El artista indie-alt folk de Los Ángeles, Wintur, nos invita a un viaje emocional con su nuevo sencillo “turn a page”, un himno íntimo sobre amores que regresan como fantasmas del pasado. La canción captura ese momento de tentación y reconocimiento: cuando alguien que creías haber dejado atrás vuelve a tu vida y casi logras creer que ha cambiado… hasta que recuerdas por qué te fuiste.
Entre pianos etéreos, guitarras que respiran y delicadas pinceladas de vientos, Wintur construye un universo sonoro donde la melancolía y la ternura coexisten. Cada nota parece arrancada de un diario secreto, y cada suspiro en la canción nos recuerda la fragilidad de los sentimientos y la fuerza silenciosa que se necesita para decir “ya no escribiré otra canción triste sobre ti”.
Influenciado por Billie Eilish, Conan Gray y Sombr, Wintur transforma la vulnerabilidad en belleza sonora, creando un paisaje emocional donde el oyente se pierde y se encuentra a la vez. “turn a page” es un pequeño refugio de honestidad, un susurro que invita a cerrar capítulos con gracia y abrir nuevos horizontes sin miedo.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
The Finest Hour – Candle Wax | Reino Unido
The Finest Hour es una banda británica de indie punk-ska formada en 2006 en Cleethorpes. Su sonido ha evolucionado incorporando elementos de punk y folk, especialmente tras su segundo álbum Reason & Rhyme. Con la vuelta de Paul Kavanagh en 2024, la banda se prepara para lanzar nuevo material, manteniendo su posición como una de las propuestas más dinámicas del panorama británico contemporáneo.
MacGregor Burns – California Christmas | Estados Unidos
MacGregor Burns, cantautor de Los Ángeles conocido por su estilo excéntrico y su sensibilidad melódica única, presenta “California Christmas”, un tema que combina el indie rock con la nostalgia psicodélica y el pop californiano de los años 60. La canción captura la esencia festiva de la temporada con un enfoque soleado, optimista y ligeramente fuera de lo común, ofreciendo un himno navideño original y entrañable que destaca entre los clásicos típicos.
The Bernadette Maries – The Closer You Look | Belgica
The Bernadette Maries, banda belga de indie rock formada en Bruselas en 2024, mezcla post-punk, shoegaze y melodías indie en un sonido introspectivo y melancólico. Su nuevo sencillo, “The Closer You Look”, adelanto de su primer álbum que se lanzará en 2026, combina guitarras inteligentes, ritmos precisos y voces cálidas, evocando influencias de The Smiths, New Order y Cocteau Twins.
El dúo de Filadelfia Kewl Haze, integrado por Dan Scott Forreal y Derek Sheehan, ha sabido moverse entre la psicodelia y el rock con un estilo que mezcla introspección y desenfado. Su debut Suburban Sherpa les tomó cuatro años de trabajo entre estudios caseros y profesionales, un proceso marcado por experiencias personales y un enfoque ligero hacia la creación. Esa manera de entender la música como un espacio de libertad se refleja también en sus nuevas propuestas.
Entre ellas destaca “Used to Have It All”, una canción que se sostiene en un ritmo simple pero efectivo. Lo que la hace atractiva es su capacidad de transmitir un corazón encantador que atrapa con facilidad, sin necesidad de artificios. Su sonido se mueve dentro del indie pop, pero con pequeñas pinceladas dreamly que aportan un aire distinto, generando una atmósfera que se siente cercana y al mismo tiempo envolvente.
La dinámica de Kewl Haze en el estudio, marcada por conversaciones y momentos de camaradería, se traduce en canciones que no buscan la perfección rígida, sino la honestidad. En “Used to Have It All”, esa filosofía se percibe en la naturalidad con la que fluye la pieza, mostrando que la sencillez puede ser un recurso poderoso cuando se combina con sensibilidad y coherencia sonora.
Al escuchar “Used to Have It All”, se percibe una propuesta que conecta con la esencia del indie pop contemporáneo, pero sin perder el sello personal del dúo. No es un tema que pretenda reinventar el género, sino que ofrece una experiencia fresca y directa. En esa mezcla de simplicidad y encanto, Kewl Haze reafirma su capacidad de crear canciones que invitan a dejarse llevar por su ritmo y su atmósfera ligera.
Si eres un apasionado de la música y estás siempre en busca de nuevos sonidos para enriquecer tu playlist, has llegado al lugar indicado. En esta ocasión continuamos con nuestra sección “Nueva Ola”, donde te sumergiremos en el emocionante mundo de los lanzamientos musicales de artistas emergentes de todo el planeta y el mar. Desde géneros clásicos reinventados hasta fusiones audaces y voces que te dejarán sin aliento, prepárate para descubrir una nueva dimensión de la música global.
Lavic – Tu artista favorito | España
El primero en aparecer es Lavic con su tema Tu artista favorito, una canción que se mueve con energía y deja ver claras influencias del rock. La voz del artista se integra con la fuerza de la melodía, creando un estilo que transmite personalidad y carácter. Es un adelanto de lo que será su primer larga duración, producido por Candy Caramelo, conocido por trabajar con figuras como Andrés Calamaro y Fito & Fitipaldis
Afincado en Madrid, Lavic inició su camino musical en la Escuela Superior de Ingenieros Industriales, donde entre clases y pasillos comenzó a dar forma a su proyecto. Tras una década entre oficinas y escenarios, decide transformar su “vida imaginada” en realidad. Con influencias que van desde Oasis hasta Calamaro, su propuesta celebra la imperfección y la capacidad de levantarse después de cada caída, consolidándose como una nueva voz dentro del rock español
Revelators Music – Joy In the Mourning | Países Bajos
En segundo lugar encontramos a Revelators Music junto a Jean Du Rand, quienes presentan Joy In the Mourning, una pieza que combina indie pop y rock con un ritmo envolvente. El tema se construye con guitarras pedal steel, reverbs y armonías que transmiten una atmósfera particular. Desde el inicio, la canción invita a dejarse llevar por su cadencia y por la manera en que las voces se entrelazan
La propuesta de Revelators Music busca conectar con las emociones más profundas, hablando de heridas, lágrimas y la necesidad de abrirse a los demás en momentos de dolor. La canción plantea que el camino hacia la sanación requiere entrega total, invitando incluso a integrar la espiritualidad en ese proceso. Con un enfoque íntimo y reflexivo, el tema se convierte en un recordatorio de que compartir la vulnerabilidad puede ser un paso hacia la recuperación
Tōth – Not Broken | Estados Unidos
Finalmente llega Tōth con Not Broken, un tema que se siente fresco y moderno gracias a su atmósfera musical variada. La canción mezcla influencias indie pop con un estilo divertido que logra atrapar al oyente. Su propuesta se distingue por la manera en que juega con diferentes elementos, creando un sonido que resulta cercano y actual
Detrás de Tōth está Alex Toth, multiinstrumentista de Brooklyn que ha colaborado con artistas como Kimbra y Rubblebucket. En este proyecto presenta su faceta más vulnerable, con interpretaciones que recuerdan a Arthur Russell y el añadido de trompeta y guitarra. Su música refleja una búsqueda personal y artística que lo coloca como una propuesta interesante dentro del panorama emergente
En conclusión, Lavic, Revelators Music y Tōth nos muestran tres caminos distintos dentro de la música contemporánea. Cada uno aporta una visión particular que merece ser escuchada, desde el rock español con raíces urbanas hasta la introspección indie y la frescura pop. Te invitamos a darles una oportunidad y dejar que sus canciones encuentren un espacio en tu playlist, porque descubrir nuevas voces siempre abre horizontes inesperados en la experiencia musical
El dúo británico BIG SPECIAL, integrado por Joe Hickin y Callum Maloney, llega con el lanzamiento de su nuevo sencillo “DRAGGED UP A HILL (and thrown down the other side)”, la banda revela una faceta más suave y vulnerable, sin perder la potencia narrativa que los caracteriza. La canción destaca la interpretación visceral de Hickin y rescata un tema “escrito hace tiempo y rescatado del cajón polvoriento”, como ellos mismos describen, abordando la frustración de trabajar sin descanso y aún así sentir que nada avanza, ni en el amor ni en la vida laboral. Eso sí, advierten con humor: “No lo escuches estando borracho.”
Este lanzamiento llega tras el reciente sencillo “PLAINTIVE NATIVE” y poco después de la sorpresiva publicación de su segundo álbum, NATIONAL AVERAGE., un disco que captura tanto el ritmo acelerado de su ascenso como las presiones que lo acompañaron.
Con “DRAGGED UP A HILL (and thrown down the other side)”, BIG SPECIAL continúa explorando emociones más íntimas sin perder la crudeza que los ha llevado a convertirse en una de las voces más auténticas de su generación. Su trayectoria sigue en ascenso, impulsada por una mezcla de vulnerabilidad, ironía y una narrativa que conecta con quienes también sienten que están subiendo una colina… solo para rodar por el otro lado.
Desde su formación a finales de los años ochenta en Weilheim, Alemania, The Notwist se ha convertido en una de las bandas más influyentes e inclasificables de la música alternativa europea. Su trayectoria es un ejercicio de transformación: de sus inicios ligados al noise y al post-hardcore, el grupo evolucionó hacia un universo sonoro donde conviven el pop experimental, la electrónica detallista, el indie rock emocional y un inconfundible pulso kraut. Esa capacidad de mutar sin perder identidad los ha convertido en un referente para oyentes, músicos y productores que buscan en la música algo más que una fórmula repetida.
Comandado por los hermanos Markus y Micha Acher, junto a Cico Beck en su formación más reciente, The Notwist ha construido un lenguaje propio: texturas electrónicas que respiran, melodías que emergen entre el ruido, ritmos que avanzan como engranajes precisos, voces que sugieren más de lo que afirman. Su obra maestra de 2002, Neon Golden, consolidó ese estilo y los posicionó internacionalmente como una de las propuestas más frescas y visionarias de su generación.
El proyecto regresa con “X-Ray”, un sencillo que reafirma su capacidad para reinventarse sin abandonar la esencia que los ha convertido en una de las bandas más influyentes del indie experimental europeo. Este nuevo adelanto de su próximo álbum News from Planet Zombie condensa la intensidad emocional de un mundo acelerado, caótico y saturado, transformándola en un himno luminoso que pulsa entre la ansiedad contemporánea y la necesidad urgente de conexión.
“X-Ray” se mueve con naturalidad entre el pop experimental, el indie rock electrónico y ese kraut-pop minimalista tan característico de la banda. La canción avanza con un impulso rítmico hipnótico y capas de distorsión que se expanden como ondas en el aire, generando un paisaje sonoro tan físico como emocional. Es una pieza que irradia energía colectiva: cada golpe de batería, cada textura electrónica y cada línea melódica parecen empujar hacia una especie de liberación compartida.
Lejos de caer en el mero caos, The Notwist consigue equilibrar la explosividad del tema con una sutil melancolía. Esa mezcla es, precisamente, lo que permite que “X-Ray” funcione como una radiografía del presente: un retrato de un tiempo marcado por la incertidumbre, la hiperestimulación y la urgencia permanente, pero también por la búsqueda de humanidad entre el ruido.
Desde su surgimiento en 2015, KYTES el trío alemán integrado por Michael Spieler, Kerim Öke y Timothy Lush ha consolidado una propuesta refrescante del panorama europeo, llevando su sonido desde los clubes de Múnich hasta escenarios internacionales mientras construyen una comunidad fiel a su identidad sonora.
Lo que distingue a KYTES es una complicidad que se refleja en una música que equilibra libertad creativa y un entendimiento profundo entre ellos, una fórmula que les ha permitido afinar su propio camino sin depender de tendencias externas. Desde 2018 publican su obra bajo su sello Frisbee Records.
Con el tiempo, KYTES han definido su propio concepto musical: “Indie Rave”, un estilo donde confluyen la energía del indie con la vibra y electrónica de la cultura rave. Este híbrido genera una identidad sonora que se percibe tanto en sus grabaciones como en sus presentaciones en vivo: conciertos que navegan entre ganchos pop para cantar a gritos, secciones electrónicas pulsantes y momentos acústicos íntimos que revelan la sensibilidad del trío.
Su nuevo sencillo, “Cope”, profundiza en uno de los temas más actuales: cómo lidiamos con el constante flujo de malas noticias que bombardea nuestras pantallas. Con un ritmo veloz, hipnótico y casi reggaetonero, la canción explora la autocrítica, la ansiedad y las espirales de doomscrolling que definen la vida digital moderna. Guitarras y sintetizadores se entrelazan de forma orgánica, mientras la voz de Michael Spieler sorprende con matices inesperados y memorables, reafirmando la capacidad de la banda para reinventarse sin perder su esencia.
El camino de KYTES se encamina ahora hacia un nuevo capítulo con el lanzamiento de su próximo álbum, Indie Rave, previsto para el 31 de julio de 2026. KYTES encarna la posibilidad de construir un mundo sonoro propio, libre de etiquetas rígidas. Su propuesta es una invitación a dejarse llevar por el ritmo, la emoción y la honestidad de una banda que sigue reinventándose sin perder de vista quiénes son.
El cantautor chileno Nico Wang sigue nos presenta su quinto sencillo, Ojitos de Miel, este tema se presenta como un puente sonoro que celebra la resiliencia, la conexión emocional y el emocionante paso hacia nuevos comienzos.
Con una mezcla de indie rock latinoamericano y melodías vocales propias del pop-rock chileno, Ojitos de Miel transmite un mensaje de apoyo incondicional: la fuerza silenciosa que aparece cuando alguien te ve de verdad. La canción refleja esa mano que acompaña en el silencio y la mirada que guía hacia la cumbre personal, ofreciendo esperanza y confianza en medio de la incertidumbre.
La génesis del sencillo comenzó en 2022 y su producción se completó en 2023 bajo la dirección de Raimundo Norambuena, mientras que la mezcla y masterización estuvieron a cargo de Nicolás Parra e Ignacio Ramírez en Blackvitamina, garantizando una calidad sonora impecable. La canción combina guitarras electrizantes, un ritmo marcado y melodías elevadoras, evocando la claridad emocional de bandas como Los Bunkers y Conociendo Rusia.
Con Ojitos de Miel, Nico Wang busca conectar con oyentes en Chile y Latinoamérica, ofreciendo una propuesta musical que combina contenido emocional profundo con ejecución artística impecable. Este sencillo confirma a Nico Wang como un artista en ascenso, capaz de resonar con quienes buscan música que inspire, conmueva y acompañe.
El cantautor británico Alexander Wolfe se ha consolidado como una figura sensible y honesta del panorama musical contemporáneo. Con una trayectoria marcada por la introspección, la poesía cruda y una habilidad excepcional para convertir experiencias difíciles en canciones profundamente humanas, Wolfe se ha ganado un lugar de culto entre quienes buscan música que no solo suene bien, sino que resuene.
Tras el aclamado Little Death (2019) —un disco celebrado por BBC 6 Music, CLASH, The Line of Best Fit y otros referentes de la crítica— el artista prepara su esperado nuevo álbum, Everythinglessness, previsto para enero de 2026. Este proyecto nace de un periodo de confrontación personal y sanación, incluido un paso por un centro de rehabilitación de salud mental en 2023. Lejos de ocultarlo, Wolfe lo sitúa al frente de su obra, con la convicción de que la vulnerabilidad es una fuerza transformadora.
Su reciente single, “To Feel Love”, revela el corazón emocional del nuevo disco. La canción aborda el escapismo, el alcohol como refugio momentáneo y el deseo casi desesperado de encontrar algo amor, emoción, sentido que haga la vida más llevadera. Con una producción que crece desde la calma hacia un estallido cinematográfico, Wolfe logra ese equilibrio mágico entre lo íntimo y lo épico que caracteriza su estilo. Su voz, atmosférica y confesional, guía la narrativa como si hablara desde un punto intermedio entre la herida y la esperanza.
En un momento en el que las conversaciones sobre salud mental y masculinidad están evolucionando, Wolfe aporta una mirada urgente. “Necesitamos más ejemplos de hombres fuertes que también sean suaves”, afirma, cuestionando los modelos rígidos que han definido la identidad masculina durante generaciones. Estas ideas se reflejan en el viaje narrativo del álbum: desde la dureza impuesta de The Toughening hasta la catarsis emocional de The Softening, que cierra el disco como un acto de reconciliación.
Musicalmente, Alexander Wolfe mantiene su sello: arreglos acústicos, capas vocales que rozan lo espiritual y una producción que envuelve al oyente sin saturarlo. Su obra recuerda por momentos a Guy Garvey o Nick Cave, pero siempre con una huella propia, marcada por un relato íntimo y un humanismo radical.
A través de sus canciones, Wolfe ofrece algo más que melodías: ofrece compañía. Sus historias hablan del duelo, la ansiedad, el amor y las pequeñas resurrecciones que nos permiten seguir adelante. Con Everythinglessness, no solo continúa una carrera sólida; también abre espacio para una conversación más honesta sobre lo que significa sobrevivir en un mundo que a menudo exige silencio.
No Love For The Middle Child se ha convertido en uno de los nombres destacados de la ola alternativa, nacido en Filadelfia y actualmente radicado en Los Ángeles, este productor, compositor y multiinstrumentista se formó desde muy joven en distintos instrumentos desarrollando una sensibilidad que hoy impulsa su estilo. Su propuesta combina pop, punk/rock y electrónica con una naturalidad que lo ha llevado a consolidarse tanto detrás de escena como en el centro del escenario.
El nuevo sencillo se presenta como un puente entre el indie pop y un pop alternativo más abstracto, con ecos de Mk.gee y Bon Iver sin abandonar la inmediatez radio–friendly. “Monochrome” inicia con sintetizadores sutiles que envuelven al oyente y van tomando cuerpo poco a poco, mientras la batería dibuja un pulso tranquilo y la guitarra añade textura melódica. Sobre esta atmósfera pulsante, la voz introduce un contraste cálido que termina elevándose hacia un estribillo luminoso.
La temática del track es igual de significativa: la llegada de una persona capaz de devolver color a la vida, iluminando la rutina gris y reencuadrando el dolor desde un lugar más suave. Es una canción que habla de ser vistos, de encontrar refugio en otro, y de cómo pequeñas presencias pueden transformar por completo el mundo interior. No Love For The Middle Child convierte esta simple idea en un relato emocional que equilibra vulnerabilidad, esperanza y una producción moderna llena de capas.
“Monochrome” confirma que No Love no solo es uno de los productores más versátiles de su generación, sino también un narrador sonoro con una voz propia.
