la estética relajada del proyecto, su carácter pegajoso y su dinamismo inmediato la vuelven una entrada ideal para quienes se acercan por primera vez al trabajo del californiano. La canción funciona casi como una declaración: a veces es necesario cerrar la puerta al mundo y dejarse llevar por una melodía sencilla que acompañe sin invadir.

Christopher Short, ingeniero de profesión y músico de espíritu, logra en este primer esfuerzo solista unificar su herencia musical —desde The Beatles hasta sonidos hawaianos— con una estética de grabación casera que se siente honesta. Grabado en su propio garaje en 2024, More Than the Moments no busca deslumbrar, sino capturar momentos efímeros con naturalidad. Su música no grita, pero dice lo suficiente. Y quizá ahí reside parte de su encanto: en dejar que las canciones respiren por sí solas.


‘Claw’ de Mothé: Una Mordida de Pop Alternativo con Garras

‘Claw’ de Mothé: Una Mordida de Pop Alternativo con Garras

Mothé es un artista emergente de pop alternativo que ha ido forjando una identidad sonora en la escena musical de Los Ángeles, específicamente en el vibrante barrio de Echo Park. Su música es un reflejo de su habilidad para combinar influencias subterráneas con un toque accesible y comercial.

El último sencillo de Mothé, “Claw”, es un perfecto ejemplo de cómo logra fusionar la energía cruda con el atractivo del pop. A diferencia de otras canciones de su repertorio, que se caracterizan por una atmósfera más suave y experimental, “Claw” presenta un sonido mucho más agresivo y bailable, ideal para la pista de baile. La canción, cargada de sintetizadores y melodías pegajosas, destaca por su habilidad para transformar una energía sintética en algo absolutamente irresistible.



Mothé crea una atmósfera de sensualidad que se apodera de la pista de baile. La letra de “Claw” captura la esencia del amor físico en un club nocturno, con versos como “Claw my arms, kiss me in the dark / and eat me up, put that shit right in my cup” que transmiten de manera explícita la mezcla de deseo y la efervescencia del momento. Es una representación cruda y auténtica de las conexiones fugaces que pueden surgir en un ambiente tan cargado de energía.

Más allá de su faceta como cantante, Mothé también se destaca como DJ y productor para otros artistas, lo que le ha permitido adquirir una sólida reputación en la escena local de Los Ángeles. Su enfoque en mezclar géneros y sonidos distintos le ha permitido crear una discografía diversa que atrae tanto a los amantes del pop alternativo como a aquellos que buscan algo más experimental y underground.

Mothé ha compartido escenario con artistas como The Wrecks, Microwave, Teen Suicide y Chloe Lilac, entre otros, lo que le ha permitido consolidar una sólida base de seguidores. Además de sus presentaciones en vivo, ha ganado reconocimiento por sus shows secretos y fiestas en bodegas, donde su energía se amplifica y lleva a su audiencia a nuevas alturas.


Romanie Rompe Barreras con su Sonido Más Oscuro en ‘Uh Oh’

Romanie Rompe Barreras con su Sonido Más Oscuro en ‘Uh Oh’

Romanie, la artista nacida en Bélgica y radicada en Naarm/Melbourne, explora la complejidad de la vida con una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza. Tras su álbum debut Are We There Yet? (2023), Romanie regresa con un nuevo sencillo titulado “Uh Oh”, que marca una evolución hacia un sonido más oscuro y grunge, mientras mantiene su enfoque introspectivo y su característico sentido del humor.

Desde su mudanza a Naarm en 2019, Romanie ha logrado cautivar a una audiencia global con su música indie y alternativa, convirtiéndose en una de las artistas más prometedoras de la escena musical australiana. Su música, inicialmente influenciada por el indie-pop, ha evolucionado, reflejando sus experiencias personales y un cambio en su visión artística. “Uh Oh” es un claro ejemplo de esta evolución, con un sonido más áspero y visceral, donde la fusión de guitarras eléctricas, sintetizadores y sus poderosas vocales dan lugar a una canción que refleja el caos y la turbulencia de la vida, todo ello envuelto en una atmósfera de autoconocimiento.



El nuevo sencillo de Romanie, “Uh Oh”, es el primer lanzamiento desde su debut en 2023. En él, la artista aborda las dificultades personales que atravesó en un periodo complicado de su vida, entre las que se incluyen problemas de salud y la nostalgia por su Bélgica natal. Sin embargo, como es característico en su estilo, la canción no se limita a la oscuridad; también está impregnada de un toque de humor irónico, lo que permite a la audiencia encontrar ligereza incluso en medio del dolor.

La letra de “Uh Oh” es una reflexión sincera sobre la lucha interna, con frases como “One of these days I will replace this version of myself / the bedside manners soothing up the bad side of my health”, que capturan perfectamente ese sentimiento de transformación y superación. La combinación de un riff de guitarra suave pero presente, junto con un sintetizador glitchy y la poderosa interpretación vocal de Romanie, lleva al oyente en un viaje emocional, que culmina con un grito catártico al final de la canción.

El video musical que acompaña a “Uh Oh” tiene un estilo nostálgico, evocando los primeros años de los 2000, con un toque visual de los videos musicales de esa época. Dirigido por Young Ha Kim (Mdou Moctar, Kaiit, Press Club), el video fue filmado en dos desguaces de autos en Cranbourne, Victoria, lo que refuerza la conexión de Romanie con su sonido más crudo y directo, además de rendir homenaje al coche pastel que aparecía en el video de su sencillo anterior “Are We There Yet?”. Esta estética visual representa la transición de Romanie de su antiguo sonido a este nuevo enfoque más experimental y audaz.


“So Good”: Andy Tongren Renueva el Optimismo con su Nuevo Sencillo

“So Good”: Andy Tongren Renueva el Optimismo con su Nuevo Sencillo

Andy Tongren, conocido por haber sido el frontman de la banda Young Rising Sons, da un paso importante hacia su carrera en solitario con el lanzamiento de su primer sencillo, “So Good”. Este tema marca una nueva etapa para el músico, donde refleja su esencia más pura y optimista, algo que ha caracterizado su trayectoria desde sus inicios.

“So Good” es una canción que encapsula la energía positiva que Andy transmite en su vida y en su música. Con una melodía fresca y un ritmo pegajoso, la canción invita a vivir el momento, a abrazar la alegría que a veces parece escapar entre las grietas de la rutina diaria. A pesar de haber nacido en circunstancias difíciles, cuando Andy se encontraba viviendo en un sótano oscuro en Bushwick, “So Good” destila luz y esperanza. Esta es una canción que busca encender esa chispa de felicidad, incluso en los momentos más oscuros.



Musicalmente, “So Good” es una mezcla entre el indie folk rock y el dance pop, con una producción minimalista pero efectiva que pone en primer plano la simplicidad y la naturalidad de la música. La guitarra acústica es la base de la canción, con una melodía ligera y alegre que se ve acompañada por una batería que da ese toque rítmico animado, llevándola a su clímax en el estribillo, donde la energía explota con fuerza y contagia a quien la escucha.

No hay pretensiones ni artimañas comerciales, solo un hombre con una guitarra y un mensaje claro: disfrutar del presente y encontrar la belleza en lo sencillo. En sus palabras, la canción nació del deseo de no complicarse, de simplemente dejarse llevar por la energía que el momento ofrece.

Con “So Good”, Andy no solo marca el comienzo de su carrera como solista, sino que también reivindica su lugar como un artista que siempre busca transmitir algo genuino. Tras el éxito que alcanzó con Young Rising Sons, donde la banda cosechó más de 225 millones de streams y compartió escenario con artistas de renombre como The 1975, Weezer, Halsey y Bleachers, Andy se encuentra ahora listo para reintroducirse al mundo de la música con una propuesta fresca, optimista y llena de energía positiva.

A lo largo de su carrera, Andy ha mostrado una capacidad excepcional para conectar con su audiencia, y con “So Good”, da un paso más en su evolución musical. Con una voz cálida y una melodía irresistible, el sencillo es una invitación a vivir con alegría, a encontrar lo bueno en medio del caos y a nunca perder la esperanza. En este nuevo capítulo de su carrera, Andy Tongren busca, como siempre, compartir con su público esa chispa de optimismo que lo caracteriza, y “So Good” es solo el principio de lo que promete ser una carrera llena de emociones y música que eleva el espíritu.


Zapla y el sonido del amor real: “Y Ya Sé”

Zapla y el sonido del amor real: “Y Ya Sé”

El cantautor chileno Zapla vuelve a emocionar con el lanzamiento de “Y Ya Sé”, el segundo adelanto de su álbum debut. En esta nueva entrega, el artista continúa su propuesta sonora que fusiona el folk-pop latinoamericano con matices del indie electrónico, entregando una experiencia musical tan íntima como vibrante.

Producido por Cocó Ferrada (conocido por su trabajo con Benjamín Walker y Dani Ride), mezclado por el dos veces ganador del Grammy Nahuel Bronzini, y masterizado por Ignacio Ramírez (de la banda Mecánico y cofundador de Black Vitamina), el tema logra una riqueza sonora que envuelve al oyente en un ambiente cálido, lúdico y profundamente emocional.



“Y Ya Sé” es una canción que se aleja del drama para abrazar la complicidad y la dulzura de una pareja establecida. A través de una narrativa sutil y sensorial, Zapla logra transmitir el encanto de los gestos cotidianos, la conexión profunda que se construye con el tiempo y el deseo como puente emocional. Es un canto al amor maduro, ese que no necesita grandes gestos para sentirse vivo.

El videoclip, dirigido por Nicolás Canales, complementa la propuesta musical con imágenes que retratan un amor sano, real y físico. La fotografía cálida y natural resalta los pequeños momentos de ternura y atracción, generando una atmósfera en la que cualquiera puede reconocerse.

“Por un lado, Y Ya Sé rítmica e instrumentalmente invita a compartir, a moverse y a disfrutar. Creo que el sonido sitúa al oyente en atardeceres, juntas con amigos, bailando, viajando y disfrutando junto al mar”.

Así, la canción se convierte en una invitación a salir de la rutina y reencontrarse con la alegría de estar presente con quienes amamos. Su mezcla fresca, moderna y sincera tiene una fuerte resonancia especialmente entre el público juvenil, aunque su mensaje transversal logra tocar fibras en audiencias de todas las edades.


Entre luces de neón: el susurro firme de april june

Entre luces de neón: el susurro firme de april june

En un terreno donde la autosuficiencia suele presentarse como ideal, april june decide nadar contracorriente. Su canción “submissive” se mueve entre la pista de baile y de critica, combinando un ritmo adictivo con ecos del indie pop, todo envuelto en una atmósfera retro. No es una contradicción: es un recordatorio de que incluso lo vulnerable puede sostenerse con fuerza.

La voz femenina que guía la canción no pretende imponer, pero tampoco se desvanece. Tiene el tipo de presencia que se acomoda en el ritmo como si fuera parte de su arquitectura, dándole un matiz particular a una propuesta que equilibra suavidad y tensión. “submissive” no renuncia al deseo ni lo esconde: lo nombra, lo baila, y lo transforma en sonido.



Más allá del título, que puede sugerir sumisión literal, la canción explora una entrega emocional que resiste al desapego moderno. Hay una especie de ternura subversiva en cada verso, una devoción que no pide permiso pero tampoco exige. En este espacio, el anhelo de ser cuidado adquiere un lugar legítimo dentro de la narrativa musical.

april june se posiciona con esta entrega como una voz que no teme a lo contradictorio. “submissive” no busca grandes emociones, pero sí provoca una sensación que permanece. Es música para bailar con una lágrima contenida, para quienes siguen creyendo en lo que se queda cuando todo lo demás se apaga.


Vendredi sur Mer: Ecos electrónicos de un corazón con esencia pop

Vendredi sur Mer: Ecos electrónicos de un corazón con esencia pop

En el amplio océano del pop francófono actual, Vendredi sur Mer ha sabido encontrar una frecuencia propia. Con “J’irai en enfer”, Charline —el rostro y la voz detrás del proyecto— mezcla una cadencia electrónica lenta con un diseño sonoro que recuerda a Daft Punk, aunque con una sensibilidad distinta. La canción propone una especie de confesión a media voz, donde el ritmo envolvente termina por volverse casi hipnótico.

La producción es contenida pero efectiva: efectos que flotan en un espacio oscuro y elegante, sin abandonar del todo la calidez que emana del registro vocal de Charline. “J’irai en enfer” no busca grandes explosiones emocionales, sino una especie de trance melancólico que se construye desde lo cotidiano. Hay deseo, hay fragilidad, pero también hay una decisión de seguir narrando desde la duda.



Detrás del imaginario de Vendredi sur Mer hay una clara voluntad de crear un universo propio: visual, narrativo y emocional. Cada canción parece formar parte de un diario personal, y esta no es la excepción. La letra sugiere un juego entre atracción y caída, entre el impulso y el miedo. Es precisamente ese vaivén lo que da forma al carácter adictivo de la pieza, que se instala en la mente sin necesidad de recurrir a fórmulas evidentes.

A medio camino entre lo confesional y lo cinematográfico, “J’irai en enfer” confirma la estética refinada con la que Charline construye su relato. La nostalgia es un elemento constante, pero aquí aparece envuelta en una estructura moderna, con guiños que van del indie pop a la electrónica francesa sin necesidad de elegir un solo camino. Una canción que, sin levantar la voz, sabe hacerse escuchar.